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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Something Beautiful" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Something Beautiful: Reframing La Colección é a apresentação mais ambiciosa do Museu del Barrio em mais de duas décadas\, exibindo sua coleção permanente única\, complexa e culturalmente diversa. Organizada por Rodrigo Moura\, Curador-Chefe; Susanna V. Temkin\, Curadora; e Lee Sessions\, Curador Associado da Coleção Permanente\, a exposição apresentará aproximadamente 500 obras de arte\, incluindo novas aquisições e comissões de artistas\, por meio de exibições rotativas ao longo de um ano. Something Beautiful atravessa categorias tradicionais de cronologia\, geografia e mídia\, reconsiderando a Coleção por meio de novas abordagens interdisciplinares enraizadas na história e legado fundamental do Museu del Barrio. Esse modelo inovador concentra-se na contribuição das culturas ameríndia\, africana e europeia como base da produção visual nas Américas e no Caribe. A primeira rotação da mostra é organizada em oito seções\, além de sete destaques de artistas. Temas e motivos reaparecem entre as seções para criar uma conversa maior ao longo da exposição. As seções incluem: Ocama Aracoel: espíritos e formas taínos e sua influência no movimento de arte Nuyorican; Visões Cósmicas: artistas indígenas e não indígenas evocando línguas\, paisagens e outras referências culturais ameríndias; Primeiras Impressões: foco em aquisições iniciais e no portfólio gráfico na gravura porto-riquenha; El Barrio: diferentes facetas da vida em East Harlem e outros bairros de Nova York\, especialmente em torno do degrau\, da calçada e da bodega; A Rua se Transforma: intervenções de artistas e ativistas no espaço público; Pathos\, Esperança\, Glória: retratos trans-históricos e autorretratos de artistas que refletem a diversidade da experiência latinx; Vestido/Despido: obras de arte que exploram\, exageram e desconstroem o que significa ser homem\, mulher\, nenhum ou ambos; e Abstracionistas: o protagonismo das mulheres na arte abstrata\, tradições matrilineares\, oticalidades e a moldura da realidade por meio da abstração. Os destaques dos artistas apresentarão as obras de Jorge Soto Sánchez; Alejandro Diaz; Papo Colo; Antonio Lopez; e Myrna Baez.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Nicolas Party e Rosalba Carriera no The Frick Collection
DESCRIPTION:The Frick Collection apresenta uma instalação site-specific do artista suíço Nicolas Party (nascido em 1980) que combina o retrato de Rosalba Carriera intitulado Portrait of a Man in Pilgrim’s Costume [Retrato de um Homem com Traje de Peregrino] com um conjunto de obras de giz pastel criadas pelo próprio Party. A instalação\, nas Italian Galleries do terceiro andar da casa temporária do museu\, o Frick Madison\, justapõe o retrato de Rosalba Carriera\, um espetacular pastel do século XVIII doado ao Frick em 2020 por Alexis Gregory\, com um conjunto de obras de Party\, todas criadas usando pastel. A instalação coloca três retratos – um de Rosalba e dois de Party – no contexto de três murais efêmeros de pastel que representam faixas de tecido inspiradas no trabalho dos artistas do século XVIII Jean-Étienne Liotard e Maurice-Quentin de La Tour.
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LOCATION:The Frick Collection\, 945 Madison Avenue at 75th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Women’s Work" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:O que é o “trabalho das mulheres”? Como as amplas tendências na história econômica\, legal e política dos Estados Unidos incentivaram as mulheres a assumirem certos empregos e as restringiram do “trabalho dos homens”? Como raça\, etnia\, classe social\, status legal\, orientação sexual e apresentação de gênero impactaram essas distinções? \n\n\n\nEm uma nova exposição\, o Centro de História das Mulheres destaca aproximadamente 45 objetos das próprias coleções do Museu e Biblioteca de Nova York para demonstrar como o “trabalho das mulheres” não se encaixa em categorias. Os itens vão desde um berço de mogno do século XIX até um kit de dissecação de médico do século XX\, e ainda\, um botão de alfinete com a mensagem “Shirley Chisholm for President”. A exposição busca mostrar que o trabalho das mulheres tem sido essencial para a sociedade americana e é inherentemente político: o trabalho das mulheres está em todos os lugares. Curada pela equipe curatorial do Centro de História das Mulheres e seus colaboradores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Trust Me" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Selecionada do acervo do Whitney\, Trust Me reúne obras fotográficas que convidam à experiência emocional compartilhada. Os artistas na exposição abraçam a intuição e a indeterminação como parte de seu processo criativo e reconhecem que a vulnerabilidade\, normalmente