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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
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LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/wanda-gag-world-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Carrie Mae Weems: Remember to Dream" no Hessel Museum of Art
DESCRIPTION:Remember to Dream revisita a amplitude e a profundidade da carreira prolífica de Carrie Mae Weems através de obras raramente exibidas e menos conhecidas que demonstram a evolução de sua prática pioneira e engajada politicamente. Indo além dos projetos icônicos\, Remember to Dream busca reequilibrar a compreensão do desenvolvimento artístico de Weems nos últimos 30 anos\, situando seu trabalho no contexto de suas próprias experiências de vida e compromisso com o ativismo. Variando de instalações em grande escala a séries fotográficas\, as obras na exposição traçam uma linha contínua do Movimento dos Direitos Civis ao Black Lives Matter\, destacando momentos significativos de reconhecimento racial nos Estados Unidos através da própria perspectiva de Weems. \nAo longo da exposição\, a prática e a história pessoal de Weems\, que se cruza com a história política dos EUA\, iluminam o que o poeta e estudioso negro americano Amiri Baraka chamou de “o mesmo que muda”\, referindo-se à continuidade do racismo e do sexismo—os modos como certos padrões de violência e opressão são perpetuados de uma geração para a próxima\, mesmo que as condições específicas da vida cotidiana continuem a mudar. \nA exposição é sequenciada em nove salas\, cada uma representando um ou mais corpos de trabalho. Começando com Pintando a Cidade (2021)\, Weems aborda os protestos que irromperam em maio de 2020 em mais de 2.000 cidades e vilas dos Estados Unidos em resposta ao assassinato de George Floyd pela Polícia de Minneapolis. Na cidade natal de Weems\, Portland\, Oregon\, os protestos continuaram até setembro de 2020\, escalando para pontos de confronto violento entre policiais\, manifestantes e contra-manifestantes. Weems voltou a Portland para fotografar muitas das lojas que protegeram suas vitrines contra possíveis saques e vandalismo. Em uma sala adjacente\, Weems exibe uma série de retratos íntimos intitulada Fotos e Histórias de Família (1978-1984)\, uma série anterior de Portland com fotografias em preto e branco que registram as alegrias e agonias da vida familiar. \nRemember to Dream contextualiza o presente dentro de uma luta secular. Uma representação especialmente comovente e convincente do legado brutal do racismo é Saia\, Saia Agora! (2022)\, uma instalação de vídeo recente que lembra um antigo teatro no qual a artista e sua irmã contam a história de seu avô Frank\, um meeiro que era membro do Sindicato dos Agricultores Arrendatários do Sul e trabalhava em terras no Arkansas. Após ser espancado e deixado para morrer em Earle\, Arkansas\, em 1936\, Frank escapou a pé para Chicago\, fugindo do Sul segregacionista\, perdendo sua terra e\, por um tempo\, sua família. No vídeo\, Weems faz um poderoso apelo por reparações por tudo o que ele e sua família perderam ao longo das gerações. \nA exposição continua com Blues e Pinks (1992-93)\, em que Weems se baseia em imagens da “Cruzada das Crianças” que começou em 2 de maio de 1963\, quando mais de mil crianças saíram da escola em Birmingham\, Alabama\, para marchar até o centro da cidade e falar com o prefeito sobre a segregação em sua cidade. As crianças foram detidas pela polícia e centenas foram presas. Elas se reuniram novamente no dia seguinte para marchar novamente\, e o chefe de polícia ordenou que as forças de segurança usassem a força contra as crianças. Weems apropria-se da fotografia do jornalista sulista branco Charles Moore\, tingindo as imagens com tons de azul e rosa\, e justapondo cenas que ressuscitam o terror daquele dia. Em uma obra adicional intitulada Terra dos Sonhos Despedaçados: Um Estudo de Caso (2021)\, Weems relembra os Panteras Negras como uma força de autodefesa. \nRemember to Dream é curada por Tom Eccles\, Diretor Executivo do Centro de Estudos Curatoriais do Bard College\, após colaborações com Weems em A Forma das Coisas no Park Avenue Armory em Nova York (2021) e Luma Arles em Arles\, França (2023)\, com o apoio de Marina Caron (Turma de 2023 do CCS Bard).
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LOCATION:Hessel Museum of Art\, 33 Garden Rd\, Annandale-On-Hudson\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Survival Piece #5: Portable Orchard" no Whitney Museum
DESCRIPTION:The Harrisons\, Survival Piece #5: Portable Orchard\, 1972–73 (vista da instalação\, Art Gallery da California State University\, Fullerton) © Helen and Newton Harrison Family Trust. Cortesia de Various Small Fires\, Los Angeles/Dallas/Seoul.\n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” marca a primeira apresentação independente em um museu do pomar de cítricos indoor completamente realizado\, concebido e projetado em 1972 pelos artistas Helen Mayer Harrison (1927–2018) e Newton Harrison (1932–2022). Este projeto explora a necessidade de um sistema alimentar produtivo e sustentável em um futuro imaginado onde as práticas agrícolas naturais são obsoletas e não podem ser consideradas garantidas. Estendendo-se pela galeria do oitavo andar do Museu\, esta instalação de dezoito árvores cítricas vivas enraizadas em vasos autossuficientes com sistemas de iluminação individuais reflete uma alternativa de sobrevivência diante do declínio ambiental. \n\n\n\nOs Harrisons começaram sua colaboração que durou décadas no início dos anos 1970\, inspirados pelos movimentos ambientalistas emergentes e por uma crescente conscientização social sobre os ecossistemas vulneráveis do planeta. Eles trouxeram experiências distintas em educação e escultura para sua prática criativa compartilhada e desenvolveram uma abordagem à criação artística que se baseava em pesquisas interdisciplinares\, resultando em projetos que serviam simultaneamente como obras de arte e chamados à ação. “Para sobreviver como espécie”\, refletiu Helen Harrison\, “vamos ter que aprender a cultivar nossa própria comida e cuidar de nós mesmos em algum momento. Então começamos a olhar para o que isso significa.” “Portable Orchard” é uma das sete “Survival Pieces” desenvolvidas pelos Harrisons no início dos anos 1970\, cada uma propondo uma alternativa a um sistema de produção de alimentos existente — de um pasto de porcos a uma fazenda de camarões. Os Harrisons planejavam a implementação futura desses projetos fazendo desenhos de instruções detalhadas; a recente aquisição pelo Museu de um desses desenhos foi o impulso para esta apresentação e está em exibição nas galerias\, junto com materiais de arquivo adicionais. “Portable Orchard” revela a qualidade premonitória da pesquisa dos Harrisons sobre sustentabilidade alimentar\, bem como os sucessos e fracassos dos sistemas artificiais construídos para sustentar a vida — questões que são ainda mais relevantes hoje do que há cinquenta anos\, quando o projeto foi concebido pela primeira vez. \n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” é organizada por Kim Conaty\, curadora-chefe da Família Nancy e Steve Crown\, com Roxanne Smith\, assistente sênior de curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Chinese Painting and Calligraphy Selections from the Collection" no The Met Museum
DESCRIPTION:Artista não identificado\, Inscrições nos Tambores de Pedra (dinastia Zhou Oriental\, século V a.C.). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Doação do Sr. e Sra. Wan-go H. C. Weng\, 1992\n\n\n\n\nO Metropolitan Museum of Art adquiriu sua primeira pintura chinesa em 1902. Desde então\, o Museu adicionou mais de duas mil obras de pintura e caligrafia\, construindo uma das coleções mais abrangentes do mundo. Abrangendo um milênio e meio de produção cultural e uma variedade de gêneros\, técnicas e estilos\, a coleção do Met se tornou um recurso fundamental para o estudo da pintura e caligrafia chinesas. Esta exposição apresenta uma rica seleção de obras da coleção\, organizadas em uma exibição majoritariamente cronológica. \nA exposição é viabilizada pelo Joseph Hotung Fund.
