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SUMMARY:"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção\, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias\, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social\, no qual as técnicas artísticas\, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados\, sem estar preso a uma cronologia rígida\, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero\, classe\, trabalho\, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade\, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet\, Gustave Courbet\, Berthe Morisot\, Francisco Oller\, Henri Matisse\, Pablo Picasso\, Yves Tanguy\, Vasily Kandinsky\, entre outros.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/monet-to-morisot-the-real-and-imagined-in-european-art-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Jumana Manna no MoMA PS1
DESCRIPTION:“Break\, Take\, Erase\, Tally”\, primeira grande individual de Jumana Manna nos EUA\, mostra a pesquisa multidisciplinar da artista\, que explora os efeitos paradoxais das práticas de preservação na agricultura\, na ciência e no direito. Marcando a estreia em Nova York do novo filme de Manna\, “Foragers” (2022)\, a exposição reúne quase 20 obras\, incluindo dois filmes recentes e uma série de esculturas novas e anteriores. Enfocando a terra diante das formas crescentes de sua alienação\, os filmes de Manna usam uma série de métodos narrativos para examinar como as práticas baseadas na terra (agricultura e forragem\, por exemplo) estão envolvidas e lutam contra as políticas neoliberais e coloniais e\, por sua vez\, contra as mudanças climáticas. Extraído de exemplos específicos\, como a primeira retirada do Cofre Global de Sementes de Svalbard em 2015 em resposta à guerra síria (tema de seu filme “Wild Relatives”) Manna” ressalta as limitações científicas na recuperação da perda de vidas biológicas\, em todas as suas formas. Seu trabalho visualiza a lenta violência da agricultura industrial enquanto faz perguntas pungentes sobre que tipo de futuro é possível em um presente precário. Em seu novo filme\, “Foragers”\, Manna se move entre documentário e ficção para abordar confrontos crônicos entre colhedores palestinos de ervas selvagens ‘akkoub e za’atar e a Autoridade Israelense de Proteção da Natureza\, que considerou as plantas ameaçadas de extinção. A recusa dos foragidos e as punições que enfrentam\, devido a grandes multas e tempo de prisão em potencial\, às vezes assumem um tom absurdo e cômico que levanta questões-chave em torno da política de extinção – principalmente\, quem determina o que vive e como vive. Em ambos os filmes da artista\, plantas e sementes são temas primários\, e a relação entre o trabalho humano e a terra é essencial para suas estruturas narrativas. A exposição também apresenta uma nova instalação em larga escala de esculturas que se inspiram nos restos fragmentados de khabyas\, estruturas tradicionais e agora obsoletas para o armazenamento de grãos no Levante. As esculturas são colocadas em diálogo com suas características assemblages de rodapés industriais\, que usam materiais encontrados no ambiente urbano\, em lugares como canteiros de obras e sistemas de drenagem. Através da escultura e do filme\, as obras da artista exploram a terra e seus ritmos como base para formas de vida que também podem servir para resistir\, fugir e transformar estruturas de poder hegemônico.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/jumana-manna-no-moma-ps1/
LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Oscar yi Hou no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Em uma época de crescente violência contra as comunidades asiáticas nos Estados Unidos\, Oscar yi Hou questiona o que significa ser “asiático-americano” e quem é considerado “norte-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon\, título de um poema do artista\, compreende onze de suas recentes pinturas figurativas. Em algumas obras\, yi Hou coloca seus amigos e ele mesmo como figuras da história do leste asiático e da cultura visual ocidental\, desde imigrantes chineses do século XIX até Son Goku\, da popular franquia de mídia Dragon Ball. Em outros\, o artista retrata suas amigas\, muitas das quais\, como ele\, se identificam como parte de uma comunidade criativa asiática\, em papéis tradicionalmente brancos e masculinos\, acabando com os estereótipos de longa data. Da mesma forma\, yi Hou olha tanto para a cultura popular quanto para referências passadas\, incluindo as coleções de arte asiática recentemente reinstaladas do Brooklyn Museum\, em sua abordagem para essas composições que remete à colagem. O artista envolve seus temas com o que ele chama de iconografia de “cowboy chinês”\, um caleidoscópio de imagens como bandeiras americanas\, símbolos yin-yang\, chapéus de cowboy e caligrafia chinesa. Através dessa justaposição (e de sua crítica sobre as calúnias contra o povo do Leste Asiático) yi Hou revela a complexidade da questão de identidade nacional\, como evidenciado por sua própria origem sino-britânica. Agora morando no Brooklyn\, ele afirma: “Embora eu seja apenas um norte-americano\, sou resolutamente um asiático-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon é organizado por Eugenie Tsai\, Curador Sênior de Arte Contemporânea do Brooklyn Museum\, com Indira A. Abiskaroon\, Assistente Curatorial de Arte Moderna e Contemporânea.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/oscar-yi-hou-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Nick Cave no Guggenheim
DESCRIPTION:Nick Cave (1959\, Fulton\, Missouri) é mundialmente famoso por ser um dos cantores e compositores mais emblemáticos de sua geração\, mesclando folk ao rock dos anos 1950 e a um acento de blues. O que poucos brasileiros sabem é que Cave também é celebrado internacionalmente por suas elaboradas instalações e trabalhos têxteis\, incluindo seus icônicos Soundsuits\, que misturam escultura\, design de fantasias e fabricação de instrumentos. Nick Cave: Forothermore é uma exposição de pesquisa cobrindo toda a amplitude da carreira do artista\, e apresenta escultura\, instalação\, vídeo\, e obras pouco vistas do início da carreira do artista. O título é um neologismo\, uma nova palavra que reflete o compromisso vitalício do artista em criar espaço para aqueles que se sentem marginalizados pela sociedade e cultura dominante\, especialmente as comunidades da classe trabalhadora e as pessoas afro-americanas e queer. A mostra destacará o desenvolvimento da singular prática artística de Cave\, que interroga as promessas cumpridas ou frustradas que o final do século 20 e início do século 21 oferecem ao Outro. Instaladas nas galerias de torres do museu\, as seções temáticas da mostra são intituladas What it was\, What it is e What it shall be\, inspiradas em uma antiga saudação afro-americana. A exposição se desdobra como uma história tripartite\, com cada capítulo olhando para o passado\, presente e futuro da prática de Cave. What it was explora os primeiros trabalhos que honram os fundamentos criativos e sociais do artista dentro de sua família e além dela. Vivendo e trabalhando em Chicago\, Cave frequentemente cita a verve psicodélica do grupo Parliament-Funkadelic\, de George Clinton\, e o excesso extravagante da house music de Chicago como influências em seu desenvolvimento artístico. What it is inclui o trabalho de Cave sobre opressão\, perda\, luto e lembrança\, mas também sobre alegria e celebração coletiva. Finalmente\, What it shall be reúne sua produção recente\, como as Soundsuits e a série de obras em escala monumental Tondo\, que exemplificam suas estratégias de sobrevivência em meio à injustiça. Nick Cave: Forothermore foi organizada pelo Museum of Contemporary Art Chicago\, com curadoria de Naomi Beckwith\, diretora adjunta e curadora do Guggenheim\, com auxílio de X Zhu-Nowell\, curador assistente do museu.