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SUMMARY:"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção\, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias\, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social\, no qual as técnicas artísticas\, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados\, sem estar preso a uma cronologia rígida\, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero\, classe\, trabalho\, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade\, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet\, Gustave Courbet\, Berthe Morisot\, Francisco Oller\, Henri Matisse\, Pablo Picasso\, Yves Tanguy\, Vasily Kandinsky\, entre outros.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/monet-to-morisot-the-real-and-imagined-in-european-art-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Oscar yi Hou no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Em uma época de crescente violência contra as comunidades asiáticas nos Estados Unidos\, Oscar yi Hou questiona o que significa ser “asiático-americano” e quem é considerado “norte-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon\, título de um poema do artista\, compreende onze de suas recentes pinturas figurativas. Em algumas obras\, yi Hou coloca seus amigos e ele mesmo como figuras da história do leste asiático e da cultura visual ocidental\, desde imigrantes chineses do século XIX até Son Goku\, da popular franquia de mídia Dragon Ball. Em outros\, o artista retrata suas amigas\, muitas das quais\, como ele\, se identificam como parte de uma comunidade criativa asiática\, em papéis tradicionalmente brancos e masculinos\, acabando com os estereótipos de longa data. Da mesma forma\, yi Hou olha tanto para a cultura popular quanto para referências passadas\, incluindo as coleções de arte asiática recentemente reinstaladas do Brooklyn Museum\, em sua abordagem para essas composições que remete à colagem. O artista envolve seus temas com o que ele chama de iconografia de “cowboy chinês”\, um caleidoscópio de imagens como bandeiras americanas\, símbolos yin-yang\, chapéus de cowboy e caligrafia chinesa. Através dessa justaposição (e de sua crítica sobre as calúnias contra o povo do Leste Asiático) yi Hou revela a complexidade da questão de identidade nacional\, como evidenciado por sua própria origem sino-britânica. Agora morando no Brooklyn\, ele afirma: “Embora eu seja apenas um norte-americano\, sou resolutamente um asiático-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon é organizado por Eugenie Tsai\, Curador Sênior de Arte Contemporânea do Brooklyn Museum\, com Indira A. Abiskaroon\, Assistente Curatorial de Arte Moderna e Contemporânea.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Richard Avedon no The Met Museum
DESCRIPTION:Em 1969\, Richard Avedon estava em uma encruzilhada. Após um hiato de cinco anos\, o fotógrafo voltou a fazer retratos\, desta vez com uma nova câmera e um novo senso de escala. Trocando seu Rolleiflex portátil por um dispositivo maior montado em um tripé\, ele reinventou a dinâmica de seu estúdio. Ao invés de dançar em torno de seus assuntos por trás de um visor\, como fazia em suas fotos enérgicas de moda\, ele agora podia ficar ao lado de uma câmera estacionária e encará-los de frente. Enfrentando grupos de artistas\, ativistas e políticos proeminentes da época\, ele criou enormes retratos fotomurais\, condizentes com sua influência cultural descomunal. No centenário do nascimento do fotógrafo\, Richard Avedon: MURALS reunirá três dessas obras monumentais\, algumas com até 35 pés de largura. Para Avedon\, os murais expandiram as possibilidades artísticas da fotografia\, reorientando radicalmente espectadores e temas em uma visão ampla e abrangente. Os murais são retratos da sociedade. Neles\, Avedon reúne gigantes do final do século XX (membros da Factory de Andy Warhol\, arquitetos da guerra do Vietnã e manifestantes contra essa guerra) que juntos moldaram uma era extraordinariamente turbulenta da vida americana. Apresentados em uma galeria\, seus enormes retratos encenarão uma conversa improvável entre campos historicamente opostos\, bem como espectadores contemporâneos. As inovações formais do alto estilo de Avedon – corpos fortemente iluminados em um fundo branco impiedoso – são melhor realizadas nessas obras\, onde os personagens se juntam e aglomeram o quadro\, e vazios brilhantes entre eles estalam em contraste. Unindo os murais com projetos contemporâneos\, a exposição acompanha a abordagem evolutiva de Avedon para o retrato de grupo\, por meio do qual ele transformou as convenções deste gênero fotográfico.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/richard-avedon-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Mary Enoch Elizabeth Baxter no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:No quinquagésimo aniversário do caso Roe v. Wade – e no ano seguinte à sua revogação – esta exposição examina a longa história de injustiça reprodutiva nos Estados Unidos por meio de dois projetos de Mary Enoch Elizabeth Baxter. A artista e ativista prioriza a narrativa e a cura em seu trabalho\, explorando os processos institucionais\, legais e culturais que têm brutalmente privado as mulheres e meninas negras de sua autonomia corporal. Em seu filme Ain’t I a Woman\, Baxter conecta sua experiência de dar à luz algemada ao combate expandido pelos direitos reprodutivos – um combate que destaca as vulnerabilidades e violências contra as mulheres negras\, que historicamente têm sido negadas o direito de decidir se\, quando e como ter filhos de forma segura. O documentário musical é acompanhado por Consecration to Mary\, um trabalho fotográfico multipartidário que relaciona as histórias de abuso enfrentado por crianças negras ao “viés de adultificação”\, uma realidade social em que jovens negros são sistematicamente tratados como adultos. Na obra\, Baxter confronta e combate fotografias nuas sexualmente exploratórias de uma jovem negra tiradas pelo famoso artista americano branco Thomas Eakins em 1882. Baxter se insere em duas das fotografias de Eakins para proteger a vítima e apresenta outras imagens em estojos fechados de daguerreótipo\, ocultando-as da vista pública. Uma terceira fotografia aberta de Baxter quando criança conecta a própria artista a essas histórias de abuso social. Juntos\, esses trabalhos expõem como a exploração de meninas negras leva ao desempoderamento político e à precariedade social\, resultando no encarceramento em massa de mulheres negras. Ao colocar em destaque membros profundamente vulneráveis da sociedade americana\, a exposição amplia o discurso sobre o acesso ao aborto para uma conversa mais complexa sobre justiça reprodutiva\, abrangendo direitos humanos\, empatia e libertação.