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SUMMARY:"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção\, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias\, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social\, no qual as técnicas artísticas\, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados\, sem estar preso a uma cronologia rígida\, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero\, classe\, trabalho\, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade\, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet\, Gustave Courbet\, Berthe Morisot\, Francisco Oller\, Henri Matisse\, Pablo Picasso\, Yves Tanguy\, Vasily Kandinsky\, entre outros.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Jumana Manna no MoMA PS1
DESCRIPTION:“Break\, Take\, Erase\, Tally”\, primeira grande individual de Jumana Manna nos EUA\, mostra a pesquisa multidisciplinar da artista\, que explora os efeitos paradoxais das práticas de preservação na agricultura\, na ciência e no direito. Marcando a estreia em Nova York do novo filme de Manna\, “Foragers” (2022)\, a exposição reúne quase 20 obras\, incluindo dois filmes recentes e uma série de esculturas novas e anteriores. Enfocando a terra diante das formas crescentes de sua alienação\, os filmes de Manna usam uma série de métodos narrativos para examinar como as práticas baseadas na terra (agricultura e forragem\, por exemplo) estão envolvidas e lutam contra as políticas neoliberais e coloniais e\, por sua vez\, contra as mudanças climáticas. Extraído de exemplos específicos\, como a primeira retirada do Cofre Global de Sementes de Svalbard em 2015 em resposta à guerra síria (tema de seu filme “Wild Relatives”) Manna” ressalta as limitações científicas na recuperação da perda de vidas biológicas\, em todas as suas formas. Seu trabalho visualiza a lenta violência da agricultura industrial enquanto faz perguntas pungentes sobre que tipo de futuro é possível em um presente precário. Em seu novo filme\, “Foragers”\, Manna se move entre documentário e ficção para abordar confrontos crônicos entre colhedores palestinos de ervas selvagens ‘akkoub e za’atar e a Autoridade Israelense de Proteção da Natureza\, que considerou as plantas ameaçadas de extinção. A recusa dos foragidos e as punições que enfrentam\, devido a grandes multas e tempo de prisão em potencial\, às vezes assumem um tom absurdo e cômico que levanta questões-chave em torno da política de extinção – principalmente\, quem determina o que vive e como vive. Em ambos os filmes da artista\, plantas e sementes são temas primários\, e a relação entre o trabalho humano e a terra é essencial para suas estruturas narrativas. A exposição também apresenta uma nova instalação em larga escala de esculturas que se inspiram nos restos fragmentados de khabyas\, estruturas tradicionais e agora obsoletas para o armazenamento de grãos no Levante. As esculturas são colocadas em diálogo com suas características assemblages de rodapés industriais\, que usam materiais encontrados no ambiente urbano\, em lugares como canteiros de obras e sistemas de drenagem. Através da escultura e do filme\, as obras da artista exploram a terra e seus ritmos como base para formas de vida que também podem servir para resistir\, fugir e transformar estruturas de poder hegemônico.