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SUMMARY:"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção\, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias\, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social\, no qual as técnicas artísticas\, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados\, sem estar preso a uma cronologia rígida\, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero\, classe\, trabalho\, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade\, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet\, Gustave Courbet\, Berthe Morisot\, Francisco Oller\, Henri Matisse\, Pablo Picasso\, Yves Tanguy\, Vasily Kandinsky\, entre outros.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Cecily Brown no The Met Museum
DESCRIPTION:Há mais de vinte e cinco anos\, Cecily Brown (nascida em 1969) tem fascinado espectadores com cores suntuosas\, pinceladas ousadas e narrativas complexas relacionadas a alguns dos temas mais grandiosos e antigos da história da arte ocidental. Após se mudar de Londres para Nova York na década de 1990\, ela ressuscitou a pintura para uma nova geração\, juntamente com um punhado de outros artistas\, muitas delas mulheres\, exatamente no momento em que os críticos questionavam sua importância e relevância. A primeira exposição completa institucional sobre o trabalho de Brown em Nova York desde que ela se estabeleceu na cidade\, Cecily Brown: Death and the Maid reúne cerca de cinquenta pinturas\, desenhos\, cadernos de esboços e monotipias de diferentes momentos de sua carreira para explorar os temas entrelaçados de natureza-morta\, memento mori\, reflexão e vanitas – representações simbólicas da vaidade humana ou da brevidade da vida – que impulsionaram sua prática dinâmica e impactante por décadas.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/amalia-mesa-bains-archaeology-of-memory-no-el-museo-del-barrio/
LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Something Beautiful" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Something Beautiful: Reframing La Colección é a apresentação mais ambiciosa do Museu del Barrio em mais de duas décadas\, exibindo sua coleção permanente única\, complexa e culturalmente diversa. Organizada por Rodrigo Moura\, Curador-Chefe; Susanna V. Temkin\, Curadora; e Lee Sessions\, Curador Associado da Coleção Permanente\, a exposição apresentará aproximadamente 500 obras de arte\, incluindo novas aquisições e comissões de artistas\, por meio de exibições rotativas ao longo de um ano. Something Beautiful atravessa categorias tradicionais de cronologia\, geografia e mídia\, reconsiderando a Coleção por meio de novas abordagens interdisciplinares enraizadas na história e legado fundamental do Museu del Barrio. Esse modelo inovador concentra-se na contribuição das culturas ameríndia\, africana e europeia como base da produção visual nas Américas e no Caribe. A primeira rotação da mostra é organizada em oito seções\, além de sete destaques de artistas. Temas e motivos reaparecem entre as seções para criar uma conversa maior ao longo da exposição. As seções incluem: Ocama Aracoel: espíritos e formas taínos e sua influência no movimento de arte Nuyorican; Visões Cósmicas: artistas indígenas e não indígenas evocando línguas\, paisagens e outras referências culturais ameríndias; Primeiras Impressões: foco em aquisições iniciais e no portfólio gráfico na gravura porto-riquenha; El Barrio: diferentes facetas da vida em East Harlem e outros bairros de Nova York\, especialmente em torno do degrau\, da calçada e da bodega; A Rua se Transforma: intervenções de artistas e ativistas no espaço público; Pathos\, Esperança\, Glória: retratos trans-históricos e autorretratos de artistas que refletem a diversidade da experiência latinx; Vestido/Despido: obras de arte que exploram\, exageram e desconstroem o que significa ser homem\, mulher\, nenhum ou ambos; e Abstracionistas: o protagonismo das mulheres na arte abstrata\, tradições matrilineares\, oticalidades e a moldura da realidade por meio da abstração. Os destaques dos artistas apresentarão as obras de Jorge Soto Sánchez; Alejandro Diaz; Papo Colo; Antonio Lopez; e Myrna Baez.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Before Technicolor: Early Color on Film" no MoMA
DESCRIPTION:Os primeiros filmes coloridos foram feitos por volta de 1895\, quando corantes sinteticamente produzidos transformaram a natureza das cores em meios como cartões-postais\, lâminas de lanternas mágicas e tecidos. Para os espectadores e críticos da época\, a cor adicionada aos filmes em preto e branco era um atrativo “efeito especial”. Nas décadas anteriores à comprovação de que a Technicolor era capaz de reproduzir um espectro completo de cores mais próximo das do mundo real\, os coloristas se entregavam às possibilidades imaginativas das técnicas disponíveis para eles. Longe de ser uma conclusão óbvia\, a cor no cinema era um detalhe\, uma oportunidade para a arte e a experimentação. Escrevendo em 1931\, o cineasta e historiador Paul Rotha chegou ao ponto de afirmar que a cor “é desnecessária no cinema dramático teatral” e “definitivamente diminui o apelo”. A cor\, continuou ele\, “sempre deve permanecer uma especulação do ponto de vista comercial… um elefante branco para a mídia cinematográfica”. Recordando essa “história esquecida”\, esta instalação da galeria apresenta nove obras cinematográficas da coleção do MoMA e introduz uma série de sistemas primitivos que foram usados para reproduzir cor no celulóide. Focado em filmes produzidos nos Estados Unidos e na França do meio dos anos 1890 ao meio dos anos 1930\, a exposição apresenta uma série de filmes de dança Butterfly e Serpentine coloridos à mão dos anos 1890; os filmes L’Antre Infernal (1905) e La voix du rossignol (1923) coloridos por estêncil; testes experimentais da Technicolor (1933-1935)\, incluindo um com a atriz Katherine Hepburn como Joana d’Arc; e Sunshine Gatherers (1921)\, um anúncio de frutas enlatadas filmado em cor Prizma. Restaurados digitalmente pelo Departamento de Cinema em 2019\, esses são alguns dos trabalhos mais cativantes adquiridos pela Film Library do Museu por ocasião de sua fundação nos anos 1930.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Nicolas Party e Rosalba Carriera no The Frick Collection
DESCRIPTION:The Frick Collection apresenta uma instalação site-specific do artista suíço Nicolas Party (nascido em 1980) que combina o retrato de Rosalba Carriera intitulado Portrait of a Man in Pilgrim’s Costume [Retrato de um Homem com Traje de Peregrino] com um conjunto de obras de giz pastel criadas pelo próprio Party. A instalação\, nas Italian Galleries do terceiro andar da casa temporária do museu\, o Frick Madison\, justapõe o retrato de Rosalba Carriera\, um espetacular pastel do século XVIII doado ao Frick em 2020 por Alexis Gregory\, com um conjunto de obras de Party\, todas criadas usando pastel. A instalação coloca três retratos – um de Rosalba e dois de Party – no contexto de três murais efêmeros de pastel que representam faixas de tecido inspiradas no trabalho dos artistas do século XVIII Jean-Étienne Liotard e Maurice-Quentin de La Tour.