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Signals" no MoMA
DESCRIPTION:O vídeo está em toda parte hoje: em nossos telefones e telas\, definindo novos espaços e experiências\, espalhando memes\, mentiras\, fervor e poder. Compartilhado\, enviado e em rede\, ele molda a opinião pública e cria novas audiências. Em outras palavras\, o vídeo transformou o mundo. Reunindo uma gama diversificada de trabalhos das últimas seis décadas\, a exposição Signals: How Video Transformed the World revela as formas como os artistas têm colocado o vídeo como um agente de mudança global – da revolução televisiva à democracia eletrônica. A exposição destaca mais de 70 trabalhos de mídia\, extraídos principalmente da coleção do MoMA ao lado de outros nunca vistos antes no museu. Entre os artistas em destaque estão John Akomfrah\, Gretchen Bender\, Dara Birnbaum\, Tony Cokes\, Amar Kanwar\, New Red Order\, Nam June Paik\, Sondra Perry\, Martine Syms\, Stan VanDerBeek\, e Ming Wong. Signals permite ao público experimentar os formatos\, as configurações e o alcance global da arte em vídeo\, desde vigilância em circuito fechado até vídeo viral\, desde instalação em larga escala até redes sociais. Com esta ampla gama de formas e mídias\, os artistas têm defendido e questionado a promessa do vídeo. Alguns esperavam criar redes inteiramente novas de comunicação\, engajamento democrático e participação pública. Outros protestaram contra o aumento do controle comercial e estatal sobre a informação\, a visão e a própria verdade. Signals enfoca a forma como os artistas têm usado o vídeo para fazer perguntas urgentes sobre a sociedade e propor novos modelos de vida pública. A mostra também dialoga com dois momentos da exposição de longa duração do acervo do anos 1970 da instituição: a instalação Flo\, de Sandra Mujinga\, que mostra um performer real em uma escultura vestível que lhe confere aura sobrenatural e tecnológica; e a sala Limits of Control\, que tem duas de suas obras inseridas na mostra Signals. Esta exposição contém obras com conteúdo gráfico. O discernimento dos visitantes é aconselhado\, particularmente para aqueles acompanhados por crianças. A exposição contém luzes intermitentes e estroboscópicas que podem não ser adequadas para todos os visitantes\, em especial epilépticos.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Funk You Too!" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Funk You Too! Humor and Irreverence in Ceramic Sculpture reúne 50 obras de arte desde a década de 1960 até os dias atuais que destacam a argila como uma ferramenta cativante de crítica e sátira. Na exposição\, peças de artistas da geração originária do Funk Art são colocadas ao lado de trabalhos de artistas contemporâneos que estão expandindo o legado de humor\, subversão e figuração expressiva do Funk. As cerâmicas do Funk surgiram pela primeira vez na Costa Oeste na década de 1960\, criadas por um grupo de artistas que compartilhavam uma visão anticonformista em relação às expectativas da “arte boa”. Embora conscientes da atitude irreverente e da estética de seus predecessores\, a nova geração de artistas apresentada em Funk You Too! está examinando o potencial do humor na argila por meio de uma variedade de perspectivas. Ao levar o Funk para o futuro\, esses artistas estão aproveitando o poder de uma boa piada para abordar algumas das questões sociais e políticas mais urgentes de nosso tempo.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Onyeka Igwe no MoMA PS1
DESCRIPTION:Através do cinema e da instalação\, a prática multidisciplinar de Onyeka Igwe (nascida em 1986\, Londres) examina eventos históricos pouco conhecidos\, coletando e combinando fontes documentais\, incluindo registros governamentais\, relatórios oficiais\, artefatos materiais e memória pessoal\, além de gesto\, voz\, dança e canto. Esta exposição apresenta uma série de três curtas-metragens — Her Name in My Mouth (2017)\, Sitting on a Man (2018) e Specialised Technique (2018) — apresentados como cinema expandido. A estrutura em camadas dos filmes de Igwe expõe as multiplicidades narrativas da vida contemporânea e contesta a narrativa única e progressiva da ideologia ocidental. Seu estilo de edição rítmica enfatiza a dissonância\, a reflexão e a amplificação entre imagem e som\, inseridos em uma instalação espacial. O tema principal do ciclo de filmes é a Guerra das Mulheres Igbos\, em 1929\, que Igwe descobriu pela primeira vez através de relatos familiares. Liderado principalmente por mulheres igbo\, o conflito é considerado uma das primeiras revoltas anticoloniais na Nigéria e marca um episódio violento na defesa do Império Britânico. Ao recuperar conceitualmente a história reprimida desse ato coletivo de resistência\, Igwe encontra\, mesmo nas tragédias do passado\, novos meios para compreender o presente. A exposição destaca o interesse contínuo da artista na relação entre movimento físico — ou seja\, dança — e movimentos de protesto\, especialmente aqueles protagonizados por mulheres.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Gego e Sarah Sze no Guggenheim
