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SUMMARY:"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção\, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias\, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social\, no qual as técnicas artísticas\, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados\, sem estar preso a uma cronologia rígida\, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero\, classe\, trabalho\, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade\, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet\, Gustave Courbet\, Berthe Morisot\, Francisco Oller\, Henri Matisse\, Pablo Picasso\, Yves Tanguy\, Vasily Kandinsky\, entre outros.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/monet-to-morisot-the-real-and-imagined-in-european-art-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Oscar yi Hou no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Em uma época de crescente violência contra as comunidades asiáticas nos Estados Unidos\, Oscar yi Hou questiona o que significa ser “asiático-americano” e quem é considerado “norte-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon\, título de um poema do artista\, compreende onze de suas recentes pinturas figurativas. Em algumas obras\, yi Hou coloca seus amigos e ele mesmo como figuras da história do leste asiático e da cultura visual ocidental\, desde imigrantes chineses do século XIX até Son Goku\, da popular franquia de mídia Dragon Ball. Em outros\, o artista retrata suas amigas\, muitas das quais\, como ele\, se identificam como parte de uma comunidade criativa asiática\, em papéis tradicionalmente brancos e masculinos\, acabando com os estereótipos de longa data. Da mesma forma\, yi Hou olha tanto para a cultura popular quanto para referências passadas\, incluindo as coleções de arte asiática recentemente reinstaladas do Brooklyn Museum\, em sua abordagem para essas composições que remete à colagem. O artista envolve seus temas com o que ele chama de iconografia de “cowboy chinês”\, um caleidoscópio de imagens como bandeiras americanas\, símbolos yin-yang\, chapéus de cowboy e caligrafia chinesa. Através dessa justaposição (e de sua crítica sobre as calúnias contra o povo do Leste Asiático) yi Hou revela a complexidade da questão de identidade nacional\, como evidenciado por sua própria origem sino-britânica. Agora morando no Brooklyn\, ele afirma: “Embora eu seja apenas um norte-americano\, sou resolutamente um asiático-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon é organizado por Eugenie Tsai\, Curador Sênior de Arte Contemporânea do Brooklyn Museum\, com Indira A. Abiskaroon\, Assistente Curatorial de Arte Moderna e Contemporânea.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/oscar-yi-hou-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Richard Avedon no The Met Museum
DESCRIPTION:Em 1969\, Richard Avedon estava em uma encruzilhada. Após um hiato de cinco anos\, o fotógrafo voltou a fazer retratos\, desta vez com uma nova câmera e um novo senso de escala. Trocando seu Rolleiflex portátil por um dispositivo maior montado em um tripé\, ele reinventou a dinâmica de seu estúdio. Ao invés de dançar em torno de seus assuntos por trás de um visor\, como fazia em suas fotos enérgicas de moda\, ele agora podia ficar ao lado de uma câmera estacionária e encará-los de frente. Enfrentando grupos de artistas\, ativistas e políticos proeminentes da época\, ele criou enormes retratos fotomurais\, condizentes com sua influência cultural descomunal. No centenário do nascimento do fotógrafo\, Richard Avedon: MURALS reunirá três dessas obras monumentais\, algumas com até 35 pés de largura. Para Avedon\, os murais expandiram as possibilidades artísticas da fotografia\, reorientando radicalmente espectadores e temas em uma visão ampla e abrangente. Os murais são retratos da sociedade. Neles\, Avedon reúne gigantes do final do século XX (membros da Factory de Andy Warhol\, arquitetos da guerra do Vietnã e manifestantes contra essa guerra) que juntos moldaram uma era extraordinariamente turbulenta da vida americana. Apresentados em uma galeria\, seus enormes retratos encenarão uma conversa improvável entre campos historicamente opostos\, bem como espectadores contemporâneos. As inovações formais do alto estilo de Avedon – corpos fortemente iluminados em um fundo branco impiedoso – são melhor realizadas nessas obras\, onde os personagens se juntam e aglomeram o quadro\, e vazios brilhantes entre eles estalam em contraste. Unindo os murais com projetos contemporâneos\, a exposição acompanha a abordagem evolutiva de Avedon para o retrato de grupo\, por meio do qual ele transformou as convenções deste gênero fotográfico.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/richard-avedon-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Mary Enoch Elizabeth Baxter no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:No quinquagésimo aniversário do caso Roe v. Wade – e no ano seguinte à sua revogação – esta exposição examina a longa história de injustiça reprodutiva nos Estados Unidos por meio de dois projetos de Mary Enoch Elizabeth Baxter. A artista e ativista prioriza a narrativa e a cura em seu trabalho\, explorando os processos institucionais\, legais e culturais que têm brutalmente privado as mulheres e meninas negras de sua autonomia corporal. Em seu filme Ain’t I a Woman\, Baxter conecta sua experiência de dar à luz algemada ao combate expandido pelos direitos reprodutivos – um combate que destaca as vulnerabilidades e violências contra as mulheres negras\, que historicamente têm sido negadas o direito de decidir se\, quando e como ter filhos de forma segura. O documentário musical é acompanhado por Consecration to Mary\, um trabalho fotográfico multipartidário que relaciona as histórias de abuso enfrentado por crianças negras ao “viés de adultificação”\, uma realidade social em que jovens negros são sistematicamente tratados como adultos. Na obra\, Baxter confronta e combate fotografias nuas sexualmente exploratórias de uma jovem negra tiradas pelo famoso artista americano branco Thomas Eakins em 1882. Baxter se insere em duas das fotografias de Eakins para proteger a vítima e apresenta outras imagens em estojos fechados de daguerreótipo\, ocultando-as da vista pública. Uma terceira fotografia aberta de Baxter quando criança conecta a própria artista a essas histórias de abuso social. Juntos\, esses trabalhos expõem como a exploração de meninas negras leva ao desempoderamento político e à precariedade social\, resultando no encarceramento em massa de mulheres negras. Ao colocar em destaque membros profundamente vulneráveis da sociedade americana\, a exposição amplia o discurso sobre o acesso ao aborto para uma conversa mais complexa sobre justiça reprodutiva\, abrangendo direitos humanos\, empatia e libertação.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Refigured" no Whitney Museum