associada à impotência e exposição\, pode desempenhar um papel na formação de conexões. Retratando laços familiares e ancestrais\, amizade\, parceria romântica e outras redes de influência e troca\, essas fotografias tornam essa conexão visível – na imagem e muitas vezes além dela – evocando as vidas e amores sobrepostos dos criadores\, espectadores e cuidadores das obras. \n\n\n\nA exposição apresenta um grupo intergeracional de artistas: Laura Aguilar\, Genesis Báez\, Alvin Baltrop\, Jenny Calivas\, Moyra Davey\, Lola Flash\, Barbara Hammer\, Muriel Hasbun\, Dakota Mace\, Mary Manning e D’Angelo Lovell Williams. Muitas de suas imagens não incluem pessoas\, mas oferecem reflexões sobre os ambientes e experiências cotidianas\, com objetos frequentemente representando aspectos íntimos das vidas dos artistas. Precisamente encenadas ou em resposta a encontros fortuitos\, essas imagens encorajam uma atenção cuidadosa. \n\n\n\nAlém de abordar temas de vulnerabilidade\, os artistas na exposição escolheram um meio precário. As fotografias emergem por meio de combinações de luz\, produtos químicos\, tempo e acaso\, e\, no entanto\, esses mesmos elementos também podem empurrar uma imagem para além da legibilidade. Muitos dos artistas estabelecem paralelos entre a contingência material e emocional\, e acolhem acidentes\, imperfeições e o inesperado. Apostando no poder das imagens de transmitir sentimentos profundos\, as obras em Trust Me oferecem espaço para capacidade expandida\, reciprocidade e aprendizado.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Bauhaus Stairway Mural" de Roy Lichtenstein na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar a instalação do mural Bauhaus Stairway Mural (1989) de Roy Lichtenstein na galeria localizada na 555 West 24th Street\, em Nova York. Esta é a segunda vez que a Gagosian exibe um mural de Lichtenstein\, seguindo a réplica do Greene Street Mural (1983) no mesmo local em 2015. \n\n\n\nNa década de 1960\, Lichtenstein forjou uma nova abordagem para a pintura ao fundir a cultura popular e a história da arte ocidental. Seu trabalho é enraizado nos poderes sedutores da publicidade e eleva a imagética gráfica da mídia impressa popular e das ilustrações de quadrinhos ao reino da alta arte. Empregando um processo artesanal\, ele se inspirou nas técnicas de impressão de revistas e jornais\, fazendo com que os pontos Benday e as cores vivas se tornassem sinônimos de Pop art. Lichtenstein produziu murais ao longo de sua carreira\, desde Girl in a Window para o Pavilhão do Estado de Nova York na Feira Mundial de 1964 até o Times Square Mural\, projetado em 1994 e instalado em 2002. \n\n\n\nMedindo aproximadamente 8 metros de altura e pintado em óleo e Magna sobre tela\, o Bauhaus Stairway Mural presta homenagem ao artista abstrato alemão Oskar Schlemmer (1888–1943) e sua pintura Bauhaustreppe (Escadaria da Bauhaus\, 1932). O mural de Lichtenstein foi encomendado para o átrio principal da sede da Creative Artists Agency (CAA) em Beverly Hills\, que o arquiteto do edifício\, I.M. Pei\, imaginou como um ponto de encontro para escritores\, diretores\, atores\, músicos e agentes – um enfoque na interação interdisciplinar que ressoava com o interesse de Lichtenstein em formas criativas acessíveis.
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LOCATION:Gagosian Nova York\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Shary Boyle: Outside the Palace of Me" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Shary Boyle: Outside the Palace of Me explora as forças que criam nosso eu interior e exterior\, tanto individual quanto coletivamente. A exposição solo multisensorial de novas obras pela artista visual canadense inclui cerâmicas exquisitamente esculpidas\, autômatos em tamanho real\, espelhos bidirecionais\, uma escultura com operação de moedas e uma trilha sonora interativa. Para realizar sua visão criativa para a exposição\, Boyle contou com uma equipe de colaboradores\, incluindo um cenógrafo\, um artista de figurinos\, um engenheiro de robótica\, um inovador de parques de diversões e um artista de unhas acrílicas. Cada obra na exposição é um testemunho da fabricação manual lenta\, habilidosa e apaixonada. \n\n\n\nAdotando as estruturas do teatro\, Outside the Palace of Me funciona como uma metáfora para a construção e apresentação do eu. Dentro de suas fronteiras\, a audiência alterna entre o papel de observador e observado enquanto interage com uma variedade de personagens e objetos inquietantes\, desde o miniatura até o monumental. Trabalhos em papel com guache\, tinta e acrílico adicionam um elenco de narradores complicados ao reino profundamente imaginativo\, idiossincrático e perturbador de Boyle.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Picasso in Fontainebleau" no MoMA