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Oscar yi Hou no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Em uma época de crescente violência contra as comunidades asiáticas nos Estados Unidos\, Oscar yi Hou questiona o que significa ser “asiático-americano” e quem é considerado “norte-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon\, título de um poema do artista\, compreende onze de suas recentes pinturas figurativas. Em algumas obras\, yi Hou coloca seus amigos e ele mesmo como figuras da história do leste asiático e da cultura visual ocidental\, desde imigrantes chineses do século XIX até Son Goku\, da popular franquia de mídia Dragon Ball. Em outros\, o artista retrata suas amigas\, muitas das quais\, como ele\, se identificam como parte de uma comunidade criativa asiática\, em papéis tradicionalmente brancos e masculinos\, acabando com os estereótipos de longa data. Da mesma forma\, yi Hou olha tanto para a cultura popular quanto para referências passadas\, incluindo as coleções de arte asiática recentemente reinstaladas do Brooklyn Museum\, em sua abordagem para essas composições que remete à colagem. O artista envolve seus temas com o que ele chama de iconografia de “cowboy chinês”\, um caleidoscópio de imagens como bandeiras americanas\, símbolos yin-yang\, chapéus de cowboy e caligrafia chinesa. Através dessa justaposição (e de sua crítica sobre as calúnias contra o povo do Leste Asiático) yi Hou revela a complexidade da questão de identidade nacional\, como evidenciado por sua própria origem sino-britânica. Agora morando no Brooklyn\, ele afirma: “Embora eu seja apenas um norte-americano\, sou resolutamente um asiático-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon é organizado por Eugenie Tsai\, Curador Sênior de Arte Contemporânea do Brooklyn Museum\, com Indira A. Abiskaroon\, Assistente Curatorial de Arte Moderna e Contemporânea.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Edward Hopper no Whitney Museum
DESCRIPTION:Para Edward Hopper\, Nova York era uma cidade que existia tanto na mente quanto no mapa\, um lugar que tomou forma através da experiência vivida\, da memória e da imaginação coletiva. Foi\, ele refletiu no final da vida\, “a cidade americana que melhor conheço e de que mais gosto”. A cidade de Nova York foi a casa de Hopper por quase seis décadas (1908-67)\, um período que abrange toda a sua carreira madura. A Nova York de Hopper não era um retrato exato da metrópole do século 20. Durante sua vida\, a cidade foi submetida a um tremendo desenvolvimento: arranha-céus atingiram alturas recordes\, os canteiros de obras rugiam pelos cinco bairros\, e uma população cada vez mais diversificada cresceu. Ainda assim\, suas representações de Nova York permaneceram em escala humana e em grande parte despovoadas. Escapando do skyline icônico e de marcos pitorescos\, como a Brooklyn Bridge e o Empire State Building\, em vez disso Hopper voltou sua atenção para suas estruturas utilitárias não elogiadas e esquinas ermas\, atraído pelo contraste incômodo entre novo e antigo\, coletivo e residencial\, público e privado\, evidências dos paradoxos da cidade em transformação. A Nova York de Edward Hopper traça o fascínio duradouro do artista pela cidade\, revelando uma visão de Nova York que é tanto uma manifestação do próprio Hopper quanto um registro da cidade ao seu redor. A exposição Edward Hopper’s New York dá uma visão abrangente da vida e do trabalho de Hopper\, desde suas primeiras impressões de Nova York em esboços\, gravuras e ilustrações\, até suas últimas pinturas\, nas quais a cidade serviu de pano de fundo para suas evocativas destilações da experiência urbana. Extraída do extenso acervo da Whitney e ampliada por empréstimos-chave\, a exposição reúne muitos dos quadros emblemáticos da cidade de Hopper\, bem como vários exemplos menos conhecidos\, mas de importância crítica. A mostra é significativamente permeada por materiais variados do arquivo Sanborn Hopper recentemente adquirido pelo museu (efêmera\, correspondência\, fotografias e periódicos) que juntos inspiram novas ideias sobre a vida de Hopper na cidade. Ao explorar o trabalho do artista através das lentes de Nova York\, a exposição oferece uma nova visão dessa figura formidável e considera a própria cidade como um ator principal. A exposição foi organizada por Kim Conaty\, curadora de desenho e gravuras\, com Melinda Lang\, assistente sênior de curadoria.