DESCRIPTION:Duas exposições são destaque na programação do Guggenheim: Gego: Measuring Infinity e Timelapse\, individual de Sarah Sze. Gego\, ou Gertrud Goldschmidt (1912\, Hamburgo – 1994\, Caracas)\, formou-se primeiro como arquiteta e engenheira na Technische Hochschule Stuttgart (hoje Universität Stuttgart). Fugindo da perseguição nazista em 1939\, ela imigrou para a Venezuela\, onde se estabeleceu permanentemente\, iniciando uma carreira artística nos anos 1950 que se estenderia por mais de quatro décadas. Em trabalhos bidimensionais e tridimensionais em diversos meios\, Gego explorou a relação entre linha\, espaço e volume. Sua prática nos campos relacionados de arquitetura\, design e ensino complementou essas investigações. A exposição Gego: Measuring Infinity é a primeira grande retrospectiva museológica da obra de Gego nos Estados Unidos desde 2005\, oferecendo uma visão totalmente integrada da influente artista germano-venezuelana e sua abordagem diferenciada da linguagem da abstração. Em cinco rampas da rotunda do Guggenheim\, a pesquisa cronológica e temática apresenta quase 200 obras do início dos anos 1950 até o início dos anos 1990\, incluindo esculturas\, desenhos\, gravuras\, tecidos e livros de artista\, além de imagens fotográficas de instalações e obras públicas\, esboços\, publicações e cartas. Gego é uma das artistas mais significativas a emergir da América Latina durante a segunda metade do século 20\, mas sua obra continua sendo menos conhecida nos Estados Unidos. Examinando as contribuições formais e conceituais que ela fez através de suas formas orgânicas\, estruturas lineares e investigações espaciais sistemáticas\, Gego: Measuring Infinity fundamenta a prática de Gego nos contextos artísticos da América Latina que floresceu ao longo de sua longa carreira\, considerando as interseções da artista com e saindo de movimentos artísticos transnacionais importantes\, como a abstração geométrica e a arte cinética. Gego apresentou idéias radicais através de suas intensas investigações sobre sistemas estruturais: transparência\, tensão\, fragilidade\, relações espaciais e os efeitos óticos do movimento são abordados metodicamente em seu singular corpo de trabalho. Traçando um caminho artístico marcadamente individual\, Gego desafiou a categorização. Essa retrospectiva há muito esperada se baseia no legado do Museu Guggenheim de apresentar exposições inovadoras de pesquisa individual moderna e contemporânea em um contexto global que defende a arte não objetiva. A mostra é co-curada por Pablo León de la Barra\, curador geral de América Latina do Guggenheim\, e Geaninne Gutiérrez-Guimarães\, curadora associada do museu. Para a individual Timelapse\, Sze criou uma série de instalações específicas do local que tecem um rastro de descoberta através de múltiplos espaços do icônico edifício do Guggenheim\, projetado por Frank Lloyd Wright. No exterior\, a exposição se espalha para a esfera pública além das paredes do museu. Um rio de imagens fluindo cobre o exterior do edifício\, ecoando o movimento do trânsito e dos transeuntes ao nível da rua\, enquanto uma projeção ao vivo da lua na fachada curva da rotunda espelha seu ciclo ao longo do curso da exposição.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Cecily Brown no The Met Museum
DESCRIPTION:Há mais de vinte e cinco anos\, Cecily Brown (nascida em 1969) tem fascinado espectadores com cores suntuosas\, pinceladas ousadas e narrativas complexas relacionadas a alguns dos temas mais grandiosos e antigos da história da arte ocidental. Após se mudar de Londres para Nova York na década de 1990\, ela ressuscitou a pintura para uma nova geração\, juntamente com um punhado de outros artistas\, muitas delas mulheres\, exatamente no momento em que os críticos questionavam sua importância e relevância. A primeira exposição completa institucional sobre o trabalho de Brown em Nova York desde que ela se estabeleceu na cidade\, Cecily Brown: Death and the Maid reúne cerca de cinquenta pinturas\, desenhos\, cadernos de esboços e monotipias de diferentes momentos de sua carreira para explorar os temas entrelaçados de natureza-morta\, memento mori\, reflexão e vanitas – representações simbólicas da vaidade humana ou da brevidade da vida – que impulsionaram sua prática dinâmica e impactante por décadas.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Georgia O'Keeffe no MoMA
DESCRIPTION:“To See Takes Time”\, escreveu Georgia O’Keeffe uma vez. Mais conhecida por suas pinturas de flores\, O’Keeffe (1887-1986) também fez extraordinárias séries de obras em carvão\, lápis\, aquarela e pastel. A exposição\, organizada por Samantha Friedman\, reúne trabalhos em papel que são frequentemente vistos individualmente\, juntamente com pinturas-chave\, esta exposição oferece um vislumbre raro dos métodos de trabalho da artista e nos convida a dedicar um tempo para olhar. Ao longo de sua longa carreira\, O’Keeffe revisitou e retrabalhou os mesmos assuntos\, desenvolvendo\, repetindo e transformando padrões que estão entre a observação e a abstração. Entre 1915 e 1918\, um período de experimentação revolucionário\, a artista realizou tantos trabalhos em papel quanto nas quatro décadas seguintes\, produzindo progressões de linhas arrojadas\, paisagens orgânicas e nus autênticos\, bem como obras em carvão radicalmente abstratos a que chamou de “especiais”. Mesmo quando se voltava cada vez mais para a pintura\, séries importantes – incluindo flores nos anos 1930\, retratos nos anos 40 e visões aéreas nos anos 50 – reafirmaram seu compromisso de trabalhar em papel. Desenhar dessa maneira permitiu a O’Keeffe capturar não apenas as formas da natureza\, mas também seus ritmos: traçar a espiral descendente do sol em pigmento vividamente colorido ou comprometer com o preto aveludado a perspectiva em mudança vista de uma janela de avião.
