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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
DESCRIPTION:Sadie Barnette\, Photo Bar\, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.\n\n\n\n\nEm uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente\, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição\, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”)\, a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan\, consiste em obras da coleção do Met\, que vão dos anos 1970 até os dias atuais\, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam\, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado. \nEntre os artistas em destaque está Sadie Barnette\, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai\, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette\, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares\, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas\, como Sophie Calle e Larry Sultan\, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo\, enquanto outros\, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas\, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns\, como Darrel Ellis\, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial\, o pessoal é político. Empregando várias estratégias\, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente. \nA exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/dont-forget-to-call-your-mother-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Crafting Modernity: Design in Latin America\, 1940–1980" no MoMA
DESCRIPTION:Roberto Burle Marx\, Parque Ibirapuera\, Jardins Quadricentenários\, projeto\, São Paulo\, Brasil (Plano\, detalhe cinco)\, 1953. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo Interamericano. © 2024 Burle Marx & Cia. Ltda.\n\n\n\n“Há design em tudo”\, escreveu Clara Porset\, a inovadora designer cubano-mexicana. Ela acreditava que a arte e a indústria poderiam se inspirar mutuamente\, forjando um caminho alternativo para o design moderno. Nem todos os colegas de Porset concordavam com sua convicção. Esta exposição apresenta essas visões às vezes conflitantes da modernidade propostas por designers de ambientes domésticos na Argentina\, Brasil\, Chile\, Colômbia\, México e Venezuela entre 1940 e 1980. Para alguns\, o design era uma evolução das tradições locais e indígenas\, levando a uma abordagem que combinava técnicas artesanais centenárias com métodos baseados em máquinas. Para outros\, o design respondia às condições de mercado e aos gostos locais\, e era baseado em tecnologias disponíveis e processos industriais. Nesta exposição\, objetos\, incluindo móveis\, eletrodomésticos\, cartazes\, tecidos e cerâmicas\, bem como uma seleção de fotografias e pinturas\, explorarão essas tensões. \n\n\n\nO lar tornou-se um local de experimentação para a vida moderna durante um período marcado por mudanças políticas\, econômicas e sociais dramáticas\, que tiveram amplas repercussões para a cultura visual latino-americana. Por quase meio século\, o design do ambiente doméstico incorporou ideias de identidade nacional\, modelos de produção e modos de vida modernos. O lar também ofereceu oportunidades para um diálogo entre arte\, arquitetura e design. Destaques da exposição incluem a cadeira Butaque de Clara Porset; a cadeira Bowl de Lina Bo Bardi; a cadeira B.K.F. de Antonio Bonet\, Juan Kurchan e Jorge Ferrari Hardoy; e o mobiliário de lounge Malitte de Roberto Matta.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/crafting-modernity-design-in-latin-america-1940-1980-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/by-way-of-material-and-motion-in-the-guggenheim-collection-no-guggenheim/
LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sonya Clark: We Are Each Other" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Uma carteira escolar com a imagem gravada a laser da bandeira de trégua instalada para Lesson Plan (Confederate Truce Flag)\, 2019. @nyceventphotography\n\n\n\n\nDestacando trinta anos de produção artística dedicada à experiência negra nos Estados Unidos\, Sonya Clark: We Are Each Other é a primeira exposição abrangente dos projetos de arte comunitária que formam o cerne da prática criativa pioneira da artista. Acompanhada por uma seleção de fotografias\, gravuras e esculturas de Clark\, a exposição apresenta cinco dos projetos colaborativos em grande escala da artista\, incluindo o inovador The Hair Craft Project (2014) e a performance contínua Unraveling. \nTrabalhando com uma ampla variedade de materiais emocionalmente ressonantes e objetos do cotidiano—desde tecido de algodão e cabelo humano até carteiras escolares e tijolos—Clark incentiva o público a confrontar os desequilíbrios históricos e as injustiças raciais do país através da transformação material. O uso de materiais artesanais tradicionais\, seu conhecimento aplicado de técnicas artesanais globais e as colaborações comunitárias que são essenciais para a integridade da arte de Clark estão entre as muitas maneiras pelas quais a artista representa e homenageia os legados da diáspora africana na vida negra.