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LOCATION:The Frick Collection\, 945 Madison Avenue at 75th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Inheritance” no Whitey Museum
DESCRIPTION:A exposição Inheritance [Herança] traça os impactos profundos das heranças e do passado ao longo das linhas familiares\, históricas e estéticas. Apresentando novas aquisições e obras raramente vistas da coleção do Whitney de quarenta e três artistas de destaque\, a exposição inclui pinturas\, esculturas\, vídeos\, fotografias e instalações de mídia baseada no tempo desde os anos 1970 até hoje. Essa diversidade de obras considera o que foi transmitido e como pode se transformar\, mudar ou viver novamente. Tendo como inspiração o filme de 2020 de Ephraim Asili\, com o mesmo título\, Inheritance reflete sobre múltiplos significados da palavra\, sejam eles celebratórios ou dolorosos\, de uma era\, pessoa ou ideia para a próxima. A exposição adota uma abordagem em camadas para contar histórias\, entrelaçando narrativa com experiências documentais e pessoais com eventos históricos e geracionais. Um grupo de obras que examina o ciclo do nascimento à morte abre a exposição\, enquanto outras galerias abordam diferentes tipos de linhagens\, como o modo como os artistas se apropriam e recriam a história da arte ou desenrolam legados de violência racializada e suas recorrências. O poeta Rio Cortez fala sobre ser “enquadrado pelo nosso conhecimento futuro” – mesmo quando estamos neste momento\, deslizamos para trás e para frente no tempo\, entre nossas antepassadas e os descendentes que nunca conheceremos. Em vez de aceitar passivamente nosso estado atual\, os artistas cujo trabalho está exposto aqui perguntam: Como chegamos aqui\, como indivíduos e como sociedade\, e para onde estamos indo?
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Women’s Work" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:O que é o “trabalho das mulheres”? Como as amplas tendências na história econômica\, legal e política dos Estados Unidos incentivaram as mulheres a assumirem certos empregos e as restringiram do “trabalho dos homens”? Como raça\, etnia\, classe social\, status legal\, orientação sexual e apresentação de gênero impactaram essas distinções? \n\n\n\nEm uma nova exposição\, o Centro de História das Mulheres destaca aproximadamente 45 objetos das próprias coleções do Museu e Biblioteca de Nova York para demonstrar como o “trabalho das mulheres” não se encaixa em categorias. Os itens vão desde um berço de mogno do século XIX até um kit de dissecação de médico do século XX\, e ainda\, um botão de alfinete com a mensagem “Shirley Chisholm for President”. A exposição busca mostrar que o trabalho das mulheres tem sido essencial para a sociedade americana e é inherentemente político: o trabalho das mulheres está em todos os lugares. Curada pela equipe curatorial do Centro de História das Mulheres e seus colaboradores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Trust Me" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Selecionada do acervo do Whitney\, Trust Me reúne obras fotográficas que convidam à experiência emocional compartilhada. Os artistas na exposição abraçam a intuição e a indeterminação como parte de seu processo criativo e reconhecem que a vulnerabilidade\, normalmente associada à impotência e exposição\, pode desempenhar um papel na formação de conexões. Retratando laços familiares e ancestrais\, amizade\, parceria romântica e outras redes de influência e troca\, essas fotografias tornam essa conexão visível – na imagem e muitas vezes além dela – evocando as vidas e amores sobrepostos dos criadores\, espectadores e cuidadores das obras. \n\n\n\nA exposição apresenta um grupo intergeracional de artistas: Laura Aguilar\, Genesis Báez\, Alvin Baltrop\, Jenny Calivas\, Moyra Davey\, Lola Flash\, Barbara Hammer\, Muriel Hasbun\, Dakota Mace\, Mary Manning e D’Angelo Lovell Williams. Muitas de suas imagens não incluem pessoas\, mas oferecem reflexões sobre os ambientes e experiências cotidianas\, com objetos frequentemente representando aspectos íntimos das vidas dos artistas. Precisamente encenadas ou em resposta a encontros fortuitos\, essas imagens encorajam uma atenção cuidadosa. \n\n\n\nAlém de abordar temas de vulnerabilidade\, os artistas na exposição escolheram um meio precário. As fotografias emergem por meio de combinações de luz\, produtos químicos\, tempo e acaso\, e\, no entanto\, esses mesmos elementos também podem empurrar uma imagem para além da legibilidade. Muitos dos artistas estabelecem paralelos entre a contingência material e emocional\, e acolhem acidentes\, imperfeições e o inesperado. Apostando no poder das imagens de transmitir sentimentos profundos\, as obras em Trust Me oferecem espaço para capacidade expandida\, reciprocidade e aprendizado.