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Thierry Mugler no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Thierry Mugler: Couturissime é a primeira retrospectiva a explorar o fascinante e arrojado universo do designer de moda e criador francês de perfumes icônicos Thierry Mugler. Um visionário da moda\, Mugler se estabeleceu como um dos mais ousados e inovadores estilistas do final do século 20. Suas silhuetas arrojadas\, técnicas e materiais pouco ortodoxos (incluindo vidro\, plexiglas\, vinil\, látex e cromo) fizeram sua marca na história da moda. Nos anos 1970\, Mugler definiu tendências com seu aclamado glamazon\, uma mulher chique e moderna cujo estilo evoluiu da moda hippie dos anos 1960. Nos anos 1980 e 1990\, Mugler galvanizou o renascimento da alta costura através de suas coleções provocativas e desfiles de moda teatrais\, que envolviam locais grandiosos e os modelos mais icônicos da época. Assim como seu trabalho ainda está influenciando novas gerações de costureiras\, celebridades continuam a ser atraídas pelos desenhos de Mugler: seus vestidos clássicos foram recentemente usados por Beyoncé\, Cardi B\, e Kim Kardashian. A exposição apresenta mais de uma centena de trajes que vão desde peças de alta costura a trajes de palco\, além de acessórios personalizados\, croquis\, vídeos\, imagens dos principais fotógrafos de moda e instalações espetaculares que espelham a abordagem futurista de Mugler. A apresentação do Brooklyn Museum também apresenta uma seção expandida dedicada aos seus perfumes\, centrada no icônico Angel. Thierry Mugler: Couturissime é uma oportunidade para descobrir e redescobrir o trabalho fantástico deste artista multidisciplinar\, que revolucionou o mundo da moda.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Richard Avedon no The Met Museum
DESCRIPTION:Em 1969\, Richard Avedon estava em uma encruzilhada. Após um hiato de cinco anos\, o fotógrafo voltou a fazer retratos\, desta vez com uma nova câmera e um novo senso de escala. Trocando seu Rolleiflex portátil por um dispositivo maior montado em um tripé\, ele reinventou a dinâmica de seu estúdio. Ao invés de dançar em torno de seus assuntos por trás de um visor\, como fazia em suas fotos enérgicas de moda\, ele agora podia ficar ao lado de uma câmera estacionária e encará-los de frente. Enfrentando grupos de artistas\, ativistas e políticos proeminentes da época\, ele criou enormes retratos fotomurais\, condizentes com sua influência cultural descomunal. No centenário do nascimento do fotógrafo\, Richard Avedon: MURALS reunirá três dessas obras monumentais\, algumas com até 35 pés de largura. Para Avedon\, os murais expandiram as possibilidades artísticas da fotografia\, reorientando radicalmente espectadores e temas em uma visão ampla e abrangente. Os murais são retratos da sociedade. Neles\, Avedon reúne gigantes do final do século XX (membros da Factory de Andy Warhol\, arquitetos da guerra do Vietnã e manifestantes contra essa guerra) que juntos moldaram uma era extraordinariamente turbulenta da vida americana. Apresentados em uma galeria\, seus enormes retratos encenarão uma conversa improvável entre campos historicamente opostos\, bem como espectadores contemporâneos. As inovações formais do alto estilo de Avedon – corpos fortemente iluminados em um fundo branco impiedoso – são melhor realizadas nessas obras\, onde os personagens se juntam e aglomeram o quadro\, e vazios brilhantes entre eles estalam em contraste. Unindo os murais com projetos contemporâneos\, a exposição acompanha a abordagem evolutiva de Avedon para o retrato de grupo\, por meio do qual ele transformou as convenções deste gênero fotográfico.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Mary Enoch Elizabeth Baxter no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:No quinquagésimo aniversário do caso Roe v. Wade – e no ano seguinte à sua revogação – esta exposição examina a longa história de injustiça reprodutiva nos Estados Unidos por meio de dois projetos de Mary Enoch Elizabeth Baxter. A artista e ativista prioriza a narrativa e a cura em seu trabalho\, explorando os processos institucionais\, legais e culturais que têm brutalmente privado as mulheres e meninas negras de sua autonomia corporal. Em seu filme Ain’t I a Woman\, Baxter conecta sua experiência de dar à luz algemada ao combate expandido pelos direitos reprodutivos – um combate que destaca as vulnerabilidades e violências contra as mulheres negras\, que historicamente têm sido negadas o direito de decidir se\, quando e como ter filhos de forma segura. O documentário musical é acompanhado por Consecration to Mary\, um trabalho fotográfico multipartidário que relaciona as histórias de abuso enfrentado por crianças negras ao “viés de adultificação”\, uma realidade social em que jovens negros são sistematicamente tratados como adultos. Na obra\, Baxter confronta e combate fotografias nuas sexualmente exploratórias de uma jovem negra tiradas pelo famoso artista americano branco Thomas Eakins em 1882. Baxter se insere em duas das fotografias de Eakins para proteger a vítima e apresenta outras imagens em estojos fechados de daguerreótipo\, ocultando-as da vista pública. Uma terceira fotografia aberta de Baxter quando criança conecta a própria artista a essas histórias de abuso social. Juntos\, esses trabalhos expõem como a exploração de meninas negras leva ao desempoderamento político e à precariedade social\, resultando no encarceramento em massa de mulheres negras. Ao colocar em destaque membros profundamente vulneráveis da sociedade americana\, a exposição amplia o discurso sobre o acesso ao aborto para uma conversa mais complexa sobre justiça reprodutiva\, abrangendo direitos humanos\, empatia e libertação.
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SUMMARY:Arthur Bispo do Rosário na Americas Society
DESCRIPTION:A exposição Bispo do Rosário: All Existing Materials on Earth é a primeira individual nos Estados Unidos de Arthur Bispo do Rosário (1909\, Japaratuba – 1989\, Rio de Janeiro)\, um artista afro-brasileiro que criou mais de mil objetos durante seu confinamento na Colônia Juliano Moreira\, instituição psiquiátrica no Rio de Janeiro onde viveu a maior parte de sua vida. A retrospectiva reúne obras de arte icônicas de Bispo\, incluindo tecidos bordados à mão com diversos elementos costurados\, esculturas mistas e sua obra-prima\, o Manto da Anunciação\, a mais conhecida de sua produção\, que seria usada por Bispo do Rosário quando chegasse o momento de subir ao céu. A vestimenta foi fabricada pelo artista ao longo de décadas\, enquanto esteve internado na Colônia Juliano Moreira\, a partir de um antigo cobertor\, transformado em majestoso traje\, bordado interna e externamente com palavras e símbolos que revelam a síntese de sua obra. Segundo o próprio Bispo do Rosário\, “Quando eu subir\, os céus se abrirão e vai recomeçar a contagem do mundo. Vou nessa nave\, com esse manto e essas miniaturas que representam a existência. Vou me apresentar.” Um livro de bolso sobre a obra do artista acompanha a exposição\, além de uma série de programas públicos. Bispo do Rosário: All Existing Materials on Earth é organizada em colaboração com o Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea\, no Rio de Janeiro\, e é co-curada por Aimé Iglesias Lukin\, Ricardo Resende e Javier Téllez\, com Tie Jojima. Nascido em Japaratuba\, Sergipe\, em 1909\, Arthur\, filho de carpinteiro\, tem sobrenome de batismo “Bispo” – cargo eclesiástico – e “Rosário” – padroeira dos negros. Após uma passagem pela Marinha e pelo boxe\, foi morando na casa do advogado Humberto Leone e família\, trabalhando como  “faz-tudo”\, que Arthur Bispo teve sua revelação. Na noite de 22 de dezembro de 1938 \, ele se vê descendo do céu\, acompanhado por sete anjos que o deixam na “casa nos fundos murados de Botafogo”\, segundo o bordado que narra o acontecimento num dos seus estandartes. Bispo sai caminhando de madrugada até chegar ao Mosteiro de São Bento\, no Centro do Rio\, onde se apresenta aos frades como “aquele que veio julgar os vivos e os mortos”. Os religiosos o enviam para o hospício da Praia Vermelha\, de onde é transferido para a Colônia Juliano Moreira. Entre idas e vindas e tentativas de readaptação ao mundo\, em 1964 Bispo finalmente adota a Colônia como sua morada definitiva\, e é onde cria todas suas obras a partir de materiais descartados. Como explica o site do museu que leva seu nome\, “Arthur Bispo do Rosário\, que carregava todos os estigmas de marginalização social ainda vigentes em nossa sociedade – negro\, pobre\, louco\, asilado em um manicômio – consegue\, na sua genialidade\, subverter a lógica excludente propondo\, a partir da sua obra\, a ressignificação do universo\, para ser reunido e apresentado no dia do juízo final. Sua missão chegou ao fim aos 80 anos\, no dia 5 julho de 1989\, dia da sua morte”.