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SUMMARY:Mark Bradford na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A Hauser & Wirth apresenta a exposição individual You Don’t Have to Tell Me Twice de Mark Bradford\, que marca uma investigação profunda e pessoal da natureza multifacetada do deslocamento e das forças predatórias que se alimentam das populações impulsionadas pela crise. Bradford\, conhecido por sua “abstração social”\, voltou recentemente sua atenção para figuras\, incluindo a sua própria\, e criou novas obras abrangentes onde flora\, fauna\, predadores e presas movem-se dentro de paisagens abstratas densas\, oníricas\, compostas de material\, cor e linha. A mostra inclui pinturas recentes influenciadas pela história das tapeçarias europeias e sua importância sociopolítica como símbolos da maior opulência da aristocracia europeia e sua relação com o poder. Esses trabalhos são complementados por pinturas semelhantes a tapeçarias focadas em espécies de plantas e animais nativas da área ao redor de Blackdom\, um assentamento de pioneiros afro-americanos do início do século XX fundado no deserto do Novo México\, distante do Sul segregacionista dos Estados Unidos. A justaposição dessas pinturas estabelece uma conexão entre história e conflitos modernos\, sugerindo que o período medieval é uma metáfora relevante para as tensões sociais atuais. A exposição também apresenta telas monumentais\, incluindo a pintura que dá nome à mostra\, You Don’t Have to Tell Me Twice\, que continua a investigação de Bradford sobre a Grande Migração dos afro-americanos para fora do Sul\, talvez o maior movimento de pessoas da história do país. Dois autorretratos expostos ao longo da mostra ancoram uma narrativa que reflete a consciência do corpo e a vulnerabilidade do artista. Além disso\, em parceria com a Culture for One\, a Hauser & Wirth e Mark Bradford desenvolveram um programa educacional para jovens do sistema de adoção. Os participantes trabalharão com Bradford para criar eventos de engajamento público\, ajudando-os a desenvolver confiança e adquirir novas habilidades à medida que lideram visitas guiadas da exposição para o público em geral.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York\, 69th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Jaune Quick-to-See Smith no Whitney Museum
DESCRIPTION:Esta exposição é a primeira retrospectiva em Nova York de Jaune Quick-to-See Smith (nascida em 1940\, cidadã da Confederação Salish e Kootenai)\, um olhar tardio\, mas oportuno\, do trabalho de uma artista pioneira. Jaune Quick-to-See Smith: Memory Map\, curada por Laura Phipps\, reúne quase cinco décadas de desenhos\, gravuras\, pinturas e esculturas de Smith na maior e mais abrangente exposição de sua carreira até hoje. O trabalho de Smith dialoga com modos contemporâneos de produção artística\, desde a sua adesão idiossincrática da abstração até suas reflexões sobre a arte pop americana e o neo-expressionismo. Essas tradições artísticas são incorporadas e reimaginadas com conceitos enraizados na própria prática cultural de Smith\, refletindo sua crença de que seu “trabalho de vida envolve examinar a vida contemporânea na América e interpretá-la por meio da ideologia nativa”. Utilizando sátira e humor\, a arte de Smith conta histórias que subvertem concepções comumente aceitas de narrativas históricas e iluminam absurdos na formação da cultura dominante. A abordagem de Smith borra categorias importantes e questiona por que certas linguagens visuais obtêm reconhecimento\, privilégio histórico e valor. Ao longo de décadas e mídias\, Smith empregou e reapropriou ideias de mapeamento\, história e ambientalismo\, incorporando memórias pessoais e coletivas. A retrospectiva oferecerá novos quadros para se considerar a arte nativa americana contemporânea e mostrará como Smith liderou e iniciou alguns dos diálogos mais urgentes em torno da terra\, do racismo e da preservação cultural – questões que estão na vanguarda da vida e da arte contemporâneas hoje.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Daniel Lind-Ramos e liu Susiraja no MoMA PS1
DESCRIPTION:O MoMA PS1 apresenta a maior exposição em um museu até hoje do trabalho do artista multidisciplinar Daniel Lind-Ramos (nascido em 1953\, Loíza\, Porto Rico). Utilizando objetos encontrados e presenteados de significado pessoal\, comunitário e regional\, como detritos\, objetos decorativos e ferramentas cotidianas\, Lind-Ramos produz assemblages meticulosamente detalhadas que exploram as tradições e histórias das comunidades afrodescendentes em Porto Rico\, no Caribe e ao redor do mundo. Esta apresentação exibe mais de 10 obras de grande escala que entrelaçam a prática multiestratificada de Lind-Ramos\, incluindo muitas esculturas novas e previamente não exibidas. Apresentando obras que revelam as tradições locais de agricultura\, pesca\, culinária e carnaval\, que estão rapidamente desaparecendo\, ao lado de esculturas emblemáticas que examinam as repercussões do furacão Maria em 2017\, a exposição culminará com várias obras de grande escala feitas no último ano que abordam a pandemia do COVID-19 e seu impacto nas comunidades locais. \n\n\n\nNos últimos 15 anos\, Iiu Susiraja (nascida em 1975\, Turku\, Finlândia) tem fotografado a si mesma em ambientes domésticos\, mais frequentemente em sua casa em Turku\, Finlândia. O MoMA PS1 apresenta a primeira exposição individual do trabalho de Susiraja nos Estados Unidos\, reunindo uma seleção focada de fotografias e vídeos que destacam a trajetória de sua prática desde 2007. Simultaneamente sedutoras\, abjetas\, estilizadas e vulneráveis\, as obras de Susiraja estão fundamentadas em performances desinibidas\, porém privadas\, para a câmera. Nessas encenações\, objetos domésticos — toalhas de mesa\, guarda-chuvas\, cachorros-quentes\, bananas\, esteiras\, patinhos de borracha e peixes mortos\, para citar alguns itens — tornam-se cúmplices em seus confrontos com a lente. As manipulações corporais de Susiraja torcem os simbolismos desses objetos\, criando imagens incongruentes e de impacto. Situadas entre a comédia e o impassível\, as obras de Susiraja encontram inquietação no confortável e vice-versa.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/daniel-lind-ramos-e-liu-susiraja-no-moma-ps1/
LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Bob Thompson na 52 Walker
DESCRIPTION:A 52 Walker apresenta sua sétima exposição So let us all be citizens\, que apresenta uma série de pinturas de Bob Thompson (1937-1966). As obras em exposição destacam o estilo do artista\, influenciado pelo jazz\, e a forma como utilizou este método para envolver novos públicos na história da pintura. Analisando a sua consideração particular pela cor\, linha e figuração – desenvolvida durante um período em que a abstracção era a tendência dominante na arte americana – esta exposição intimista presta homenagem à fricção que Thompson gerou entre a sua proximidade e o seu desvio de fontes citadas e canônicas. O título da exposição é retirado de um discurso que Thompson proferiu numa igreja quando era adolescente\, “Building through Citizenship”. Prevendo a paixão do artista pelos princípios da liberdade e da expressão\, a frase “So let us all be citizens” encerra o poder do trabalho de Thompson para alargar o âmbito do que é imaginável na pintura contemporânea e para quem. Bob Thompson: So let us all be citizens\, conta com a curadoria de Ebony L. Haynes. Uma exposição coletiva complementar\, So let us all be citizens too\, que considera a influência de Thompson tanto nos seus contemporâneos como nas gerações seguintes de artistas\, é apresentada em simultâneo na David Zwirner London.