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SUMMARY:"Only the Young: Experimental Art in Korea\, 1960s–1970s" no Guggenheim
DESCRIPTION:A exposição Only the Young: Experimental Art in Korea\, 1960s–1970s examina o corpo inovador e desafiador de produção artística de uma época de transformação notável na Coreia do Sul. Criadas por jovens artistas que amadureceram nas décadas imediatamente após a Guerra da Coreia\, as obras refletem e respondem às mudanças nas condições socioeconômicas e materiais que foram moldadas por um cenário político tumultuado em casa e por um mundo globalizado além das fronteiras. Esta é a primeira exposição de arte experimental coreana (silheom misul) em um museu da América do Norte\, dedicada aos seus artistas\, cuja abordagem radical aos materiais e ao processo resultou em algumas das práticas mais significativas da vanguarda do século XX. \n\n\n\nAbrangendo três galerias e apresentando aproximadamente oitenta obras\, esta exposição oferece uma oportunidade sem precedentes para experimentar a criatividade e a amplitude dessa geração de artistas coreanos. Não ligados a uma única estética\, mas sim à busca pelo novo\, esses jovens artistas lançaram o que mais tarde seria chamado de “arte experimental” pelo historiador de arte Gim Mi-gyeong no início dos anos 2000. Tanto individualmente quanto em coletivos\, os artistas experimentais romperam definitivamente com seus predecessores\, redefinindo os limites da pintura e da escultura tradicionais enquanto abraçavam abordagens inovadoras e muitas vezes provocativas para a criação artística. Representando uma variedade de meios\, incluindo performance\, instalação\, fotografia e vídeo\, as obras expostas ilustram como os artistas experimentais lidaram com questões urgentes\, como a subjetividade na era da rápida modernização e globalização\, e a vontade individual às margens de um estado cada vez mais autoritário. O que emerge é a história de como esses jovens artistas coreanos aproveitaram o poder da arte para confrontar e reimaginar um presente em constante mudança.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Exemplary Modern. Sophie Taeuber- Arp with Contemporary Artists" na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A Hauser & Wirth New York abre uma exposição especial que coloca em contraste obras-chave da pioneira modernista suíça do início do século XX\, Sophie Taeuber-Arp (1889-1943)\, com obras de três artistas contemporâneos – Leonor Antunes\, Ellen Lesperance e Nicolas Party. ‘Exemplary Modern. Sophie Taeuber-Arp com Artistas Contemporâneos’ destaca a versatilidade e o legado duradouro da mestra suíça da vanguarda. Através das esculturas\, obras em papel e têxteis em exibição\, as práticas de Antunes\, Lesperance e Party ressoam com a de Taeuber-Arp\, enfatizando a diversidade e a influência duradoura de seu radical trabalho interdisciplinar. \n\n\n\nA exposição apresenta exemplos de Taeuber-Arp que destacam seus variados interesses e uso inventivo de materiais. Diferentes séries de composições em papel exemplificam sua atenção meticulosa à interação entre geometria e cor\, uma preocupação formal que informou grande parte de sua prática. Esboços de cenografias mostram a maestria da artista em projetar espaços teatrais\, enquanto uma bolsa de contas em exibição encapsula sua genialidade em dissolver a fronteira entre arte aplicada e belas-artes.Ao situar esses objetos em diálogo com obras novas e recentes de Antunes\, Lesperance e Party\, a exposição revela maneiras pelas quais a carreira multifacetada de Taeuber-Arp e sua excepcional versatilidade continuam a influenciar a arte contemporânea.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/sophie-taeuber-arp-with-contemporary-artists-na-hauser-wirth-ny/
LOCATION:Hauser & Wirth Nova York\, 69th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Once there was a mother" de Louise Bourgeois na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Celebrada por suas esculturas em grande escala e instalações\, Bourgeois também foi uma inventiva e prolífica gravadora\, especialmente durante a última década de sua vida. A exposição\, centrada em um de seus temas mais poderosos – a maternidade -\, coloca as obras impressas de Bourgeois em relação às esculturas e desenhos para destacar o papel essencial que a gravura desempenhou em sua prática multifacetada. \n\n\n\nOnce there was a mother tira seu título da Placa 9 do livro ilustrado de 1947 de Bourgeois\, He Disappeared into Complete Silence\, que combina nove gravuras com textos curtos que ela chamou de parábolas. Essas histórias e suas imagens acompanhadas de edifícios isolados transmitem um sentimento de solidão\, alienação e falta de comunicação. Elas também mostram a fascinação de Bourgeois pela arquitetura de sua cidade adotiva\, Nova York\, onde ela viveu e trabalhou de 1938 até sua morte em 2010. Na parábola que acompanha a Placa 9\, um filho acaba rejeitando sua mãe dedicada\, apesar de seus melhores esforços para protegê-lo. Bourgeois escreveu isso no meio dos anos 1940\, enquanto criava três filhos pequenos. \n\n\n\nA maioria das obras impressas na exposição foi feita durante a última década de vida de Bourgeois\, quando imagens de maternidade – gravidez\, parto e amamentação – vieram à tona. Embora já estivesse em seus noventa anos na época de sua criação\, as impressões revelam Bourgeois como excepcionalmente ativa e inovadora\, experimentando com uma variedade de técnicas\, adicionando detalhes aplicados à mão e imprimindo em peças de roupa antigas e tecidos domésticos que ela havia guardado ao longo de sua longa vida.Como páginas de um diário\, esse material evocava memórias de pessoas e eventos do passado de Bourgeois e também era usado extensivamente em seu trabalho escultural\, à medida que ela se identificava cada vez mais com sua mãe\, uma tecelã e restauradora de tapeçaria. Seu impressor de longa data\, Felix Harlan\, estabeleceu um processo de impressão no qual os diversos tecidos podiam receber uma impressão tão rica quanto o papel. Nesse período\, Bourgeois também começou a trabalhar de perto com a renomada editora e galerista de Nova York\, Carolina Nitsch\, que incentivou seu interesse em criar impressões com elementos únicos\, incluindo tintas de arquivo\, colagens e processos digitais. \n\n\n\nA gravura permitiu a Bourgeois a possibilidade de pegar uma imagem ou tema e experimentar com ele em diferentes variações e permutações. The Fragile (2007) é uma edição de sete conjuntos individuais de trinta e seis impressões em tecido\, cada um com elementos distintos e tintas de arquivo aplicadas à mão. A obra é uma expressão dos sentimentos de fragilidade física e psicológica de Bourgeois em sua velhice\, e sua subsequente identificação com a criança recém-nascida.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York\, 69th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Bauhaus Stairway Mural" de Roy Lichtenstein na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar a instalação do mural Bauhaus Stairway Mural (1989) de Roy Lichtenstein na galeria localizada na 555 West 24th Street\, em Nova York. Esta é a segunda vez que a Gagosian exibe um mural de Lichtenstein\, seguindo a réplica do Greene Street Mural (1983) no mesmo local em 2015. \n\n\n\nNa década de 1960\, Lichtenstein forjou uma nova abordagem para a pintura ao fundir a cultura popular e a história da arte ocidental. Seu trabalho é enraizado nos poderes sedutores da publicidade e eleva a imagética gráfica da mídia impressa popular e das ilustrações de quadrinhos ao reino da alta arte. Empregando um processo artesanal\, ele se inspirou nas técnicas de impressão de revistas e jornais\, fazendo com que os pontos Benday e as cores vivas se tornassem sinônimos de Pop art. Lichtenstein produziu murais ao longo de sua carreira\, desde Girl in a Window para o Pavilhão do Estado de Nova York na Feira Mundial de 1964 até o Times Square Mural\, projetado em 1994 e instalado em 2002. \n\n\n\nMedindo aproximadamente 8 metros de altura e pintado em óleo e Magna sobre tela\, o Bauhaus Stairway Mural presta homenagem ao artista abstrato alemão Oskar Schlemmer (1888–1943) e sua pintura Bauhaustreppe (Escadaria da Bauhaus\, 1932). O mural de Lichtenstein foi encomendado para o átrio principal da sede da Creative Artists Agency (CAA) em Beverly Hills\, que o arquiteto do edifício\, I.M. Pei\, imaginou como um ponto de encontro para escritores\, diretores\, atores\, músicos e agentes – um enfoque na interação interdisciplinar que ressoava com o interesse de Lichtenstein em formas criativas acessíveis.