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SUMMARY:Meret Oppenheim no MoMA
DESCRIPTION:“Ninguém lhe dará liberdade”\, disse Meret Oppenheim em 1975. “Você tem que tomá-la”. Inspirada em projetos da própria artista visionária suíça\, Meret Oppenheim: My Exhibition reúne quase 200 obras que oferecem uma ampla visão retrospectiva da inovação de Oppenheim ao longo de sua vida\, com um conceito de arte notavelmente aberto\, e uma originalidade e sagacidade ferozes. Mais conhecida por sua famosa xícara de chá revestida de peles\, o escopo completo da carreira de seis décadas de Oppenheim tem sido largamente desconhecido fora de sua Suíça natal\, e muitas das pinturas\, esculturas\, montagens\, relevos\, desenhos de joias\, trabalhos em papel e colagens estão em exposição nos EUA pela primeira vez. Esta exposição oferece uma rara oportunidade de ver a produção de Oppenheim em toda sua exuberante variedade\, desde objetos ousados expostos pela primeira vez ao lado dos surrealistas nos anos 1930\, até colagens pintadas que incorporam materiais naturais encontrados na paisagem alpina\, passando por esculturas feitas de bronze e pedras semi-preciosas. Antes de sua apresentação no MoMA\, a exposição foi apresentada no Kunstmuseum de Berna\, Suíça\, entre 22 de outubro de 2021 e 13 de fevereiro de 2022\, e na Menil Collection\, em Houston\, entre 25 de março e 18 de setembro de 2022.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Nick Cave no Guggenheim
DESCRIPTION:Nick Cave (1959\, Fulton\, Missouri) é mundialmente famoso por ser um dos cantores e compositores mais emblemáticos de sua geração\, mesclando folk ao rock dos anos 1950 e a um acento de blues. O que poucos brasileiros sabem é que Cave também é celebrado internacionalmente por suas elaboradas instalações e trabalhos têxteis\, incluindo seus icônicos Soundsuits\, que misturam escultura\, design de fantasias e fabricação de instrumentos. Nick Cave: Forothermore é uma exposição de pesquisa cobrindo toda a amplitude da carreira do artista\, e apresenta escultura\, instalação\, vídeo\, e obras pouco vistas do início da carreira do artista. O título é um neologismo\, uma nova palavra que reflete o compromisso vitalício do artista em criar espaço para aqueles que se sentem marginalizados pela sociedade e cultura dominante\, especialmente as comunidades da classe trabalhadora e as pessoas afro-americanas e queer. A mostra destacará o desenvolvimento da singular prática artística de Cave\, que interroga as promessas cumpridas ou frustradas que o final do século 20 e início do século 21 oferecem ao Outro. Instaladas nas galerias de torres do museu\, as seções temáticas da mostra são intituladas What it was\, What it is e What it shall be\, inspiradas em uma antiga saudação afro-americana. A exposição se desdobra como uma história tripartite\, com cada capítulo olhando para o passado\, presente e futuro da prática de Cave. What it was explora os primeiros trabalhos que honram os fundamentos criativos e sociais do artista dentro de sua família e além dela. Vivendo e trabalhando em Chicago\, Cave frequentemente cita a verve psicodélica do grupo Parliament-Funkadelic\, de George Clinton\, e o excesso extravagante da house music de Chicago como influências em seu desenvolvimento artístico. What it is inclui o trabalho de Cave sobre opressão\, perda\, luto e lembrança\, mas também sobre alegria e celebração coletiva. Finalmente\, What it shall be reúne sua produção recente\, como as Soundsuits e a série de obras em escala monumental Tondo\, que exemplificam suas estratégias de sobrevivência em meio à injustiça. Nick Cave: Forothermore foi organizada pelo Museum of Contemporary Art Chicago\, com curadoria de Naomi Beckwith\, diretora adjunta e curadora do Guggenheim\, com auxílio de X Zhu-Nowell\, curador assistente do museu.