DESCRIPTION:As obras em Refigured\, selecionadas da coleção do Whitney e incluindo vídeo\, animação\, escultura e realidade aumentada\, refletem sobre as interações entre a materialidade digital e física. As esculturas são simultaneamente físicas e virtuais\, enquanto o vídeo e a animação se estendem além das telas e para a galeria. A exposição reúne um grupo de artistas – Morehshin Allahyari\, American Artist\, Zach Blas e Jemima Wyman\, Auriea Harvey e Rachel Rossin – que se envolvem com o conceito de “refiguração”\, apropriando-se de formas materiais e corpos para recriá-los e reinventá-los. A refiguração se torna um processo de imaginar mundos alternativos como meio de construir identidade. As cinco instalações em exibição nesta exposição respondem às várias forças que formam a identidade\, como novos modos de auto-representação (através de avatares) e até estruturas de opressão\, desde sistemas tecnológicos até o colonialismo. Algumas obras exploram como a identidade está incorporada no desenvolvimento de interfaces de computador e inteligência artificial. Outras abordam a refiguração da identidade em ambientes online e mitos culturais antigos. Juntas\, as obras destacam as fronteiras porosas entre os mundos material e virtual de hoje e as formas como sua interação molda nossa ideia de identidade. Esta exposição é organizada por Christiane Paul\, curadora de arte digital do Whitney Museum.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/refigured-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Movement in Every Direction" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Entre 1915 e 1970\, na esteira do terror racial durante o período pós-Reconstrução\, milhões de afro-americanos fugiram de suas casas para outras áreas dentro do Sul e para outras partes do país. Esse notável movimento de pessoas\, conhecido como Great Migration\, causou uma mudança radical na composição demográfica\, econômica e sociopolítica dos Estados Unidos. A Movement in Every Direction: Legacies of the Great Migration reúne doze artistas contemporâneos para refletir sobre o impacto complexo desse período em suas vidas\, assim como na vida social e cultural\, por meio de obras recém-comissionadas que vão desde instalações de grande escala\, filmes imersivos e tapeçaria até fotografia\, pintura e mídia mista. Os artistas em destaque são Akea Brionne\, Mark Bradford\, Zoë Charlton\, Larry W. Cook\, Torkwase Dyson\, Theaster Gates Jr.\, Allison Janae Hamilton\, Leslie Hewitt\, Steffani Jemison\, Robert Pruitt\, Jamea Richmond-Edwards e Carrie Mae Weems. A Movement in Every Direction apresenta uma abordagem diferente dos relatos tradicionais da Great Migration\, que geralmente são compreendidos por meio de uma perspectiva de trauma\, e os reconceitualiza por meio de histórias de autoafirmação\, autodeterminação e autoexame. Embora o Sul tenha perdido gerações de afro-americanos corajosos\, criativos e produtivos devido a desigualdades raciais e sociais\, a exposição amplia a narrativa ao apresentar pessoas que permaneceram ou retornaram à região durante esse período. Além disso\, a apresentação do Museu do Brooklyn destaca o Brooklyn como outro local importante na Great Migration\, destacando dados históricos e contemporâneos do censo sobre os padrões de migração do distrito. Os visitantes são incentivados a compartilhar suas próprias histórias pessoais e familiares de migração por meio de uma “cápsula” de história oral disponível nas galerias da exposição.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Signals" no MoMA
DESCRIPTION:O vídeo está em toda parte hoje: em nossos telefones e telas\, definindo novos espaços e experiências\, espalhando memes\, mentiras\, fervor e poder. Compartilhado\, enviado e em rede\, ele molda a opinião pública e cria novas audiências. Em outras palavras\, o vídeo transformou o mundo. Reunindo uma gama diversificada de trabalhos das últimas seis décadas\, a exposição Signals: How Video Transformed the World revela as formas como os artistas têm colocado o vídeo como um agente de mudança global – da revolução televisiva à democracia eletrônica. A exposição destaca mais de 70 trabalhos de mídia\, extraídos principalmente da coleção do MoMA ao lado de outros nunca vistos antes no museu. Entre os artistas em destaque estão John Akomfrah\, Gretchen Bender\, Dara Birnbaum\, Tony Cokes\, Amar Kanwar\, New Red Order\, Nam June Paik\, Sondra Perry\, Martine Syms\, Stan VanDerBeek\, e Ming Wong. Signals permite ao público experimentar os formatos\, as configurações e o alcance global da arte em vídeo\, desde vigilância em circuito fechado até vídeo viral\, desde instalação em larga escala até redes sociais. Com esta ampla gama de formas e mídias\, os artistas têm defendido e questionado a promessa do vídeo. Alguns esperavam criar redes inteiramente novas de comunicação\, engajamento democrático e participação pública. Outros protestaram contra o aumento do controle comercial e estatal sobre a informação\, a visão e a própria verdade. Signals enfoca a forma como os artistas têm usado o vídeo para fazer perguntas urgentes sobre a sociedade e propor novos modelos de vida pública. A mostra também dialoga com dois momentos da exposição de longa duração do acervo do anos 1970 da instituição: a instalação Flo\, de Sandra Mujinga\, que mostra um performer real em uma escultura vestível que lhe confere aura sobrenatural e tecnológica; e a sala Limits of Control\, que tem duas de suas obras inseridas na mostra Signals. Esta exposição contém obras com conteúdo gráfico. O discernimento dos visitantes é aconselhado\, particularmente para aqueles acompanhados por crianças. A exposição contém luzes intermitentes e estroboscópicas que podem não ser adequadas para todos os visitantes\, em especial epilépticos.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Funk You Too!" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Funk You Too! Humor and Irreverence in Ceramic Sculpture reúne 50 obras de arte desde a década de 1960 até os dias atuais que destacam a argila como uma ferramenta cativante de crítica e sátira. Na exposição\, peças de artistas da geração originária do Funk Art são colocadas ao lado de trabalhos de artistas contemporâneos que estão expandindo o legado de humor\, subversão e figuração expressiva do Funk. As cerâmicas do Funk surgiram pela primeira vez na Costa Oeste na década de 1960\, criadas por um grupo de artistas que compartilhavam uma visão anticonformista em relação às expectativas da “arte boa”. Embora conscientes da atitude irreverente e da estética de seus predecessores\, a nova geração de artistas apresentada em Funk You Too! está examinando o potencial do humor na argila por meio de uma variedade de perspectivas. Ao levar o Funk para o futuro\, esses artistas estão aproveitando o poder de uma boa piada para abordar algumas das questões sociais e políticas mais urgentes de nosso tempo.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/funk-you-too-no-museum-of-arts-and-design/
LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Chris Burden na Gagosian
DESCRIPTION:Cross Communication é uma exposição de relíquias\, filmes e trabalhos em vídeo de Chris Burden\, além de outros materiais que documentam suas primeiras exposições. Em suas performances e trabalhos de áudio/vídeo dos anos 1970 e 1980\, Burden desafiou suas próprias limitações mentais e físicas enquanto explorava a construção de seu universo semântico. Fascinado pela mediação da linguagem visual na publicidade televisiva com sua representação de fórmulas de fama e sucesso\, ele procurou refletir a violência emergente e a complexidade da sociedade norte-americana. Empregando táticas de guerrilha não convencionais para questionar a ampla aceitação da cultura de consumo\, Burden confrontou o público com sua própria culpabilidade moral. Ao longo de sua carreira\, ele passou de performances nas quais seu próprio corpo funcionava como meio de comunicação para espetaculares esculturas e instalações em larga escala\, algumas das quais utilizam peças de brinquedo ou veículos reais. Muitas das primeiras performances de Burden mostram o artista se colocando em situações perigosas ou desconfortáveis\, em que ele investiu tanto com impacto visceral quanto com uma pegada metafórica. Em imagens Super-8 do famoso vídeo Shoot (1971)\, ele é mostrado sendo atingido no braço esquerdo por um amigo com um rifle\, enquanto em 220 (1971)\, ele e outros três amigos se empoleiram nas escadas de uma galeria inundada\, para\, na sequência\, soltar um fio elétrico de 220v na água. Em Back to You (1974)\, um voluntário enfia alfinetes no estômago e no pé do artista enquanto ele se deita no chão de um elevador\, e em Through the Night Softly (1973) Bruden rasteja sobre vidros quebrados na Main Street. Outros filmes revelam o envolvimento de Burden com as forças naturais\, testando seus poderes de resistência\, ou simplesmente sua sorte. Em Fire Roll (1973)\, ele apaga um par de calças em chamas com seu próprio corpo e em Icarus (1973)\, ele se levanta debaixo de duas placas de vidro em chamas. Em Velvet Water (1974)\, ele faz repetidas tentativas de respirar líquido no lugar de ar\, enquanto B.C. México (1973) mostra o artista sobrevivendo a onze dias solitários em uma praia remota. Essas e outras obras perturbadoras podem ser vistas na exposição.
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LOCATION:Gagosian Park & 75\, 821 Park Avenue\, Nova York\, Nova York\, 10021\, Estados Unidos
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SUMMARY:Onyeka Igwe no MoMA PS1
DESCRIPTION:Através do cinema e da instalação\, a prática multidisciplinar de Onyeka Igwe (nascida em 1986\, Londres) examina eventos históricos pouco conhecidos\, coletando e combinando fontes documentais\, incluindo registros governamentais\, relatórios oficiais\, artefatos materiais e memória pessoal\, além de gesto\, voz\, dança e canto. Esta exposição apresenta uma série de três curtas-metragens — Her Name in My Mouth (2017)\, Sitting on a Man (2018) e Specialised Technique (2018) — apresentados como cinema expandido. A estrutura em camadas dos filmes de Igwe expõe as multiplicidades narrativas da vida contemporânea e contesta a narrativa única e progressiva da ideologia ocidental. Seu estilo de edição rítmica enfatiza a dissonância\, a reflexão e a amplificação entre imagem e som\, inseridos em uma instalação espacial. O tema principal do ciclo de filmes é a Guerra das Mulheres Igbos\, em 1929\, que Igwe descobriu pela primeira vez através de relatos familiares. Liderado principalmente por mulheres igbo\, o conflito é considerado uma das primeiras revoltas anticoloniais na Nigéria e marca um episódio violento na defesa do Império Britânico. Ao recuperar conceitualmente a história reprimida desse ato coletivo de resistência\, Igwe encontra\, mesmo nas tragédias do passado\, novos meios para compreender o presente. A exposição destaca o interesse contínuo da artista na relação entre movimento físico — ou seja\, dança — e movimentos de protesto\, especialmente aqueles protagonizados por mulheres.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"And we learn to keep the soil wet" no Center for Art\, Research ans Alliances
DESCRIPTION:And we learn to keep the soil wet reúne as práticas de nove artistas envolvidos numa ética de intimidade e reciprocidade. Estes artistas experimentam vocabulários visuais e sonoros que consideram a natureza\, o corpo e a tecnologia não como territórios divididos\, mas como produtos de solidariedades e conciliações. As obras desta exposição refletem sobre a importância do pensamento relacional e da percepção para além do humano\, recuperando e alimentando as ligações entre as pessoas e outras formas de vida. O solo e o corpo\, por exemplo\, manifestam estas formas de interdependência. Carregam histórias de violência ao mesmo tempo que nutrem ciclos de crescimento e decadência que atuam como catalisadores da transformação das relações sociais e racializadas. A partir de perspectivas variadas\, Antonio Henrique Amaral\, Ane Graff\, Timothy Yanick Hunter\, Kite\, Ana María Millán\, Ebony G. Patterson\, Khari Johnson Ricks\, Suellen Rocca e Zheng Bo desafiam os seus territórios\, dados ou impostos\, por meio de obras que cresceram desde arquiteturas emocionais\, como o espaço dos sonhos\, a resiliência das florestas\, as memórias da carne e as ligações entre o intestino e o cérebro. \n\n\n\nA mostra convida à imaginação de um mundo que transborda de alegria queer\, onde o prazer pode atuar como um canal para a libertação do capitalismo racial. Sonhar com um mundo assim requer a compreensão de que a criação de significados e de conhecimentos somáticos e artificiais é algo que todos os seres praticam tanto em ambientes construídos como naturais. Através desta exposição e da programação do CARA\, continuamos a examinar a nossa questão orientadora: Como podemos sonhar não só com nós próprios? Esta exposição faz parte das nossas reflexões em curso sobre a forma como as definições universalizadas do corpo ganharam preponderância cultural e foram mantidas através de processos de opressão e apagamento. Em vez disso\, esperamos considerar o corpo e os seus ambientes como organismos porosos\, em processos contínuos de co-criação e influência. Desta forma\, podemos começar a avançar para um mundo que honra a diversidade da vida\, compreendendo que preservar e cuidar da terra também significa cuidar de todos os seres que a habitam. Continuamos a perguntar-nos: como podemos encarnar a nossa interdependência?