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SUMMARY:"Mary Sully: Native Modern" no The Met Museum
DESCRIPTION:Mary Sully\, Alice (detalhe)\, ca. 1920s–40s. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, aquisição\, Morris K. Jesup Fund e fundos de diversos doadores\, 2023\n\n\n\n\nMary Sully—nascida Susan Mabel Deloria na Reserva Standing Rock\, em Dakota do Sul—foi uma artista Yankton Dakota pouco conhecida e reclusa\, que\, entre as décadas de 1920 e 1940\, criou obras altamente distintas\, informadas por sua ancestralidade nativa americana e colonizadora. Esta primeira exposição individual da produção inovadora de Sully destaca aquisições recentes do Met e empréstimos da Fundação Mary Sully\, obras que complicam as noções tradicionais de arte nativa americana e moderna. \nTrabalhando sem patrocínio\, quase na obscuridade\, e sendo em grande parte autodidata\, Sully produziu desenhos intricadamente elaborados e vividamente coloridos. Eles misturam aspectos significativos de sua herança Dakota com elementos visuais observados de outras nações nativas\, bem como a estética da vida urbana. Celebridades euro-americanas da cultura popular\, política e religião inspiraram algumas de suas obras mais marcantes\, que ela chamou de “personalidade impressa”— retratos abstratos organizados como trípticos verticais. Apresentando 25 composições raramente vistas de Sully\, além de material de arquivo da família e outros itens nativos da coleção do Met\, Mary Sully: Native Modern oferece uma nova e complexa perspectiva para considerar a arte e a vida americana no início do século 20. \nA exposição é viabilizada pela Fundação Barrie A. e Deedee Wigmore.
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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SUMMARY:"Mark Armijo McKnight: Decreation" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Mark Armijo McKnight\, The Black Place (ii)\, 2024. Cortesia do artista. © Mark Armijo McKnight\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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SUMMARY:"What It Becomes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Rick Bartow\, Autobiographical Hawk\, 1991. Whitney Museum of American Art\, Nova York; doação do Richard E. Bartow Trust © Richard E. Bartow Trust\n\n\n\n\nComo um ato de marcação direta\, o desenho oferece uma maneira imediata e espontânea para que ideias se desenrolem e imagens ganhem forma. Guiada pelo potencial do meio para ilustrar mudanças\, esta exposição reúne obras da coleção do Whitney de artistas que utilizam o desenho como um ato de transformação. Em suas mãos\, o desenho se torna uma ferramenta para revelar o que é invisível e tornar o familiar irreconhecível\, ou\, como observa a artista Toyin Ojih Odutola: “O que ele se torna é o que me interessa.” \nEmbora as obras nesta exposição variem das artes gráficas a fotografias e vídeos\, os processos inerentes ao desenho desempenham um papel fundamental na criação de cada uma delas. Alguns artistas empregam técnicas como inscrição e apagamento para alterar ou recuperar imagens existentes\, como visto nas obras de Ojih Odutola e Wendy Red Star. Outros\, como David Hammons e Maren Hassinger\, enfatizam a tactileidade do meio\, usando seus próprios corpos como ferramentas de desenho ou superfícies para transformar sua imagem. Todas as obras mantêm uma relação estreita com a figura\, variando de modos tradicionais de retrato a registros gráficos mais abstratos do gesto humano. Aproveitando a relação entre desenho\, toque e formação\, os artistas exploram a natureza maleável da identidade e a possibilidade de moldar e redefinir a si mesmo. \nWhat It Becomes é organizada por Scout Hutchinson\, Curatorial Fellow.