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Thierry Mugler no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Thierry Mugler: Couturissime é a primeira retrospectiva a explorar o fascinante e arrojado universo do designer de moda e criador francês de perfumes icônicos Thierry Mugler. Um visionário da moda\, Mugler se estabeleceu como um dos mais ousados e inovadores estilistas do final do século 20. Suas silhuetas arrojadas\, técnicas e materiais pouco ortodoxos (incluindo vidro\, plexiglas\, vinil\, látex e cromo) fizeram sua marca na história da moda. Nos anos 1970\, Mugler definiu tendências com seu aclamado glamazon\, uma mulher chique e moderna cujo estilo evoluiu da moda hippie dos anos 1960. Nos anos 1980 e 1990\, Mugler galvanizou o renascimento da alta costura através de suas coleções provocativas e desfiles de moda teatrais\, que envolviam locais grandiosos e os modelos mais icônicos da época. Assim como seu trabalho ainda está influenciando novas gerações de costureiras\, celebridades continuam a ser atraídas pelos desenhos de Mugler: seus vestidos clássicos foram recentemente usados por Beyoncé\, Cardi B\, e Kim Kardashian. A exposição apresenta mais de uma centena de trajes que vão desde peças de alta costura a trajes de palco\, além de acessórios personalizados\, croquis\, vídeos\, imagens dos principais fotógrafos de moda e instalações espetaculares que espelham a abordagem futurista de Mugler. A apresentação do Brooklyn Museum também apresenta uma seção expandida dedicada aos seus perfumes\, centrada no icônico Angel. Thierry Mugler: Couturissime é uma oportunidade para descobrir e redescobrir o trabalho fantástico deste artista multidisciplinar\, que revolucionou o mundo da moda.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Alex Prager na Lehmann Maupin
DESCRIPTION:Part Two: Run é o momento máximo de uma série de exposições para o lançamento do ambicioso filme Run\, realizado por Alex Prager\, artista baseado em Los Angeles. As exposições anteriores aconteceram na Lehmann Maupin Palm Beach\, em novembro de 2022\, e na Lehmann Maupin London\, em janeiro de 2022. Junto com a exibição de Run\, a individual traz trabalhos recentes de Prager\, mais especificamente uma seleção de suas novas fotografias e esculturas. Respondendo diretamente a um período de ambivalências e incertezas culturais\, a produção do artista enfoca a perseverança humana e explora as oportunidades de empatia\, participação e ação presentes tanto na arte como na vida cotidiana da atualidade a partir de uma concepção estética que remete a uma iconografia muitas vezes de época\, outras tantas atemporal. Ao longo de sua prática\, Prager elabora narrativas ricas e muitas vezes ambíguas que examinam as mitologias e arquétipos culturais que moldam a existência coletiva. Ao implantar e desconstruir convenções artísticas e narrativas\, Prager explora como tanto os sentidos do Eu quanto o engajamento com os Outros\, frequentemente mediados por histórias familiares. Ocupando uma tênue relação de tempo e lugar\, as imagens cuidadosamente coreografadas do artista permanecem suspensas entre o passado e o presente\, representando uma vontade coletiva de existir que não apenas transcende circunstâncias imediatas\, mas persiste apesar delas. A base para o último conjunto de obras de Prager é o novo e poderoso filme do artista\, Run. Apresentando composições musicais de Ellen Reid e Philip Glass e estrelando Katherine Waterston\, o filme explora arquétipos cinematográficos e o humor baseado no absurdo\, enquanto examina a resiliência humana diante da catástrofe. No enredo\, um dia que seria comum irrompe no caos quando uma esfera maciça e espelhada vai sendo empurrada por toda uma comunidade. Aqui\, o movimento para frente é contraposto a uma retrospectiva. As figuras colidem com seus próprios reflexos na superfície da esfera\, e Prager sugere um ajuste de contas curativo e coletivo com forças fora do controle das pessoas. Nesse capítulo da mostra em 3 partes\, Run dialoga com fotografias e esculturas que complexificam e enriquecem ainda mais as questões fundamentais do filme. Um exemplo é o trabalho fotográfico Sleep (2022\, foto)\, que mostra uma cena de Run: uma porção de pessoas deitadas no chão após uma colisão em alta velocidade com a bola espelhada. Seu humor desconstrói as convenções do filme\, revelando o potencial para o absurdo na suspensão de um único momento no tempo.