DESCRIPTION:Pablo Picasso passou grande parte do verão de 1921 em uma garagem. Dentro deste estúdio improvável\, localizado em uma villa alugada em Fontainebleau\, na França\, ele trabalhou prolificamente para criar um impressionante conjunto de obras. Entre suas criações mais surpreendentes\, estavam dois quadros de seis pés de altura\, radicalmente diferentes\, que ele pintou lado a lado com apenas algumas semanas de diferença: Three Women at the Spring e Three Musicians. Picasso in Fontainebleau reunirá essas duas pinturas monumentais\, juntamente com outras obras do período de três meses em que o artista improvisou esse estúdio\, complementadas por fotografias e documentos de arquivo. \n\n\n\nA busca simultânea de estilos díspares por Picasso havia envolvido o mundo da arte em controvérsia por vários anos. Picasso havia progredido ou regredido? Ele era vanguardista ou acadêmico? Revolucionário ou reacionário? Os críticos estavam divididos. Essas questões falam sobre a maneira como a produção de Picasso em Fontainebleau desafia categorizações e subverte as expectativas sobre a evolução dos artistas. \n\n\n\nA exposição apresentará quatro telas monumentais – duas versões de “Três Mulheres na Fonte” e duas de “Três Músicos” – juntamente com outras pinturas\, desenhos\, pastéis e gravuras feitos durante a breve estadia do artista em Fontainebleau. Fotografias raramente vistas do estúdio e da família de Picasso contextualizarão ainda mais a vida cotidiana do artista e sua prática artística. A exposição também explorará novas descobertas sobre o processo e o espírito experimental que marcam o trabalho de Picasso em Fontainebleau.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Judy Chicago: Herstory” no New Museum
DESCRIPTION:Judy Chicago: Herstory abrange a carreira de sessenta anos de Judy Chicago para englobar toda a amplitude das contribuições da artista\, que vão desde pintura\, escultura\, instalação\, desenho\, têxteis\, fotografia\, vitrais\, bordado e gravura. Expandindo os limites de uma exposição de museu tradicional\, a mostra colocará seis décadas de trabalho de Chicago em diálogo com o trabalho de outras mulheres ao longo dos séculos em uma instalação única no quarto andar. Intitulada The City of Ladies\, esta exposição coletiva conjunta apresenta obras de arte e materiais de arquivo de mais de oitenta artistas\, escritoras e pensadoras\, incluindo Simone de Beauvoir\, Hildegard of Bingen\, Artemisia Gentileschi\, Zora Neale Hurston\, Frida Kahlo\, Hilma af Klint e Virginia Woolf\, entre muitas outras. \n\n\n\nOcupando três pisos do Museu\, Herstory traçará a totalidade da prática de Chicago\, desde seus experimentos no Minimalismo dos anos 1960 e sua arte feminista revolucionária dos anos 1970 até suas séries narrativas das décadas de 1980 e 1990\, nas quais ela expandiu seu foco para confrontar desastres ambientais\, nascimento e criação\, masculinidade e mortalidade. Contextualizando sua metodologia feminista dentro dos diversos movimentos artísticos nos quais ela participou – e cujas histórias frequentemente foram apagadas -\, Herstory destacará o impacto tremendo de Chicago na arte americana e ressaltará seu papel crítico como historiadora cultural que reivindica espaço para artistas mulheres anteriormente omitidas do cânone.
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LOCATION:New Museum\, 235 Bowery 10002\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Desde o início de sua prática\, um elemento crítico para Rirkrit Tiravanija (tailandês\, nascido em 1961) tem sido a presença de “muitas pessoas” – um termo propositadamente amplo e expansivo que serve como um convite aberto a todos e a qualquer um\, presente e futuro. Sua maior exposição até o momento\, Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE\, traça quatro décadas da carreira do artista e apresenta mais de 100 obras\, desde experimentações iniciais com instalações e filmes\, até trabalhos em papel\, fotografias\, efêmeros\, esculturas e novas “peças” produzidas de participação fundamental. Estendendo-se por nossas galerias do segundo andar\, lobby e pátio\, a exposição inclui obras raramente vistas que abordam suas experiências como imigrante\, com um senso palpável de “diferença” em um mundo artístico centrado no Ocidente\, juntamente com séries mais recentes que abordam a política global e o ciclo de notícias do cotidiano. Fundamental para a evolução da arte contemporânea em Nova York e em todo o mundo\, a prática interdisciplinar de Tiravanija tem alcance transnacional\, envolvendo noções de diferença cultural\, interrogando os limites do lugar e negociando como as pessoas podem se reunir. \n\n\n\nNo centro da exposição está uma apresentação recém-concebida de cinco peças interativas históricas\, apresentadas em um palco como uma série de peças de teatro. Tiravanija descreve a evolução contínua de suas obras: “Como uma boa receita\, todo mundo sabe o que é\, como tem gosto e até como fazê-lo novamente – talvez de maneira diferente\, seguindo