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SUMMARY:"The Appearance: Art of the Asian Diaspora in Latin America & the Caribbean" na Americas Society
DESCRIPTION:Dan Lie\, Memory Stick ou Pau de Memória\, 2015\n\n\n\n\nThe Appearance: Art of the Asian Diaspora in Latin America & the Caribbean [Aparição: Arte da Diáspora Asiática na América Latina e no Caribe] é a primeira exposição em Nova York a destacar a produção artística da diáspora asiática na região\, desde os anos 1940 até o presente. Focada na arte contemporânea e pós-guerra\, a mostra reúne obras de trinta artistas de quinze países\, trabalhando em diversos meios\, como pintura\, escultura\, performance\, fotografia e vídeo\, para iluminar estratégias e temas que ressoam em uma ampla gama de práticas da diáspora asiática na América Latina e no Caribe. \nA exposição explora os múltiplos e inter-relacionados significados do conceito de aparência\, inspirado pela gravura de mesmo título de 1975 da artista nipo-brasileira Lydia Okumura. Desde atos de aparecer e se tornar visível—incluindo diferentes tipos de aparições—até a ideia de impressões e semelhanças físicas\, os artistas presentes lidam com as complexidades da negociação da (in)visibilidade\, revisitando e recriando arquivos familiares e histórias\, além de engajar e reconfigurar práticas espirituais. A mostra também aborda a abstração como uma estratégia formal ligada à linguagem\, aos sentidos e ao corpo no contexto da arte pós-guerra nas Américas. \nConcebida como uma aparição em si\, a exposição lança luz sobre as trajetórias artísticas e experiências muitas vezes negligenciadas de sujeitos e coletivos da diáspora asiática na América Latina e no Caribe\, mostrando-os tanto enraizados em seus contextos particulares quanto constitutivos de histórias transnacionais mais amplas. \nPara acompanhar a exposição\, haverá uma série de programas públicos e a publicação de um catálogo. \nEssa exposição é co-curada por Tie Jojima\, ex-curadora associada e gerente de Exposições da Americas Society em Nova York\, e Yudi Rafael\, curador independente e pesquisador baseado em São Paulo\, Brasil.
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LOCATION:Americas Society\, 680 Park Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mexican Prints at the Vanguard" no The Met Museum
DESCRIPTION:Gabriel Fernández Ledesma\, cartaz anunciando uma exposição de obras de jovens artistas mexicanos realizada no Parque Retiro\, Madri (detalhe)\, 1929. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, Doação de Gabriel Fernández Ledesma\n\n\n\n\nA rica tradição da gravura no México — do século XVIII até meados do século XX — é explorada nesta exposição composta principalmente por obras da coleção do The Met. Entre as primeiras obras apresentadas estão as do mais conhecido gravurista mexicano\, José Guadalupe Posada\, cujas representações de esqueletos em diversas atividades ajudaram a estabelecer uma identidade global para a arte mexicana. Após a Revolução Mexicana (1910–1920)\, a gravura provou ser o meio ideal para artistas que desejavam abordar questões sociais e políticas e expressar resistência à ascensão do fascismo em todo o mundo. Os artistas também recorreram à gravura para reproduzir murais mexicanos dos anos 1920\, criar cartazes de exposições\, impressões para a imprensa popular e portfólios que celebravam o vestuário e os costumes mexicanos. \nA exposição apresenta mais de 130 obras\, incluindo xilogravuras\, litografias e serigrafias de artistas como Posada\, Diego Rivera\, José Clemente Orozco e Leopoldo Méndez. Ela explora como as gravuras foram centrais para a identidade artística e a prática no México\, destacando sua eficácia em abordar questões sociais e políticas — um papel das artes gráficas que continua até hoje. Grande parte da vasta coleção do The Met veio por meio do artista francês Jean Charlot\, cuja associação com o museu começou no final da década de 1920. Charlot doou muitas de suas próprias gravuras e obras de outros artistas ao The Met\, e na metade dos anos 1940 atuou em nome do museu para adquirir gravuras no México. A coleção demonstra o interesse precoce do The Met na arte e cultura mexicanas em uma época de crescente interesse internacional pelo tema.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Elizabeth Catlett: A Black Revolutionary Artist and All That It Implies" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Elizabeth Catlett\, “I am the Black Woman”\, 1946–47\, da série Black Woman in America. Cortesia da Pennsylvania Academy of the Fine Arts\, Filadélfia\, Coleção Art by Women\, Presente de Linda Lee Alter © 2024 Mora-Catlett Family / Licenciado pela VAGA na Artists Rights Society (ARS)\, NY.\n\n\n\n\nUma artista negra definidora do século XX\, Elizabeth Catlett (1915–2012) não recebeu a atenção do mundo da arte convencional que muitos de seus colegas desfrutaram. O Museu de Brooklyn\, em parceria com a National Gallery of Art\, preenche essa lacuna com a exposição Elizabeth Catlett: A Black Revolutionary Artist and All That It Implies\, uma mostra de mais de 200 obras que dá a essa artista revolucionária e ativista radical o reconhecimento que merece. \nHábil escultora e gravadora\, feminista devota e defensora da justiça social ao longo da vida\, Catlett estava comprometida de forma única tanto com seu processo criativo quanto com suas convicções políticas. Crescendo durante a Grande Depressão\, ela testemunhou de perto a desigualdade de classes\, a violência racial e o imperialismo dos EUA\, enquanto buscava uma educação artística fundamentada nos princípios do modernismo. Catlett protestou contra injustiças por quase um século\, tanto por meio de suas obras impactantes quanto por meio de ativismo prático. \nNascida em Washington\, DC\, Catlett se estabeleceu permanentemente no México em 1946 e\, pelo resto de sua vida\, trabalhou para amplificar as experiências de mulheres negras e mexicanas. Inspirada por fontes que vão da escultura africana às obras de Barbara Hepworth e Käthe Kollwitz\, Catlett nunca perdeu de vista a luta pela libertação negra nos Estados Unidos. Caracterizada por linhas ousadas e formas voluptuosas\, sua poderosa obra continua a falar diretamente a todos aqueles unidos na luta contra a pobreza\, o racismo e o imperialismo.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/elizabeth-catlett-a-black-revolutionary-artist-and-all-that-it-implies-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey\n\n\n\n\nRobert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política\, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim\, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito\, essas latas e fitas de filme\, que abrangem os anos de 1970 a 2006\, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation\, a editora de filmes de longa data de Frank\, Laura Israel\, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas\, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família\, amigos e colaboradores\, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas. \nAs filmagens nesta instalação\, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos\, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas\, incluindo as de Beirute\, Cairo\, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante\, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio\, o jogo de luz do sol em sua mão.