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Melissa Cody: Webbed Skies" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Melissa Cody\, Sem título\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nA primeira grande apresentação individual da tecelã navajo de quarta geração Melissa Cody (nascida em 1983\, No Water Mesa\, Arizona) abrange a última década de sua prática\, exibindo mais de 30 tecidos e uma nova obra importante produzida para a exposição. Utilizando técnicas de tecelagem estabelecidas há muito tempo e incorporando novas tecnologias digitais\, Cody monta e reimagina padrões populares em sobreposições geométricas sofisticadas\, incorporando corantes e fibras atípicos. Suas tapeçarias continuam os métodos da tecelagem Germantown navajo\, que se desenvolveram a partir da lã e das mantas produzidas em Germantown\, Pensilvânia\, e fornecidas pelo governo dos EUA ao povo navajo durante a expulsão forçada de seus territórios na metade do século XIX. Durante esse período\, as mantas racionadas eram desfeitas e o fio era usado para criar novos têxteis\, uma prática de reivindicação que se tornou a fonte do movimento. Reconhecendo essa história e trabalhando em um tear navajo tradicional\, as obras magistrais de Cody exercitam paletas e padrões experimentais que se animam através da reinvenção\, reformulando tradições como ciclos de evolução.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Pacita Abad no MoMA PS1
DESCRIPTION:Vista da instalação de Pacita Abad: A Million Things to Say no Museu de Arte Contemporânea e Design\, Manila\, De La Salle-College of Saint Benilde\, 2018. Cortesia de Pacita Abad Art Estate e MCAD Manila. Foto: At Maculangan/Pioneer Studios.\n\n\n\nNesta primavera\, o MoMA PS1 apresenta a primeira retrospectiva da artista Pacita Abad (filipino-americana\, 1946–2004). Abrangendo os 32 anos de carreira da artista\, a exposição inclui mais de 50 obras\, a maioria das quais nunca foram exibidas ao público nos Estados Unidos antes desta exposição. Largamente autodidata\, Abad é mais conhecida por seus trapuntos\, pinturas acolchoadas feitas costurando e enchendo suas telas em vez de esticá-las sobre uma estrutura de madeira. Após se mudar para os Estados Unidos em 1970 para escapar da perseguição política do regime autoritário de Marcos\, Abad buscou dar visibilidade aos refugiados políticos e aos povos oprimidos por meio de seu trabalho. “Sempre acreditei que um artista tem uma obrigação especial de lembrar a sociedade de sua responsabilidade social”\, disse ela. Organizada pelo Walker Art Center em colaboração com o espólio de Abad\, a apresentação celebra o trabalho multifacetado de uma artista cujas preocupações visuais\, materiais e conceituais vibrantes impulsionam conversas relevantes sobre globalização\, poder e resiliência. \n\n\n\nA exposição é acompanhada pela primeira grande publicação sobre o trabalho de Abad\, produzida pelo Walker. O volume é editado com texto de Victoria Sung e inclui contribuições de Julia Bryan-Wilson\, Nancy Lim\, Ruba Katrib\, Xiaoyu Weng e Matthew Villar Miranda\, além de uma história oral abrangente de Pio Abad e Sung.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:The Roof Garden Commission: Petrit Halilaj no The Met Museum
DESCRIPTION:Foto: Ian Kumamoto\n\n\n\nO artista kosovar Petrit Halilaj (nascido em 1986\, Kostërc\, antiga Iugoslávia) foi convidado a criar uma instalação específica para o Jardim do Telhado Iris e B. Gerald Cantor do Museu. Para o primeiro grande projeto do artista nos Estados Unidos\, Halilaj transformou o telhado do Met com uma extensa instalação escultural. \n\n\n\nO trabalho de Halilaj está profundamente conectado à história recente de seu país natal\, Kosovo\, e às consequências das tensões culturais e políticas na região. Após um período formativo na Itália\, onde estudou arte na Accademia di Brera em Milão\, ele se mudou para Berlim em 2008\, onde ainda vive e trabalha. Seus projetos abrangem uma variedade de mídias\, incluindo escultura\, desenho\, poesia e performance.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sleeping Beauties: Reawakening Fashion" no The Met Museum
DESCRIPTION:Imagem © designboom\n\n\n\nA exposição de primavera de 2024 do Instituto de Figurinos\, “Sleeping Beauties: Reawakening Fashion”\, reativa as capacidades sensoriais das obras-primas da coleção do Museu por meio de pesquisa direta\, análise de conservação e diversas tecnologias — desde ferramentas de ponta de inteligência artificial e imagens geradas por computador até formatos tradicionais de raios-x\, animação em vídeo\, projeção de luz e paisagens sonoras. \n\n\n\nQuando uma peça de roupa entra na coleção do Instituto de Figurinos\, seu status é alterado para sempre. O que antes era uma parte vital da vida de uma pessoa agora se torna uma ‘obra de arte’ imóvel que não pode mais ser vestida\, ouvida\, tocada ou cheirada. Esta exposição reanima esses objetos\, ajudando-nos a experienciá-los como foram originalmente concebidos — com vivacidade\, dinamismo e vida. \n\n\n\nA exposição apresenta aproximadamente 220 roupas e acessórios que abrangem quatro séculos\, todos visualmente conectados por meio de temas da natureza\, que também serve como uma metáfora para a transitoriedade da moda. Os visitantes serão convidados a cheirar as histórias aromáticas de chapéus com motivos florais; tocar as paredes das galerias que serão em relevo com os bordados de vestimentas selecionadas; e experimentar — através da técnica de ilusão conhecida como fantasma de Pepper — como a “saia hobble” restringia a passada das mulheres no início do século XX. Pontuando as galerias haverá uma série de “beldades adormecidas” — roupas que não podem mais ser vestidas em manequins devido à sua extrema fragilidade.