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LOCATION:Center of Art\, Research and Alliances\, 225 West 13th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Gego e Sarah Sze no Guggenheim
DESCRIPTION:Duas exposições são destaque na programação do Guggenheim: Gego: Measuring Infinity e Timelapse\, individual de Sarah Sze. Gego\, ou Gertrud Goldschmidt (1912\, Hamburgo – 1994\, Caracas)\, formou-se primeiro como arquiteta e engenheira na Technische Hochschule Stuttgart (hoje Universität Stuttgart). Fugindo da perseguição nazista em 1939\, ela imigrou para a Venezuela\, onde se estabeleceu permanentemente\, iniciando uma carreira artística nos anos 1950 que se estenderia por mais de quatro décadas. Em trabalhos bidimensionais e tridimensionais em diversos meios\, Gego explorou a relação entre linha\, espaço e volume. Sua prática nos campos relacionados de arquitetura\, design e ensino complementou essas investigações. A exposição Gego: Measuring Infinity é a primeira grande retrospectiva museológica da obra de Gego nos Estados Unidos desde 2005\, oferecendo uma visão totalmente integrada da influente artista germano-venezuelana e sua abordagem diferenciada da linguagem da abstração. Em cinco rampas da rotunda do Guggenheim\, a pesquisa cronológica e temática apresenta quase 200 obras do início dos anos 1950 até o início dos anos 1990\, incluindo esculturas\, desenhos\, gravuras\, tecidos e livros de artista\, além de imagens fotográficas de instalações e obras públicas\, esboços\, publicações e cartas. Gego é uma das artistas mais significativas a emergir da América Latina durante a segunda metade do século 20\, mas sua obra continua sendo menos conhecida nos Estados Unidos. Examinando as contribuições formais e conceituais que ela fez através de suas formas orgânicas\, estruturas lineares e investigações espaciais sistemáticas\, Gego: Measuring Infinity fundamenta a prática de Gego nos contextos artísticos da América Latina que floresceu ao longo de sua longa carreira\, considerando as interseções da artista com e saindo de movimentos artísticos transnacionais importantes\, como a abstração geométrica e a arte cinética. Gego apresentou idéias radicais através de suas intensas investigações sobre sistemas estruturais: transparência\, tensão\, fragilidade\, relações espaciais e os efeitos óticos do movimento são abordados metodicamente em seu singular corpo de trabalho. Traçando um caminho artístico marcadamente individual\, Gego desafiou a categorização. Essa retrospectiva há muito esperada se baseia no legado do Museu Guggenheim de apresentar exposições inovadoras de pesquisa individual moderna e contemporânea em um contexto global que defende a arte não objetiva. A mostra é co-curada por Pablo León de la Barra\, curador geral de América Latina do Guggenheim\, e Geaninne Gutiérrez-Guimarães\, curadora associada do museu. Para a individual Timelapse\, Sze criou uma série de instalações específicas do local que tecem um rastro de descoberta através de múltiplos espaços do icônico edifício do Guggenheim\, projetado por Frank Lloyd Wright. No exterior\, a exposição se espalha para a esfera pública além das paredes do museu. Um rio de imagens fluindo cobre o exterior do edifício\, ecoando o movimento do trânsito e dos transeuntes ao nível da rua\, enquanto uma projeção ao vivo da lua na fachada curva da rotunda espelha seu ciclo ao longo do curso da exposição.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Cecily Brown no The Met Museum
DESCRIPTION:Há mais de vinte e cinco anos\, Cecily Brown (nascida em 1969) tem fascinado espectadores com cores suntuosas\, pinceladas ousadas e narrativas complexas relacionadas a alguns dos temas mais grandiosos e antigos da história da arte ocidental. Após se mudar de Londres para Nova York na década de 1990\, ela ressuscitou a pintura para uma nova geração\, juntamente com um punhado de outros artistas\, muitas delas mulheres\, exatamente no momento em que os críticos questionavam sua importância e relevância. A primeira exposição completa institucional sobre o trabalho de Brown em Nova York desde que ela se estabeleceu na cidade\, Cecily Brown: Death and the Maid reúne cerca de cinquenta pinturas\, desenhos\, cadernos de esboços e monotipias de diferentes momentos de sua carreira para explorar os temas entrelaçados de natureza-morta\, memento mori\, reflexão e vanitas – representações simbólicas da vaidade humana ou da brevidade da vida – que impulsionaram sua prática dinâmica e impactante por décadas.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Georgia O'Keeffe no MoMA