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SUMMARY:"Life Dances On: Robert Frank in Dialogue" no MoMA
DESCRIPTION:Robert Frank. Zoe\, 1980. National Gallery of Art\, Washington\, DC. Coleção Robert Frank\, doação do Collectors Committee. © 2024 The June Leaf and Robert Frank Foundation\n\n\n\n\n“Eu me vejo\, de pé em um mundo que nunca para\,” escreveu o artista Robert Frank uma vez. “Ainda estou lá lutando\, vivo porque acredito no que estou tentando fazer agora.” Life Dances On: Robert Frank in Dialogue—a primeira exposição solo do artista no MoMA—oferece uma nova perspectiva sobre seu extenso corpo de trabalho\, explorando as seis vibrantes décadas da carreira de Frank após a publicação em 1958 de seu icônico livro de fotografias\, Os Americanos. \nCoincidindo com o centenário do nascimento de Frank\, a exposição explorará sua incessante experimentação em diversos meios\, incluindo fotografia\, cinema e livros\, assim como seus diálogos com outros artistas e suas comunidades. Incluindo cerca de 200 obras feitas ao longo de 60 anos até a morte do artista em 2019\, muitas retiradas da extensa coleção do MoMA\, bem como materiais que nunca foram exibidos antes. \nA exposição toma seu título do tocante filme de Frank de 1980\, no qual o artista reflete sobre os indivíduos que moldaram sua visão de mundo. Como grande parte de seu trabalho\, o filme se passa na cidade de Nova York e em Cape Breton\, Nova Escócia\, onde ele e sua esposa\, a artista June Leaf\, se mudaram em 1970. No filme\, Leaf olha para a câmera e pergunta a Frank: “Por que você faz essas imagens?” Em uma introdução à exibição do filme\, ele respondeu: “Porque estou vivo.”
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SUMMARY:"Edges of Ailey" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Carmen de Lavallade e Alvin Ailey no Jacobs Pillow\, 1961. Foto de John Lindquist. © Harvard Theatre Collection\, Houghton Library\, Harvard University\n\n\n\n\nEdges of Ailey\, que foi inaugurada no Whitney Museum of American Art em 25 de setembro\, é a primeira grande exposição institucional a celebrar a vida\, as danças\, influências e o legado duradouro do visionário artista e coreógrafo Alvin Ailey (nascido em 1931\, Rogers\, Texas; falecido em 1989\, Nova York). Esta mostra dinâmica—descrita como uma “extravanganza” pela curadora Adrienne Edwards—reúne arte visual\, performances ao vivo\, música\, uma série de materiais de arquivo e uma instalação em vídeo de múltiplas telas extraídas de gravações do repertório do Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) para explorar a amplitude da vida pessoal e criativa de Ailey. \nApresentada no Museu em duas partes\, Edges of Ailey consiste em uma exposição imersiva nas galerias de 18.000 pés quadrados do quinto andar do Museu—com obras de mais de oitenta artistas e material revelador dos arquivos—e uma série ambiciosa de performances no teatro do terceiro andar do Museu\, incluindo AILEY em residência uma semana por mês durante a exposição. \nA vasta coleção de arquivos raramente vistos\, incluindo filmagens de performances\, entrevistas gravadas\, cadernos\, cartas\, poesias\, contos\, anotações coreográficas\, desenhos e programas e cartazes de apresentações reunidos nos arquivos de Ailey e de outros\, cria uma linha vital na galeria. Seleções dos Arquivos de Alvin Ailey—cedidos pela Allan Gray Family Foundation e mantidos no Black Archives of Mid America em Kansas City\, Missouri—e da Alvin Ailey Dance Foundation Archives Collection\, mantida na Biblioteca do Congresso\, são de importância singular\, digitalizadas especialmente para esta exposição. Uma montagem dinâmica da vida e danças de Ailey será exibida em um loop em uma instalação de vídeo de 18 canais criada pelos cineastas Josh Begley e Kya Lou\, com a curadora Adrienne Edwards. \nA presença de Ailey\, sentida por meio do surround em vídeo e de seus efeitos pessoais encapsulados\, envolve uma instalação cênica com obras de mais de oitenta artistas. Essas obras são organizadas por temas que moldaram a vida e as danças de Ailey. As seções abrangem uma imaginação expandida do sul negro dos EUA que envolve histórias do sul dos EUA com as do Caribe\, Brasil e África Ocidental; as práticas duradouras da espiritualidade negra; as condições profundas e os efeitos da migração negra; a resiliência e a necessidade de uma libertação negra interseccional; a proeminência das mulheres negras na vida de Ailey; e as robustas histórias e experimentos da música negra; além das diversas representações da negritude na dança e meditações sobre a dança após Ailey. \nEntre os artistas expostos estão Jean-Michel Basquiat\, Romare Bearden\, Faith Ringgold\, Alma Thomas\, Jacob Lawrence\, Rashid Johnson\, Kevin Beasley\, Kara Walker\, entre outros. Uma aquisição recente de Eldren Bailey e novas obras de Karon Davis\, Jennifer Packer\, Mickalene Thomas e Lynette Yiadom-Boakye serão apresentadas pela primeira vez em homenagem a esta exposição histórica. \nEdges of Ailey também oferece uma rara oportunidade para os visitantes assistirem a performances ao vivo íntimas do Alvin Ailey American Dance Theater no teatro do terceiro andar do Museu. Como parte do robusto programa de performances ao vivo da exposição\, AILEY estará em residência no Whitney por uma semana por mês\, totalizando cinco semanas e mais de noventa performances. Isso oferece aos visitantes a oportunidade de vivenciar toda a extensão do mundo e do legado de Ailey\, incluindo performances de obras clássicas e contemporâneas pelas duas companhias de repertório—Alvin Ailey American Dance Theater e Ailey II—bem como apresentações de alunos da The Ailey School\, workshops e programas educacionais do Ailey Arts In Education\, e aulas do Ailey Extension. Durante as semanas em que AILEY não estiver em residência no Museu\, uma série de comissões de dança de coreógrafos renomados e seus colaboradores\, incluindo Ronald K. Brown\, Trajal Harrell\, Bill T. Jones\, Ralph Lemon\, com o artista interdisciplinar Kevin Beasley\, Sarah Michelson\, Okwui Okpokwasili e Peter Born\, Will Rawls\, Matthew Rushing\, Yusha-Marie Sorzano e Jawole Willa Jo Zollar\, será exibida.