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SUMMARY:"Hip-Hop: Conscious\, Inconscious" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Reza a lenda que o hip-hop começou em 11 de agosto de 1973\, numa festa num porão do Bronx\, dando ao movimento de arte de rua um aniversário oficial. Cinqüenta anos depois\, a exposição Hip-Hop: Conscious\, Inconscious explora as pessoas\, os lugares e os acontecimentos que o hip-hop nos legou. Junto com o Mass Appeal (selo independente de rap e produtora de conteúdo)\, o museu Fotografiska criou o destino definitivo para celebrar o impacto global do hip-hop na expressão visual –uma experiência imersiva reunindo uma comunidade de artistas que documentaram este fenômeno cultural. Co-curada por Sally Berman e Sacha Jenkins\, Chefe de Criação da Mass Appeal\, Hip-Hop: Conscious\, Inconscious apresenta imagens que vão de ícones da cultura visual a retratos raros e íntimos das maiores estrelas do hip-hop\, de pioneiros lendários como Nas\, Tupac\, Notorious B.I.G\, e Mary J. Blige a ícones modernos como Nicki Minaj\, Megan Thee Stallion (foto)\, e Cardi B. Os trabalhos em exibição abordam temas como o papel da mulher no hip-hop; a diversificação e as rivalidades regionais e estilísticas do hip-hop; o foco humanístico sobre as gangues de rua da década de 1970 no Bronx\, cujos membros contribuíram para o nascimento do hip-hop\, entre eles o icônico DJ Afrika Bambaataa; e a trajetória do movimento iniciado nos guetos nova-iorquinos até se tornar um fenômeno global. Em dado momento\, a cultura hip-hop sofreu uma transição exponencialmente acelerada\, quando tomou consciência da alta rentabilidade de sua exportação global. O cerne da exposição é o período anterior a essa percepção do hip-hop como produto internacional altamente lucrativo. Traçando a trajetória coletiva do gênero cultural ao longo de cinco décadas\, a exposição abrange a fotografia dos primeiros documentaristas de hip-hop dos anos 1970 aos mais jovens fotógrafos de hip-hop que estão promovendo a proliferação da estética do gênero. Em parceria com o projeto Hip Hop 50\, da Mass Appeal\, um dólar de cada ingresso vendido será doado ao Universal Hip Hop Museum\, no Bronx.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/hip-hop-conscious-inconscious-no-fotografiska-museum/
LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Elizaveta Porodina no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Na individual Un/Masked\, de Elizaveta Porodina\, o público é convidado a mergulhar no universo de sua visão artística e de criação de imagens oníricas e fantasiosas. Com sua fotografia experimental que flerta abertamente com o expressionismo e o surrealismo\, ela invoca o espectador a mesclar passado e presente\, antigo e contemporâneo\, numa jornada pelo tempo e espaço. A exposição reflete os últimos anos de trabalho da jovem fotógrafa russa Elizaveta Porodina. Seu imaginário é surreal\, sonhador e íntimo\, por vezes assustador\, assombroso e delicado. Lágrimas e água são temas recorrentes em suas imagens e ela se inspira em sua infância e na arte\, História\, cinema e religião russos. Combinando o íntimo e o assustador\, Elizaveta persegue seu tema com uma precisão surpreendente\, alcançando intensidade e frescor. Como ela declarou\, “Ofereço ao meu público uma janela para o meu subconsciente com o meu trabalho. Peço-lhes que distorçam e brinquem com sua compreensão da realidade e que entrem em outra dimensão comigo através de minha escolha de elenco\, iluminação e cenários”. Nascida em Moscou em 1987\, Elizaveta Porodina cresceu na Rússia pós-soviética\, mas trabalha em Munique\, Alemanha\, desde os 12 anos de idade. Com formação teórica em psicologia clínica\, Elizaveta Porodina fala com uma linguagem fotográfica distinta: cor\, movimento e emoção.   Requisitada pelas principais publicações de moda por seu estilo pessoal e linguagem visual criativa\, a mídia e as grifes estão competindo para contratá-la para algumas de suas campanhas globais mais cobiçadas. Ela trabalha ativamente com novas técnicas e plataformas sociais e cada vez mais vem adquirindo  novas formas de expressar suas ideias fotograficamente. Colaborando intimamente com seus modelos – ou musas\, como ela os chama – ela descreve o momento em que a foto é tirada como uma comunhão\, quase um ritual mágico.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/elizaveta-porodina-no-fotografiska/
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SUMMARY:Wangechi Wutu no New Museum
DESCRIPTION:O New Museum apresenta uma grande exposição individual do trabalho de Wangechi Mutu (1972\, Nairóbi)\, que reúne mais de cem obras ao longo de sua carreira de vinte e cinco anos\, intitulada Wangechi Mutu: Intertwined\, ocupando os espaços do Lobby\, Segundo Andar\, Terceiro Andar e Quarto Andar da instituição. Representando toda a amplitude de sua prática\, a grande mostra abrange as incursões da artista por diversas mídias\, tais como pintura\, colagem\, desenho\, escultura\, filme e performance. Mutu foi aclamada por sua prática baseada em colagem explorando camuflagem\, transformação e mutação. Ela estende essas estratégias ao seu trabalho através de vários meios\, desenvolvendo formas híbridas e fantasiosas que fundem narrativas míticas e folclóricas com referências sociohistóricas estratificadas. Wangechi Mutu: Intertwined promove conexões entre os recentes desenvolvimentos na prática escultórica da artista e sua exploração de décadas dos legados do colonialismo\, da globalização e das tradições culturais africanas e diásporas. Ao mesmo tempo\, o trabalho de Mutu é culturalmente específico e transnacional no seu escopo\, e se relaciona com as realidades contemporâneas\, enquanto oferece novos modelos para um futuro radicalmente mudado\, norteado pelo feminismo\, afrofuturismo e simbiose entre espécies. A exposição tem curadoria de Margot Norton\, curadora sênior da cadeira Allen e Lola Goldring\, e Vivian Crockett\, curadora\, com Ian Wallace\, assistente de curadoria.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/wangechi-wutu-no-new-museum/
LOCATION:New Museum\, 235 Bowery 10002\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Seung-taek Lee no Canal Projects