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LOCATION:Lehmann Maupin\, 501 W 24th St Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Richard Avedon no The Met Museum
DESCRIPTION:Em 1969\, Richard Avedon estava em uma encruzilhada. Após um hiato de cinco anos\, o fotógrafo voltou a fazer retratos\, desta vez com uma nova câmera e um novo senso de escala. Trocando seu Rolleiflex portátil por um dispositivo maior montado em um tripé\, ele reinventou a dinâmica de seu estúdio. Ao invés de dançar em torno de seus assuntos por trás de um visor\, como fazia em suas fotos enérgicas de moda\, ele agora podia ficar ao lado de uma câmera estacionária e encará-los de frente. Enfrentando grupos de artistas\, ativistas e políticos proeminentes da época\, ele criou enormes retratos fotomurais\, condizentes com sua influência cultural descomunal. No centenário do nascimento do fotógrafo\, Richard Avedon: MURALS reunirá três dessas obras monumentais\, algumas com até 35 pés de largura. Para Avedon\, os murais expandiram as possibilidades artísticas da fotografia\, reorientando radicalmente espectadores e temas em uma visão ampla e abrangente. Os murais são retratos da sociedade. Neles\, Avedon reúne gigantes do final do século XX (membros da Factory de Andy Warhol\, arquitetos da guerra do Vietnã e manifestantes contra essa guerra) que juntos moldaram uma era extraordinariamente turbulenta da vida americana. Apresentados em uma galeria\, seus enormes retratos encenarão uma conversa improvável entre campos historicamente opostos\, bem como espectadores contemporâneos. As inovações formais do alto estilo de Avedon – corpos fortemente iluminados em um fundo branco impiedoso – são melhor realizadas nessas obras\, onde os personagens se juntam e aglomeram o quadro\, e vazios brilhantes entre eles estalam em contraste. Unindo os murais com projetos contemporâneos\, a exposição acompanha a abordagem evolutiva de Avedon para o retrato de grupo\, por meio do qual ele transformou as convenções deste gênero fotográfico.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Mary Enoch Elizabeth Baxter no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:No quinquagésimo aniversário do caso Roe v. Wade – e no ano seguinte à sua revogação – esta exposição examina a longa história de injustiça reprodutiva nos Estados Unidos por meio de dois projetos de Mary Enoch Elizabeth Baxter. A artista e ativista prioriza a narrativa e a cura em seu trabalho\, explorando os processos institucionais\, legais e culturais que têm brutalmente privado as mulheres e meninas negras de sua autonomia corporal. Em seu filme Ain’t I a Woman\, Baxter conecta sua experiência de dar à luz algemada ao combate expandido pelos direitos reprodutivos – um combate que destaca as vulnerabilidades e violências contra as mulheres negras\, que historicamente têm sido negadas o direito de decidir se\, quando e como ter filhos de forma segura. O documentário musical é acompanhado por Consecration to Mary\, um trabalho fotográfico multipartidário que relaciona as histórias de abuso enfrentado por crianças negras ao “viés de adultificação”\, uma realidade social em que jovens negros são sistematicamente tratados como adultos. Na obra\, Baxter confronta e combate fotografias nuas sexualmente exploratórias de uma jovem negra tiradas pelo famoso artista americano branco Thomas Eakins em 1882. Baxter se insere em duas das fotografias de Eakins para proteger a vítima e apresenta outras imagens em estojos fechados de daguerreótipo\, ocultando-as da vista pública. Uma terceira fotografia aberta de Baxter quando criança conecta a própria artista a essas histórias de abuso social. Juntos\, esses trabalhos expõem como a exploração de meninas negras leva ao desempoderamento político e à precariedade social\, resultando no encarceramento em massa de mulheres negras. Ao colocar em destaque membros profundamente vulneráveis da sociedade americana\, a exposição amplia o discurso sobre o acesso ao aborto para uma conversa mais complexa sobre justiça reprodutiva\, abrangendo direitos humanos\, empatia e libertação.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Arthur Bispo do Rosário na Americas Society