DESCRIPTION:“To See Takes Time”\, escreveu Georgia O’Keeffe uma vez. Mais conhecida por suas pinturas de flores\, O’Keeffe (1887-1986) também fez extraordinárias séries de obras em carvão\, lápis\, aquarela e pastel. A exposição\, organizada por Samantha Friedman\, reúne trabalhos em papel que são frequentemente vistos individualmente\, juntamente com pinturas-chave\, esta exposição oferece um vislumbre raro dos métodos de trabalho da artista e nos convida a dedicar um tempo para olhar. Ao longo de sua longa carreira\, O’Keeffe revisitou e retrabalhou os mesmos assuntos\, desenvolvendo\, repetindo e transformando padrões que estão entre a observação e a abstração. Entre 1915 e 1918\, um período de experimentação revolucionário\, a artista realizou tantos trabalhos em papel quanto nas quatro décadas seguintes\, produzindo progressões de linhas arrojadas\, paisagens orgânicas e nus autênticos\, bem como obras em carvão radicalmente abstratos a que chamou de “especiais”. Mesmo quando se voltava cada vez mais para a pintura\, séries importantes – incluindo flores nos anos 1930\, retratos nos anos 40 e visões aéreas nos anos 50 – reafirmaram seu compromisso de trabalhar em papel. Desenhar dessa maneira permitiu a O’Keeffe capturar não apenas as formas da natureza\, mas também seus ritmos: traçar a espiral descendente do sol em pigmento vividamente colorido ou comprometer com o preto aveludado a perspectiva em mudança vista de uma janela de avião.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Mark Bradford na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A Hauser & Wirth apresenta a exposição individual You Don’t Have to Tell Me Twice de Mark Bradford\, que marca uma investigação profunda e pessoal da natureza multifacetada do deslocamento e das forças predatórias que se alimentam das populações impulsionadas pela crise. Bradford\, conhecido por sua “abstração social”\, voltou recentemente sua atenção para figuras\, incluindo a sua própria\, e criou novas obras abrangentes onde flora\, fauna\, predadores e presas movem-se dentro de paisagens abstratas densas\, oníricas\, compostas de material\, cor e linha. A mostra inclui pinturas recentes influenciadas pela história das tapeçarias europeias e sua importância sociopolítica como símbolos da maior opulência da aristocracia europeia e sua relação com o poder. Esses trabalhos são complementados por pinturas semelhantes a tapeçarias focadas em espécies de plantas e animais nativas da área ao redor de Blackdom\, um assentamento de pioneiros afro-americanos do início do século XX fundado no deserto do Novo México\, distante do Sul segregacionista dos Estados Unidos. A justaposição dessas pinturas estabelece uma conexão entre história e conflitos modernos\, sugerindo que o período medieval é uma metáfora relevante para as tensões sociais atuais. A exposição também apresenta telas monumentais\, incluindo a pintura que dá nome à mostra\, You Don’t Have to Tell Me Twice\, que continua a investigação de Bradford sobre a Grande Migração dos afro-americanos para fora do Sul\, talvez o maior movimento de pessoas da história do país. Dois autorretratos expostos ao longo da mostra ancoram uma narrativa que reflete a consciência do corpo e a vulnerabilidade do artista. Além disso\, em parceria com a Culture for One\, a Hauser & Wirth e Mark Bradford desenvolveram um programa educacional para jovens do sistema de adoção. Os participantes trabalharão com Bradford para criar eventos de engajamento público\, ajudando-os a desenvolver confiança e adquirir novas habilidades à medida que lideram visitas guiadas da exposição para o público em geral.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York\, 69th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Jaune Quick-to-See Smith no Whitney Museum
DESCRIPTION:Esta exposição é a primeira retrospectiva em Nova York de Jaune Quick-to-See Smith (nascida em 1940\, cidadã da Confederação Salish e Kootenai)\, um olhar tardio\, mas oportuno\, do trabalho de uma artista pioneira. Jaune Quick-to-See Smith: Memory Map\, curada por Laura Phipps\, reúne quase cinco décadas de desenhos\, gravuras\, pinturas e esculturas de Smith na maior e mais abrangente exposição de sua carreira até hoje. O trabalho de Smith dialoga com modos contemporâneos de produção artística\, desde a sua adesão idiossincrática da abstração até suas reflexões sobre a arte pop americana e o neo-expressionismo. Essas tradições artísticas são incorporadas e reimaginadas com conceitos enraizados na própria prática cultural de Smith\, refletindo sua crença de que seu “trabalho de vida envolve examinar a vida contemporânea na América e interpretá-la por meio da ideologia nativa”. Utilizando sátira e humor\, a arte de Smith conta histórias que subvertem concepções comumente aceitas de narrativas históricas e iluminam absurdos na formação da cultura dominante. A abordagem de Smith borra categorias importantes e questiona por que certas linguagens visuais obtêm reconhecimento\, privilégio histórico e valor. Ao longo de décadas e mídias\, Smith empregou e reapropriou ideias de mapeamento\, história e ambientalismo\, incorporando memórias pessoais e coletivas. A retrospectiva oferecerá novos quadros para se considerar a arte nativa americana contemporânea e mostrará como Smith liderou e iniciou alguns dos diálogos mais urgentes em torno da terra\, do racismo e da preservação cultural – questões que estão na vanguarda da vida e da arte contemporâneas hoje.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Daniel Lind-Ramos e liu Susiraja no MoMA PS1