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LOCATION:Gagosian Nova York\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"ED RUSCHA / NOW THEN" no MoMA
DESCRIPTION:A exposição ED RUSCHA / NOW THEN apresentará mais de 200 obras\, em meios que incluem pintura\, desenho\, gravuras\, fotografia\, livros de artista\, cinema e instalação\, utilizando desde pólvora até chocolate. Explorando as contribuições marcantes de Ruscha para a arte americana do pós-guerra\, bem como aspectos menos conhecidos de sua carreira de mais de seis décadas\, a exposição oferecerá novas perspectivas sobre um conjunto de obras que influenciou gerações de artistas\, arquitetos\, designers e escritores. Em 1956\, Ruscha deixou sua cidade natal\, Oklahoma City\, e dirigiu ao longo da rodovia interestadual 66 para estudar arte comercial em Los Angeles\, onde se inspirou na arquitetura da cidade\, na linguagem coloquial e na cultura popular. Ruscha registrou e transformou assuntos familiares – seja postos de gasolina à beira da estrada ou o logotipo da 20th Century Fox – muitas vezes revisitando motivos\, locais ou palavras anos depois. Traçando mudanças nos meios e métodos do artista ao longo do tempo\, ED RUSCHA / NOW THEN destaca a reinvenção contínua que definiu seu trabalho.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ed-ruscha-now-then-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"María Magdalena Campos-Pons: Behold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:María Magdalena Campos-Pons: Behold é uma exposição monográfica de uma voz visionária na fotografia\, instalação imersiva\, pintura e performance. Abrangendo quase quatro décadas de obras visualmente envolventes\, a exposição explora o trabalho perspicaz e sensorial de Campos-Pons\, transportando os espectadores por geografias\, meios e práticas espirituais. Em suas explorações sobre migração\, diáspora e memória\, Campos-Pons se baseia na história de sua família para examinar as histórias globais de escravidão\, trabalho por contrato\, maternidade e migração. \n\n\n\nA primeira pesquisa multimídia do trabalho da artista desde 2007\, Behold destaca o compromisso da artista em criar novos modos de compreensão\, bem como seu envolvimento com desafios históricos e contemporâneos interconectados. Esses temas são examinados por meio da prática baseada em performance de Campos-Pons e do foco nos simbolismos da Santería derivados do Yoruba\, bem como seu trabalho com comunidades em Boston\, Cuba\, Itália e Nashville (sua residência atual).
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ruth Asawa Through Line" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Para Ruth Asawa (1926–2013)\, o desenho serviu como um centro de gravidade – a atividade que ela descreveu como seu “maior prazer e o mais difícil”. Embora agora amplamente reconhecida por suas esculturas em arame\, Asawa desenhava diariamente. Sua abordagem exploratória de materiais\, linha\, superfície e espaço resultou em uma impressionante variedade de desenhos que falam de sua curiosidade brincalhona e destreza técnica\, bem como de seu interesse nas possibilidades estéticas do cotidiano. \n\n\n\nDesde sua criação na fazenda de sua família no sul da Califórnia\, onde Asawa desenhava de forma sonhadora traços ao longo das estradas de terra entre as tarefas diárias e frequentava aulas de caligrafia semanais\, o desenho se tornou a base de sua vida criativa. Quando sua família foi forçada a deixar sua casa em 1942 como parte das políticas de isolamento do governo dos EUA em relação aos japoneses-americanos durante a Segunda Guerra Mundial\, a adolescente Asawa encontrou salvação nos artistas que se ensinavam e apoiavam nos campos de internamento. Nos anos seguintes\, como estudante no progressista Black Mountain College e ao longo de seis décadas em São Francisco\, Asawa manteve a crença no poder da arte para construir um futuro melhor. Essa ética orientou seu trabalho como educadora\, líder comunitária e artista. \n\n\n\nEsta exposição destaca o desenho como fio condutor no trabalho de Asawa. Organizada tematicamente e inspirada em sua abordagem curiosa para a criação artística\, a apresentação compreende mais de cem obras\, muitas das quais nunca foram expostas. Juntas\, elas capturam a energia inesgotável e o espírito generoso de Asawa\, que acreditava que “a arte não é uma série de técnicas\, mas uma abordagem para aprender\, questionar e compartilhar”.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Barkley L. Hendricks: Portraits at the Frick" na The Frick Collection
DESCRIPTION:Barkley L. Hendricks (1945–2017) revolucionou a retratação contemporânea com suas representações vívidas de indivíduos negros que enfatizam a dignidade e a individualidade de seus retratados. A partir do final dos anos 1960\, seu trabalho se inspirou e desafiou as tradições da arte europeia\, e a Frick Collection\, com seus retratos icônicos de Rembrandt\, Bronzino\, Van Dyck e outros\, era um de seus museus favoritos. \n\n\n\nAtravés de uma seleção de alguns dos melhores retratos de Hendricks exibidos no contexto das obras da Frick Collection\, esta exposição celebra e explora o trabalho notável deste pioneiro pintor americano com uma exibição sem precedentes de pinturas provenientes de coleções privadas e públicas. Organizada por Aimee Ng\, Curadora na Frick\, e pelo Curador Consultor Antwaun Sargent\, Barkley L. Hendricks: Portraits at the Frick considera o lugar complexo da pintura europeia na arte de Hendricks e o papel em evolução da Frick na cultura americana moderna. O catálogo acompanhante apresenta um prefácio de Thelma Golden e contribuições de artistas e figuras criativas\, incluindo Derrick Adams\, Hilton Als\, Nick Cave\, Awol Erizku\, Rashid Johnson\, Fahamu Pecou\, Mickalene Thomas e Kehinde Wiley.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/barkley-l-hendricks-portraits-at-the-frick-na-the-frick-collection/
