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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Something Beautiful" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Something Beautiful: Reframing La Colección é a apresentação mais ambiciosa do Museu del Barrio em mais de duas décadas\, exibindo sua coleção permanente única\, complexa e culturalmente diversa. Organizada por Rodrigo Moura\, Curador-Chefe; Susanna V. Temkin\, Curadora; e Lee Sessions\, Curador Associado da Coleção Permanente\, a exposição apresentará aproximadamente 500 obras de arte\, incluindo novas aquisições e comissões de artistas\, por meio de exibições rotativas ao longo de um ano. Something Beautiful atravessa categorias tradicionais de cronologia\, geografia e mídia\, reconsiderando a Coleção por meio de novas abordagens interdisciplinares enraizadas na história e legado fundamental do Museu del Barrio. Esse modelo inovador concentra-se na contribuição das culturas ameríndia\, africana e europeia como base da produção visual nas Américas e no Caribe. A primeira rotação da mostra é organizada em oito seções\, além de sete destaques de artistas. Temas e motivos reaparecem entre as seções para criar uma conversa maior ao longo da exposição. As seções incluem: Ocama Aracoel: espíritos e formas taínos e sua influência no movimento de arte Nuyorican; Visões Cósmicas: artistas indígenas e não indígenas evocando línguas\, paisagens e outras referências culturais ameríndias; Primeiras Impressões: foco em aquisições iniciais e no portfólio gráfico na gravura porto-riquenha; El Barrio: diferentes facetas da vida em East Harlem e outros bairros de Nova York\, especialmente em torno do degrau\, da calçada e da bodega; A Rua se Transforma: intervenções de artistas e ativistas no espaço público; Pathos\, Esperança\, Glória: retratos trans-históricos e autorretratos de artistas que refletem a diversidade da experiência latinx; Vestido/Despido: obras de arte que exploram\, exageram e desconstroem o que significa ser homem\, mulher\, nenhum ou ambos; e Abstracionistas: o protagonismo das mulheres na arte abstrata\, tradições matrilineares\, oticalidades e a moldura da realidade por meio da abstração. Os destaques dos artistas apresentarão as obras de Jorge Soto Sánchez; Alejandro Diaz; Papo Colo; Antonio Lopez; e Myrna Baez.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Nicolas Party e Rosalba Carriera no The Frick Collection
DESCRIPTION:The Frick Collection apresenta uma instalação site-specific do artista suíço Nicolas Party (nascido em 1980) que combina o retrato de Rosalba Carriera intitulado Portrait of a Man in Pilgrim’s Costume [Retrato de um Homem com Traje de Peregrino] com um conjunto de obras de giz pastel criadas pelo próprio Party. A instalação\, nas Italian Galleries do terceiro andar da casa temporária do museu\, o Frick Madison\, justapõe o retrato de Rosalba Carriera\, um espetacular pastel do século XVIII doado ao Frick em 2020 por Alexis Gregory\, com um conjunto de obras de Party\, todas criadas usando pastel. A instalação coloca três retratos – um de Rosalba e dois de Party – no contexto de três murais efêmeros de pastel que representam faixas de tecido inspiradas no trabalho dos artistas do século XVIII Jean-Étienne Liotard e Maurice-Quentin de La Tour.
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LOCATION:The Frick Collection\, 945 Madison Avenue at 75th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Women’s Work" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:O que é o “trabalho das mulheres”? Como as amplas tendências na história econômica\, legal e política dos Estados Unidos incentivaram as mulheres a assumirem certos empregos e as restringiram do “trabalho dos homens”? Como raça\, etnia\, classe social\, status legal\, orientação sexual e apresentação de gênero impactaram essas distinções? \n\n\n\nEm uma nova exposição\, o Centro de História das Mulheres destaca aproximadamente 45 objetos das próprias coleções do Museu e Biblioteca de Nova York para demonstrar como o “trabalho das mulheres” não se encaixa em categorias. Os itens vão desde um berço de mogno do século XIX até um kit de dissecação de médico do século XX\, e ainda\, um botão de alfinete com a mensagem “Shirley Chisholm for President”. A exposição busca mostrar que o trabalho das mulheres tem sido essencial para a sociedade americana e é inherentemente político: o trabalho das mulheres está em todos os lugares. Curada pela equipe curatorial do Centro de História das Mulheres e seus colaboradores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Bauhaus Stairway Mural" de Roy Lichtenstein na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar a instalação do mural Bauhaus Stairway Mural (1989) de Roy Lichtenstein na galeria localizada na 555 West 24th Street\, em Nova York. Esta é a segunda vez que a Gagosian exibe um mural de Lichtenstein\, seguindo a réplica do Greene Street Mural (1983) no mesmo local em 2015. \n\n\n\nNa década de 1960\, Lichtenstein forjou uma nova abordagem para a pintura ao fundir a cultura popular e a história da arte ocidental. Seu trabalho é enraizado nos poderes sedutores da publicidade e eleva a imagética gráfica da mídia impressa popular e das ilustrações de quadrinhos ao reino da alta arte. Empregando um processo artesanal\, ele se inspirou nas técnicas de impressão de revistas e jornais\, fazendo com que os pontos Benday e as cores vivas se tornassem sinônimos de Pop art. Lichtenstein produziu murais ao longo de sua carreira\, desde Girl in a Window para o Pavilhão do Estado de Nova York na Feira Mundial de 1964 até o Times Square Mural\, projetado em 1994 e instalado em 2002. \n\n\n\nMedindo aproximadamente 8 metros de altura e pintado em óleo e Magna sobre tela\, o Bauhaus Stairway Mural presta homenagem ao artista abstrato alemão Oskar Schlemmer (1888–1943) e sua pintura Bauhaustreppe (Escadaria da Bauhaus\, 1932). O mural de Lichtenstein foi encomendado para o átrio principal da sede da Creative Artists Agency (CAA) em Beverly Hills\, que o arquiteto do edifício\, I.M. Pei\, imaginou como um ponto de encontro para escritores\, diretores\, atores\, músicos e agentes – um enfoque na interação interdisciplinar que ressoava com o interesse de Lichtenstein em formas criativas acessíveis.
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LOCATION:Gagosian Nova York\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Judy Chicago: Herstory” no New Museum
DESCRIPTION:Judy Chicago: Herstory abrange a carreira de sessenta anos de Judy Chicago para englobar toda a amplitude das contribuições da artista\, que vão desde pintura\, escultura\, instalação\, desenho\, têxteis\, fotografia\, vitrais\, bordado e gravura. Expandindo os limites de uma exposição de museu tradicional\, a mostra colocará seis décadas de trabalho de Chicago em diálogo com o trabalho de outras mulheres ao longo dos séculos em uma instalação única no quarto andar. Intitulada The City of Ladies\, esta exposição coletiva conjunta apresenta obras de arte e materiais de arquivo de mais de oitenta artistas\, escritoras e pensadoras\, incluindo Simone de Beauvoir\, Hildegard of Bingen\, Artemisia Gentileschi\, Zora Neale Hurston\, Frida Kahlo\, Hilma af Klint e Virginia Woolf\, entre muitas outras. \n\n\n\nOcupando três pisos do Museu\, Herstory traçará a totalidade da prática de Chicago\, desde seus experimentos no Minimalismo dos anos 1960 e sua arte feminista revolucionária dos anos 1970 até suas séries narrativas das décadas de 1980 e 1990\, nas quais ela expandiu seu foco para confrontar desastres ambientais\, nascimento e criação\, masculinidade e mortalidade. Contextualizando sua metodologia feminista dentro dos diversos movimentos artísticos nos quais ela participou – e cujas histórias frequentemente foram apagadas -\, Herstory destacará o impacto tremendo de Chicago na arte americana e ressaltará seu papel crítico como historiadora cultural que reivindica espaço para artistas mulheres anteriormente omitidas do cânone.
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LOCATION:New Museum\, 235 Bowery 10002\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE" no MoMA PS1
DESCRIPTION:Desde o início de sua prática\, um elemento crítico para Rirkrit Tiravanija (tailandês\, nascido em 1961) tem sido a presença de “muitas pessoas” – um termo propositadamente amplo e expansivo que serve como um convite aberto a todos e a qualquer um\, presente e futuro. Sua maior exposição até o momento\, Rirkrit Tiravanija: A LOT OF PEOPLE\, traça quatro décadas da carreira do artista e apresenta mais de 100 obras\, desde experimentações iniciais com instalações e filmes\, até trabalhos em papel\, fotografias\, efêmeros\, esculturas e novas “peças” produzidas de participação fundamental. Estendendo-se por nossas galerias do segundo andar\, lobby e pátio\, a exposição inclui obras raramente vistas que abordam suas experiências como imigrante\, com um senso palpável de “diferença” em um mundo artístico centrado no Ocidente\, juntamente com séries mais recentes que abordam a política global e o ciclo de notícias do cotidiano. Fundamental para a evolução da arte contemporânea em Nova York e em todo o mundo\, a prática interdisciplinar de Tiravanija tem alcance transnacional\, envolvendo noções de diferença cultural\, interrogando os limites do lugar e negociando como as pessoas podem se reunir. \n\n\n\nNo centro da exposição está uma apresentação recém-concebida de cinco peças