DESCRIPTION:O MoMA PS1 apresenta a maior exposição em um museu até hoje do trabalho do artista multidisciplinar Daniel Lind-Ramos (nascido em 1953\, Loíza\, Porto Rico). Utilizando objetos encontrados e presenteados de significado pessoal\, comunitário e regional\, como detritos\, objetos decorativos e ferramentas cotidianas\, Lind-Ramos produz assemblages meticulosamente detalhadas que exploram as tradições e histórias das comunidades afrodescendentes em Porto Rico\, no Caribe e ao redor do mundo. Esta apresentação exibe mais de 10 obras de grande escala que entrelaçam a prática multiestratificada de Lind-Ramos\, incluindo muitas esculturas novas e previamente não exibidas. Apresentando obras que revelam as tradições locais de agricultura\, pesca\, culinária e carnaval\, que estão rapidamente desaparecendo\, ao lado de esculturas emblemáticas que examinam as repercussões do furacão Maria em 2017\, a exposição culminará com várias obras de grande escala feitas no último ano que abordam a pandemia do COVID-19 e seu impacto nas comunidades locais. \n\n\n\nNos últimos 15 anos\, Iiu Susiraja (nascida em 1975\, Turku\, Finlândia) tem fotografado a si mesma em ambientes domésticos\, mais frequentemente em sua casa em Turku\, Finlândia. O MoMA PS1 apresenta a primeira exposição individual do trabalho de Susiraja nos Estados Unidos\, reunindo uma seleção focada de fotografias e vídeos que destacam a trajetória de sua prática desde 2007. Simultaneamente sedutoras\, abjetas\, estilizadas e vulneráveis\, as obras de Susiraja estão fundamentadas em performances desinibidas\, porém privadas\, para a câmera. Nessas encenações\, objetos domésticos — toalhas de mesa\, guarda-chuvas\, cachorros-quentes\, bananas\, esteiras\, patinhos de borracha e peixes mortos\, para citar alguns itens — tornam-se cúmplices em seus confrontos com a lente. As manipulações corporais de Susiraja torcem os simbolismos desses objetos\, criando imagens incongruentes e de impacto. Situadas entre a comédia e o impassível\, as obras de Susiraja encontram inquietação no confortável e vice-versa.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Bob Thompson na 52 Walker
DESCRIPTION:A 52 Walker apresenta sua sétima exposição So let us all be citizens\, que apresenta uma série de pinturas de Bob Thompson (1937-1966). As obras em exposição destacam o estilo do artista\, influenciado pelo jazz\, e a forma como utilizou este método para envolver novos públicos na história da pintura. Analisando a sua consideração particular pela cor\, linha e figuração – desenvolvida durante um período em que a abstracção era a tendência dominante na arte americana – esta exposição intimista presta homenagem à fricção que Thompson gerou entre a sua proximidade e o seu desvio de fontes citadas e canônicas. O título da exposição é retirado de um discurso que Thompson proferiu numa igreja quando era adolescente\, “Building through Citizenship”. Prevendo a paixão do artista pelos princípios da liberdade e da expressão\, a frase “So let us all be citizens” encerra o poder do trabalho de Thompson para alargar o âmbito do que é imaginável na pintura contemporânea e para quem. Bob Thompson: So let us all be citizens\, conta com a curadoria de Ebony L. Haynes. Uma exposição coletiva complementar\, So let us all be citizens too\, que considera a influência de Thompson tanto nos seus contemporâneos como nas gerações seguintes de artistas\, é apresentada em simultâneo na David Zwirner London.
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LOCATION:52 Walker\, 52 Walker St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Chosen Memories" no MoMA
DESCRIPTION:Chosen Memories\, organizada por Inés Katzenstein\, reúne obras de artistas latino-americanos contemporâneos que investigam a história como fonte para o seu trabalho. “La historia es un organismo vivo”\, disse a brasileira Rosângela Rennó\, uma das quarenta artistas que fazem parte da exposição. Através de uma seleção de vídeos\, fotografias\, pinturas e esculturas feitas nas últimas quatro décadas\, a exposição permite descobrir como algumas das obras de arte mais relevantes da atualidade surgem da investigação e de novas maneiras de contar a história. Pautada pela influente doação de obras de Patricia Phelps de Cisneros\, membro do conselho do MoMA\, e exibida em diálogo com outras obras latino-americanas da coleção do museu\, a mostra apresenta trabalhos de artistas consagrados\, como Rennó\, Alejandro Cesarco (Uruguai)\, Regina José Galindo (Guatemala)\, Mario García Torres (México)\, Leandro Katz (Argentina)\, Suwon Lee (Venezuela)\, Gilda Mantilla (Peru) e Raimond Chaves (Colômbia) e José Alejandro Restrepo (Colômbia)\, entre outros. A exposição nos oferece novas maneiras de nos relacionarmos com o passado para compreender e forjar melhor o presente\, seja reformulando criticamente a história colonial no território\, explorando as diferentes formas como os artistas revisam patrimônios culturais depreciados ou reforçando os mecanismos que fortalecem as relações de parentesco e o senso de pertencimento.