LOCATION:The Frick Collection\, 945 Madison Avenue at 75th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Lithium Sex Demons in the Factory" de Candice Lin no Canal Projects
DESCRIPTION:A Canal Projects tem o prazer de apresentar a primeira exposição individual institucional em Nova York da artista baseada em Los Angeles\, Candice Lin\, intitulada Lithium Sex Demons in the Factory (22 de setembro a 16 de dezembro de 2023). Co-comissionado pela Canal Projects e pelo 14º Gwangju Biennale\, o projeto específico do local replica uma fábrica de baterias de lítio\, continuando a pesquisa contínua da artista sobre globalização e redes de comércio\, materialidade e trabalho. \n\n\n\nEmulando um local precário de fabricação\, Lithium Sex Demons in the Factory apresenta uma grande plataforma no centro da galeria da Canal Projects\, criando um ponto de vista de onde os visitantes assumem o olhar de vigilância de um gerente de fábrica. Abordando uma complexa rede de questões relacionadas às histórias da produção em massa\, a instalação se concentra na extração e produção de lítio – um mineral que alimenta o consumo em massa global e também é usado na produção de cerâmica. \n\n\n\nNo chão\, recipientes de fermentação de cerâmica estão conectados por tubos a seis estações de trabalho de fabricação que são montadas com computadores de cerâmica e relógios de ponto\, máquinas zumbindo e luzes acionadas por movimento tremeluzentes. Em cada estação de trabalho\, som\, animação de vídeo e texto narram as vidas fictícias dos demônios sexuais de lítio. Sua história é baseada em um breve ensaio escrito por Lin\, descrevendo a busca de um demônio sexual para retornar dos mortos ao seu amante em uma fábrica de baterias de lítio. Ambientados entre os vapores da fumaça de solda\, os vídeos retratam a banalidade de uma linha de montagem possuída por sonhos e paixões que se recusam a morrer. \n\n\n\nA história do demônio sexual é uma ficção que se baseia em vários mitos asiáticos e lendas de fantasmas\, como os fantasmas famintos chineses (èguǐ)\, fantasmas japoneses que comem fezes (gaki) e o penanggal malaio que se alimenta de sangue menstrual. A possessão demoníaca dos trabalhadores da fábrica tem uma base na realidade\, como documentado pela estudiosa Aihwa Ong. No trabalho de Lin\, no entanto\, esses testemunhos de toxicidade se entrelaçam com uma história de desejo corporal no mundo espiritual\, criando múltiplas camadas em torno da política de trabalho\, do amor queer e da materialidade do nosso mundo contemporâneo.
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LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Shary Boyle: Outside the Palace of Me" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Shary Boyle: Outside the Palace of Me explora as forças que criam nosso eu interior e exterior\, tanto individual quanto coletivamente. A exposição solo multisensorial de novas obras pela artista visual canadense inclui cerâmicas exquisitamente esculpidas\, autômatos em tamanho real\, espelhos bidirecionais\, uma escultura com operação de moedas e uma trilha sonora interativa. Para realizar sua visão criativa para a exposição\, Boyle contou com uma equipe de colaboradores\, incluindo um cenógrafo\, um artista de figurinos\, um engenheiro de robótica\, um inovador de parques de diversões e um artista de unhas acrílicas. Cada obra na exposição é um testemunho da fabricação manual lenta\, habilidosa e apaixonada. \n\n\n\nAdotando as estruturas do teatro\, Outside the Palace of Me funciona como uma metáfora para a construção e apresentação do eu. Dentro de suas fronteiras\, a audiência alterna entre o papel de observador e observado enquanto interage com uma variedade de personagens e objetos inquietantes\, desde o miniatura até o monumental. Trabalhos em papel com guache\, tinta e acrílico adicionam um elenco de narradores complicados ao reino profundamente imaginativo\, idiossincrático e perturbador de Boyle.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Henry Taylor: B Side" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Por mais de trinta anos\, o artista com sede em Los Angeles\, Henry Taylor (n. 1958)\, retratou pessoas de diferentes origens – membros da família\, amigos\, vizinhos\, celebridades\, políticos e estranhos – com uma mistura de imediatismo cru e ternura. Sua abordagem improvisada à criação de arte é sugerida no título desta exposição\, Henry Taylor: B Side\, que se refere ao lado de um álbum de disco que frequentemente contém músicas menos conhecidas e mais experimentais. \n\n\n\nAs pinturas de Taylor\, executadas rapidamente e instintivamente a partir da memória\, recortes de jornais\, instantâneos e encontros pessoais\, variam de leves\, íntimas e sombrias. Neles\, ele combina planos de cores ousadas e sensuais com áreas de detalhes ricos e íntimos e pinceladas soltas para criar pinturas que parecem vivas. Guiado por uma profunda empatia pelas pessoas e suas experiências de vida\, Taylor captura a humanidade\, o meio social e o humor de seus sujeitos\, cuja presença visceral é intensificada por suas imagens recortadas\, muitas vezes em tamanho natural. Ao trabalhar a partir da experiência pessoal e da história compartilhada\, Taylor oferece uma visão da vida cotidiana nos Estados Unidos ancorada nas experiências de sua própria comunidade\, incluindo a prisão\, a pobreza e as interações muitas vezes mortais com a polícia que afetam