DESCRIPTION:Seung-Taek Lee: Things Unstable reflete sobre o trabalho pioneiro do artista de vanguarda sul-coreano Seung-taek Lee (nascido em 1932). Lee ganhou sua reputação através de sua prática multidisciplinar inovadora\, resultando em uma ampla gama de projetos artísticos\, incluindo performances efêmeras\, obras site-specific\, intervenções fotográficas\, telas e esculturas. Ao empregar elementos naturais como fogo\, vento\, terra e água como colaboradores conceituais\, as performances multimídia de Lee expandiram o vocabulário da estética ambiental dos anos 1970\, marcando sua prática como um dos primeiros defensores da ecoarte. Celebrando sua preocupação vitalícia com o meio ambiente\, o Canal Projects apresenta reencenações de duas das obras mais conhecidas de Lee: Wind-Folk Amusement (1971) e Earth Performance (1989-1996). A documentação e as reencenações de suas performances contextualizam a prática de Lee em meio às questões ecológicas mais urgentes da atualidade\, ao mesmo tempo em que voltam às movimentações ambientais globais dos anos 1970. A exposição busca fornecer uma compreensão mais ampla da incessante busca de Lee por desestabilizar as ideias convencionais da arte. Ao subverter as hierarquias artísticas\, a prática de Lee se concentra no uso de objetos cotidianos\, inesperados e\, às vezes\, encontrados\, dando um toque de humor e irreverência sem precedentes a sua obra.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/seung-taek-lee-no-canal-projects/
LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Refigured" no Whitney Museum
DESCRIPTION:As obras em Refigured\, selecionadas da coleção do Whitney e incluindo vídeo\, animação\, escultura e realidade aumentada\, refletem sobre as interações entre a materialidade digital e física. As esculturas são simultaneamente físicas e virtuais\, enquanto o vídeo e a animação se estendem além das telas e para a galeria. A exposição reúne um grupo de artistas – Morehshin Allahyari\, American Artist\, Zach Blas e Jemima Wyman\, Auriea Harvey e Rachel Rossin – que se envolvem com o conceito de “refiguração”\, apropriando-se de formas materiais e corpos para recriá-los e reinventá-los. A refiguração se torna um processo de imaginar mundos alternativos como meio de construir identidade. As cinco instalações em exibição nesta exposição respondem às várias forças que formam a identidade\, como novos modos de auto-representação (através de avatares) e até estruturas de opressão\, desde sistemas tecnológicos até o colonialismo. Algumas obras exploram como a identidade está incorporada no desenvolvimento de interfaces de computador e inteligência artificial. Outras abordam a refiguração da identidade em ambientes online e mitos culturais antigos. Juntas\, as obras destacam as fronteiras porosas entre os mundos material e virtual de hoje e as formas como sua interação molda nossa ideia de identidade. Esta exposição é organizada por Christiane Paul\, curadora de arte digital do Whitney Museum.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/refigured-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Movement in Every Direction" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Entre 1915 e 1970\, na esteira do terror racial durante o período pós-Reconstrução\, milhões de afro-americanos fugiram de suas casas para outras áreas dentro do Sul e para outras partes do país. Esse notável movimento de pessoas\, conhecido como Great Migration\, causou uma mudança radical na composição demográfica\, econômica e sociopolítica dos Estados Unidos. A Movement in Every Direction: Legacies of the Great Migration reúne doze artistas contemporâneos para refletir sobre o impacto complexo desse período em suas vidas\, assim como na vida social e cultural\, por meio de obras recém-comissionadas que vão desde instalações de grande escala\, filmes imersivos e tapeçaria até fotografia\, pintura e mídia mista. Os artistas em destaque são Akea Brionne\, Mark Bradford\, Zoë Charlton\, Larry W. Cook\, Torkwase Dyson\, Theaster Gates Jr.\, Allison Janae Hamilton\, Leslie Hewitt\, Steffani Jemison\, Robert Pruitt\, Jamea Richmond-Edwards e Carrie Mae Weems. A Movement in Every Direction apresenta uma abordagem diferente dos relatos tradicionais da Great Migration\, que geralmente são compreendidos por meio de uma perspectiva de trauma\, e os reconceitualiza por meio de histórias de autoafirmação\, autodeterminação e autoexame. Embora o Sul tenha perdido gerações de afro-americanos corajosos\, criativos e produtivos devido a desigualdades raciais e sociais\, a exposição amplia a narrativa ao apresentar pessoas que permaneceram ou retornaram à região durante esse período. Além disso\, a apresentação do Museu do Brooklyn destaca o Brooklyn como outro local importante na Great Migration\, destacando dados históricos e contemporâneos do censo sobre os padrões de migração do distrito. Os visitantes são incentivados a compartilhar suas próprias histórias pessoais e familiares de migração por meio de uma “cápsula” de história oral disponível nas galerias da exposição.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/a-movement-in-every-direction-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Signals" no MoMA
DESCRIPTION:O vídeo está em toda parte hoje: em nossos telefones e telas\, definindo novos espaços e experiências\, espalhando memes\, mentiras\, fervor e poder. Compartilhado\, enviado e em rede\, ele molda a opinião pública e cria novas audiências. Em outras palavras\, o vídeo transformou o mundo. Reunindo uma gama diversificada de trabalhos das últimas seis décadas\, a exposição Signals: How Video Transformed the World revela as formas como os artistas têm colocado o vídeo como um agente de mudança global – da revolução televisiva à democracia eletrônica. A exposição destaca mais de 70 trabalhos de mídia\, extraídos principalmente da coleção do MoMA ao lado de outros nunca vistos antes no museu. Entre os artistas em destaque estão John Akomfrah\, Gretchen Bender\, Dara Birnbaum\, Tony Cokes\, Amar Kanwar\, New Red Order\, Nam June Paik\, Sondra Perry\, Martine Syms\, Stan VanDerBeek\, e Ming Wong. Signals permite ao público experimentar os formatos\, as configurações e o alcance global da arte em vídeo\, desde vigilância em circuito fechado até vídeo viral\, desde instalação em larga escala até redes sociais. Com esta ampla gama de formas e mídias\, os artistas têm defendido e questionado a promessa do vídeo. Alguns esperavam criar redes inteiramente novas de comunicação\, engajamento democrático e participação pública. Outros protestaram contra o aumento do controle comercial e estatal sobre a informação\, a visão e a própria verdade. Signals enfoca a forma como os artistas têm usado o vídeo para fazer perguntas urgentes sobre a sociedade e propor novos modelos de vida pública. A mostra também dialoga com dois momentos da exposição de longa duração do acervo do anos 1970 da instituição: a instalação Flo\, de Sandra Mujinga\, que mostra um performer real em uma escultura vestível que lhe confere aura sobrenatural e tecnológica; e a sala Limits of Control\, que tem duas de suas obras inseridas na mostra Signals. Esta exposição contém obras com conteúdo gráfico. O discernimento dos visitantes é aconselhado\, particularmente para aqueles acompanhados por crianças. A exposição contém luzes intermitentes e estroboscópicas que podem não ser adequadas para todos os visitantes\, em especial epilépticos.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Albert Oehlen e Paul McCarthy na Gagosian