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SUMMARY:"Gillian Wearing: Dancing in Peckham" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Gillian Wearing\, “Dancing in Peckham”\, 1994. Cortesia do Museu de Arte Moderna\, Nova York. Presente de Eileen e Michael Cohen.\n\n\n\n\nAo longo das últimas décadas\, a obra de Gillian Wearing tem documentado confissões\, tabus e inclinações voyeurísticas. Seus vídeos e fotografias frequentemente confrontam as divisões entre os domínios privado e público. Filmado em um shopping no sudeste de Londres\, Dancing in Peckham retrata a artista dançando livremente sozinha\, sem fones de ouvido e sem música. A câmera de Wearing também transforma os transeuntes em participantes involuntários da performance. \nComo parte de uma colaboração contínua entre o MoMA PS1 e o MoMA\, esta apresentação marca a primeira vez que Dancing in Peckham é exibido desde que entrou para a coleção do Museu de Arte Moderna em 2022.
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SUMMARY:"Snailing (Slippy slimy slug slut)" no Canal Projects
DESCRIPTION:Vista da exposição “Snailing (Slippy slimy slug slut)” no Canal Projects. Imagem: Reprodução\n\n\n\n\nO Canal Projects apresenta Snailing (Slippy slimy slug slut)\, a primeira exposição institucional solo em Nova York da artista Anne Duk Hee Jordan\, nascida na Coreia e baseada em Berlim. Conhecida por explorar os efeitos adversos da tecnologia na natureza e seu impacto na conexão da humanidade com o planeta\, Duk Hee transforma o Canal Projects em uma instalação imersiva centrada no mundo do famoso caracol\, Jeremy\, e sua busca por um par compatível. \nJeremy era um caracol de jardim com uma condição sinistral rara\, onde sua concha girava para a esquerda\, em vez da direita\, como a grande maioria das conchas de caracol. Como os caracóis têm uma vida útil de um ano e se acasalam face a face\, deslizandos um pelo lado direito para que seus órgãos genitais possam se encontrar\, a concha rara de Jeremy dificultou a reprodução. Esta trágica história de amor levou os pesquisadores que estudavam Jeremy a embarcar em uma busca internacional para encontrar um par para ele\, tendo sucesso pouco antes de sua morte em 2017. \nPossuindo órgãos reprodutivos masculinos e femininos\, os caracóis têm habilidades eletromagnéticas para ter relações sexuais e habilidades telepáticas para trocar seus pensamentos e sentimentos. Tomando a história de Jeremy e as qualidades únicas da sexualidade dos caracóis como tema desta obra\, Duk Hee\, que se identifica como não-binária\, continua uma exploração artística de “ecologias sexuais”\, desafiando as normas patriarcais ocidentais de compreensão sexual para destacar as exuberantes possibilidades sexuais e estratégias de sobrevivência do mundo mais-que-humano. A jornada de Jeremy da solidão para encontrar um parceiro é paralela a momentos de afinidade que surgem entre os visitantes humanos e os caracóis robóticos que Duk Hee organizou em vários habitats de caracóis ao longo da exposição. \nInspirado pela busca de Jeremy por parceria\, o ambiente imersivo serve como uma reflexão sobre sua vida extraordinária e exerce a promessa de construção de conhecimento entre espécies. Ao entrar no Canal Projects\, os visitantes encontrarão áreas onde os habitats humanos e de caracóis se fundem. Longas colunas de cortinas dispostas como a espiral da concha de um caracol criam enclosures preenchidas com almofadas de folhas de salada e tapetes\, plantas vivas e caracóis robóticos. A instalação é acompanhada por três canções escritas por Duk Hee e compostas pela musicista Sasha Perera\, que colagem fatos científicos sobre Jeremy obtidos na internet\, que os visitantes são encorajados a ouvir enquanto se deitam nas áreas de descanso. A artista nos convida a desacelerar e experimentar a vida no ritmo de um caracol\, promovendo um senso de existência compartilhada e cuidado mútuo. \nA fixação de Duk Hee em Jeremy e nas práticas reprodutivas dos caracóis serve como uma continuação da longa exploração artística da artista sobre a vida de outras espécies. Uma exposição anterior\, The Worm: Terrestrial\, Fantastic and Wet\, na Urania Berlin em 2021\, envolveu efeitos luminosos e grandes túneis para recriar o interior dos vermes. Em Ziggy and the Starfish (2016-2022)\, um ambiente escultórico em vídeo\, Duk Hee estudou a vida sexual de espécies marinhas\, especialmente aquelas que são não-binárias\, iluminando as exuberantes possibilidades sexuais e estratégias de sobrevivência que nos fazem\, humanos\, parecer prudentes e inexperientes. Agora\, no Canal Projects\, os visitantes seguirão a história de Jeremy desde uma curiosidade científica até um símbolo da biodiversidade e da importância de preservar toda a vida. Observar esses caracóis artificiais e aprender sobre a história de Jeremy pode ensinar aos humanos sobre paciência\, resiliência e os aspectos menores\, muitas vezes negligenciados\, da natureza\, sublinhando a importância da comunicação entre as espécies.
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LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Niro" de Hyeree Ro no Canal Projects
DESCRIPTION:Vista da instalação “Niro” de Hyeree Ro no Canal Projects. Imagem: Reprodução\n\n\n\n\nNiro é uma instalação recém-comissionada pela artista Hyeree Ro que explora temas de perda\, mobilidade\, invisibilidade e intimidade. A instalação gira em torno de uma escultura esquelética de um Kia Niro\, o carro que pertenceu ao pai falecido da artista. Niro ativa essa estrutura como uma alusão às fronteiras entre pai e filha\, e aos momentos que são fisicamente e metaforicamente compartilhados e passados separados em relação aos limites do veículo. \nA estrutura do carro\, construída a partir de finas tiras de madeira e alumínio\, desfoca as fronteiras entre interior e exterior\, apresentando o carro como um espaço que é tanto público quanto privado. Os espectadores serão convidados a entrar na escultura para vivenciar uma gravação de áudio de uma viagem de quatorze horas de carro até Niagara Falls\, feita pela artista no início do verão. Um novo trabalho em vídeo centrado em corpos d’água apresenta uma paisagem sonora composta por entrevistas que Ro realizou com amigos\, onde eles compartilharam suas experiências ao cruzar o Oceano Pacífico. Compilados e reproduzidos simultaneamente\, os componentes audiovisuais da instalação fluem como um fluxo de consciência que transporta o espectador pelas memórias e reflexões reunidas por Ro. \nRo ativará a escultura Niro por meio de movimento e um monólogo fragmentado em várias línguas. Engajando-se com a escultura enquanto repete palavras\, gestos e sons\, a performance desconstruirá e reconstruirá tanto o veículo físico quanto a relação da artista com seu pai\, levando o espectador a um fluxo meandro de memória que se transforma e flui à medida que a artista se move e reorganiza a escultura e outros objetos no espaço. As performances estão agendadas para os dias 5 de outubro\, 7 de novembro e 7 de dezembro de 2024.