desproporcionalmente os afro-americanos. Profundamente enraizado na história da arte\, seu trabalho forma um contínuo com a pintura figurativa expressiva e o trabalho politicamente engajado de artistas europeus e americanos\, de Max Beckmann a Bob Thompson\, Philip Guston e Alice Neel. \n\n\n\nNascido nos subúrbios de Los Angeles\, na Califórnia\, Taylor cresceu nas proximidades de Oxnard. Enquanto estudava arte no Oxnard Community College e posteriormente no California Institute of the Arts (CalArts)\, ele trabalhava no Camarillo State Mental Hospital como técnico psiquiátrico no turno da noite. Depois de se formar no CalArts em 1995 e mudar-se para o centro de Los Angeles\, Taylor tornou-se uma figura constante na crescente comunidade artística local e uma influência importante no surgimento da pintura figurativa. \n\n\n\nOrganizada de forma temática\, Henry Taylor: B Side apresenta as pinturas do artista juntamente com uma seleção de suas esculturas de montagem\, desenhos pouco exibidos\, um grande grupo de objetos pintados em embalagens de cigarro recicladas e outros suportes cotidianos\, e duas novas instalações\, uma feita especificamente para esta exposição.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Fragments of a Faith Forgotten: The Art of Harry Smith" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Harry Smith (1923–1991) foi um pintor\, cineasta\, folclorista\, musicólogo e colecionador\, bem como um não conformista radical cujo trabalho desafia categorização. Embora sua produção criativa inclua pinturas\, filmes\, poesia\, música e gravações de som\, também consiste em extensas coleções de objetos negligenciados\, mas reveladores\, como figuras de barbante e aviões de papel encontrados. Seu trabalho mais conhecido\, uma compilação de gravações das décadas de 1920 e 1930 intitulada “Antologia da Música Folclórica Americana”\, alcançou status de culto entre muitos músicos e ouvintes desde sua primeira publicação em 1952. \n\n\n\nFragments of a Faith Forgotten: The Art of Harry Smith expõe a vida do artista ao lado de sua arte e coleções. A exposição segue Smith desde sua infância isolada na era da Depressão no Noroeste do Pacífico – um período em que ele estava imerso em filosofias religiosas extáticas e cerimônias indígenas americanas – até sua juventude boêmia de maconha\, peiote e intelectualismo na Califórnia do pós-guerra. A exposição também traça seu caminho pelos meios do bebop e do cinema experimental em São Francisco até suas décadas em Nova York\, onde ele era uma parte essencial da vanguarda da cidade. \n\n\n\nAtento às mudanças tecnológicas\, Smith abraçou a inovação e usou o que era novo e do momento. Ao mesmo tempo\, seu interesse vitalício pela arte abstrata\, tradições antigas\, metafísica\, espiritualismo\, arte folclórica e música mundial veio à tona\, mesmo quando ele criava maneiras engenhosas de coletar sons e criar filmes. Essas preocupações fazem com que o trabalho de Smith pareça cada vez mais premonitório\, à medida que a coleta e o compartilhamento se tornam atos criativos necessários para extrair significado da abundância de imagens e da justaposição de culturas que encontramos todos os dias.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Fora de Registro: Experimentos Editoriais de Artistas Mulheres na América Latina\, 1960-1990" no Center of Book Arts
DESCRIPTION:Center for Book Arts apresenta Fora de Registro: Experimentos Editoriais de Artistas Mulheres na América Latina\, 1960-1990\, com curadoria de Mela Dávila\, de 5 de outubro a 16 de dezembro de 2023. Esta exposição tem como objetivo explorar as práticas criativas de um grupo de artistas mulheres latino-americanas que\, entre 1960 e 1990\, direcionaram parte de seu impulso artístico para mídias impressas e seriadas. O período abrangido pela exposição acompanha a expansão do movimento conceitual\, que teve início por volta de 1960 e\, dependendo dos contextos geográficos\, perduraria até o final dos anos 1980. Foi nesse período que livros de artistas e outros materiais impressos entraram na lista de novos formatos – instalação\, vídeo\, performance… – que estavam começando a se espalhar além dos gêneros artísticos clássicos e ampliar o campo de possibilidades para os criadores. Fora de Registro pretende oferecer uma perspectiva original sobre as publicações de artistas criadas nessas décadas\, concentrando-se nas obras impressas produzidas e publicadas por cerca de trinta artistas mulheres que eram originárias ou desenvolveram sua prática em vários países da América Latina – Argentina\, Brasil\, Chile\, Colômbia\, México\, Peru\, Venezuela – e na comunidade Chicano nos Estados Unidos. \n\n\n\nObras de\, ou em colaboração com\, Claudia Andújar (Brasil)\, Barbara Brändli (Venezuela)\, Roser Bru (Chile)\, Teresa Burga (Peru)\, Feliza Bursztyn (Colômbia)\, Maris Bustamante + No Grupo (México)\, Vera Chaves Barcellos (Brasil)\, Alicia D’Amico + Sara Facio (Argentina)\, Lenora de Barros (Brasil)\, Mirtha Dermisache (Argentina)\, Paz Errázuriz (Chile)\, Gego (Venezuela)\, Anna Bella Geiger (Brasil)\, Beatriz González (Colômbia)\, Lourdes Grobet (México)\, Graciela Gutiérrez Marx (Argentina)\, Beatriz Jaramillo (Colômbia)\, Magali Lara + Carmen Boullosa (México)\, Yolanda Lopez (EUA)\, Ana Mendieta (Cuba)\, Marie Orensanz (Argentina)\, Catalina Parra (Chile)\, Lygia Pape (Brasil)\, Liliana Porter (Argentina)\, Nelly Richard (Chile)\, Lotty Rosenfeld (Chile)\, Gretta Sarfaty (Brasil)\, Thea Segall (Venezuela)\, Marcela Serrano (Chile)\, Regina Silveira (Brasil)\, Tecla Tofano (Venezuela)\, Regina Vater (Brasil)\, Cecilia Vicuña (Chile)\, Diana Witlin (Colômbia) e Nirma Zárate (Colômbia).