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LOCATION:52 Walker\, 52 Walker St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Chosen Memories" no MoMA
DESCRIPTION:Chosen Memories\, organizada por Inés Katzenstein\, reúne obras de artistas latino-americanos contemporâneos que investigam a história como fonte para o seu trabalho. “La historia es un organismo vivo”\, disse a brasileira Rosângela Rennó\, uma das quarenta artistas que fazem parte da exposição. Através de uma seleção de vídeos\, fotografias\, pinturas e esculturas feitas nas últimas quatro décadas\, a exposição permite descobrir como algumas das obras de arte mais relevantes da atualidade surgem da investigação e de novas maneiras de contar a história. Pautada pela influente doação de obras de Patricia Phelps de Cisneros\, membro do conselho do MoMA\, e exibida em diálogo com outras obras latino-americanas da coleção do museu\, a mostra apresenta trabalhos de artistas consagrados\, como Rennó\, Alejandro Cesarco (Uruguai)\, Regina José Galindo (Guatemala)\, Mario García Torres (México)\, Leandro Katz (Argentina)\, Suwon Lee (Venezuela)\, Gilda Mantilla (Peru) e Raimond Chaves (Colômbia) e José Alejandro Restrepo (Colômbia)\, entre outros. A exposição nos oferece novas maneiras de nos relacionarmos com o passado para compreender e forjar melhor o presente\, seja reformulando criticamente a história colonial no território\, explorando as diferentes formas como os artistas revisam patrimônios culturais depreciados ou reforçando os mecanismos que fortalecem as relações de parentesco e o senso de pertencimento.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/amalia-mesa-bains-archaeology-of-memory-no-el-museo-del-barrio/
LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Avedon 100" na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta Avedon 100\, uma exposição histórica em comemoração ao centenário do nascimento de Richard Avedon. A coleção de fotografias de Avedon foi selecionada por mais de 150 pessoas\, incluindo artistas renomados\, designers\, músicos\, escritores\, curadores e representantes do mundo da moda\, que exploram o impacto do trabalho do fotógrafo nos dias de hoje. Avedon 100 documenta a influência duradoura de Avedon na fotografia e sua profunda impressão global na cultura visual. Em uma instalação projetada por Stefan Beckman\, a exposição representa seis décadas de sua obra\, incluindo a série In the American West e imagens do movimento de justiça social\, além de retratos clássicos\, publicidade e trabalhos de moda. A mostra apresenta tanto fotografias icônicas quanto raras\, incluindo várias impressões murais de tamanhos enormes\, bem como impressões de exposição criadas para sua retrospectiva de 1978 no Metropolitan Museum of Art\, em Nova York. As fotografias são exibidas em sequência cronológica solta\, com atenção especial à cadência visual\, mostrando como o artista dissolveu as fronteiras entre gêneros fotográficos e solidificou o status da mídia como uma forma de arte contemporânea. Em um mundo cada vez mais digital\, seu trabalho também é testemunho da arte da fotografia em filme. A exposição conta com retratos icônicos como de Marilyn Monroe\, Tina Turner\, Bob Dylan e Donyale Luna e fotografias selecionadas por Tonne Goodman\, Miuccia Prada\, Emma Watson\, Hillary Clinton entre muitos outros nomes.
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LOCATION:Gagosian\, 522 West 21st Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Back to Earth" no Canal Projects
DESCRIPTION:Back to Earth: Contested Histories of Outer Space Travel é uma exposição multimídia e um programa discursivo que procura se engajar criticamente com as narrativas dominantes da exploração espacial. O programa apresenta os filmes Afronauts (2014) de Nuotama Bodomo (Gana); Ningwasum (2021) de Subash Thebe Limbu (Nepal); Máquina Ancestral: Ureipy (2023) e Karaiw a’e wà ( 2022) de Zahy Tentehar (Tentehar-Guajajara\, Brasil)\, e See you later Space Island (2022) de Alice dos Reis (Portugal). Abordando as maneiras pelas quais os imaginários da viagem espacial\, do turismo espacial e da mineração cósmica continuam a naturalizar a colonização\, Back to Earth adota uma abordagem interseccional para novos imaginários planetários. O programa convida artistas e cineastas que\, a partir de suas perspectivas indígenas\, asiáticas\, negras e feministas\, estão refletindo sobre as implicações da exploração espacial para comunidades racializadas – especialmente à medida que esses empreendimentos exploratórios continuam a afirmar ideias tecnocráticas de progresso que apagam\, negam e desautorizam a capacidade de formas diversas de vida de existir e prosperar em nosso planeta. Seguindo a provocativa pergunta da filósofa Kelly Oliver: “how do we share the Earth with those with whom we don’t share the world?” [tradução livre: “como compartilhamos a Terra com aqueles com quem não compartilhamos o mundo?”]\, convidam a perceber concepções do mundo que não partem de uma visão totalizante do globo. Mas sim\, em visões que partem de uma imaginação mais ampla de mundos dentro do mundo. Esta intersecção também destaca como os experimentos visuais críticos de hoje podem nos ajudar a repensar nosso papel na construção de mundos que são fundamentados na terra\, enraizados na interdependência e que destacam a responsabilidade mútua.