sua própria interpretação; ou talvez seja a base para algo completamente diferente\, uma possibilidade.” \n\n\n\nApresentados às sextas-feiras e sábados\, as cinco peças a seguir se desdobram cronologicamente ao longo da exposição. Volte a cada mês para experimentar uma nova obra de arte. \n\n\n\nuntitled 1990 (pad thai)\, 1990October 13 through November 11\, 2023 \n\n\n\nuntitled 1991/2008 (shall we dance)\, 1991/2008November 17 through December 9\, 2023 \n\n\n\nuntitled 1992-1995 (free/still)\, 1992/1995/1997/1998/1999/2003/2007/2011–December 15\, 2023 through January 6\, 2024 \n\n\n\nuntitled 1994 (angst essen seele auf)\, 1994January 12 through February 3\, 2024 \n\n\n\nuntitled 2011 (t-shirt\, no t-shirt)\, 2011February 9 through March 2\, 2024
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SUMMARY:"Going Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility" no Guggenheim
DESCRIPTION:Going Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility apresenta obras de arte que trazem figuras parcialmente obscurecidas ou ocultas\, posicionando-as na “borda da visibilidade”. Neste contexto artístico\, a frase comum “a caminho da escuridão” é entendida como uma tática em que os artistas ocultam visualmente o corpo para explorar uma tensão fundamental na sociedade contemporânea: o desejo de ser visto e o desejo de estar escondido da vista. \n\n\n\nOs artistas na exposição articulam o “caminho da escuridão” por meio de estratégias formais que podem incluir métodos de escurecimento literal\, como sombreamento; rotação do corpo; materiais e métodos de impressão inovadores; e ferramentas de pós-produção que borram ou iluminam. Algumas das obras mais recentes que estarão em exibição fazem uso da tecnologia digital\, como a tela verde (ou azul) croma-chave. Essas obras se movem fluidamente entre a figuração e a abstração\, e muitos artistas manipulam de forma inventiva a cor e a luz para também obscurecer a percepção ótica\, desafiando a própria biologia da visão. \n\n\n\nOcupando a icônica rotunda do Museu Guggenheim\, Going Dark apresenta mais de 100 obras de um grupo de 28 artistas\, a maioria dos quais é negra e mais da metade dos quais são mulheres. Embora a maioria das obras datem dos anos 1980 até o presente\, uma seleção delas foi criada nas décadas de 1960 e 1970 por três artistas icônicos – David Hammons\, Faith Ringgold e Charles White – sugerindo que o desenvolvimento da arte conceitual durante essas décadas lançou novos caminhos de expressão que serviram de base para os artistas contemporâneos que abordam a “borda da visibilidade” hoje. \n\n\n\nGoing Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility é organizada por Ashley James\, Curadora Associada de Arte Contemporânea\, com a assistência curatorial de Faith Hunter.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/dark-the-contemporary-figure-at-the-edge-of-visibility-no-guggenheim/
LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Kay WalkingStick / Hudson River School" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:A exposição Kay WalkingStick / Hudson River School coloca as pinturas de paisagens da renomada artista contemporânea cherokee Kay WalkingStick em diálogo com destaques da coleção de pinturas da Escola do Rio Hudson do século XIX do New-York Historical. Esse diálogo artístico destaca as maneiras pelas quais o trabalho de WalkingStick se conecta e se afasta da tradição da Escola do Rio Hudson e explora a agência da arte na formação da relação da humanidade com a terra. A exposição celebra uma reverência compartilhada pela natureza\, ao mesmo tempo em que aborda questões cruciais sobre a desapropriação da terra e sua reivindicação pelos povos e nações indígenas\, e explora a relação entre a arte indígena e a história da arte americana. \n\n\n\nDestaques dos mais de 40 trabalhos da exposição incluem duas pinturas de WalkingStick diretamente inspiradas por artistas da Escola do Rio Hudson; a única paisagem da artista que faz referência à Trilha das Lágrimas (uma jornada forçada que seus antepassados cherokees tiveram que fazer); exemplos de suas primeiras abstrações esculturais pintadas\, inspiradas na natureza; e várias de suas pinturas mais recentes\, como Niagara e Aquidneck After the Storm\, que sobrepõem padrões indígenas abstratos geograficamente específicos a paisagens representacionais\, a fim de reafirmar uma presença indígena que foi apagada nas representações dos colonizadores europeus da América do Norte como uma região intocada e despovoada. Objetos indígenas americanos emprestados pela artista e outras coleções de museus\, incluindo cestas tecidas e jarros de cerâmica\, oferecem insights sobre os padrões de origem de WalkingStick e seu processo artístico. \n\n\n\nA exposição é o resultado de uma estreita colaboração entre a artista e Wendy Nālani E. Ikemoto (nativa havaiana)\, curadora sênior de arte americana do New-York Historical.