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LOCATION:Center for Book Arts\, 28 W 27th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Spike Lee: Creative Sources" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Dê uma rara olhada no mundo de Spike Lee (nascido em Atlanta\, Georgia\, 1957; criado no Brooklyn\, Nova York)\, um dos cineastas e diretores americanos mais influentes e prolíficos. Por meio de uma instalação imersiva de objetos da coleção pessoal de Lee\, os visitantes descobrirão as fontes de inspiração que alimentaram sua produção criativa. Ressonâncias podem ser encontradas entre itens que foram pontos de contato para Lee e os temas que ele explora na tela. As linhas condutoras de sua vida e obra — história e cultura negra\, Brooklyn\, esportes\, música\, história do cinema e família — são exploradas com mais de 450 obras retiradas de sua coleção pessoal. Obras de arte de proeminentes artistas negros americanos\, incluindo Kehinde Wiley\, Deborah Roberts e Michael Ray Charles\, são exibidas ao lado de instrumentos que pertenceram a músicos lendários\, bem como fotografias históricas\, memorabilia de esportes e cinema\, e mais. Juntos\, eles revelam as conexões entre as pessoas\, lugares e ideias que alimentaram a narrativa incisiva de Lee.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Picasso in Fontainebleau" no MoMA
DESCRIPTION:Pablo Picasso passou grande parte do verão de 1921 em uma garagem. Dentro deste estúdio improvável\, localizado em uma villa alugada em Fontainebleau\, na França\, ele trabalhou prolificamente para criar um impressionante conjunto de obras. Entre suas criações mais surpreendentes\, estavam dois quadros de seis pés de altura\, radicalmente diferentes\, que ele pintou lado a lado com apenas algumas semanas de diferença: Three Women at the Spring e Three Musicians. Picasso in Fontainebleau reunirá essas duas pinturas monumentais\, juntamente com outras obras do período de três meses em que o artista improvisou esse estúdio\, complementadas por fotografias e documentos de arquivo. \n\n\n\nA busca simultânea de estilos díspares por Picasso havia envolvido o mundo da arte em controvérsia por vários anos. Picasso havia progredido ou regredido? Ele era vanguardista ou acadêmico? Revolucionário ou reacionário? Os críticos estavam divididos. Essas questões falam sobre a maneira como a produção de Picasso em Fontainebleau desafia categorizações e subverte as expectativas sobre a evolução dos artistas. \n\n\n\nA exposição apresentará quatro telas monumentais – duas versões de “Três Mulheres na Fonte” e duas de “Três Músicos” – juntamente com outras pinturas\, desenhos\, pastéis e gravuras feitos durante a breve estadia do artista em Fontainebleau. Fotografias raramente vistas do estúdio e da família de Picasso contextualizarão ainda mais a vida cotidiana do artista e sua prática artística. A exposição também explorará novas descobertas sobre o processo e o espírito experimental que marcam o trabalho de Picasso em Fontainebleau.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Puppies Puppies (Jade Guanaro Kuriki-Olivo): Nothing New” no New Museum
DESCRIPTION:Jade Guanaro Kuriki-Olivo (nascida em 1989\, Dallas\, TX)\, amplamente conhecida pelo apelido Puppies Puppies\, expande ideias em torno do readymade ao impregnar objetos\, signos e ações ubíquas e cotidianas com uma carga pessoal e política. Ela\, por exemplo\, reconfigurou dispensadores de gel antibacteriano\, líquido para vasos sanitários\, a cor verde\, bem como os atos de dormir\, urinar e tomar um comprimido em instalações e performances que desafiam estruturas capacitistas de produção artística e capitalista. Muitas das exposições de Puppies Puppies também incluíram componentes acionáveis: uma campanha GoFundMe para apoiar o fundo de transição de um amigo\, testes de HIV gratuitos e aconselhamento\, e um chuveiro em funcionamento disponível para uso público. Kuriki-Olivo\, assim\, afirma que a vida pode ser vista como sua própria forma de prática de resistência\, especialmente para aqueles cuja própria sobrevivência está em jogo\, incluindo pessoas trans\, não binárias e de gênero não-conformista não brancas. \n\n\n\nDurante sua exposição no New Museum\, Nothing New\, Puppies Puppies transforma a Galeria do Lobby do Museu em uma mise-en-scène para suas atividades diárias\, com uma parte do espaço funcionando como uma duplicada do quarto real da artista. Se o trabalho anterior de Kuriki-Olivo se centrava na recusa em ser vista – por meio do uso de proxies\, avatares e performances em ausência – Nothing New explora novos registros de transparência e obstrução. Convidando os visitantes a vivenciarem sua vida como se fosse por meio de uma tela\, Puppies Puppies usa um mecanismo de vidro embaçado para mediar o acesso às suas atividades enquanto ela habita a galeria\, destacando temas de visibilidade\, representação e consumo cultural. \n\n\n\nCâmeras também filmarão a artista enquanto ela navega entre o Museu\, seu apartamento – localizado a sete quarteirões de distância – e a vida cotidiana na cidade. Ao interagir com modos contemporâneos de vigilância – incluindo aqueles aos quais aderimos\, como as mídias sociais\, bem como manifestações mais coercitivas e não consensuais – Puppies Puppies borra as distinções entre sua vida pública e privada\, ao mesmo tempo em que desestabiliza as distinções entre a existência virtual e a realidade. Ao permitir uma visão espetacularizada de sua existência diária\, Kuriki-Olivo celebra as camadas nuanceadas de sua própria identidade\, evitando a tokenização e narrativas reducionistas de identidades raciais e trans.