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SUMMARY:"Monuments of Solidarity" de LaToya Ruby Frazier no MoMA
DESCRIPTION:LaToya Ruby Frazier\, Momme da série “The Notion of Family\,” 2008. © 2023 LaToya Ruby Frazier. Cortesia da artista e da Gladstone Gallery.\n\n\n\n“Por esse motivo\, é incumbência minha resistir — uma fotografia de cada vez\, um ensaio fotográfico de cada vez\, um corpo de trabalho de cada vez\, um livro de cada vez\, um monumento dos trabalhadores de cada vez — à apagamento histórico e amnésia histórica”\, diz a artista-ativista LaToya Ruby Frazier. Nascida em 1982 na cidade de Braddock\, Pensilvânia\, conhecida pela indústria siderúrgica\, Frazier utilizou a fotografia\, texto\, imagens em movimento e performance para reviver e preservar histórias esquecidas sobre trabalho\, gênero e raça na era pós-industrial. LaToya Ruby Frazier: Monumentos de Solidariedade revisita toda a extensão da prática da artista\, destacando seu papel como defensora social e conectora das classes culturais e trabalhadoras no século XXI. \n\n\n\nPara esta exposição\, Frazier reimaginou seus diversos corpos de trabalho como uma sequência de instalações originais que ela chama de “monumentos para os pensamentos dos trabalhadores”\, os quais abordam os efeitos nocivos da industrialização e desindustrialização\, as desigualdades na saúde enfrentadas pelas comunidades negras trabalhadoras no Cinturão do Ferrugem\, a contínua crise de água em Flint\, Michigan\, e o impacto do fechamento de uma fábrica da General Motors em Lordstown\, Ohio. Monuments of Solidarity celebra as expressões de criatividade\, apoio mútuo e colaboração intergeracional que persistem diante dessas negações de direitos trabalhistas\, humanos e civis fundamentais. Como uma forma de construção de mundo feminista negra\, esses “monumentos” não tradicionais exigem o reconhecimento do papel crucial que as mulheres e pessoas não brancas desempenharam e continuam a desempenhar nas histórias do trabalho e da classe trabalhadora. \n\n\n\nOrganizada por Roxana Marcoci\, Curadora Sênior David Dechman e Curadora-Chefe Interina\, com Caitlin Ryan\, Curadora Assistente\, e Antoinette D. Roberts\, ex-Assistente Curatorial\, Departamento de Fotografia.
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SUMMARY:"Lineages: Korean Art at The Met" no The Met Museum
DESCRIPTION:Yi Jeong\, Bamboo in the Wind (detalhe)\, início do século XVII\, Coreia\, dinastia Joseon (1392–1910). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, Coleção Mary Griggs Burke\, Doação da Fundação Mary and Jackson Burke\, 2015\n\n\n\nEm comemoração ao vigésimo quinto aniversário da galeria Artes da Coreia do Met\, “Lineages: Korean Art at The Met” exibe destaques da coleção do Museu emparelhados com importantes empréstimos internacionais de arte moderna e contemporânea coreana. Esta justaposição de obras de arte históricas e contemporâneas — desde celadons dos séculos XII e XIII até esculturas futurísticas de ciborgues feitas nos anos 2000 — exibe a história da arte coreana em grandes traços através de quatro temas interligados: linhas\, pessoas\, lugares e coisas. Apresentando trinta objetos\, esta exposição promove um diálogo de ideias que ressoaram ao longo do tempo e uniram artistas.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jenny Holzer: Light Line" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação “Jenny Holzer: Light Line” no Guggenheim\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma reimaginação da emblemática instalação de Jenny Holzer de 1989 no Guggenheim. Subindo todas as seis rampas da rotonda projetada por Frank Lloyd Wright até o ápice do edifício\, a instalação específica do local transforma o edifício com uma exibição de textos rolantes\, apresentando seleções de suas séries icônicas\, como “Truisms” e “Inflammatory Essays”. \n\n\n\nLight Line destaca o uso incisivo da palavra escrita ao longo do tempo e em diferentes mídias na prática de Holzer. Além do letreiro de LED\, a exposição apresenta uma seleção de obras de Holzer desde os anos 1970 até os dias atuais\, incluindo pinturas\, obras em papel e peças de pedra. De 16 a 20 de maio\, a projeção de luz da artista Para o Guggenheim iluminou a fachada do prédio com uma seleção de poemas e relatos de testemunhas oculares que falam da necessidade de paz. \n\n\n\nJenny Holzer: Light Line é organizada por Lauren Hinkson\, Curadora Associada para Coleções. A pesquisa de conservação e tratamento da Instalação de Jenny Holzer para o Museu Solomon R. Guggenheim é liderada por Lena Stringari\, Diretora Adjunta e Chefe Conservadora Andrew W. Mellon\, e Agathe Jarczyk\, Conservadora Associada de Mídia Temporal.