DESCRIPTION:the ömen: Albert Oehlen paintings and Paul McCarthy sculptures é uma exposição de pinturas recentes de Albert Oehlen lado a lado com a obras escultóricas em grande escala de Paul McCarthy. Oehlen usa elementos abstratos\, figurativos e colados – muitas vezes aplicando restrições formais auto-impostas – para perturbar as histórias e convenções da pintura moderna\, ao mesmo tempo em que reconhece o significado contínuo da arte clássica. Aproximando-se de sua prática como um desafio perceptivo\, ele se move livremente entre estratégias planejadas e improvisadas. E enquanto defende a pintura autoconscientemente “ruim” caracterizada por desenho rudimentar e coloração berrante\, infunde um gesto expressivo com atitude surrealista\, desacreditando a busca de forma e significado estáveis. McCarthy é conhecido desde os anos 1970 por performances\, vídeos\, esculturas e instalações que confrontam os espectadores com uma visão perversa de Grand Guignol\, povoada por uma série de personagens grotescos. Unindo o foco em sexo e violência com uma abordagem conscientemente infantilizada da função corporal humana\, ele sonda os recantos mais sombrios do inconsciente americano\, expondo suas manifestações sintéticas nos meios de comunicação de massa e no ambiente construído. Os trabalhos de Oehlen para a mostra estão focados no Ömega Man\, uma forma humanóide sem gênero inspirada no personagem do Dr. Robert Neville\, do filme de ação de ficção científica distópica The Omega Man\, de 1971. Como o condenado sobrevivente de uma pandemia global\, Neville simboliza o desenvolvimento científico que levou à queda da humanidade. Em Ömega Man 6 e 7 (ambos de 2021)\, a forma inusual da figura emerge do desalinhamento de duas grades de cor; em outras pinturas\, sua silhueta é posicionada contra um solo amarelo vivo\, lembrando a combinação de linha dura e matizes intensos nas pinturas de árvores do artista. Às vezes é também delineada em azul\, vermelho e amarelo\, ou apresentada como uma área mascarada de pinceladas variadas\, distinguíveis apenas por seus limites bem diferenciados. Oehlen convidou McCarthy a participar de the ömen em parte para construir um fascínio compartilhado com obras “a caminho de se tornarem algo mais”\, e que podem existir em múltiplas formas e versões. A exposição também revela outras ligações\, inclusive entre o recente filme de Oehlen com Oliver Hirschbiegel\, O Pintor (2021)\, e a monumental instalação de McCarthy\, O Rei (2006-11). No filme\, o ator Ben Becker retrata Oehlen no processo de produção de uma nova obra\, justapondo e confundindo momentos de frustração e realização\, autenticidade e artifício. Na instalação escultórica de McCarthy\, uma plataforma elevada é cercada por pinturas de imagens de revistas populares\, produzidas por um ilustrador contratado. Também presente\, sentado em um trono de madeira\, está um manequim de silicone\, nu\, enfeitiçado e parcialmente desmembrado\, modelado pelo artista.
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LOCATION:Gagosian 24th Street\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Funk You Too!" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Funk You Too! Humor and Irreverence in Ceramic Sculpture reúne 50 obras de arte desde a década de 1960 até os dias atuais que destacam a argila como uma ferramenta cativante de crítica e sátira. Na exposição\, peças de artistas da geração originária do Funk Art são colocadas ao lado de trabalhos de artistas contemporâneos que estão expandindo o legado de humor\, subversão e figuração expressiva do Funk. As cerâmicas do Funk surgiram pela primeira vez na Costa Oeste na década de 1960\, criadas por um grupo de artistas que compartilhavam uma visão anticonformista em relação às expectativas da “arte boa”. Embora conscientes da atitude irreverente e da estética de seus predecessores\, a nova geração de artistas apresentada em Funk You Too! está examinando o potencial do humor na argila por meio de uma variedade de perspectivas. Ao levar o Funk para o futuro\, esses artistas estão aproveitando o poder de uma boa piada para abordar algumas das questões sociais e políticas mais urgentes de nosso tempo.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Brígida Baltar na Nara Roesler
DESCRIPTION:Brígida Baltar (1959–2022): To Make the World a Shelter é a primeira individual da artista brasileira Brígida Baltar em Nova York e tem curadoria de Luis Pérez-Oramas. A mostra busca revelar o impulso poético que guiou uma prática marcada pela articulação entre fabulação e materialidade\, com uma seleção de trabalhos que abrange desde o início da produção da artista\, na década de 1990\, aos seus últimos trabalhos\, realizados em 2022. Baltar se manteve dedicada a uma poética sem concessões\, envolvendo sua vida e seu corpo na vontade estética de compreender o mundo como uma extensão de sua intimidade. Lidando com a noção de abrigo\, a nostalgia tanto do lar quanto da origem como base para uma incessante metamorfose\, a artista inseriu em seu trabalho eloquência e sutileza em sua vontade de existir contra o pano de fundo de uma cultura fútil de hiperexposição. Brígida Baltar iniciou sua carreira artística no final da década de 1980\, recebendo atenção da crítica nacional e internacional ainda no início de sua trajetória\, levando-a a ser convidada a participar de sua primeira Bienal\, a 5ª Bienal de Havana\, em 1994. Nos anos seguintes\, acumulou participação em bienais\, tais como a 25ª Bienal de São Paulo (2002)\, Brasil; a Bienal das Américas (2010)\, em Denver; e a 17ª Bienal de Cerveira (2013)\, em Portugal; além de quatro edições da Bienal do Mercosul (2009\, 2011\, 2015 e 2020)\, além de ter realizado inúmeras exposições coletivas e individuais. Ela centrou sua pesquisa inicial na experiência\, na saudade e no conceito de lar. Morando em uma casa localizada no bairro de Botafogo\, Rio de Janeiro\, realizou suas obras seminais no início dos anos 1990 a partir de pequenas intervenções performativas centradas no seu corpo e casa\, as quais ela fotografou\, desdobrando-as em um amplo repertório de ações e objetos\, partindo\, principalmente\, do pó oriundo dos tijolos daquela casa. Com esse material\, Baltar produziu inúmeros desenhos em papel\, instalações site specific e esculturas\, que seguiu desenvolvendo mesmo após mudar de endereço\, abraçando uma poética que desejava marcar o rastros de sua morada no mundo exterior\, como se\, ao disseminar o pó que constituía aquela presença sólida\, a artista pudesse sinalizar a possibilidade de um campo ampliado para a noção de abrigo.