interativas históricas\, apresentadas em um palco como uma série de peças de teatro. Tiravanija descreve a evolução contínua de suas obras: “Como uma boa receita\, todo mundo sabe o que é\, como tem gosto e até como fazê-lo novamente – talvez de maneira diferente\, seguindo sua própria interpretação; ou talvez seja a base para algo completamente diferente\, uma possibilidade.” \n\n\n\nApresentados às sextas-feiras e sábados\, as cinco peças a seguir se desdobram cronologicamente ao longo da exposição. Volte a cada mês para experimentar uma nova obra de arte. \n\n\n\nuntitled 1990 (pad thai)\, 1990October 13 through November 11\, 2023 \n\n\n\nuntitled 1991/2008 (shall we dance)\, 1991/2008November 17 through December 9\, 2023 \n\n\n\nuntitled 1992-1995 (free/still)\, 1992/1995/1997/1998/1999/2003/2007/2011–December 15\, 2023 through January 6\, 2024 \n\n\n\nuntitled 1994 (angst essen seele auf)\, 1994January 12 through February 3\, 2024 \n\n\n\nuntitled 2011 (t-shirt\, no t-shirt)\, 2011February 9 through March 2\, 2024
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SUMMARY:"Going Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility" no Guggenheim
DESCRIPTION:Going Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility apresenta obras de arte que trazem figuras parcialmente obscurecidas ou ocultas\, posicionando-as na “borda da visibilidade”. Neste contexto artístico\, a frase comum “a caminho da escuridão” é entendida como uma tática em que os artistas ocultam visualmente o corpo para explorar uma tensão fundamental na sociedade contemporânea: o desejo de ser visto e o desejo de estar escondido da vista. \n\n\n\nOs artistas na exposição articulam o “caminho da escuridão” por meio de estratégias formais que podem incluir métodos de escurecimento literal\, como sombreamento; rotação do corpo; materiais e métodos de impressão inovadores; e ferramentas de pós-produção que borram ou iluminam. Algumas das obras mais recentes que estarão em exibição fazem uso da tecnologia digital\, como a tela verde (ou azul) croma-chave. Essas obras se movem fluidamente entre a figuração e a abstração\, e muitos artistas manipulam de forma inventiva a cor e a luz para também obscurecer a percepção ótica\, desafiando a própria biologia da visão. \n\n\n\nOcupando a icônica rotunda do Museu Guggenheim\, Going Dark apresenta mais de 100 obras de um grupo de 28 artistas\, a maioria dos quais é negra e mais da metade dos quais são mulheres. Embora a maioria das obras datem dos anos 1980 até o presente\, uma seleção delas foi criada nas décadas de 1960 e 1970 por três artistas icônicos – David Hammons\, Faith Ringgold e Charles White – sugerindo que o desenvolvimento da arte conceitual durante essas décadas lançou novos caminhos de expressão que serviram de base para os artistas contemporâneos que abordam a “borda da visibilidade” hoje. \n\n\n\nGoing Dark: The Contemporary Figure at the Edge of Visibility é organizada por Ashley James\, Curadora Associada de Arte Contemporânea\, com a assistência curatorial de Faith Hunter.
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SUMMARY:"Kay WalkingStick / Hudson River School" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:A exposição Kay WalkingStick / Hudson River School coloca as pinturas de paisagens da renomada artista contemporânea cherokee Kay WalkingStick em diálogo com destaques da coleção de pinturas da Escola do Rio Hudson do século XIX do New-York Historical. Esse diálogo artístico destaca as maneiras pelas quais o trabalho de WalkingStick se conecta e se afasta da tradição da Escola do Rio Hudson e explora a agência da arte na formação da relação da humanidade com a terra. A exposição celebra uma reverência compartilhada pela natureza\, ao mesmo tempo em que aborda questões cruciais sobre a desapropriação da terra e sua reivindicação pelos povos e nações indígenas\, e explora a relação entre a arte indígena e a história da arte americana. \n\n\n\nDestaques dos mais de 40 trabalhos da exposição incluem duas pinturas de WalkingStick diretamente inspiradas por artistas da Escola do Rio Hudson; a única paisagem da artista que faz referência à Trilha das Lágrimas (uma jornada forçada que seus antepassados cherokees tiveram que fazer); exemplos de suas primeiras abstrações esculturais pintadas\, inspiradas na natureza; e várias de suas pinturas mais recentes\, como Niagara e Aquidneck After the Storm\, que sobrepõem padrões indígenas abstratos geograficamente específicos a paisagens representacionais\, a fim de reafirmar uma presença indígena que foi apagada nas representações dos colonizadores europeus da América do Norte como uma região intocada e despovoada. Objetos indígenas americanos emprestados pela artista e outras coleções de museus\, incluindo cestas tecidas e jarros de cerâmica\, oferecem insights sobre os padrões de origem de WalkingStick e seu processo artístico. \n\n\n\nA exposição é o resultado de uma estreita colaboração entre a artista e Wendy Nālani E. Ikemoto (nativa havaiana)\, curadora sênior de arte americana do New-York Historical.