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SUMMARY:"Isaac Julien: Lessons of the Hour" no MoMA
DESCRIPTION:Vista da instalação de Isaac Julien: Lessons of the Hour\, em exibição no Museu de Arte Moderna de Nova York de 19 de maio a 28 de setembro de 2024. Foto: Emile Askey.\n\n\n\nEm “Lessons of the Hour” (2019)\, Sir Isaac Julien apresenta um retrato imersivo do abolicionista Frederick Douglass\, que obteve a liberdade da escravidão em 1838 e se tornou um dos mais importantes oradores\, escritores e estadistas do século XIX. Ao longo das 10 telas desta instalação de vídeo\, uma narrativa não linear mistura a vida e a obra de Douglass com trechos de vários de seus discursos\, obras literárias e correspondências pessoais. O americano mais fotografado de sua época\, Douglass entendia que o retrato poderia desafiar estereótipos racistas e promover a liberdade e os direitos civis dos negros americanos e de pessoas subjugadas ao redor do mundo. \n\n\n\nPela primeira vez\, objetos históricos diretamente relacionados a “Lessons of the Hour” serão exibidos junto à obra. Eles incluem retratos de Douglass em impressões de prata de albumina\, panfletos de seus discursos\, primeiras edições de suas memórias\, uma reprodução de um raro manuscrito que expõe suas ideias sobre a fotografia e um papel de parede especialmente projetado\, composto por recortes de jornais da época\, cartazes\, ilustrações de revistas e páginas de álbuns de recortes. Esses objetos revelam como a imagem e as palavras de Douglass circulavam no mundo transatlântico do século XIX e também comprovam a percepção de Julien em “Lessons of the Hour”: que as ideias de Douglass sobre cidadania\, democracia e dignidade humana permanecem atemporais.
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SUMMARY:"Projects: Tadáskía" no MoMA
DESCRIPTION:Tadáskía. ave preta mística mystical black bird (detalhe)\, 2022. The Museum of Modern Art\, Nova York. Fundo para o Século XXI. © 2024 Tadáskía\n\n\n\n“Estou interessada na passagem de uma coisa para outra”\, disse a artista brasileira Tadáskía. A mudança está no centro de seu trabalho multidisciplinar. Através de desenhos\, esculturas e outros meios\, ela destaca a improvisação\, transmitindo uma sensação de fluidez por meio de suas marcas dinâmicas\, imagens sutis e paleta caleidoscópica. \n\n\n\nProjects: Tadáskía apresenta o livro expansivo e sem encadernação da artista\, ave preta mística mystical black bird (2022)\, que coloca desenhos livres em diálogo com seu próprio texto poético e bilíngue. De uma folha para a outra\, seguimos o protagonista alado da narrativa em um voo “rumo a uma jornada de liberdade”\, informado pela experiência vivida da artista como uma mulher trans negra. \n\n\n\nPara esta exposição\, a primeira apresentação solo da artista nos Estados Unidos\, ela produziu um desenho monumental na parede e um conjunto de esculturas em resposta ao espaço da galeria. Enquanto suas marcas vigorosas nos encorajam a seguir suas linhas sinuosas e mutáveis\, os materiais orgânicos usados em suas esculturas evocam os ciclos de vida efêmeros da natureza. Junto ao papel central da mudança\, como Tadáskía afirma\, “o personagem principal no trabalho é o tempo”.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Vivian Maier: Unseen Work" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Vivian Maier\, Self-Portrait\, New York\, NY\, 1953\n\n\n\n“Vivian Maier: Unseen Work” explora a obra completa de Maier\, desde o início dos anos 1950 até meados dos anos 1980\, através de aproximadamente 200 trabalhos: impressões vintage e modernas\, fotografias em cores e preto e branco\, filmes Super 8 e trilhas sonoras\, oferecendo uma visão completa da densa\, rica e complexa arquitetura deste arquivo que fornece um testemunho fascinante da América pós-guerra e o inferno do sonho americano. \n\n\n\nA exposição é organizada pela diChroma Photography e Fotografiska New York em colaboração com a John Maloof Collection\, Chicago\, e a Howard Greenberg Gallery\, Nova York. Apresentada pela primeira vez no Musée du Luxembourg\, Paris\, de 15 de setembro de 2021 a 16 de janeiro de 2022\, a exposição foi co-organizada pela diChroma Photography e a Réunion des Musées Nationaux Grand Palais. \n\n\n\nA exposição é apoiada pelo Women In Motion\, fundado pelo Grupo Kering em 2015 para destacar as desigualdades no campo da cultura e das artes e para mudar percepções. Desde então\, o programa se tornou uma plataforma de escolha para ajudar a mudar mentalidades e liderar conversas sobre o status das mulheres nas artes e na cultura.