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SUMMARY:"Introspection" de Frank Ockenfels no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Frank Ockenfels frequentemente busca aquilo que se desvia da norma\, do esperado ou do óbvio. Ele aborda seus temas com brincadeira e espontaneidade e utiliza o que está disponível no momento. Pode ser um raio de luz\, um movimento ou o uso brincalhão do flash. Ao aplicar várias técnicas diferentes – como fotografia\, pintura e colagem – e experimentar com luz\, óptica e diferentes tipos de câmeras\, Ockenfels está sempre tentando esticar os limites do que uma fotografia ou obra de arte pode ser. \n\n\n\nIntrospection examina a carreira do artista em diferentes seções\, cada uma ligada à seguinte por meio da exibição dos Journals de Ockenfels\, que ele criou para documentar seus diversos projetos. O que inicialmente começou como notas rapidamente rabiscadas em uma polaroid para lembrar as configurações de iluminação e planos para o dia seguinte se transformou em uma maneira de registrar suas conversas com seus temas e de desenvolver ideias\, trabalhar com influências e acompanhar seu progresso. \n\n\n\nNesta exposição\, novas obras fotográficas são combinadas com peças únicas e originais\, algumas em que a fotografia não está no centro. Em vez disso\, vemos skates\, jornais e sucatas de metal como tela para os pincéis\, canetas e tintas de Ockenfels. Seu tratamento por vezes áspero de suas fotografias transforma-as de retratos de pessoas individuais em um reflexo de si mesmo e de seus mundos interiores.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/introspection-de-frank-ockenfels-no-fotografiska-museum/
LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Suneil Sanzgiri: Here the Earth Grows Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Como vivemos e narramos momentos de revolução e revolta\, e como entendemos essas experiências através do tempo e da distância? Utilizando tecnologias de imagem para meditar sobre o que significa testemunhar de longe\, Suneil Sanzgiri explora as complexidades do anticolonialismo\, nacionalismo e identidade diaspórica. Seu trabalho é inspirado pelo legado de resistência de sua família em Goa\, Índia\, uma área sob ocupação portuguesa por mais de 450 anos até sua independência em 1961. Two Refusals (Would We Recognize Ourselves Unbroken?)\, a mais nova instalação de vídeo em dois canais do artista\, combina filmagens de arquivo\, animação\, entrevistas e um roteiro escrito pela poetisa Sham-e-Ali Nayeem. O filme conta as histórias da luta mútua na Índia e na África contra o colonialismo português\, destacando a solidariedade que se desenvolveu entre os dois continentes durante as décadas de 1960 e 1970. \n\n\n\nHere the Earth Grows Gold\, a primeira exposição solo de Sanzgiri em um museu\, combina o filme com uma projeção em 16 mm e um novo trabalho escultural. Modelado a partir de estruturas de bambu vistas em toda a Ásia do Sul\, o conjunto apresenta fotos de família\, renderizações em 3D\, publicações anticoloniais e imagens de água e solo de argila vermelha de Goa\, extraídas de sua pesquisa. Juntas\, essas obras apresentam o conceito de diáspora como uma maneira de reconfigurar nosso entendimento de história e pertencimento.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/suneil-sanzgiri-here-the-earth-grows-gold-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Making Their Mark" no The Shah Garg Foundation
DESCRIPTION:A Fundação Shah Garg tem o prazer de apresentar Making Their Mark\, uma grande exposição que destaca as obras de mais de 80 das mais significativas artistas mulheres das últimas oito décadas. \n\n\n\nCurada por Cecilia Alemani\, Diretora Donald R. Mullen\, Jr. e Curadora-Chefe da High Line Art e Curadora da 59ª Exposição Internacional de Arte na Bienal de Veneza\, a exposição marca a primeira exibição pública da Coleção Shah Garg: um conjunto pioneiro de obras de mulheres coletadas por Komal Shah e Gaurav Garg. \n\n\n\nMaking Their Mark promove a vida e o trabalho de artistas mulheres\, trazendo em relevo vibrante suas relações intergeracionais\, avanços formais e materiais\, e impacto histórico. Por meio de desenhos\, obras de mídia mista\, pinturas\, esculturas e trabalhos têxteis\, as artistas de Making Their Mark redefinem a história da arte através de suas práticas singulares e icônicas. \n\n\n\nApós a exposição em Nova York\, Making Their Mark viajará para o Museu de Arte de Berkeley e Arquivo de Filme do Pacífico em outubro de 2024\, co-curada por Margot Norton. Em seguida\, seguirá para o Museu de Arte Kemper em St. Louis em setembro de 2025\, co-curada por Sabine Eckmann.
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SUMMARY:"Grace Wales Bonner—Spirit Movers" no MoMA
DESCRIPTION:Para esta exposição\, a mais recente edição da celebrada série Escolha do Artista do MoMA\, Wales Bonner reuniu mais de 50 obras de arte da coleção do Museu que exploram som\, movimento\, performance e estilo na diáspora africana e além. Ela reúne artistas de todo o mundo e de diferentes gerações\, incluindo Terry Adkins\, Moustapha Dimé\, Agnes Martin\, Man Ray\, Betye Saar e David Hammons. As obras apresentadas não são objetos ou imagens estáticos\, mas entidades dinâmicas profundamente conectadas ao ritual\, devoção e experiência coletiva. Esculturas parecem tremer com som; partituras evocam cerimônias; desenhos traçam estados de devaneio. Essas relações íntimas e poéticas inspiraram o título da exposição de Wales Bonner\, Spirit Movers. \n\n\n\nWales Bonner mudou a maneira como vemos o estilo. Cada detalhe de seus designs de moda interdisciplinares\, publicações\, exposições e filmes está relacionado a histórias\, arquivos e identidades culturais através do mundo diaspórico. Spirit Movers cria uma meditação profundamente pessoal sobre a expressão negra — e reflete o compromisso de Wales Bonner com a pesquisa de arquivos como uma forma de espiritualidade e prática estética.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/grace-wales-bonner-spirit-movers-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:An-My Lê no MoMA
DESCRIPTION:Por 30 anos\, as fotografias da artista An-My Lê têm abordado as complexas ficções que informam como justificamos\, representamos e mitologizamos a guerra e outras formas de conflito. Lê não adota uma abordagem fotojornalística direta para retratar o combate. Em vez disso\, com atenção poética à política e à paisagem\, ela medita sobre o significado da violência perpétua\, o impacto ambiental da guerra e a importância da diáspora. \n\n\n\nAn-My Lê: Between Two Rivers/Giữa hai giòng sông/Entre deux rivières é a primeira exposição a apresentar as poderosas fotografias de Lê ao lado de suas incursões em filme\, vídeo\, têxteis e escultura. Bordados nunca antes vistos — alguns em grande escala\, outros do tamanho de uma tela de laptop — e fotografias raramente exibidas de suas séries Delta e Gabinetto exploram a relação entre mídia de massa\, gênero\, trabalho e violência. E uma instalação imersiva criada especialmente para a exposição atesta a longa consideração da artista sobre as dimensões cinematográficas da fotografia e da guerra.