DESCRIPTION:A exposição Bispo do Rosário: All Existing Materials on Earth é a primeira individual nos Estados Unidos de Arthur Bispo do Rosário (1909\, Japaratuba – 1989\, Rio de Janeiro)\, um artista afro-brasileiro que criou mais de mil objetos durante seu confinamento na Colônia Juliano Moreira\, instituição psiquiátrica no Rio de Janeiro onde viveu a maior parte de sua vida. A retrospectiva reúne obras de arte icônicas de Bispo\, incluindo tecidos bordados à mão com diversos elementos costurados\, esculturas mistas e sua obra-prima\, o Manto da Anunciação\, a mais conhecida de sua produção\, que seria usada por Bispo do Rosário quando chegasse o momento de subir ao céu. A vestimenta foi fabricada pelo artista ao longo de décadas\, enquanto esteve internado na Colônia Juliano Moreira\, a partir de um antigo cobertor\, transformado em majestoso traje\, bordado interna e externamente com palavras e símbolos que revelam a síntese de sua obra. Segundo o próprio Bispo do Rosário\, “Quando eu subir\, os céus se abrirão e vai recomeçar a contagem do mundo. Vou nessa nave\, com esse manto e essas miniaturas que representam a existência. Vou me apresentar.” Um livro de bolso sobre a obra do artista acompanha a exposição\, além de uma série de programas públicos. Bispo do Rosário: All Existing Materials on Earth é organizada em colaboração com o Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea\, no Rio de Janeiro\, e é co-curada por Aimé Iglesias Lukin\, Ricardo Resende e Javier Téllez\, com Tie Jojima. Nascido em Japaratuba\, Sergipe\, em 1909\, Arthur\, filho de carpinteiro\, tem sobrenome de batismo “Bispo” – cargo eclesiástico – e “Rosário” – padroeira dos negros. Após uma passagem pela Marinha e pelo boxe\, foi morando na casa do advogado Humberto Leone e família\, trabalhando como  “faz-tudo”\, que Arthur Bispo teve sua revelação. Na noite de 22 de dezembro de 1938 \, ele se vê descendo do céu\, acompanhado por sete anjos que o deixam na “casa nos fundos murados de Botafogo”\, segundo o bordado que narra o acontecimento num dos seus estandartes. Bispo sai caminhando de madrugada até chegar ao Mosteiro de São Bento\, no Centro do Rio\, onde se apresenta aos frades como “aquele que veio julgar os vivos e os mortos”. Os religiosos o enviam para o hospício da Praia Vermelha\, de onde é transferido para a Colônia Juliano Moreira. Entre idas e vindas e tentativas de readaptação ao mundo\, em 1964 Bispo finalmente adota a Colônia como sua morada definitiva\, e é onde cria todas suas obras a partir de materiais descartados. Como explica o site do museu que leva seu nome\, “Arthur Bispo do Rosário\, que carregava todos os estigmas de marginalização social ainda vigentes em nossa sociedade – negro\, pobre\, louco\, asilado em um manicômio – consegue\, na sua genialidade\, subverter a lógica excludente propondo\, a partir da sua obra\, a ressignificação do universo\, para ser reunido e apresentado no dia do juízo final. Sua missão chegou ao fim aos 80 anos\, no dia 5 julho de 1989\, dia da sua morte”.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/arthur-bispo-do-rosario-na-americas-society/
LOCATION:Americas Society\, 680 Park Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hip-Hop: Conscious\, Inconscious" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Reza a lenda que o hip-hop começou em 11 de agosto de 1973\, numa festa num porão do Bronx\, dando ao movimento de arte de rua um aniversário oficial. Cinqüenta anos depois\, a exposição Hip-Hop: Conscious\, Inconscious explora as pessoas\, os lugares e os acontecimentos que o hip-hop nos legou. Junto com o Mass Appeal (selo independente de rap e produtora de conteúdo)\, o museu Fotografiska criou o destino definitivo para celebrar o impacto global do hip-hop na expressão visual –uma experiência imersiva reunindo uma comunidade de artistas que documentaram este fenômeno cultural. Co-curada por Sally Berman e Sacha Jenkins\, Chefe de Criação da Mass Appeal\, Hip-Hop: Conscious\, Inconscious apresenta imagens que vão de ícones da cultura visual a retratos raros e íntimos das maiores estrelas do hip-hop\, de pioneiros lendários como Nas\, Tupac\, Notorious B.I.G\, e Mary J. Blige a ícones modernos como Nicki Minaj\, Megan Thee Stallion (foto)\, e Cardi B. Os trabalhos em exibição abordam temas como o papel da mulher no hip-hop; a diversificação e as rivalidades regionais e estilísticas do hip-hop; o foco humanístico sobre as gangues de rua da década de 1970 no Bronx\, cujos