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SUMMARY:"Listen Until You Hear" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:O que significa aceitar e se relacionar com a experiência desconhecida de outra pessoa ou entender o que só conhecemos através da intuição ou sentimento? Como realmente nos ver e ouvir afeta nossos relacionamentos e histórias? Listen Until You Hear é um convite ao público para estar presente\, abordando a fotografia\, o cinema\, a escultura e a performance em exibição\, com curiosidade e conscientização intencional. Cada um dos artistas expositores explora a ideia de ouvir como cura\, com trabalhos profundamente pessoais\, políticos e imaginativos através de uma variedade de mídias. O uso da representação pelos artistas é uma investigação sobre o que não é visto nem ouvido e destaca como o significado e o valor são moldados por nossa capacidade de nos ouvir e ouvir os outros. Esta exposição explora como formas mais profundas de ouvir podem levar a uma maior conscientização e conexão com nós mesmos e com o mundo ao nosso redor. Os artistas desta exposição refletem sobre a complexidade da vida\, visualizando temas que incluem liberdade\, família\, amor\, dor\, sobrevivência e futuro.
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LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Encounter: Barbara Chase-Riboud/Alberto Giacometti" no MoMA
DESCRIPTION:“Tudo estava coberto de gesso – as paredes\, os pisos\, o teto – e a primeira vez que o vi\, ele mesmo era uma múmia egípcia ambulante\, totalmente branca\, coberta de gesso branco”\, lembrou Barbara Chase-Riboud\, nascida na Filadélfia\, sobre sua visita em 1962 ao estúdio de Montparnasse do escultor suíço Alberto Giacometti. Foi o primeiro encontro entre dois expatriados de diferentes gerações\, que haviam feito de Paris seu lar. A última vez que se encontraram foi em Milão alguns anos depois\, pouco antes da morte de Giacometti. The Encounter: Barbara Chase-Riboud/Alberto Giacometti explora o terreno comum entre dois escultores que buscaram inspiração no passado para reimaginar a arte de seu tempo. Em suas esculturas\, tanto Chase-Riboud quanto Giacometti retornaram repetidamente à forma humana. Giacometti frequentemente começava com argila\, modelando suas obras à mão antes de fundi-las em gesso. Chase-Riboud\, que também se tornou uma aclamada poetisa e romancista\, preferia o antigo método de fundição em cera perdida para suas esculturas em bronze\, combinando-as com fibras trançadas e entrelaçadas\, lã ou seda. Esta exposição inclui cinco esculturas de gesso (que estão viajando para os Estados Unidos pela primeira vez) da icônica série Femmes de Venise (Mulheres de Veneza)\, feitas por Giacometti para a Bienal de Veneza de 1956\, juntamente com obras de toda a carreira de sete décadas de Chase-Riboud. Suas primeiras esculturas em bronze\, como The Couple (1963)\, aparecerão junto com outras obras da década de 1970\, incluindo All That Rises Must Converge (1973)\, incorporando a ideia de Chase-Riboud de que “a escultura não deve ficar parada”.
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SUMMARY:Jac Leirner no Swiss Institute
DESCRIPTION:O Swiss Institute  apresenta a primeira grande exposição individual institucional em Nova York da artista brasileira Jac Leirner (nascida em 1961\, em São Paulo). A exposição engloba uma ampla variedade cronológica da experiência da artista\, com obras que vão desde os anos 80 até hoje. Em pilhas\, montes e camadas\, a acumulação seletiva de objetos cotidianos de Leirner segue uma lógica acumulativa. O processo de Leirner\, ao mesmo tempo controlado e compulsivo\, leva a obscurecer parcialmente a própria natureza dos materiais que ela reúne\, pois eles se transformam em esculturas. A performance paradoxal do apagamento através da acumulação ecoa o desaparecimento dos objetos de escolha de Leirner ao longo dos anos: sacolas plásticas\, cigarros\, notas de banco e cartões de visita\, uma vez onipresentes e aparentemente insubstituíveis\, estão cada vez mais fora de circulação. Amarrado entre o desejo essencial de acumular e formas acidentais inesperadas\, o comprometimento de Leirner por mais de 40 anos em coletar materiais\, objetos e produtos compõe “um vocabulário idealista de signos onde a própria vontade de viver é discernível em uma materialidade cada vez mais distante” (tradução livre)\, como escreveu o sociólogo e filósofo francês\, Jean Baudrillard. Sua homenagem formal e contínua a materiais descartáveis eleva o efêmero ao biográfico\, ao coletivo e ao sublime.