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SUMMARY:"Prickling Goosebumps & a Humming Horizon" de Pipilotti Rist na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A artista suíça Pipilotti Rist\, autodenominada ‘selvagem e amigável’\, apresenta uma seleção de obras esculturais e projeções recentes na exposição Prickling Goosebumps & a Humming Horizon\, uma importante mostra em duas partes que será inaugurada em Chelsea. A exposição ocorre simultaneamente na localidade da 22nd Street da Hauser & Wirth e na localidade da 24th Street da Luhring Augustine\, sendo concebida pela artista como uma experiência multisensorial para os visitantes. Nestas apresentações complementares\, Rist explorará espaços físicos e psicológicos internos e externos\, com a Luhring Augustine reimaginada como um amplo ‘quintal’ compartilhado e a Hauser & Wirth transformada em uma ‘sala de estar coletiva’ lúdica. \n\n\n\nEm cada local\, os visitantes serão recebidos com um gesto artístico na fachada: a obra Textile Simultaneity na Luhring Augustine e a Innocent Collection na Hauser & Wirth.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"bilwi naats Ga’niipci" de Natalie Ball no Whitney Museum
DESCRIPTION:Esta exposição reúne um grupo de novas montagens esculturais de Natalie Ball (nascida em 1980). Seu título\, bilwi naats Ga’niipci\, traduz-se como “cheiramos como o exterior” – uma adaptação de uma expressão que Ball associa à sua infância e família em espaços tanto Negros quanto Indígenas. A palavra “naats”\, ou “nós”\, reflete suas identidades interseccionais como uma artista Negra\, Modoc e Klamath que trabalha em suas terras ancestrais no sul do Oregon e norte da Califórnia. \n\n\n\nBall começa reunindo uma variedade de materiais\, frequentemente incluindo peles\, colchas\, jornais e compensado. Em seguida\, ela destrói\, molda e costura esses objetos em formas sobrepostas que evocam uma presença corporal. Seu processo de trabalho ocorre em um “estúdio” expansivo que engloba sua casa\, garagem\, quintal e o próximo ya-ah-gah goo’geh (Rio Williamson) e é inseparável de suas relações com as pessoas e idiomas de suas comunidades. Os objetos que Ball escolhe incorporar carregam consigo as texturas\, histórias e aromas dos lugares por onde passaram\, resultando em obras que aprofundam e desestabilizam as compreensões da vida Indígena nos Estados Unidos. Essas marcas de história transformada ecoam nos locais de exposição\, como este\, e ressoarão no futuro. \n\n\n\nEsta exposição estará em exibição na galeria do Lobby do Museu\, acessível gratuitamente ao público\, como parte do compromisso contínuo do Whitney Museum em apoiar e destacar o trabalho mais recente de artistas emergentes. \n\n\n\nA exposição é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção Jennifer Rubio\, com Rose Pallone\, Assistente Curatorial.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Prickling Goosebumps & a Humming Horizon" de Pipilotti Rist na Luhring Augustine
DESCRIPTION:Inaugurada em novembro de 2023\, a artista suíça autodescrita como “selvagem e amigável” Pipilotti Rist apresenta uma seleção de novas e recentes obras esculturais e projeções em Prickling Goosebumps & a Humming Horizon\, uma grande exposição em duas partes aberta em Chelsea. A exposição\, que ocorre simultaneamente na localização da Hauser & Wirth e na Luhring Augustine\, foi concebida pela artista como uma experiência multissensorial para os visitantes. Nessas apresentações complementares\, Rist explora o interior e o exterior — espaços físicos e psicológicos internos e externos — com a Luhring Augustine reimaginada como um “quintal” compartilhado e expansivo e a Hauser & Wirth transformada em uma “sala de estar coletiva” caprichosa.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/prickling-goosebumps-a-humming-horizon-de-pipilotti-rist-na-luhring-augustine/
LOCATION:Luhring Augustine Chelsea\, 531 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Women Dressing Women" no The Met
DESCRIPTION:A exposição de outono de 2023 do Instituto de Figurino explorará a criatividade e o legado artístico de estilistas mulheres a partir da coleção permanente do Met\, traçando uma linhagem de criadoras desde a virada do século XX até os dias atuais\, destacando estilistas consagradas\, novas vozes e histórias esquecidas da mesma forma. \n\n\n\nWomen Dressing Women contará com o trabalho de mais de setenta designers de moda feminina\, abrangendo aproximadamente de 1910 até hoje\, incluindo alta-costura francesa de casas como Jeanne Lanvin\, Elsa Schiaparelli e Madeleine Vionnet\, até criadoras americanas como Ann Lowe\, Claire McCardell e Isabel Toledo\, juntamente com designs contemporâneos de Iris van Herpen\, Rei Kawakubo\, Anifa Mvuemba e Simone Rocha. \n\n\n\nUm catálogo\, publicado pelo Met e distribuído pela Yale University Press\, acompanhará a exposição.