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Harold Ancart na Gagosian
DESCRIPTION:Gagosian apresenta Paintings\, uma exposição de novos trabalhos de Harold Ancart em Nova York. Em suas telas atmosféricas\, Ancart usa cor e textura para confundir os limites entre realidades observadas e imaginadas. Ao unir a figuração com passagens abstratas vibrantes\, o artista explora paisagens naturais e ambientes construídos\, onde descobre momentos de poesia inesperados. Embora nascido e educado na Bélgica\, Ancart mantém uma prática enraizada na influência de pintores abstratos americanos\, incluindo Richard Diebenkorn\, Helen Frankenthaler e Clyfford Still. \n\n\n\nAs obras da estreia do artista na galeria\, sugerem um lugar estabelecido em um desejo de fuga e empregam o tema arbóreo para explorar nuances de cor e forma. Duas grandes telas de paisagem também estão incluídas. Ancart utiliza o óleo em bastão para orquestrar vigorosas relações cromáticas\, usando uma colcha de retalhos de cores para infundir suas telas com naturalismo pictórico e instigar ainda mais as superfícies das obras intercalando manchas\, arranhões e outras texturais.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/harold-ancart-na-gagosian/
LOCATION:Gagosian 24th Street\, 541 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Avedon 100" na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta Avedon 100\, uma exposição histórica em comemoração ao centenário do nascimento de Richard Avedon. A coleção de fotografias de Avedon foi selecionada por mais de 150 pessoas\, incluindo artistas renomados\, designers\, músicos\, escritores\, curadores e representantes do mundo da moda\, que exploram o impacto do trabalho do fotógrafo nos dias de hoje. Avedon 100 documenta a influência duradoura de Avedon na fotografia e sua profunda impressão global na cultura visual. Em uma instalação projetada por Stefan Beckman\, a exposição representa seis décadas de sua obra\, incluindo a série In the American West e imagens do movimento de justiça social\, além de retratos clássicos\, publicidade e trabalhos de moda. A mostra apresenta tanto fotografias icônicas quanto raras\, incluindo várias impressões murais de tamanhos enormes\, bem como impressões de exposição criadas para sua retrospectiva de 1978 no Metropolitan Museum of Art\, em Nova York. As fotografias são exibidas em sequência cronológica solta\, com atenção especial à cadência visual\, mostrando como o artista dissolveu as fronteiras entre gêneros fotográficos e solidificou o status da mídia como uma forma de arte contemporânea. Em um mundo cada vez mais digital\, seu trabalho também é testemunho da arte da fotografia em filme. A exposição conta com retratos icônicos como de Marilyn Monroe\, Tina Turner\, Bob Dylan e Donyale Luna e fotografias selecionadas por Tonne Goodman\, Miuccia Prada\, Emma Watson\, Hillary Clinton entre muitos outros nomes.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/avedon-100-na-gagosian/
LOCATION:Gagosian\, 522 West 21st Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Liu Xiaodong na Lisson Gallery
DESCRIPTION:A exposição intitulada Shaanbei\, apresenta um novo conjunto de obras de Liu Xiaodong\, um dos projetos mais ambiciosos e pessoalmente significativos do artista até o momento. Com pinturas de grande escala\, trabalhos em papel\, diários e um documentário\, a exposição amplia o status de Liu como um dos principais artistas da China. Baseado em Pequim\, Liu Xiaodong viaja frequentemente pelo mundo para capturar os temas de suas extraordinárias pinturas da vida moderna. Como estudante na Academia Central de Belas Artes na década de 1980\, Liu fazia viagens regulares a várias localidades na região expansiva de Shaanbei\, na China\, onde residiam muitos de seus professores\, mantendo diários e esboços da área montanhosa ao redor da cidade de Yan’an e das terras rurais fora da cidade. A última parada na Long March – e ascensão de Mao Tsé-Tung ao poder – e o local de nascimento efetivo da República Popular da China\, a província de Shaanbei continua a ser um local de considerável importância histórica e política. O retorno de Liu à região 30 anos depois\, em 2018\, sinalizou uma revisitação às bases de sua prática pictórica e permitiu que ele examinasse uma paisagem cívica em mudança. Shaanbei explora a região tanto de um ponto de vista geopolítico quanto artístico\, marcando a continuidade da vocação do artista como pintor da vida moderna. O trabalho de Liu Xiaodong é resultado da observação direta de lugares de mudança social. Na série Shaanbei\, os temas de Liu são jovens deixados à própria sorte\, adultos ociosos e idosos nostálgicos\, todos existindo em uma sociedade em transição. Em seu estilo observacional tradicional e com atenção característica aos detalhes\, Liu captura a experiência de uma nova geração que impulsiona a política de amanhã.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/liu-xiaodong-na-lisson-gallery/
LOCATION:Lisson Gallery\, 508 W 24th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Controlled Burnings: Hiller\, Latham\, Schneemann" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Esta exposição reúne três artistas cativantes e provocativos – Susan Hiller\, John Latham e Carolee Schneemann – que se uniram brevemente em Londres no final dos anos 1960 e início dos anos 1970. Este trio representa não apenas um encontro metafórico de mentes\, mas uma linguagem partilhada em torno de ideias de experimentação material e conceitual\, bem como destruição e desmaterialização na arte. O fogo é um motivo central\, com Latham e Schneemann queimando seus livros e caixas\, respectivamente – em seus trabalhos que ele apelidou de Skoob (“Livros” soletrado ao contrário) e ela chamou de Controlled Burnings\, que dá o título à exposição. Hiller também reduziu corpos inteiros de suas próprias pinturas a cinzas\, armazenando-as em frascos de vidro para sua série anual de Relics\, exibidas aqui como Hand Grenades (1972). Se a pintura foi um dos muitos pontos de partida para os três artistas\, foi a transformação eventual de suas extensas práticas objetuais\, conceituais e performativas por meio do uso ritualístico\, não apenas do fogo\, mas de saliva\, cola\, violência e sonhos (para citar apenas algumas das forças alquímicas envolvidas)\, que os agrupou como pioneiros de uma cena artística internacional emergente\, alternativa e transgressora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/controlled-burnings-hiller-latham-schneemann-na-lisson-gallery/
LOCATION:Lisson Gallery\, 508 W 24th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:“Back to Earth" no Canal Projects