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LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Collecting Inspiration: Edward C. Moore at Tiffany & Co." no The Met Museum
DESCRIPTION:Fragmento de prato carenado de mosaico de vidro Romano\, final do século I a.C. – início do século I d.C. Imagem/Divulgação\n\n\n\nEdward C. Moore (1827–1891) — a força criativa que levou a Tiffany & Co. a uma originalidade e sucesso incomparáveis durante a segunda metade do século XIX — reuniu uma vasta coleção de artes decorativas de qualidade excepcional e em diversos meios\, desde vidro grego e romano e cestos japoneses até trabalhos em metal do mundo islâmico. Esses objetos foram uma fonte de inspiração para Moore\, um prateiro renomado por direito próprio\, e para os designers que ele supervisionava. A exposição “Collecting Inspiration: Edward C. Moore at Tiffany & Co.” apresentará mais de 180 exemplos extraordinários da coleção pessoal de Moore\, que foi doada ao Museu\, ao lado de 70 magníficos objetos de prata projetados e criados na Tiffany & Co. sob sua direção. Retirados principalmente do acervo do Met\, a exibição também incluirá exemplos raramente vistos de uma dúzia de credores privados e públicos. Figura definidora na história da prataria americana\, Moore desempenhou um papel fundamental na formação da estética de design lendária da Tiffany e na evolução da coleção do Met.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Other of Pearl" de Jenny Kendler na Governors Island National Monument
DESCRIPTION:Jenny Kendler e Andrew Bearnot\, Whale Bells\, 2023. Foto: Julienne Schaer. Cortesia de Governors Island Arts\n\n\n\n\n\nEm Other of Pearl\, Jenny Kendler (n. 1980\, Nova York\, NY) narra as histórias de extração que formam a origem da crise climática e ambiental\, enquanto considera a ostra e a baleia como figuras centrais em um emaranhado ecológico entre seres humanos e não humanos\, corpos d’água e fluxos de capital. \nFocando em nossas relações com esses dois seres tão distintos\, Kendler revela como os sistemas capitalistas muitas vezes se fundamentam sobre os corpos de outros. A artista confronta questões ambientais contemporâneas — mudanças climáticas\, poluição sonora dos oceanos\, poluição química\, perda de biodiversidade e aumento do nível do mar —\, ao mesmo tempo que aponta para as estruturas culturais que permitiram essas catástrofes. \nOther of Pearl\, primeira exposição individual de Kendler em Nova York\, transforma o espaço de Fort Jay em um local de exploração cuidadosa. Nela\, encontram-se sete obras íntimas e delicadas\, incluindo um instrumento de vidro soprado à mão que permite cantar na voz de uma baleia e esculturas de pérolas cultivadas dentro de ostras. Ao final da exposição\, as esculturas de pérolas serão leiloadas para arrecadar fundos com o intuito de criar um novo recife de ostras\, redistribuindo recursos em um gesto de restauração ecológica\, em parceria com o Billion Oyster Project. \nAo propor uma relação mais íntima e corpórea com o mundo natural\, Other of Pearl sugere uma nova forma de imaginar quem importa e para quem estamos construindo o futuro\, convidando-nos a imaginar uma prática restaurada de reciprocidade entre humanos e não humanos.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Bruce Gilden: Why These?" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Coney Island\, Nova York\, EUA. 1982 © Bruce Gilden / Magnum Photos\n\n\n\nBruce Gilden: Why These? examina a obra de Gilden de fotografia de rua crua e realista através de trabalhos escolhidos a dedo pelo próprio artista. Uma combinação de retratos coloridos em grande escala\, bem como fotos em preto e branco tiradas em todo o mundo\, oferecerá aos espectadores um vislumbre íntimo dos mundos sem enfeites da vida nas ruas que Gilden vem documentando há décadas. \n\n\n\n“As fotos frequentemente inquietantes de Bruce Gilden mergulham fundo nas psiques das pessoas comuns. Ao revelar o que está logo abaixo da superfície\, ele captura o medo que subjaza muitos dos nossos pensamentos sobre nós mesmos e aqueles ao nosso redor.”Jessica Jarl\, Diretora Global de Exposições da Fotografiska
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LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Diamond Stingily: Orgasms Happened Here" na 52 Walker
DESCRIPTION:Diamond Stingily\, “Orgasms Happened Here” (Vista da Instalação)\, 2024. Cortesia da artista e da 52 Walker.\n\n\n\n52 Walker tem o prazer de anunciar sua décima segunda exposição\, “Orgasms Happened Here”\, que apresenta novos trabalhos da artista Diamond Stingily\, de Nova York (nascida em 1990). A prática multidisciplinar de Stingily atravessa variadas narrativas fictícias\, biográficas e autobiográficas para recriar a ordem simbólica que governa objetos do cotidiano. Ao longo da 52 Walker\, ela instalou uma série de intervenções arquitetônicas específicas do local que evocam as cores\, escala e ambiente de residências suburbanas americanas e locais de culto. Esses espaços intersticiais\, bem como a própria galeria\, servem como portais para as memórias caprichosas e sombrias que muitas vezes são suprimidas em nome do decoro adulto\, revelando vislumbres do desejo libidinal secretamente guardado na imaginação coletiva da artista e na nossa. \n\n\n\nO título da exposição é tirado das memórias de infância da artista: quando a família de Stingily se mudou pela primeira vez para a casa onde ela passou a adolescência\, seu irmão descobriu um bilhete adesivo afixado acima da porta de um armário em seu quarto que dizia “orgasms happened here” (orgasmos aconteceram aqui). Em sua apresentação na 52 Walker\, Stingily foca no armário e em outros limiares — portas trancadas\, janelas de vitrais e esculturas de portões prontos — que simbolizam privacidade\, transição\, curiosidade e transgressão. \n\n\n\n“Diamond Stingily: Orgasms Happened Here” é curada por Ebony L. Haynes e apresentada por 52 Walker.