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SUMMARY:"Ruminations" de Frank Gehry na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta Ruminations\, uma exposição de novas esculturas e obras em papel de Frank Gehry\, que será inaugurada na localização da galeria na Madison Avenue 976 em 8 de fevereiro de 2024. Ruminations apresenta elaborações em grande escala de objetos da série de esculturas Fish Lamps de Gehry (1984–86 e 2012–)\, uma escultura de Crocodile Lamp e várias obras em papel que não foram anteriormente vistas em Nova York. \n\n\n\nAs esculturas\, várias das quais serão visíveis a partir desta exposição\, são formas internamente iluminadas em cobre e Formica; um peixe de cobre fica suspenso do teto do primeiro espaço da galeria\, onde também está em exibição a escultura Crocodile Lamp (2023). Outros dois grupos autônomos estão expostos sobre bases pesadas de madeira artesanal no segundo espaço\, ao lado de outro grande peixe suspenso. Embora as esculturas de peixes de Gehry sejam obras autônomas\, a “forma perfeita” da antiga criatura que elas emulam reaparece em todo seu trabalho arquitetônico\, contribuindo para os perfis ondulados de edifícios como o Walt Disney Concert Hall de 2003 em Los Angeles; Guggenheim Bilbao (1997); e Guggenheim Abu Dhabi (abertura em 2025). As escamas semelhantes a folhas no peixe de cobre representam um novo motivo inspirado em uma caminhada que Gehry fez com sua neta.
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LOCATION:Gagosian\, 976 Madison Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"How Much Paint Is in a Painting" de Markus Amm na David Kordansky Gallery
DESCRIPTION:A David Kordansky Gallery tem o prazer de anunciar How Much Paint Is in a Painting\, uma exposição individual de novas pinturas de Markus Amm\, sua primeira exposição individual em Nova York. \n\n\n\nAmm consistentemente reformulou os termos da pintura abstrata\, traduzindo linguagens formais associadas ao modernismo de maneiras luminosas e materialmente ricas que refletem a mais ampla gama de preocupações contemporâneas. Ele emergiu como um membro singular de uma geração de pintores europeus que buscavam entender a arte não objetiva de acordo com as pressões da vida como a conheciam nas décadas de 1990 e 2000. Desde então\, ele produziu um corpo de trabalho distinguido por seu foco e ressonância emocional. Este trabalho é produzido usando técnicas que o artista desenvolveu para maximizar a intensidade de seus pigmentos\, bem como a profundidade e a complexidade assombrosa de suas composições.
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LOCATION:David Kordansky Gallery\, 520 W 20th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mark Yang: Birth" na Kasmin Gallery
DESCRIPTION:A Kasmin apresenta a primeira exposição individual de Mark Yang na galeria. Uma série de novas pinturas de Yang estará em exibição na 297 Tenth Avenue de 11 de janeiro a 17 de fevereiro de 2024\, apresentando os desenvolvimentos técnicos e temáticos recentes na prática de pintura de Yang. \n\n\n\nA ambiguidade continua a ser um tema pervasivo nas composições características de Yang\, que entrelaçam partes do corpo e exploram nuances da interação humana. Evitando atribuições claras de gênero\, as figuras de Yang resistem aos surtos de uma narrativa totalizadora. Yang realiza suas novas figuras audaciosamente coloridas tingindo a tela crua com finas camadas transparentes de tinta a óleo. Camada após camada\, Yang desenvolve campos de cor com volume que ancoram suas figuras em seus cenários liminares\, antes de definir seus fundos e sombras. Usando técnicas associadas à história da abstração\, mas divergindo do uso típico de acrílicos sintéticos\, a encenação de Yang de suas composições amplifica um senso de convicção e imediatismo frequentemente encontrado em desenhos sobre tela. A abordagem de Yang à linha como uma ferramenta para construir suas composições é semelhante à de um desenhista\, vista em suas aplicações dinâmicas de carvão após o processo de tingimento\, que proporcionam delicadezas impressionantes e texturas sutis. As combinações de cores improvisadas de Yang refletem uma busca exploratória que fundamenta sua mistura característica de partes do corpo e membros.