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LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:Chris Burden na Gagosian
DESCRIPTION:Cross Communication é uma exposição de relíquias\, filmes e trabalhos em vídeo de Chris Burden\, além de outros materiais que documentam suas primeiras exposições. Em suas performances e trabalhos de áudio/vídeo dos anos 1970 e 1980\, Burden desafiou suas próprias limitações mentais e físicas enquanto explorava a construção de seu universo semântico. Fascinado pela mediação da linguagem visual na publicidade televisiva com sua representação de fórmulas de fama e sucesso\, ele procurou refletir a violência emergente e a complexidade da sociedade norte-americana. Empregando táticas de guerrilha não convencionais para questionar a ampla aceitação da cultura de consumo\, Burden confrontou o público com sua própria culpabilidade moral. Ao longo de sua carreira\, ele passou de performances nas quais seu próprio corpo funcionava como meio de comunicação para espetaculares esculturas e instalações em larga escala\, algumas das quais utilizam peças de brinquedo ou veículos reais. Muitas das primeiras performances de Burden mostram o artista se colocando em situações perigosas ou desconfortáveis\, em que ele investiu tanto com impacto visceral quanto com uma pegada metafórica. Em imagens Super-8 do famoso vídeo Shoot (1971)\, ele é mostrado sendo atingido no braço esquerdo por um amigo com um rifle\, enquanto em 220 (1971)\, ele e outros três amigos se empoleiram nas escadas de uma galeria inundada\, para\, na sequência\, soltar um fio elétrico de 220v na água. Em Back to You (1974)\, um voluntário enfia alfinetes no estômago e no pé do artista enquanto ele se deita no chão de um elevador\, e em Through the Night Softly (1973) Bruden rasteja sobre vidros quebrados na Main Street. Outros filmes revelam o envolvimento de Burden com as forças naturais\, testando seus poderes de resistência\, ou simplesmente sua sorte. Em Fire Roll (1973)\, ele apaga um par de calças em chamas com seu próprio corpo e em Icarus (1973)\, ele se levanta debaixo de duas placas de vidro em chamas. Em Velvet Water (1974)\, ele faz repetidas tentativas de respirar líquido no lugar de ar\, enquanto B.C. México (1973) mostra o artista sobrevivendo a onze dias solitários em uma praia remota. Essas e outras obras perturbadoras podem ser vistas na exposição.
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LOCATION:Gagosian Park & 75\, 821 Park Avenue\, Nova York\, Nova York\, 10021\, Estados Unidos
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SUMMARY:Gerhard Richter na David Zwirner
DESCRIPTION:A individual é a primeira exposição de obras de Gerhard Richter na galeria desde o anúncio de sua representação em dezembro de 2022\, trazendo novos trabalhos abstratos do nonagenário Richter\, todos criados entre 2016 e 2023. Com pinturas\, esculturas e trabalhos em papel\, essa é a primeira exposição individual do artista em Nova York desde sua retrospectiva no Metropolitan Museum of Art\, que só foi vista brevemente em março de 2020\, por causa do isolamento social imposto pela pandemia. Celebrado mundialmente como um dos artistas mais importantes de sua geração\, com uma carreira que se estende desde os anos 1960 até o presente\, Richter tem seguido uma prática diversificada e influente caracterizada por um compromisso de décadas com a pintura e suas possibilidades formais e conceituais. O artista tem sondado consistentemente a relação entre pintura e fotografia\, envolvendo uma variedade de estilos e técnicas inovadoras em um reposicionamento complexo de gêneros. No trabalho de Richter\, os modos duplos de representação e abstração questionam fundamentalmente a forma como nos relacionamos com as imagens. A exposição reune um grupo significativo das mais recentes pinturas a óleo de Richter\, feitas em 2016-2017\, algumas das quais são mostradas em Nova York pela primeira vez. Richter deixou de fazer pinturas a óleo em 2017\, e o trabalho final com essa técnica está na mostra. Parte da série Abstrakte Bilder (Pinturas Abstratas) do artista – parte central de sua prática desde os anos 1970 – as obras incluídas na exibição exemplificam as investigações de Richter sobre as ocorrências do acaso e as propriedades históricas e materiais do meio pictórico. Com suas superfícies altamente trabalhadas e estratificadas\, as últimas pinturas evidenciam a pura presença física da tinta e da cor\, decretando um modo de composição que é aleatório\, mas deliberadamente planejado. Em destaque central estão 3 Scheiben (3 Painéis\, 2023)\, uma nova escultura de vidro que dá sequência à exploração de Richter sobre a percepção humana e do ambiente construído. Compreendendo três painéis retangulares sequenciais de vidro transparente\, porém reflexivo – cada um posicionado verticalmente e medindo quase três metros de altura – a instalação convida os espectadores a olhar através e além de sua superfície\, revelando a natureza inerentemente subjetiva e circunstancial da realidade percebida. Richter tem consistentemente criado obras de vidro espelhado desde 1967\, muitas vezes apresentando-as ao lado de suas pinturas e desenhos e colocando-as no contexto maior da arquitetura ao redor.
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LOCATION:David Zwirner\, 537 W 20th St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Onyeka Igwe no MoMA PS1
DESCRIPTION:Através do cinema e da instalação\, a prática multidisciplinar de Onyeka Igwe (nascida em 1986\, Londres) examina eventos históricos pouco conhecidos\, coletando e combinando fontes documentais\, incluindo registros governamentais\, relatórios oficiais\, artefatos materiais e memória pessoal\, além de gesto\, voz\, dança e canto. Esta exposição apresenta uma série de três curtas-metragens — Her Name in My Mouth (2017)\, Sitting on a Man (2018) e Specialised Technique (2018) — apresentados como cinema expandido. A estrutura em camadas dos filmes de Igwe expõe as multiplicidades narrativas da vida contemporânea e contesta a narrativa única e progressiva da ideologia ocidental. Seu estilo de edição rítmica enfatiza a dissonância\, a reflexão e a amplificação entre imagem e som\, inseridos em uma instalação espacial. O tema principal do ciclo de filmes é a Guerra das Mulheres Igbos\, em 1929\, que Igwe descobriu pela primeira vez através de relatos familiares. Liderado principalmente por mulheres igbo\, o conflito é considerado uma das primeiras revoltas anticoloniais na Nigéria e marca um episódio violento na defesa do Império Britânico. Ao recuperar conceitualmente a história reprimida desse ato coletivo de resistência\, Igwe encontra\, mesmo nas tragédias do passado\, novos meios para compreender o presente. A exposição destaca o interesse contínuo da artista na relação entre movimento físico — ou seja\, dança — e movimentos de protesto\, especialmente aqueles protagonizados por mulheres.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Leo Villareal na Pace
DESCRIPTION:A individual Interstellar apresenta 15 novas esculturas nas quais Leo Villareal usa LEDs e um software personalizado para investigar espaço\, tempo e percepção. É a primeira exposição do artista em Nova York desde 2017\, e sua sétima exposição com a galeria desde o início de sua representação. A prática de Villareal é parte de uma linhagem de engajamento artístico que explora as conexões entre natureza\, tecnologia e experiência humana. Na mostra\, figuram esculturas de parede\, incluindo obras de sua nova série Nebulae. Emitindo luz hipnótica e difusa\, as esculturas de Nebulae se assemelham a imagens celestiais e evocam o dinamismo do espaço através de interações de cor e forma. Villareal cria uma sequência única e específica para cada obra de arte através do código tecnológico\, único como a própria natureza. Como tal\, não há duas esculturas iguais. A exposição também inclui trabalhos realizados em uma escala que Villareal não explora há quase uma década: esculturas de 60 cm² montadas em parede. Essas obras de arte de dimensões intimistas permitem leituras detalhadas das abstrações de Villareal. Como suas obras maiores\, as peças de 60 cm² convidam os espectadores a considerar os limites que separam os mundos físico e digital. Villareal aproveita o poder da luz\, tamanho e especificidade de locais para projetos públicos de grande escala\, incluindo The Bay Lights\, uma instalação de arte pública que se estendeu por 1\,8 milhas da Bay Bridge em São Francisco\, e Illuminated River\, uma instalação vibrante e de longo prazo visível nas laterais de nove pontes ao longo do Rio Tâmisa\, em Londres. Sua mais recente obra de arte pública de grande escala\, Fountain\, foi concluída em fevereiro de 2023 e celebra o legado de Kansas City como The City of Fountains. Villareal também estreou sua primeira série NFT\, Cosmic Reef\, na principal plataforma de arte digital Art Blocks\, em janeiro de 2022. Criados por meio de uma combinação de controle humano e chance computacional\, os trabalhos dessa série apresentam impressionantes geometrias evolutivas. Continuando suas explorações em Web3 e IA\, Villareal lançou Cosmic Bloom em dezembro de 2022 na Outland\, uma plataforma que promove a união das tecnologias digitais e da arte contemporânea. Cosmic Bloom é uma continuação da série Cosmic Bloom do artista\, que começou com Cosmic Reef e se inspira em estruturas orgânicas e biológicas\, fenômenos estelares e padrões atômicos.