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SUMMARY:"Carrie Mae Weems: Remember to Dream" no Hessel Museum of Art
DESCRIPTION:Remember to Dream revisita a amplitude e a profundidade da carreira prolífica de Carrie Mae Weems através de obras raramente exibidas e menos conhecidas que demonstram a evolução de sua prática pioneira e engajada politicamente. Indo além dos projetos icônicos\, Remember to Dream busca reequilibrar a compreensão do desenvolvimento artístico de Weems nos últimos 30 anos\, situando seu trabalho no contexto de suas próprias experiências de vida e compromisso com o ativismo. Variando de instalações em grande escala a séries fotográficas\, as obras na exposição traçam uma linha contínua do Movimento dos Direitos Civis ao Black Lives Matter\, destacando momentos significativos de reconhecimento racial nos Estados Unidos através da própria perspectiva de Weems. \nAo longo da exposição\, a prática e a história pessoal de Weems\, que se cruza com a história política dos EUA\, iluminam o que o poeta e estudioso negro americano Amiri Baraka chamou de “o mesmo que muda”\, referindo-se à continuidade do racismo e do sexismo—os modos como certos padrões de violência e opressão são perpetuados de uma geração para a próxima\, mesmo que as condições específicas da vida cotidiana continuem a mudar. \nA exposição é sequenciada em nove salas\, cada uma representando um ou mais corpos de trabalho. Começando com Pintando a Cidade (2021)\, Weems aborda os protestos que irromperam em maio de 2020 em mais de 2.000 cidades e vilas dos Estados Unidos em resposta ao assassinato de George Floyd pela Polícia de Minneapolis. Na cidade natal de Weems\, Portland\, Oregon\, os protestos continuaram até setembro de 2020\, escalando para pontos de confronto violento entre policiais\, manifestantes e contra-manifestantes. Weems voltou a Portland para fotografar muitas das lojas que protegeram suas vitrines contra possíveis saques e vandalismo. Em uma sala adjacente\, Weems exibe uma série de retratos íntimos intitulada Fotos e Histórias de Família (1978-1984)\, uma série anterior de Portland com fotografias em preto e branco que registram as alegrias e agonias da vida familiar. \nRemember to Dream contextualiza o presente dentro de uma luta secular. Uma representação especialmente comovente e convincente do legado brutal do racismo é Saia\, Saia Agora! (2022)\, uma instalação de vídeo recente que lembra um antigo teatro no qual a artista e sua irmã contam a história de seu avô Frank\, um meeiro que era membro do Sindicato dos Agricultores Arrendatários do Sul e trabalhava em terras no Arkansas. Após ser espancado e deixado para morrer em Earle\, Arkansas\, em 1936\, Frank escapou a pé para Chicago\, fugindo do Sul segregacionista\, perdendo sua terra e\, por um tempo\, sua família. No vídeo\, Weems faz um poderoso apelo por reparações por tudo o que ele e sua família perderam ao longo das gerações. \nA exposição continua com Blues e Pinks (1992-93)\, em que Weems se baseia em imagens da “Cruzada das Crianças” que começou em 2 de maio de 1963\, quando mais de mil crianças saíram da escola em Birmingham\, Alabama\, para marchar até o centro da cidade e falar com o prefeito sobre a segregação em sua cidade. As crianças foram detidas pela polícia e centenas foram presas. Elas se reuniram novamente no dia seguinte para marchar novamente\, e o chefe de polícia ordenou que as forças de segurança usassem a força contra as crianças. Weems apropria-se da fotografia do jornalista sulista branco Charles Moore\, tingindo as imagens com tons de azul e rosa\, e justapondo cenas que ressuscitam o terror daquele dia. Em uma obra adicional intitulada Terra dos Sonhos Despedaçados: Um Estudo de Caso (2021)\, Weems relembra os Panteras Negras como uma força de autodefesa. \nRemember to Dream é curada por Tom Eccles\, Diretor Executivo do Centro de Estudos Curatoriais do Bard College\, após colaborações com Weems em A Forma das Coisas no Park Avenue Armory em Nova York (2021) e Luma Arles em Arles\, França (2023)\, com o apoio de Marina Caron (Turma de 2023 do CCS Bard).
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SUMMARY:“The Campus” na kurimanzutto
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Climate Change is Real (Global Climate Action Summit\, San Francisco)” de Andrea Bowers\, 2018 (ao fundo)\, no The Campus. Foto: Yael Eban & Matthew Gamber\n\n\n\nBortolami\, James Cohan\, kaufmann repetto\, Anton Kern\, Andrew Kreps e kurimanzutto têm o prazer de apresentar a exposição inaugural em seu novo espaço compartilhado\, The Campus\, em Claverack\, NY. Abraçando um modelo colaborativo\, as galerias transformaram um antigo prédio escolar abandonado em uma plataforma para troca cultural dinâmica. \n\n\n\nVago desde os anos 90\, o edifício de 78.000 pés quadrados da Ockawamick School\, construído em 1951 e em grande parte não reformado\, estava pronto para ser reanimado. Salas de aula pintadas de forma colorida\, detalhes arquitetônicos de meados do século e generosa iluminação natural criam um contexto atraente para que os artistas interajam com o espaço\, o propósito original da estrutura e uns com os outros. \n\n\n\nNos últimos anos\, uma reconsideração de valores levou muitos artistas em direção à comunidade criativa há muito estabelecida no interior do estado de Nova York. The Campus abraça esse ambiente de troca animada com uma exposição abrangente que preenche 40 salas e os terrenos circundantes com obras de arte. Dentro de cada sala\, agrupamentos cuidadosos oferecem momentos de diálogo focado entre vozes diversas dentro e fora dos seis programas de galeria. \n\n\n\nNo espírito de colaboração\, The Campus está fazendo parceria com os Bolsistas de Estúdio e Curadoria da Cohort 05 do NXTHVN. Fundado por Titus Kaphar e Jason Price\, a bolsa anual do NXTHVN trabalha para orientar e elevar artistas e curadores sub-representados. A exposição contará com o trabalho dos Bolsistas de Estúdio Adrian Armstrong\, Alexandria Couch\, Eric Hart Jr.\, Fidelis Joseph\, Jamaal Peterman\, Eugene Mackie e Alex Puz\, organizada pelas Bolsistas de Curadoria Marquita Flowers e Clare Patrick. \n\n\n\nA exposição inaugural conecta obras novas\, históricas e específicas do local de mais de 80 artistas. \n\n\n\nUma instalação urgente de filme\, néon e obras escultóricas de Andrea Bowers ativa a arte em um chamado ressonante para informar\, educar e mobilizar sobre a mudança climática.