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LOCATION:Kasmin Gallery\, 297 Tenth Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Tony Bechara na Lisson Gallery
DESCRIPTION:As pinturas dinâmicas e saturadas de Tony Bechara criam um campo puro de percepção física. Cada tela é meticulosamente pintada com áreas multicoloridas de quadrados de um quarto de polegada. Usando tiras de fita adesiva\, Bechara organiza tons cuidadosamente formulados em uma superfície óptica lúdica e revigorante\, composta por uma infinidade de pequenas unidades coloridas. O ritmo geral da obra é determinado por um processo sistemático\, mas projetado para permitir que combinações de cores surjam por acaso. Bechara cita influências ao longo da história da arte\, incluindo as cores de Matisse e Vuillard\, o pontilhismo de Seurat e Signac\, tradições de tecelagem e artesanato\, os famosos mosaicos da era bizantina em Ravena e a precisão da abstração de borda dura\, especialmente o trabalho de Leon Polk Smith\, um ex-inquilino do estúdio de Bechara. Essas influências se refletem na abordagem de Bechara à pintura: ele usa uma grade semelhante a azulejos como base para suas explorações dos princípios do uso da cor\, especialmente a interseção entre organização e aleatoriedade. A divisão da superfície da pintura em pequenas caixas modulares é semelhante a pixels; o olhar está constantemente em movimento. Bechara apresenta ao espectador sua relação retiniana e neurológica com a cor\, equilibrando a impressão imediata da tonalidade e a lógica geral do padrão.
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LOCATION:Lisson Gallery\, 508 W 24th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Leon Polk Smith: 1940 – 1961" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Considerado um dos fundadores do estilo hard-edge da arte abstrata minimalista\, Leon Polk Smith começou a experimentar com as formas e motivos que moldariam sua prática no início dos anos 1940\, por volta da época em que se mudou para a cidade de Nova York para seguir sua carreira artística. Esta exposição destaca as peças feitas nas décadas de 1940 a 1950\, incluindo uma seleção de pinturas-chave da época\, juntamente com um grupo de estudos\, desenhos e maquetes. Essas obras fazem referência à sua vasta gama de influências\, desde sua investigação dos pintores do movimento De Stijl e Piet Mondrian até sua própria experiência com a planície do Centro-Oeste e as cores vibrantes das artes indígenas de seu estado natal\, Oklahoma. O trabalho produzido por Smith durante esses anos cruciais molda os temas-chave do que viria a ser seu legado.
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LOCATION:Lisson Gallery\, 504 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"The Living" de Gritli Faulhaber na Theta Gallery
DESCRIPTION:A exposição The Living pode ser vista como um vasto recipiente que\, como uma ideia ou palavra\, abriga a experiência de estar vivo e o curso dos eventos e atividades humanas. A prática de Gritli Faulhaber abarca quase tanto\, misturando ideias de autodefinição\, humanismo\, trabalho\, romantismo e anacronismo de uma maneira totalmente contemporânea de abordar a pintura\, posicionando o presente como um vácuo para fios perdidos ao longo da história. Ela colhe material da fonte de um amplo arquivo de referências que vão desde objetos pessoais — uma camiseta Billabong longa de sua adolescência — até obras da ilustradora Art Nouveau erótica Gerda Wegener e da impressionista francesa Berthe Morisot. As técnicas variam de impasto pesado a pinceladas delicadas\, e de telas expostas a pigmento preto completamente saturado.
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LOCATION:Theta Gallery\, 184 Franklin Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mounting Spirits\, Resisting Empire" de Kathia St. Hilaire na Perrotin
DESCRIPTION:A Perrotin apresenta Mounting Spirits\, Resisting Empire\, a primeira exposição da galeria da artista haitiano-americana Kathia St. Hilaire. Em seu novo conjunto de obras têxteis\, a artista explorará a história das Guerras das Bananas na América Central e no Caribe no início do século XX. Utilizando um inovador processo de gravura em relevo por redução e incorporando materiais não tradicionais\, ela cria tapeçarias ornamentadas que buscam preservar a história haitiana e a religião Vodu. \n\n\n\nHá uma forma particular de consciência sensorial presente no trabalho de Kathia St. Hilaire que exige atenção focada\, pois ela o incorpora com experiência pessoal\, histórica e sociopolítica. Seu conteúdo maravilhoso oferece uma linguagem artística e um processo de criação de mundo complicados e ricamente impregnados com visões que não apenas expressam uma ampla gama de emoções humanas\, mas são essencialmente e autonomamente moldados por suas representações conceituais do mundo de seus ancestrais\, principalmente aqueles originários do Haiti. Sua evolução artística é marcada por uma fusão distintiva de influências culturais e uma exploração profunda da identidade\, humanismo e justiça social.
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LOCATION:Perrotin\, 130 Orchard St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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