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SUMMARY:"Thomas Schütte" no MoMA
DESCRIPTION:Thomas Schütte\, “Bronzefrau Nr. 17”\, 2006. Foto: The Art Institute of Chicago / Art Resource\, Nova York. © 2024 Thomas Schütte / Artists Rights Society (ARS)\, Nova York / VG Bild-Kunst\, Bonn\n\n\n\n\n“I try to see one thing from five different viewpoints.” [“Eu tento ver uma coisa de cinco pontos de vista diferentes.”] No universo de Thomas Schütte\, aquarelas íntimas\, esculturas figurativas monumentais\, cerâmicas vívidas\, maquetes arquitetônicas e edifícios totalmente realizados coexistem como investigações sobre estética\, história e cultura. Esta exposição\, a mais abrangente nos Estados Unidos da carreira de Schütte\, explora a deslumbrante variedade de seu trabalho e localiza os fios condutores que podem conectar um bunker a um busto. \nSchütte considera seus assuntos e seleciona seus materiais enquanto os contextualiza em um tempo e lugar: Alemanha no final do século 20 e início do 21. Desde seus dias de estudante na Kunstakademie Düsseldorf\, Schütte abordou a arte com um olhar crítico. Explorando\, então rejeitando\, a arte Minimalista e Conceitual\, seu trabalho “trouxe a história de volta”. Essas histórias abrangem o pessoal e o histórico. O trabalho de Schütte desafia as normas artísticas estabelecidas ao revitalizar gêneros enraizados em tradições passadas e torná-los relevantes no presente e para o futuro.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Brooklyn Artists Exhibition" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Melissa Joseph\, Olive’s Hair Salon\, 2023 © Melissa Joseph. Cortesia da artista e REGULARNORMAL\n\n\n\n\nO público pode se preparar para ser deslumbrado pela edição inaugural da Exposição de Artistas de Brooklyn\, que destaca a excepcional diversidade de talentos presentes no bairro. Reunindo mais de 200 artistas\, essa grande mostra coletiva exibe a notável criatividade e variedade da população de Brooklyn. A exposição inaugura as comemorações do 200º aniversário do Brooklyn e continua a tradição do Museu de Brooklyn de amplificar as vozes de todos os cantos da comunidade. \nCom artistas que viveram ou mantiveram estúdios em Brooklyn nos últimos cinco anos (2019–24)\, a Exposição de Artistas de Brooklyn celebra o presente dinâmico do bairro\, seu passado histórico e seu futuro promissor. Selecionados por um comitê liderado por renomados artistas como Jeffrey Gibson\, Vik Muniz\, Mickalene Thomas e Fred Tomaselli\, os participantes representam uma ampla gama de disciplinas\, como desenho\, pintura\, escultura\, vídeo e instalação. Suas criações abordam temas que ressoam em níveis locais e globais\, incluindo migração e memória\, identidade e história\, incerteza e turbulência\, cura e alegria. Em conjunto\, essas obras capturam a vibrante essência de Brooklyn e de seus artistas\, conectados por laços profundos e um amor compartilhado por esse lugar singular.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Otobong Nkanga: Cadence" no MoMA
DESCRIPTION:Detalhe do tecido em progresso para Otobong Nkanga: Cadence. Cortesia de Otobong Nkanga. © Otobong Nkanga. Foto: Wim van Dongen\n\n\n\n\nOtobong Nkanga mudou a forma como entendemos a terra e nosso lugar nela. “Os humanos são apenas uma pequena parte do ecossistema\,” disse a artista. “Meus trabalhos nos conectam às nossas histórias compartilhadas\, não apenas por meio da terra e da geografia\, mas por meio de emoções moldadas por eventos e encontros. Essas são as cadências da vida.” \nOtobong Nkanga: Cadence apresenta uma nova comissão da artista: um ambiente abrangente de tapeçaria\, escultura\, som e texto que explora os ritmos turbulentos da natureza e da sociedade. Criada especificamente para o Átrio da Família Marron do MoMA\, a instalação se centra em uma monumental tapeçaria de múltiplos painéis que sugere ecossistemas e galáxias expansivas. \nSuspensa ao longo da parede mais alta do Átrio\, a tapeçaria de grande escala apresenta uma gama caleidoscópica de fibras naturais e sintéticas criadas pela artista utilizando técnicas inovadoras de tecelagem digital no TextielLab em Tilburg\, na Holanda. Esculturas compostas por cordas tingidas\, entrelaçadas com formas de vidro soprado à mão e cerâmica\, pendem do chão ao teto ao lado de tablets de cerâmica impressos com os poemas da artista. Esses elementos diversos são reunidos dentro de uma obra sonora imersiva baseada na voz e na respiração da artista. Cadence confronta tanto a beleza quanto a degradação do mundo natural — e sua agitação em meio a revoluções industriais e tecnológicas\, extração de recursos e guerras. A instalação monumental cria novas maneiras de perceber — e sentir — as enormes mudanças que estão ocorrendo em nosso tempo. \nApresentações ao vivo acontecerão na primavera de 2025. Mais detalhes serão fornecidos aqui nas próximas semanas.