membros contribuíram para o nascimento do hip-hop\, entre eles o icônico DJ Afrika Bambaataa; e a trajetória do movimento iniciado nos guetos nova-iorquinos até se tornar um fenômeno global. Em dado momento\, a cultura hip-hop sofreu uma transição exponencialmente acelerada\, quando tomou consciência da alta rentabilidade de sua exportação global. O cerne da exposição é o período anterior a essa percepção do hip-hop como produto internacional altamente lucrativo. Traçando a trajetória coletiva do gênero cultural ao longo de cinco décadas\, a exposição abrange a fotografia dos primeiros documentaristas de hip-hop dos anos 1970 aos mais jovens fotógrafos de hip-hop que estão promovendo a proliferação da estética do gênero. Em parceria com o projeto Hip Hop 50\, da Mass Appeal\, um dólar de cada ingresso vendido será doado ao Universal Hip Hop Museum\, no Bronx.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/hip-hop-conscious-inconscious-no-fotografiska-museum/
LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Elizaveta Porodina no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Na individual Un/Masked\, de Elizaveta Porodina\, o público é convidado a mergulhar no universo de sua visão artística e de criação de imagens oníricas e fantasiosas. Com sua fotografia experimental que flerta abertamente com o expressionismo e o surrealismo\, ela invoca o espectador a mesclar passado e presente\, antigo e contemporâneo\, numa jornada pelo tempo e espaço. A exposição reflete os últimos anos de trabalho da jovem fotógrafa russa Elizaveta Porodina. Seu imaginário é surreal\, sonhador e íntimo\, por vezes assustador\, assombroso e delicado. Lágrimas e água são temas recorrentes em suas imagens e ela se inspira em sua infância e na arte\, História\, cinema e religião russos. Combinando o íntimo e o assustador\, Elizaveta persegue seu tema com uma precisão surpreendente\, alcançando intensidade e frescor. Como ela declarou\, “Ofereço ao meu público uma janela para o meu subconsciente com o meu trabalho. Peço-lhes que distorçam e brinquem com sua compreensão da realidade e que entrem em outra dimensão comigo através de minha escolha de elenco\, iluminação e cenários”. Nascida em Moscou em 1987\, Elizaveta Porodina cresceu na Rússia pós-soviética\, mas trabalha em Munique\, Alemanha\, desde os 12 anos de idade. Com formação teórica em psicologia clínica\, Elizaveta Porodina fala com uma linguagem fotográfica distinta: cor\, movimento e emoção.   Requisitada pelas principais publicações de moda por seu estilo pessoal e linguagem visual criativa\, a mídia e as grifes estão competindo para contratá-la para algumas de suas campanhas globais mais cobiçadas. Ela trabalha ativamente com novas técnicas e plataformas sociais e cada vez mais vem adquirindo  novas formas de expressar suas ideias fotograficamente. Colaborando intimamente com seus modelos – ou musas\, como ela os chama – ela descreve o momento em que a foto é tirada como uma comunhão\, quase um ritual mágico.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/elizaveta-porodina-no-fotografiska/
LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Wangechi Wutu no New Museum
DESCRIPTION:O New Museum apresenta uma grande exposição individual do trabalho de Wangechi Mutu (1972\, Nairóbi)\, que reúne mais de cem obras ao longo de sua carreira de vinte e cinco anos\, intitulada Wangechi Mutu: Intertwined\, ocupando os espaços do Lobby\, Segundo Andar\, Terceiro Andar e Quarto Andar da instituição. Representando toda a amplitude de sua prática\, a grande mostra abrange as incursões da artista por diversas mídias\, tais como pintura\, colagem\, desenho\, escultura\, filme e performance. Mutu foi aclamada por sua prática baseada em colagem explorando camuflagem\, transformação e mutação. Ela estende essas estratégias ao seu trabalho através de vários meios\, desenvolvendo formas híbridas e fantasiosas que fundem narrativas míticas e folclóricas com referências sociohistóricas estratificadas. Wangechi Mutu: Intertwined promove conexões entre os recentes desenvolvimentos na prática escultórica da artista e sua exploração de décadas dos legados do colonialismo\, da globalização e das tradições culturais africanas e diásporas. Ao mesmo tempo\, o trabalho de Mutu é culturalmente específico e transnacional no seu escopo\, e se relaciona com as realidades contemporâneas\, enquanto oferece novos modelos para um futuro radicalmente mudado\, norteado pelo feminismo\, afrofuturismo e simbiose entre espécies. A exposição tem curadoria de Margot Norton\, curadora sênior da cadeira Allen e Lola Goldring\, e Vivian Crockett\, curadora\, com Ian Wallace\, assistente de curadoria.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/wangechi-wutu-no-new-museum/