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LOCATION:kurimanzutto\, 520 w 20th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Scenes of New York City" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:Keith Haring\, Radiant Baby with AIDS Alligator\, c. 1984 © Keith Haring Foundation)\n\n\n\n\n\nA exibição inaugural na nova Hirschfeld Gallery and Hall apresenta uma seleção de obras de arte provenientes de uma extraordinária doação prometida ao New-York Historical Society pelos filantropos e colecionadores de arte Elie e Sarah Hirschfeld\, que reuniram uma impressionante coleção em homenagem à sua cidade natal. A coleção inclui obras de renomados artistas nacionais e internacionais\, como Mark Rothko e Roxie Munro\, e oferece retratos vívidos de Gotham e suas paisagens urbanas. Mais de uma dúzia de obras em exibição destacam o passado multifacetado da cidade e traçam os ritmos da metrópole e de sua vida cotidiana. Para enriquecer esse retrato visual da cidade\, a exibição também conta com vozes da comunidade que respondem aos lugares e pessoas retratados. Curadoria de Wendy Nālani E. Ikemoto\, vice-presidente e curadora-chefe. \nO catálogo de Scenes of New York City: The Elie and Sarah Hirschfeld Collection conta com o apoio da Arthur F. and Alice E. Adams Charitable Foundation.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/scenes-of-new-york-city-no-new-york-historical-society/
LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Survival Piece #5: Portable Orchard" no Whitney Museum
DESCRIPTION:The Harrisons\, Survival Piece #5: Portable Orchard\, 1972–73 (vista da instalação\, Art Gallery da California State University\, Fullerton) © Helen and Newton Harrison Family Trust. Cortesia de Various Small Fires\, Los Angeles/Dallas/Seoul.\n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” marca a primeira apresentação independente em um museu do pomar de cítricos indoor completamente realizado\, concebido e projetado em 1972 pelos artistas Helen Mayer Harrison (1927–2018) e Newton Harrison (1932–2022). Este projeto explora a necessidade de um sistema alimentar produtivo e sustentável em um futuro imaginado onde as práticas agrícolas naturais são obsoletas e não podem ser consideradas garantidas. Estendendo-se pela galeria do oitavo andar do Museu\, esta instalação de dezoito árvores cítricas vivas enraizadas em vasos autossuficientes com sistemas de iluminação individuais reflete uma alternativa de sobrevivência diante do declínio ambiental. \n\n\n\nOs Harrisons começaram sua colaboração que durou décadas no início dos anos 1970\, inspirados pelos movimentos ambientalistas emergentes e por uma crescente conscientização social sobre os ecossistemas vulneráveis do planeta. Eles trouxeram experiências distintas em educação e escultura para sua prática criativa compartilhada e desenvolveram uma abordagem à criação artística que se baseava em pesquisas interdisciplinares\, resultando em projetos que serviam simultaneamente como obras de arte e chamados à ação. “Para sobreviver como espécie”\, refletiu Helen Harrison\, “vamos ter que aprender a cultivar nossa própria comida e cuidar de nós mesmos em algum momento. Então começamos a olhar para o que isso significa.” “Portable Orchard” é uma das sete “Survival Pieces” desenvolvidas pelos Harrisons no início dos anos 1970\, cada uma propondo uma alternativa a um sistema de produção de alimentos existente — de um pasto de porcos a uma fazenda de camarões. Os Harrisons planejavam a implementação futura desses projetos fazendo desenhos de instruções detalhadas; a recente aquisição pelo Museu de um desses desenhos foi o impulso para esta apresentação e está em exibição nas galerias\, junto com materiais de arquivo adicionais. “Portable Orchard” revela a qualidade premonitória da pesquisa dos Harrisons sobre sustentabilidade alimentar\, bem como os sucessos e fracassos dos sistemas artificiais construídos para sustentar a vida — questões que são ainda mais relevantes hoje do que há cinquenta anos\, quando o projeto foi concebido pela primeira vez. \n\n\n\n“Survival Piece #5: Portable Orchard” é organizada por Kim Conaty\, curadora-chefe da Família Nancy e Steve Crown\, com Roxanne Smith\, assistente sênior de curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Alex Katz: Seasons" no MoMA
DESCRIPTION:Alex Katz\, Spring (detalhe)\, 2023 © Alex Katz / Artists Rights Society (ARS)\, NY. Cortesia do artista e Gladstone Gallery. Foto: David Regen\n\n\n\nAs quatro pinturas monumentais apresentadas em “Alex Katz: Seasons” registram a mudança das estações\, desde as cores vibrantes da primavera\, verão e outono até a paleta austera do inverno. Estas obras pertencem a uma nova série de mais de 100 pinturas criadas por Alex Katz em seu estúdio em Nova York desde 2022. O artista se inspira em seu entorno imediato\, seja uma árvore solitária encontrada na Houston Street a caminho de casa após o cinema\, ou a paisagem exuberante do Maine\, onde Katz passa seus verões desde 1954. “A sensação da cor é o que eu queria”\, ele diz. “É a sensação de ver.” \n\n\n\n“Alex Katz: Seasons” celebra a abordagem sempre em evolução do artista para interpretar o mundo natural. Ele frequentemente começa com fotografias\, tiradas com um iPhone\, e esboços pintados menores\, que ele transforma em composições de grande escala. Em muitos casos\, Katz remove o horizonte; sua ausência\, combinada com a grande escala das pinturas\, cria um ambiente sem início ou fim claros. Katz frequentemente completa uma pintura inteira em uma única manhã. Apesar de revisitar e re trabalhar continuamente o tema das quatro estações\, ele aborda cada tela como uma nova empreitada. Katz descreve seu processo alegremente como: “Segure a respiração e espere pelo melhor.”