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LOCATION:Pace Gallery\, 540 W 25th St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"And we learn to keep the soil wet" no Center for Art\, Research ans Alliances
DESCRIPTION:And we learn to keep the soil wet reúne as práticas de nove artistas envolvidos numa ética de intimidade e reciprocidade. Estes artistas experimentam vocabulários visuais e sonoros que consideram a natureza\, o corpo e a tecnologia não como territórios divididos\, mas como produtos de solidariedades e conciliações. As obras desta exposição refletem sobre a importância do pensamento relacional e da percepção para além do humano\, recuperando e alimentando as ligações entre as pessoas e outras formas de vida. O solo e o corpo\, por exemplo\, manifestam estas formas de interdependência. Carregam histórias de violência ao mesmo tempo que nutrem ciclos de crescimento e decadência que atuam como catalisadores da transformação das relações sociais e racializadas. A partir de perspectivas variadas\, Antonio Henrique Amaral\, Ane Graff\, Timothy Yanick Hunter\, Kite\, Ana María Millán\, Ebony G. Patterson\, Khari Johnson Ricks\, Suellen Rocca e Zheng Bo desafiam os seus territórios\, dados ou impostos\, por meio de obras que cresceram desde arquiteturas emocionais\, como o espaço dos sonhos\, a resiliência das florestas\, as memórias da carne e as ligações entre o intestino e o cérebro. \n\n\n\nA mostra convida à imaginação de um mundo que transborda de alegria queer\, onde o prazer pode atuar como um canal para a libertação do capitalismo racial. Sonhar com um mundo assim requer a compreensão de que a criação de significados e de conhecimentos somáticos e artificiais é algo que todos os seres praticam tanto em ambientes construídos como naturais. Através desta exposição e da programação do CARA\, continuamos a examinar a nossa questão orientadora: Como podemos sonhar não só com nós próprios? Esta exposição faz parte das nossas reflexões em curso sobre a forma como as definições universalizadas do corpo ganharam preponderância cultural e foram mantidas através de processos de opressão e apagamento. Em vez disso\, esperamos considerar o corpo e os seus ambientes como organismos porosos\, em processos contínuos de co-criação e influência. Desta forma\, podemos começar a avançar para um mundo que honra a diversidade da vida\, compreendendo que preservar e cuidar da terra também significa cuidar de todos os seres que a habitam. Continuamos a perguntar-nos: como podemos encarnar a nossa interdependência?
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LOCATION:Center of Art\, Research and Alliances\, 225 West 13th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Bennett Miller na Gagosian
DESCRIPTION:A exposição de novas impressões de Bennett Miller produzidas com um gerador de imagens DALL-E é a primeira mostra do cineasta e artista na galeria. Os trabalhos em exibição em Nova York foram criados após um período de cinco anos em que Miller pesquisou e filmou um documentário sobre a encruzilhada tecnológica em que nos encontramos agora. Tendo entrevistado numerosas figuras envolvidas com inteligência artificial (IA)\, incluindo Sam Altman\, CEO do OpenAI\, o desenvolvedor do DALL-E\, o artista começou a usar o software para refletir sobre a natureza e a progressão das mudanças na forma como entendemos a arte representativa. Os resultados impressionantes envolvem a história e o formato da fotografia para colocar questões sobre a natureza contingente e enigmática da percepção\, da realidade e da verdade – uma indagação que se tornou urgente na atualidade graças às inovações revolucionárias da computação. DALL-E – nome que remete tanto a Salvador Dalí quanto ao personagem robô WALL-E\, da animação da Pixar – é uma “rede neural” que emprega um algoritmo de aprendizado profundo treinado para traduzir os avisos escritos em imagens de alta fidelidade. Ela foi lançada em 2021 pela OpenAI\, a empresa também responsável pelo “modelo de linguagem grande” ChatGPT\, que realiza uma operação comparável com o texto. Como reconhece o projeto de Miller\, tais geradores já exercem uma influência profunda e não isenta de controvérsia na educação\, mídia e arte e design comercial\, complicando os debates sobre autenticidade\, apropriação e estilo num grau inédtio desde o apogeu do pós-modernismo dos anos 1980. Nas impressões da mostra\, Miller explora a capacidade do DALL-E de gerar imagens em múltiplos estilos e combinar diferentes conceitos. A compreensão revolucionária do programa sobre as complexas relações entre texto e imagem fez dele\, juntamente com programas rivais como Midjourney e Stable Diffusion\, a fonte de uma quantidade crescente de ilustrações editoriais\, suscitando preocupações culturais\, legais e econômicas em torno de originalidade\, plágio e continuidade da especialização profissional. Ao ligar o poder transformador da nova tecnologia com a aurora da fotografia e o nascimento da reprodução mecânica\, as imagens geradas por IA sugerem uma mudança iminente na percepção de um alcance ainda maior\, fazendo com que reconsideremos o significado de ser humano. Com seus tons sépia e atmosfera inquietante e fugidia\, essas obras oníricas também se baseiam em tentativas históricas de produzir imagens críveis de fenômenos inventados\, incluindo fotografias espiritualistas e as fotos de Elsie Wright e Frances Griffith da ficção Cottingley Fairies. Embora os estudos de Miller sobre pessoas e lugares sejam assombrosamente parecidos às imagens do final do século 19 ou início do século 20\, nenhum de seus personagens e cenários é totalmente “real”.