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LOCATION:Swiss Intitute\, 38 St Marks Pl\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Lap-See Lam no Swiss Institute
DESCRIPTION:Tales of the Altersea é a primeira exposição individual nos Estados Unidos da artista Lap-See Lam\, baseada em Estocolmo. A mostra apresenta uma instalação de vídeo e CGI que explora a história dos restaurantes chineses fechados ou vendidos na Europa e\, de forma mais ampla\, suas interpretações poéticas das vidas das comunidades chinesas de Hong Kong na diáspora. Lam documentou o interior desses restaurantes usando um scanner 3D na década de 2010\, estabelecendo conexões visuais e históricas entre esses espaços\, ressaltando a importância da chinoiserie como um símbolo diaspórico. A narrativa de Lam se desenrola no SI como uma peça de sombras\, uma forma tradicional do folclore chinês disseminada na Europa por rotas comerciais imperialistas. A cenografia desse vídeo em 8 canais se baseia na decoração e imagens de um desses restaurantes: o flutuante Sea Palace. No início dos anos 1990\, esse navio de três andares foi encomendado por Johan Wang. O navio navegou de Xangai para a Europa\, mas fracassou economicamente após um ano e foi abandonado em Gotemburgo. Tales of the Altersea se desenrola nesse ambiente submarino luminoso\, onde duas protagonistas\, irmãs gêmeas\, encontram personagens inspirados na história e mitologia cantonesas. Acompanhada por música e paisagem sonora\, a história segue as meninas em uma jornada de aventura e descoberta. Esculturas de neon e latão retratando a cabeça e a cauda de um dragão adornam as extremidades do navio. Lam sintetiza técnicas de produção antigas e contemporâneas\, combinando estilos de realismo mágico e história oral\, explorando perdas geracionais e culturais\, assim como a identificação e desidentificação com construções culturais. Através de sua pesquisa e poética\, Lam indica as possibilidades que podem surgir nesses vazios. Além da exposição em Nova York\, programas públicos ocorrerão simultaneamente em Frankfurt\, onde uma versão da exposição também será apresentada no Portikus\, conectando a história e o presente dessas cidades como importantes centros comerciais.
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SUMMARY:Luc Tuymans na David Zwirner
DESCRIPTION:Luc Tuymans é representado pela David Zwirner desde 1994 e esta é a décima sétima exposição do artista na galeria. Novas pinturas do artista belga são apresentadas nesta exposição\, intitulada The Barn. Um dos pintores mais importantes da atualidade\, Tuymans criou um estilo distinto de pintura figurativa nos anos 80 que influenciou singularmente seus colegas e as gerações subsequentes de artistas. As composições profundamente ressonantes de Tuymans insistem no poder das imagens\, em revelar e reter significado\, simultaneamente. Os quadros do artista\, feitos com uma paleta contida e discreta\, baseiam-se em imagens pré-existentes de uma variedade de fontes históricas\, culturais e populares. No entanto\, sua aparência tranquila e reservada esconde uma complexidade moral subjacente que se envolve igualmente com questões de história e sua representação\, bem como com assuntos mundanos. Nos últimos anos\, Tuymans tem recorrido cada vez mais à internet em busca de material visual\, selecionando imagens – muitas vezes refotografando-as com seu iPhone antes de transpô-las para a tela – que percorrem o banal e o profundo\, afirmando continuamente a relevância da pintura em um mundo saturado digitalmente. A exposição estreia um conjunto de novas pinturas em grande escala que transmitem uma atmosfera de dissolução\, referenciando uma ampla variedade de imagens de diferentes origens. Confira!
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LOCATION:David Zwirner\, 537 W 20th St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Yayoi Kusama na David Zwirner
DESCRIPTION:Uma experiência visual e sensorial única com a nova exposição de Yayoi Kusama\, “I Spend Each Day Embracing Flowers”. Apresentada nas três localizações da galeria David Zwirner em Nova York\, esta mostra marca uma década desde a primeira exposição individual da artista com a galeria em 2013 e promete ser uma das suas maiores exposições até o momento. Kusama\, uma das artistas mais influentes dos séculos XX e XXI\, possui um estilo altamente pessoal e reconhecível\, que ressoa com o público global. Sua obra abrange uma ampla gama de mídias\, desde pinturas e esculturas até instalações de salas e intervenções arquitetônicas. Seus trabalhos frequentemente apresentam elementos repetitivos\, como pontos\, que evocam universos microscópicos e macroscópicos. A exposição destaca três esculturas monumentais de flores\, intituladas “I Spend Each Day Embracing Flowers” (localizadas na sede em 519 West 19th Street). Inspirada pela fascinação de Kusama pelo mundo natural\, essa imersiva experiência convida o público a mergulhar em um jardim exuberante. Na outra sede da galeria (533 West 19th Street)\, três esculturas gigantes de abóboras transfiguram as formas orgânicas reinventadas por Kusama ao longo de várias décadas\, envolvendo os visitantes em seus característicos padrões de bolinhas. A exposição também apresenta trinta e seis pinturas\, a maioria das quais faz parte da recente série “EVERY DAY I PRAY FOR LOVE” (2021-presente)\, e uma nova Infinity Mirror Room. As obras coloridas e densamente trabalhadas exploram a linha tênue entre abstração e figuratividade\, refletindo a história da obsessão presente na obra de Kusama. A Infinity Mirror Room “Dreaming of Earth’s Sphericity\, I Would Offer My Love” é um espaço imersivo com janelas coloridas que permitem a entrada de luz natural e artificial\, criando um jogo de luzes e corpos em movimento. Essa exposição marca um marco na carreira de Kusama e é um testemunho do seu impacto duradouro na história da arte.