DESCRIPTION:Back to Earth: Contested Histories of Outer Space Travel é uma exposição multimídia e um programa discursivo que procura se engajar criticamente com as narrativas dominantes da exploração espacial. O programa apresenta os filmes Afronauts (2014) de Nuotama Bodomo (Gana); Ningwasum (2021) de Subash Thebe Limbu (Nepal); Máquina Ancestral: Ureipy (2023) e Karaiw a’e wà ( 2022) de Zahy Tentehar (Tentehar-Guajajara\, Brasil)\, e See you later Space Island (2022) de Alice dos Reis (Portugal). Abordando as maneiras pelas quais os imaginários da viagem espacial\, do turismo espacial e da mineração cósmica continuam a naturalizar a colonização\, Back to Earth adota uma abordagem interseccional para novos imaginários planetários. O programa convida artistas e cineastas que\, a partir de suas perspectivas indígenas\, asiáticas\, negras e feministas\, estão refletindo sobre as implicações da exploração espacial para comunidades racializadas – especialmente à medida que esses empreendimentos exploratórios continuam a afirmar ideias tecnocráticas de progresso que apagam\, negam e desautorizam a capacidade de formas diversas de vida de existir e prosperar em nosso planeta. Seguindo a provocativa pergunta da filósofa Kelly Oliver: “how do we share the Earth with those with whom we don’t share the world?” [tradução livre: “como compartilhamos a Terra com aqueles com quem não compartilhamos o mundo?”]\, convidam a perceber concepções do mundo que não partem de uma visão totalizante do globo. Mas sim\, em visões que partem de uma imaginação mais ampla de mundos dentro do mundo. Esta intersecção também destaca como os experimentos visuais críticos de hoje podem nos ajudar a repensar nosso papel na construção de mundos que são fundamentados na terra\, enraizados na interdependência e que destacam a responsabilidade mútua.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/back-to-earth-no-canal-projects/
LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Listen Until You Hear" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:O que significa aceitar e se relacionar com a experiência desconhecida de outra pessoa ou entender o que só conhecemos através da intuição ou sentimento? Como realmente nos ver e ouvir afeta nossos relacionamentos e histórias? Listen Until You Hear é um convite ao público para estar presente\, abordando a fotografia\, o cinema\, a escultura e a performance em exibição\, com curiosidade e conscientização intencional. Cada um dos artistas expositores explora a ideia de ouvir como cura\, com trabalhos profundamente pessoais\, políticos e imaginativos através de uma variedade de mídias. O uso da representação pelos artistas é uma investigação sobre o que não é visto nem ouvido e destaca como o significado e o valor são moldados por nossa capacidade de nos ouvir e ouvir os outros. Esta exposição explora como formas mais profundas de ouvir podem levar a uma maior conscientização e conexão com nós mesmos e com o mundo ao nosso redor. Os artistas desta exposição refletem sobre a complexidade da vida\, visualizando temas que incluem liberdade\, família\, amor\, dor\, sobrevivência e futuro.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/listen-until-you-hear-na-fotografiska/
LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"The Encounter: Barbara Chase-Riboud/Alberto Giacometti" no MoMA
DESCRIPTION:“Tudo estava coberto de gesso – as paredes\, os pisos\, o teto – e a primeira vez que o vi\, ele mesmo era uma múmia egípcia ambulante\, totalmente branca\, coberta de gesso branco”\, lembrou Barbara Chase-Riboud\, nascida na Filadélfia\, sobre sua visita em 1962 ao estúdio de Montparnasse do escultor suíço Alberto Giacometti. Foi o primeiro encontro entre dois expatriados de diferentes gerações\, que haviam feito de Paris seu lar. A última vez que se encontraram foi em Milão alguns anos depois\, pouco antes da morte de Giacometti. The Encounter: Barbara Chase-Riboud/Alberto Giacometti explora o terreno comum entre dois escultores que buscaram inspiração no passado para reimaginar a arte de seu tempo. Em suas esculturas\, tanto Chase-Riboud quanto Giacometti retornaram repetidamente à forma humana. Giacometti frequentemente começava com argila\, modelando suas obras à mão antes de fundi-las em gesso. Chase-Riboud\, que também se tornou uma aclamada poetisa e romancista\, preferia o antigo método de fundição em cera perdida para suas esculturas em bronze\, combinando-as com fibras trançadas e entrelaçadas\, lã ou seda. Esta exposição inclui cinco esculturas de gesso (que estão viajando para os Estados Unidos pela primeira vez) da icônica série Femmes de Venise (Mulheres de Veneza)\, feitas por Giacometti para a Bienal de Veneza de 1956\, juntamente com obras de toda a carreira de sete décadas de Chase-Riboud. Suas primeiras esculturas em bronze\, como The Couple (1963)\, aparecerão junto com outras obras da década de 1970\, incluindo All That Rises Must Converge (1973)\, incorporando a ideia de Chase-Riboud de que “a escultura não deve ficar parada”.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/the-encounter-barbara-chase-riboud-alberto-giacometti-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Robin Coste Lewis na Marian Goodman
DESCRIPTION:A sede da galeria em Nova York apresenta Intimacy\, um filme de imagem em movimento e som de Robin Coste Lewis. Uma projeção de vídeo com um único canal de som\, a instalação apresenta imagens projetadas derivadas de uma seleção de 66 fotografias que representam um arquivo fotográfico moderno do século 20 retratando a família Lewis e seus amigos. O tesouro de retratos\, descoberto por Lewis há cerca de 25 anos na casa de sua avó materna\, Dorothy Mary Coste Thomas Brooks\, é composto por imagens sépia\, tintypes\, coloridas e em preto e branco que contam a história da família Lewis e de seu círculo. A família Lewis\, juntamente com milhões de outros americanos\, fugiram dos estados do sul dos Estados Unidos no século 20 como parte da Grande Migração para o oeste\, em busca de um lugar livre de racismo\, injustiça e terrorismo branco. Com a agitação da migração forçada e o dispersamento de uma unidade familiar e de bens\, a existência desta profunda coleção de imagens fotográficas representa uma coleção vernacular distinta\, especialmente notável por seu volume\, raridade e sentimentos privados e alegres. Através de formaturas\, aniversários\, casamentos\, reuniões recreativas e feriados\, as imagens brincam com a representação e a noção de linhagem. Por um lado\, as fotografias em Intimacy dão ao espectador a ilusão de traçar a história dessa família americana e sua importância no contexto da história negra. As fotografias denotam resiliência e resistência à profunda inimizade histórica que os cercava por meio da natureza comemorativa dos momentos capturados no filme. No entanto\, o elemento sonoro da instalação\, que apresenta a voz de Lewis\, diverge da intensa nostalgia evocada pelas fotografias. Tanto na sincopação quanto nas pausas deliberadas\, Lewis lê seu poema lírico existencialista intitulado Intimacy (for Julie) Part 2. A leitura envolvente e emocionante de aproximadamente 24 minutos serve como uma homenagem à multidão de diásporas que os seres humanos criaram ao longo dos milênios – e aos papéis centrais que as pessoas negras desempenharam dentro desta história duradoura. Como tal\, a trilha sonora reposiciona a negritude dentro da história do universo e da evolução humana.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/robin-coste-lewis-na-marian-goodman/
LOCATION:Marian Goodman\, 24 W 57th St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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