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SUMMARY:"Enzo Camacho & Ami Lien: Offerings for Escalante" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Enzo Camacho & Ami Lien\, “Langit Lupa” (still)\, 2023. Imagem cortesia dos artistas e da 47 Canal\, Nova York.\nOfferings for Escalante marca a primeira grande exposição em um museu dos EUA da dupla de artistas Enzo Camacho (filipino\, nascido em 1985) e Ami Lien (americana\, nascida em 1987). Há mais de uma década\, a prática multidisciplinar de Camacho & Lien aborda relações geopolíticas ao focar em formas localizadas de expropriação\, sobrevivência e resistência\, especialmente no contexto das Filipinas. Com obras de imagem em movimento\, uma instalação baseada em luz e uma série de composições em papel artesanal\, Offerings for Escalante concentra-se na ilha filipina de Negros\, conhecida por suas plantações de açúcar. Um filme recém-comissionado\, Langit Lupa\, baseia-se em depoimentos de sobreviventes para narrar a história do Massacre de Escalante de 1985\, um trágico episódio de violência estatal contra uma manifestação em massa em Negros durante a ditadura de Ferdinand Marcos. Expondo a brutalidade das sociedades de plantação\, Offerings for Escalante enfatiza a memória e o luto em meio às lutas contínuas por justiça agrária\, soberania alimentar e resistência anti-imperialista.
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SUMMARY:"Jasmine Gregory: Who Wants to Die for Glamour" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Detalhe de “Fallen Idols”\, 2023\, na exposição “Si je ne peux pas l’avoir\, toi non plus” de Jasmine Gregory\, no Capc Musée d’art contemporain\, Bordeaux. Foto: Arthur Péquin\nJasmine Gregory aborda a pintura como uma prática espacial\, transformando telas meticulosamente detalhadas em amplos cenários esculturais. Suas obras apropriam-se de anúncios de empresas de gestão de patrimônio e marcas de relógios de luxo\, cujas superfícies fotográficas lustrosas são recriadas à mão em óleo. O uso provocativo do discurso na segunda pessoa nos anúncios (“Você nunca realmente possui um Patek Philippe. Apenas o cuida para a próxima geração”) transforma-se em uma crítica satírica para refletir sobre questões de patrimônio e preservação. Mesclando pinturas com garrafas de vinho\, vitrines\, sacolas plásticas\, festões e resíduos de estúdio — apenas alguns dos materiais de seu repertório —\, ela constrói cenários cujos dramas ambíguos refletem a complexidade de digerir e produzir dentro de paisagens culturais saturadas. \nWho Wants to Die for Glamour\, a primeira exposição institucional de Gregory nos EUA\, apresenta uma seleção focada de novas obras\, incluindo uma instalação em grande escala e site-specific. Ampliando seu interesse pelas histórias materiais da produção e exibição de imagens\, a exposição explora temas de transparência\, fragmentação e dissolução em relação tanto à produção artística quanto ao capitalismo racial.
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SUMMARY:"Sohrab Hura: Mother" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Sohrab Hura\, “The Coast”\, 2020. Cortesia do artista e da Experimenter\, Kolkata e Mumbai\nA primeira mostra nos EUA do artista Sohrab Hura (indiano\, nascido em 1981) apresenta mais de cinquenta obras das últimas duas décadas de sua prática experimental. Sohrab Hura: Mother entrelaça corpos de trabalho em fotografia\, cinema\, som\, desenho\, pintura e texto que nunca haviam sido exibidos juntos. Conhecido por capturar momentos cotidianos notáveis que dão forma a forças políticas sistêmicas\, Hura coloca em foco fronteiras impostas colonialmente\, o trauma da partição e o ecossistema em transformação do subcontinente indiano. Esta mostra inclui uma seleção de obras-chave\, como Pati (2010)\, um filme que explora a região rural de Madhya Pradesh e seu papel no movimento para aprovar a Lei Nacional de Garantia de Emprego Rural de 2005; The Coast (2019)\, um projeto em livro\, série de fotografias e filme que usa a costa da Índia como lente para examinar a política em mudança do país; e uma seleção de desenhos a pastel e pinturas em guache de Things Felt But Not Quite Expressed (2022–presente) e Ghosts in My Sleep (2023–presente)\, sua nova série que retrata memórias familiares vividas e imaginadas. Por meio de estratégias catárticas de introspecção pessoal e política\, a exposição traça as preocupações existenciais mutáveis de Hura sobre a ética da criação de imagens como ato documental.
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SUMMARY:"Egon Schiele: Living Landscapes" na Neue Galerie
DESCRIPTION:Egon Schiele\, “Town among the Greenery (The Old City III)”\, 1917. Neue Galerie New York\n\n\n\n\nEgon Schiele: Living Landscapes explora a relevância das paisagens na obra do artista austríaco\, destacando como plantas\, ambientes naturais e cenários urbanos moldaram os espaços retratados em suas pinturas e simbolizam a condição humana. Em suas obras\, flores e árvores frequentemente adquirem um significado alegórico\, assumindo características quase humanas. As paisagens de Schiele vão além de sua aparência superficial\, representando ciclos de vida e reflexões sobre a existência. \nEmbora mais conhecido por seus retratos\, Schiele também foi um notável pintor de paisagens. Desde jovem\, demonstrava um interesse acentuado pela natureza. Na vida adulta\, buscava refúgio das pressões de Viena nos ambientes rurais. A partir de 1910\, Schiele fez diversas viagens a Krumau (atual Český Krumlov\, na República Tcheca)\, terra natal de sua mãe. De pontos elevados nos arredores da cidade\, ele capturava vistas panorâmicas\, como exemplificado em Town among Greenery (The Old City III)\, uma obra-prima incluída na exposição. Esta pintura\, embora imaginativa\, reflete a essência da cidade medieval com suas edificações interligadas e históricas. \nAlém de paisagens amplas\, Schiele também voltava seu olhar para plantas e árvores singulares. Girassóis\, um de seus motivos preferidos\, foram representados em todas as fases da vida\, da floração ao murchar\, frequentemente com características antropomórficas. A influência de Vincent van Gogh\, cuja obra foi exibida em Viena durante a vida de Schiele\, é evidente. Árvores também foram um tema recorrente\, especialmente aquelas retratadas em fins de outono\, desoladas e quase sem vida\, que Schiele associava ao ciclo das estações e à transitoriedade da vida. \nA exposição destaca como as paisagens de Schiele encapsulam mensagens existenciais sobre o ciclo da vida. A renovação da primavera e o esplendor do verão cedem lugar à decadência do outono e ao fim inevitável\, antes de o ciclo recomeçar. Essas pinturas luminosas tornam-se\, assim\, representações universais da condição humana. \nOrganizada pela Neue Galerie New York e com curadoria do Dr. Christian Bauer\, especialista em Egon Schiele\, a exposição reúne obras que sintetizam a relação do artista com a natureza e a simbologia de suas paisagens. O design da exposição e do catálogo é de William Loccisano. O evento conta com o apoio do Neue Galerie President’s Circle\, Swarovski e Withersworldwide.