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SUMMARY:Cathy Josefowitz na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:A Hauser & Wirth Nova York apresenta Forever Young\, sua primeira exposição dedicada à arte de Cathy Josefowitz (1956 – 2014). A mostra celebra a vida\, visão e conquistas de Josefowitz por meio de uma seleção meticulosa de obras\, incluindo muitas exibidas pela primeira vez. Apresentando uma série de pinturas\, trabalhos em papel – incluindo pastel\, caneta de feltro\, tinta\, guache e aquarela – e raras filmagens de duas coreografias\, a exposição destaca as primeiras obras da prática de Josefowitz e explora traços dessas descobertas fundamentais que persistiram ao longo de sua carreira. Prolífica\, perspicaz e infinitamente imaginativa\, mas pouco reconhecida em vida\, Josefowitz transcendeu de forma engenhosa as hierarquias de mídia e gênero em busca de uma prática artística que abrangesse desenho\, pintura\, teatro e dança. Nascida em Nova York e criada na Suíça\, ela criou uma obra de ambição marcante\, desenvolvendo uma sintaxe visual singular em sua busca por representar o corpo humano como veículo de expressão da experiência individual. Ao discutir sua prática\, Josefowitz disse: “É minha voz\, minha respiração\, meu mundo. Às vezes um mundo ideal\, às vezes um mundo muito difícil”. A exposição destaca pinturas da década de 1970 influenciadas por movimentos artísticos do século XX\, desenhos expressivos em papel e filmagens de coreografias\, que destacam sua fusão entre pintura e dança\, revelando a evolução da prática de Josefowitz e sua exploração da intimidade\, da distorção do corpo e da abstração. Por fim\, suas pinturas Kamasutra de 2009 e 2010 mostram a intimidade de casais\, ao mesmo tempo em que minimizam o corpo humano a ponto de ele mal ser discernível em relação ao espaço ilimitado e monocromático que envolve as figuras. Nas últimas pinturas que a artista produziu\, a figura desapareceu completamente de sua obra\, dando lugar a uma abstração total que libertou a artista em sua busca por dispensar limites e restrições.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York\, 69th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Trevor Paglen na Pace Gallery
DESCRIPTION:You’ve Just Been F*cked by PSYOPS\, é a primeira exposição solo do artista na Pace em Nova York. Esta apresentação temática\, examina os efeitos duradouros das operações de influência militar e da CIA na cultura americana. A mostra – que coincide com as edições de 2023 da Frieze New York e da TEFAF New York – servirá como núcleo conceitual de um projeto multifacetado pelo artista que inclui também um projeto Web3\, lançado pela Art Blocks x Pace Verso\, e um trabalho de “realidade especulativa”. Trevor Paglen\, cuja prática rigorosa abrange fotografia\, escultura\, vídeo e instalação\, é conhecido por suas investigações de fenômenos e forças invisíveis\, incluindo assuntos tecnológicos\, científicos\, socio-políticos e históricos. Através de seu trabalho\, Paglen explorou inteligência artificial\, vigilância\, coleta de dados e militarismo na América\, refletindo sobre as maneiras como esses problemas influenciam modos de perceber e relacionar-se com o mundo natural\, desde as paisagens do oeste americano até os reinos cosmológicos além da Terra.
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LOCATION:Pace Gallery\, 540 W 25th St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Lizania Cruz na PROXYCO Gallery
DESCRIPTION:Lizania Cruz frequentemente convida seu público a reavaliar as regras. Seja reunindo histórias orais ou orquestrando acontecimentos participativos\, a artista e designer utiliza seu trabalho para desfazer a cola do registro histórico\, revelando as histórias violentas e apagamentos intencionais enterrados por baixo. Com essa exposição\, intitulada Influential Sites\, Cruz estende sua pesquisa contínua sobre as maneiras pelas quais a história caribenha tem sido escrita. Elementos de seu projeto multifacetado\, Investigation of the Dominican Racial Imaginary (2019-)\, preenchem a galeria com “evidências” dos esforços de branqueamento do estado dominicano\, que há muito tempo utiliza retórica anti-negra e anti-haitiana para apagar séculos de resistência multirracial e trabalhadora ao seu padrão de autoritarismo e intervenção dos Estados Unidos. Aqui\, a documentação fotográfica e em vídeo retrata Cruz em seu papel de investigadora principal dessa história manipulada\, buscando captar as nuances de raça e pertencimento dentro e além das fronteiras do país. Ao longo de Influential Sites\, Cruz chama nossa atenção para a falsa neutralidade da “história”\, apontando as lacunas em sua principal fonte de prova: o arquivo. No entanto\, como a faixa que convida o público à galeria\, Cruz nos leva ainda mais longe\, nos instigando a preencher as lacunas da história por nós mesmos.
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LOCATION:PROXYCO Gallery\, 121 Orchard St.\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Young Picasso in Paris" no Guggenheim
DESCRIPTION:Pablo Picasso chegou pela primeira vez a Paris\, vindo de Barcelona\, no outono de 1900\, durante as últimas semanas da Exposição Universal que incluía seu trabalho no pavilhão espanhol. A cidade da luz\, como Paris é conhecida\, cativou e transformou o jovem espanhol de dezenove anos. Embora Picasso falasse pouco francês\, ele absorveu tudo o que Paris tinha a oferecer durante sua estada inicial de dois meses e durante sua volta em maio do ano seguinte até o final de 1901. Ele frequentou não apenas as galerias de arte\, mas também os cafés boêmios\, clubes noturnos barulhentos e casas de dança que permeavam seu bairro no topo da colina de Montmartre. Esses locais de encontro social e os diversos tipos de pessoas que os frequentavam\, rapidamente se tornaram uma fonte primária de inspiração.Coincidindo com o cinquentenário da morte de Picasso\, a exposição “Young Picasso in Paris” explora um momento crítico em seu desenvolvimento artístico e destaca uma obra definidora\, Le Moulin de la Galette\, que recentemente foi objeto de uma análise de conservação e um projeto de tratamento. A famosa casa de dança havia sido retratada por vanguardistas como Ramon Casas\, Pierre-Auguste Renoir\, Henri de Toulouse-Lautrec e Vincent van Gogh. Na versão instigante de Picasso\, uma seção transversal da sociedade parisiense se mistura sob as luzes elétricas. Esta pintura e outras\, demonstram a fascinação do jovem artista pelos aspectos não convencionais da vida moderna. O trabalho inicial de Picasso antecipa o desenraizamento social que ele traz à tona com mais clareza em seu subsequente Blue Period (1901-04) através de representações dos explorados e vulneráveis. Esta exposição íntima inclui um pequeno grupo de pinturas e desenhos que mostram os exercícios de estudo de personagens de Picasso e demonstram sua evolução durante este período formativo. À beira do precipício em 1900\, o artista eventualmente superou sua formação acadêmica para criar uma prática singular reflexiva de seu tempo.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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