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LOCATION:New Museum\, 235 Bowery 10002\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Judy Chicago: Herstory” no New Museum
DESCRIPTION:Judy Chicago: Herstory abrange a carreira de sessenta anos de Judy Chicago para englobar toda a amplitude das contribuições da artista\, que vão desde pintura\, escultura\, instalação\, desenho\, têxteis\, fotografia\, vitrais\, bordado e gravura. Expandindo os limites de uma exposição de museu tradicional\, a mostra colocará seis décadas de trabalho de Chicago em diálogo com o trabalho de outras mulheres ao longo dos séculos em uma instalação única no quarto andar. Intitulada The City of Ladies\, esta exposição coletiva conjunta apresenta obras de arte e materiais de arquivo de mais de oitenta artistas\, escritoras e pensadoras\, incluindo Simone de Beauvoir\, Hildegard of Bingen\, Artemisia Gentileschi\, Zora Neale Hurston\, Frida Kahlo\, Hilma af Klint e Virginia Woolf\, entre muitas outras. \n\n\n\nOcupando três pisos do Museu\, Herstory traçará a totalidade da prática de Chicago\, desde seus experimentos no Minimalismo dos anos 1960 e sua arte feminista revolucionária dos anos 1970 até suas séries narrativas das décadas de 1980 e 1990\, nas quais ela expandiu seu foco para confrontar desastres ambientais\, nascimento e criação\, masculinidade e mortalidade. Contextualizando sua metodologia feminista dentro dos diversos movimentos artísticos nos quais ela participou – e cujas histórias frequentemente foram apagadas -\, Herstory destacará o impacto tremendo de Chicago na arte americana e ressaltará seu papel crítico como historiadora cultural que reivindica espaço para artistas mulheres anteriormente omitidas do cânone.
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SUMMARY:"Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Desde o início de sua prática\, um elemento crítico para Rirkrit Tiravanija (tailandês\, nascido em 1961) tem sido a presença de “muitas pessoas” – um termo propositadamente amplo e expansivo que serve como um convite aberto a todos e a qualquer um\, presente e futuro. Sua maior exposição até o momento\, Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE\, traça quatro décadas da carreira do artista e apresenta mais de 100 obras\, desde experimentações iniciais com instalações e filmes\, até trabalhos em papel\, fotografias\, efêmeros\, esculturas e novas “peças” produzidas de participação fundamental. Estendendo-se por nossas galerias do segundo andar\, lobby e pátio\, a exposição inclui obras raramente vistas que abordam suas experiências como imigrante\, com um senso palpável de “diferença” em um mundo artístico centrado no Ocidente\, juntamente com séries mais recentes que abordam a política global e o ciclo de notícias do cotidiano. Fundamental para a evolução da arte contemporânea em Nova York e em todo o mundo\, a prática interdisciplinar de Tiravanija tem alcance transnacional\, envolvendo noções de diferença cultural\, interrogando os limites do lugar e negociando como as pessoas podem se reunir. \n\n\n\nNo centro da exposição está uma apresentação recém-concebida de cinco peças interativas históricas\, apresentadas em um palco como uma série de peças de teatro. Tiravanija descreve a evolução contínua de suas obras: “Como uma boa receita\, todo mundo sabe o que é\, como tem gosto e até como fazê-lo novamente – talvez de maneira diferente\, seguindo sua própria interpretação; ou talvez seja a base para algo completamente diferente\, uma possibilidade.” \n\n\n\nApresentados às sextas-feiras e sábados\, as cinco peças a seguir se desdobram cronologicamente ao longo da exposição. Volte a cada mês para experimentar uma nova obra de arte. \n\n\n\nuntitled 1990 (pad thai)\, 1990October 13 through November 11\, 2023 \n\n\n\nuntitled 1991/2008 (shall we dance)\, 1991/2008November 17 through December 9\, 2023 \n\n\n\nuntitled 1992-1995 (free/still)\, 1992/1995/1997/1998/1999/2003/2007/2011–December 15\, 2023 through January 6\, 2024 \n\n\n\nuntitled 1994 (angst essen seele auf)\, 1994January 12 through February 3\, 2024 \n\n\n\nuntitled 2011 (t-shirt\, no t-shirt)\, 2011February 9 through March 2\, 2024
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SUMMARY:"Going Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility" no Guggenheim
DESCRIPTION:Going Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility apresenta obras de arte que trazem figuras parcialmente obscurecidas ou ocultas\, posicionando-as na “borda da visibilidade”. Neste contexto artístico\, a frase comum “a caminho da escuridão” é entendida como uma tática em que os artistas ocultam visualmente o corpo para explorar uma tensão fundamental na sociedade contemporânea: o desejo de ser visto e o desejo de estar escondido da vista. \n\n\n\nOs artistas na exposição articulam o “caminho da escuridão” por meio de estratégias formais que podem incluir métodos de escurecimento literal\, como sombreamento; rotação do corpo; materiais e métodos de impressão inovadores; e ferramentas de pós-produção que borram ou iluminam. Algumas das obras mais recentes que estarão em exibição fazem uso da tecnologia digital\, como a tela verde (ou azul) croma-chave. Essas obras se movem fluidamente entre a figuração e a abstração\, e muitos artistas manipulam de forma inventiva a cor e a luz para também obscurecer a percepção ótica\, desafiando a própria biologia da visão. \n\n\n\nOcupando a icônica rotunda do Museu Guggenheim\, Going Dark apresenta mais de 100 obras de um grupo de 28 artistas\, a maioria dos quais é negra e mais da metade dos quais são mulheres. Embora a maioria das obras datem dos anos 1980 até o presente\, uma seleção delas foi criada nas décadas de 1960 e 1970 por três artistas icônicos – David Hammons\, Faith Ringgold e Charles White – sugerindo que o desenvolvimento da arte conceitual durante essas décadas lançou novos caminhos de expressão que serviram de base para os artistas contemporâneos que abordam a “borda da visibilidade” hoje. \n\n\n\nGoing Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility é organizada por Ashley James\, Curadora Associada de Arte Contemporânea\, com a assistência curatorial de Faith Hunter.
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