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LOCATION:Neue Galerie\, 1048 Fifth Avenue\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nour Mobarak: Dafne Phono" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação\, “Nour Mobarak: Dafne Phono”. Foto: Jonathan Dorado © Museu de Arte Moderna de Nova York.\n\n\n\n\nPara sua primeira exposição em um museu na cidade de Nova York\, a artista libanesa-americana Nour Mobarak apresenta uma instalação em grande escala reinterpretando a primeira ópera\, Dafne\, que foi encenada por Jacopo Peri e Ottavio Rinuccini em 1598 e inspirada no mito de Ovídio sobre Apolo e Dafne. Na reimaginação de Mobarak de Dafne\, 15 esculturas cantantes — envolvendo uma instalação sonora multicanal dentro de estruturas de micélio — recontam a história em algumas das línguas mais complexas do mundo em termos fonéticos. \nBaseando-se nas histórias do som de vanguarda\, a obra mais ambiciosa de Mobarak até agora se apoia em um interesse duradouro pela voz mecanizada e pela memória em sua prática\, que abrange escultura\, performance\, imagem em movimento\, poesia e música. Em Dafne Phono\, Mobarak traça analogias entre a estrutura linguística e os processos biológicos do micélio\, explorando como ambos são governados por sistemas de repetição\, decomposição e regeneração\, e se relacionam com forças mais amplas de poder político. Ao trazer novas perspectivas para um antecedente chave na história da performance\, Dafne Phono une natureza e tecnologia em uma exploração da capacidade da voz de suportar ciclos de vida e morte\, conectando histórias tanto antigas quanto presentes.
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SUMMARY:"Jesse Krimes: Corrections" no The Met Museum
DESCRIPTION:Jesse Krimes\, “Purgatory” (detalhe)\, 2009. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição com doação do Vital Projects Fund Inc.\, por meio de Joyce e Robert Menschel\, e doações da Alfred Stieglitz Society\, 2024. © Jesse Krimes.\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nA fotografia desempenhou um papel central na construção de sistemas de poder na sociedade\, especialmente em contextos ligados ao crime e à punição. Esta exposição apresenta instalações imersivas contemporâneas do artista Jesse Krimes (americano\, nascido em 1982)\, em diálogo com fotografias do século XIX do acervo do The Met\, realizadas pelo criminologista francês Alphonse Bertillon — responsável por desenvolver o primeiro sistema moderno de identificação criminal\, anterior à adoção das impressões digitais. \nAs instalações de Krimes\, criadas ao longo de seus seis anos de encarceramento\, revelam a engenhosidade de um artista que trabalhou sem acesso a materiais tradicionais. Utilizando sabonetes fornecidos pela prisão\, gel para cabelo\, cartas de baralho e jornais\, ele produziu obras que buscam interromper e recontextualizar a circulação de imagens na mídia. Exibidas em contraponto às fotografias de Bertillon — cuja metodologia combinava medidas antropométricas e retratos fotográficos\, dando origem à atual ficha de identificação criminal — as obras de Krimes questionam a suposta neutralidade dos sistemas de reconhecimento e as hierarquias sociais que eles ajudam a criar e perpetuar. \nArtista para quem a colaboração e o ativismo são essenciais\, Krimes fundou o Center for Art and Advocacy\, uma organização voltada à valorização do talento e do potencial criativo de pessoas que passaram pelo sistema prisional\, promovendo apoio e melhores condições para artistas anteriormente encarcerados.
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SUMMARY:"Shifting Landscapes" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jane Dickson\, “Heading in—Lincoln Tunnel 3”\, 2003. Whitney Museum of American Art\, Nova York; presente de Eve Ahearn e Joseph Ahearn 2017.275. © Jane Dickson.\n\n\n\n\nEmbora o gênero paisagem tenha sido historicamente associado a vistas pitorescas\, Shifting Landscapes considera uma interpretação mais expansiva dessa categoria\, explorando como as questões políticas\, ecológicas e sociais em evolução motivam os artistas enquanto tentam representar o mundo ao seu redor. Retirada da coleção do Whitney\, a exposição apresenta obras dos anos 1960 até o presente e é organizada em seções temáticas distintas. Algumas delas se agrupam em torno de afinidades materiais e conceituais: assemblagens escultóricas formadas por objetos locais\, abordagens ecofeministas da land art e os legados da fotografia documental de paisagens. Outras estão relacionadas a geografias específicas\, como o frenético cenário urbano da Nova York moderna ou a cena experimental de cinema de Los Angeles dos anos 1970. Ainda outras mostram como os artistas inventam novos mundos fantásticos\, onde humanos\, animais e a terra se tornam um só. Seja representando os efeitos da industrialização no meio ambiente\, enfrentando o impacto das fronteiras geopolíticas ou propondo espaços imaginados como uma forma de desestabilizar o conceito de um mundo “natural”\, as obras reunidas aqui trazem ideias sobre a terra e o lugar em foco\, destacando como moldamos e somos moldados pelos espaços ao nosso redor. \nShifting Landscapes é organizada por Jennie Goldstein\, Curadora Associada da Coleção; Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini; Roxanne Smith\, Assistente Curatorial Sênior; com Angelica Arbelaez\, Rubio Butterfield Family Fellow; com agradecimentos a Araceli Bremauntz-Enriquez e J. English Cook pelo apoio à pesquisa.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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