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Chinese Painting and Calligraphy Selections from the Collection" no The Met Museum
DESCRIPTION:Artista não identificado\, Inscrições nos Tambores de Pedra (dinastia Zhou Oriental\, século V a.C.). The Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Doação do Sr. e Sra. Wan-go H. C. Weng\, 1992\n\n\n\n\nO Metropolitan Museum of Art adquiriu sua primeira pintura chinesa em 1902. Desde então\, o Museu adicionou mais de duas mil obras de pintura e caligrafia\, construindo uma das coleções mais abrangentes do mundo. Abrangendo um milênio e meio de produção cultural e uma variedade de gêneros\, técnicas e estilos\, a coleção do Met se tornou um recurso fundamental para o estudo da pintura e caligrafia chinesas. Esta exposição apresenta uma rica seleção de obras da coleção\, organizadas em uma exibição majoritariamente cronológica. \nA exposição é viabilizada pelo Joseph Hotung Fund.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mary Sully: Native Modern" no The Met Museum
DESCRIPTION:Mary Sully\, Alice (detalhe)\, ca. 1920s–40s. The Metropolitan Museum of Art\, Nova York\, aquisição\, Morris K. Jesup Fund e fundos de diversos doadores\, 2023\n\n\n\n\nMary Sully—nascida Susan Mabel Deloria na Reserva Standing Rock\, em Dakota do Sul—foi uma artista Yankton Dakota pouco conhecida e reclusa\, que\, entre as décadas de 1920 e 1940\, criou obras altamente distintas\, informadas por sua ancestralidade nativa americana e colonizadora. Esta primeira exposição individual da produção inovadora de Sully destaca aquisições recentes do Met e empréstimos da Fundação Mary Sully\, obras que complicam as noções tradicionais de arte nativa americana e moderna. \nTrabalhando sem patrocínio\, quase na obscuridade\, e sendo em grande parte autodidata\, Sully produziu desenhos intricadamente elaborados e vividamente coloridos. Eles misturam aspectos significativos de sua herança Dakota com elementos visuais observados de outras nações nativas\, bem como a estética da vida urbana. Celebridades euro-americanas da cultura popular\, política e religião inspiraram algumas de suas obras mais marcantes\, que ela chamou de “personalidade impressa”— retratos abstratos organizados como trípticos verticais. Apresentando 25 composições raramente vistas de Sully\, além de material de arquivo da família e outros itens nativos da coleção do Met\, Mary Sully: Native Modern oferece uma nova e complexa perspectiva para considerar a arte e a vida americana no início do século 20. \nA exposição é viabilizada pela Fundação Barrie A. e Deedee Wigmore.
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SUMMARY:"The Grief Paintings" de Helen Marden na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação\, “Helen Marden: The Grief Paintings” na Gagosian. © 2024 Helen Marden/Artists Rights Society (ARS)\, Nova York. Foto: Owen Conway\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta The Grief Paintings\, uma exposição de novas pinturas de Helen Marden\, com abertura na Park & 75 em 24 de julho de 2024. \nIniciadas em 2023\, enquanto Marden cuidava de seu marido\, Brice\, e realizadas nos meses após seu falecimento\, as Grief Paintings são abstrações de escala íntima criadas com resina\, pigmento em pó\, tinta e objetos naturais. Camadas fluidas de cores vívidas e assemblages de penas\, conchas e vidros de mar se estendem além dos suportes circulares das pinturas. Imbuído com o espírito de vida\, amor e criatividade\, esse conjunto de obras ganha um novo significado em consonância com o poema “Growing Up in America” de Rene Ricard\, um amigo de longa data do casal.
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SUMMARY:"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
DESCRIPTION:Buffaloes in Combat (detalhe)\, Atribuído a Miskin\, Índia\, Mughal\, final do século XVI.\n\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas)\, datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory\, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas\, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura\, cidades\, paisagens e pessoas\, entre outros. Como artista e cineasta\, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal\, acompanhará a exposição. \nA exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund. \nApoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.
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