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LOCATION:Gagosian Madison Avenue\, 976 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Guglielmo Castelli e Adriano Costa na Mendes Wood DM
DESCRIPTION:A unidade de NY da Mendes Wood DM exibe duas exposições: Demônios Familiares\, de Guglielmo Castelli\, e Milk of Slums – Rua dos Caciques\, de Adriano Costa. Em Demônios Familiares\,  Guglielmo Castelli (1987\, Turim\, Itália) usa como base sua exposição anterior no espaço da galeria em Bruxelas em 2021\, e um solo aclamado em Paris+ par Art Basel 2022. A individual oferece ao público a mais complexa e completa apresentação do trabalho de Castelli até hoje\, com pinturas a óleo em grandes e pequenas dimensões mostradas ao lado de trabalhos em papel\, colagem e uma escultura. O nome da mostra deriva de um livro homônimo da escritora espanhola Ana Maria Matute (1925-2014)\, cujo trabalho frequentemente aborda o espaço liminar que liga a infância à idade adulta e o poder da fantasia e do pensamento mágico. Conhecido por suas composições teatrais e inquietantes\, confrontando figuras adolescentes com geometrias opressivas\, cenários pictóricos restritos e imagens fortemente simbólicas\, Castelli usa sua compreensão dos Demônios Familiares de Matute para expandir seu vocabulário artístico e dar mais significado aos seus temas. A poderosa linguagem visual de Castelli baseia-se em uma riqueza de referências artísticas e literárias européias\, desde as sombras imperfeitas das composições metafísicas\, que vão de Giorgio de Chirico até as alegorias de pesadelo de Franz Kafka e a corrente de consciência de T.S. Eliot. Seu fio condutor comum\, ou talvez apenas um deles\, é a presença muito real da incerteza e da instabilidade\, de uma iminente\, mas intangível sensação de perigo\, dos espectros inquietantes de um quarto de infância que se transformam\, metamorfoseiam\, assombram\, e depois desaparecem tão rapidamente quanto surgiram. Já no texto de apresentação de Milk of the Slums – Rua dos Caciques\, escreve Colin Ledoux\, entremeado às palavras de Adriano Costa em itálico: “Para suas exposições\, no início\, Costa encontra um ritmo: o fluxo de sangue; o pulso de um bairro; um arpejo de materiais\, pensamentos; a batida repetitiva de uma imagem assombrosa\, drogas\, relacionamentos; uma variedade de formas e desejos; os lugares onde ele está\, suas histórias\, suas populações. MILK OF SLUMS – RUA DOS CACIQUES dança em um ritmo\, do Brasil e sua universalidade\, construído sobre um presente permanente\, meio sonho\, meio noite\, meio promessa. [Outra maldição: Brasil\, país do futuro! Que futuro? Estou interessado no agora e em suas idiossincrasias barrocas]. No trabalho de Costa\, os materiais vivem enquanto circulam na confusão das favelas\, como fluidos ou multidões\, como a seiva que dá vida a plantas como as bromélias. Tem sido dito que as favelas se parecem com essa planta\, com resiliência e força contra adversidades de qualquer tipo. O Leite das favelas é o que brota desses lugares\, um espírito\, uma abordagem das coisas\, uma construção mental. Uma fecundação sem fim\, ou podemos dizer\, anti-fecundação\, tudo crescendo em ritmo\, paixão e loucura.
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LOCATION:Mendes Wood DM NY\, 47 Walker Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Gego e Sarah Sze no Guggenheim
DESCRIPTION:Duas exposições são destaque na programação do Guggenheim: Gego: Measuring Infinity e Timelapse\, individual de Sarah Sze. Gego\, ou Gertrud Goldschmidt (1912\, Hamburgo – 1994\, Caracas)\, formou-se primeiro como arquiteta e engenheira na Technische Hochschule Stuttgart (hoje Universität Stuttgart). Fugindo da perseguição nazista em 1939\, ela imigrou para a Venezuela\, onde se estabeleceu permanentemente\, iniciando uma carreira artística nos anos 1950 que se estenderia por mais de quatro décadas. Em trabalhos bidimensionais e tridimensionais em diversos meios\, Gego explorou a relação entre linha\, espaço e volume. Sua prática nos campos relacionados de arquitetura\, design e ensino complementou essas investigações. A exposição Gego: Measuring Infinity é a primeira grande retrospectiva museológica da obra de Gego nos Estados Unidos desde 2005\, oferecendo uma visão totalmente integrada da influente artista germano-venezuelana e sua abordagem diferenciada da linguagem da abstração. Em cinco rampas da rotunda do Guggenheim\, a pesquisa cronológica e temática apresenta quase 200 obras do início dos anos 1950 até o início dos anos 1990\, incluindo esculturas\, desenhos\, gravuras\, tecidos e livros de artista\, além de imagens fotográficas de instalações e obras públicas\, esboços\, publicações e cartas. Gego é uma das artistas mais significativas a emergir da América Latina durante a segunda metade do século 20\, mas sua obra continua sendo menos conhecida nos Estados Unidos. Examinando as contribuições formais e conceituais que ela fez através de suas formas orgânicas\, estruturas lineares e investigações espaciais sistemáticas\, Gego: Measuring Infinity fundamenta a prática de Gego nos contextos artísticos da América Latina que floresceu ao longo de sua longa carreira\, considerando as interseções da artista com e saindo de movimentos artísticos transnacionais importantes\, como a abstração geométrica e a arte cinética. Gego apresentou idéias radicais através de suas intensas investigações sobre sistemas estruturais: transparência\, tensão\, fragilidade\, relações espaciais e os efeitos óticos do movimento são abordados metodicamente em seu singular corpo de trabalho. Traçando um caminho artístico marcadamente individual\, Gego desafiou a categorização. Essa retrospectiva há muito esperada se baseia no legado do Museu Guggenheim de apresentar exposições inovadoras de pesquisa individual moderna e contemporânea em um contexto global que defende a arte não objetiva. A mostra é co-curada por Pablo León de la Barra\, curador geral de América Latina do Guggenheim\, e Geaninne Gutiérrez-Guimarães\, curadora associada do museu. Para a individual Timelapse\, Sze criou uma série de instalações específicas do local que tecem um rastro de descoberta através de múltiplos espaços do icônico edifício do Guggenheim\, projetado por Frank Lloyd Wright. No exterior\, a exposição se espalha para a esfera pública além das paredes do museu. Um rio de imagens fluindo cobre o exterior do edifício\, ecoando o movimento do trânsito e dos transeuntes ao nível da rua\, enquanto uma projeção ao vivo da lua na fachada curva da rotunda espelha seu ciclo ao longo do curso da exposição.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Cecily Brown no The Met Museum
DESCRIPTION:Há mais de vinte e cinco anos\, Cecily Brown (nascida em 1969) tem fascinado espectadores com cores suntuosas\, pinceladas ousadas e narrativas complexas relacionadas a alguns dos temas mais grandiosos e antigos da história da arte ocidental. Após se mudar de Londres para Nova York na década de 1990\, ela ressuscitou a pintura para uma nova geração\, juntamente com um punhado de outros artistas\, muitas delas mulheres\, exatamente no momento em que os críticos questionavam sua importância e relevância. A primeira exposição completa institucional sobre o trabalho de Brown em Nova York desde que ela se estabeleceu na cidade\, Cecily Brown: Death and the Maid reúne cerca de cinquenta pinturas\, desenhos\, cadernos de esboços e monotipias de diferentes momentos de sua carreira para explorar os temas entrelaçados de natureza-morta\, memento mori\, reflexão e vanitas – representações simbólicas da vaidade humana ou da brevidade da vida – que impulsionaram sua prática dinâmica e impactante por décadas.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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