LOCATION:New Museum\, 235 Bowery 10002\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Seung-taek Lee no Canal Projects
DESCRIPTION:Seung-Taek Lee: Things Unstable reflete sobre o trabalho pioneiro do artista de vanguarda sul-coreano Seung-taek Lee (nascido em 1932). Lee ganhou sua reputação através de sua prática multidisciplinar inovadora\, resultando em uma ampla gama de projetos artísticos\, incluindo performances efêmeras\, obras site-specific\, intervenções fotográficas\, telas e esculturas. Ao empregar elementos naturais como fogo\, vento\, terra e água como colaboradores conceituais\, as performances multimídia de Lee expandiram o vocabulário da estética ambiental dos anos 1970\, marcando sua prática como um dos primeiros defensores da ecoarte. Celebrando sua preocupação vitalícia com o meio ambiente\, o Canal Projects apresenta reencenações de duas das obras mais conhecidas de Lee: Wind-Folk Amusement (1971) e Earth Performance (1989-1996). A documentação e as reencenações de suas performances contextualizam a prática de Lee em meio às questões ecológicas mais urgentes da atualidade\, ao mesmo tempo em que voltam às movimentações ambientais globais dos anos 1970. A exposição busca fornecer uma compreensão mais ampla da incessante busca de Lee por desestabilizar as ideias convencionais da arte. Ao subverter as hierarquias artísticas\, a prática de Lee se concentra no uso de objetos cotidianos\, inesperados e\, às vezes\, encontrados\, dando um toque de humor e irreverência sem precedentes a sua obra.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/seung-taek-lee-no-canal-projects/
LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Impossible Failures" no 52 Walker
DESCRIPTION:52 A Walker apresenta sua sexta exposição\, Impossible Failures\, que combina trabalhos de Gordon Matta-Clark (1943-1978) e Pope.L (1955-). A exposição se concentra no enfoque comum a ambos em relação à problemática em torno de arquitetura\, linguagem\, instituições\, escala e valor. Matta-Clark e Pope.L são conhecidos por suas respectivas práticas interdisciplinares que examinam os valores e os paradoxos da vida urbana\, bem como o risco inerente à criação de arte. Por meio de performances\, filmes\, desenhos e vários projetos multimídia\, os dois artistas frequentemente abriram espaços intersticiais\, realizando gestos abrangentes que levam em conta zonas deslocadas e descentralizadas. Abraçando as diversas oportunidades propiciadas pelos conceitos em torno do fracasso – e\, assim\, uma consideração pela esperança – os dois artistas empregaram linguagens e sistemas existentes para conceber ideias totalmente originais\, que antes pareciam absurdas ou insondáveis\, a fim de expor padrões e estruturas. Mais importante ainda\, eles explicitam como brincar com e dentro desses sistemas reavalia o que é possível num mundo tão codificado. Essa dupla exibição apresenta um grupo dos Failure Drawings de Pope.L (iniciados em 2003\, que o artista cria em materiais encontrados quando está em trânsito)\, ao lado de esboços conceituais de Matta-Clark que projetam e ilustram ideias aparentemente impossíveis. Projetado através das paredes amplas do espaço\, o emblemático Interset Conical de Matta-Clark (1975) será exibido com Bingo X Ninths (1974) e The Wall (1976/2007)\, além de um filme inédito de Pope.L que\, de forma semelhante\, sugere o ato de destruição enquanto o 52 Walker o oblitera. No centro da galeria\, Pope.L também criou uma nova instalação site specific\, Vigilance a.k.a Dust Room (2023). Juntos\, os trabalhos expostos sugerem afinidades na escolha intencional dos dois artistas para visualizar o fracasso e as amplas possibilidades que resultam de acolher o desconhecido.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/impossible-failures-no-52-walker/
LOCATION:52 Walker\, 52 Walker St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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