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Introspection" de Frank Ockenfels no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Frank Ockenfels frequentemente busca aquilo que se desvia da norma\, do esperado ou do óbvio. Ele aborda seus temas com brincadeira e espontaneidade e utiliza o que está disponível no momento. Pode ser um raio de luz\, um movimento ou o uso brincalhão do flash. Ao aplicar várias técnicas diferentes – como fotografia\, pintura e colagem – e experimentar com luz\, óptica e diferentes tipos de câmeras\, Ockenfels está sempre tentando esticar os limites do que uma fotografia ou obra de arte pode ser. \n\n\n\nIntrospection examina a carreira do artista em diferentes seções\, cada uma ligada à seguinte por meio da exibição dos Journals de Ockenfels\, que ele criou para documentar seus diversos projetos. O que inicialmente começou como notas rapidamente rabiscadas em uma polaroid para lembrar as configurações de iluminação e planos para o dia seguinte se transformou em uma maneira de registrar suas conversas com seus temas e de desenvolver ideias\, trabalhar com influências e acompanhar seu progresso. \n\n\n\nNesta exposição\, novas obras fotográficas são combinadas com peças únicas e originais\, algumas em que a fotografia não está no centro. Em vez disso\, vemos skates\, jornais e sucatas de metal como tela para os pincéis\, canetas e tintas de Ockenfels. Seu tratamento por vezes áspero de suas fotografias transforma-as de retratos de pessoas individuais em um reflexo de si mesmo e de seus mundos interiores.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/introspection-de-frank-ockenfels-no-fotografiska-museum/
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SUMMARY:"Suneil Sanzgiri: Here the Earth Grows Gold" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Como vivemos e narramos momentos de revolução e revolta\, e como entendemos essas experiências através do tempo e da distância? Utilizando tecnologias de imagem para meditar sobre o que significa testemunhar de longe\, Suneil Sanzgiri explora as complexidades do anticolonialismo\, nacionalismo e identidade diaspórica. Seu trabalho é inspirado pelo legado de resistência de sua família em Goa\, Índia\, uma área sob ocupação portuguesa por mais de 450 anos até sua independência em 1961. Two Refusals (Would We Recognize Ourselves Unbroken?)\, a mais nova instalação de vídeo em dois canais do artista\, combina filmagens de arquivo\, animação\, entrevistas e um roteiro escrito pela poetisa Sham-e-Ali Nayeem. O filme conta as histórias da luta mútua na Índia e na África contra o colonialismo português\, destacando a solidariedade que se desenvolveu entre os dois continentes durante as décadas de 1960 e 1970. \n\n\n\nHere the Earth Grows Gold\, a primeira exposição solo de Sanzgiri em um museu\, combina o filme com uma projeção em 16 mm e um novo trabalho escultural. Modelado a partir de estruturas de bambu vistas em toda a Ásia do Sul\, o conjunto apresenta fotos de família\, renderizações em 3D\, publicações anticoloniais e imagens de água e solo de argila vermelha de Goa\, extraídas de sua pesquisa. Juntas\, essas obras apresentam o conceito de diáspora como uma maneira de reconfigurar nosso entendimento de história e pertencimento.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/suneil-sanzgiri-here-the-earth-grows-gold-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Making Their Mark" no The Shah Garg Foundation
DESCRIPTION:A Fundação Shah Garg tem o prazer de apresentar Making Their Mark\, uma grande exposição que destaca as obras de mais de 80 das mais significativas artistas mulheres das últimas oito décadas. \n\n\n\nCurada por Cecilia Alemani\, Diretora Donald R. Mullen\, Jr. e Curadora-Chefe da High Line Art e Curadora da 59ª Exposição Internacional de Arte na Bienal de Veneza\, a exposição marca a primeira exibição pública da Coleção Shah Garg: um conjunto pioneiro de obras de mulheres coletadas por Komal Shah e Gaurav Garg. \n\n\n\nMaking Their Mark promove a vida e o trabalho de artistas mulheres\, trazendo em relevo vibrante suas relações intergeracionais\, avanços formais e materiais\, e impacto histórico. Por meio de desenhos\, obras de mídia mista\, pinturas\, esculturas e trabalhos têxteis\, as artistas de Making Their Mark redefinem a história da arte através de suas práticas singulares e icônicas. \n\n\n\nApós a exposição em Nova York\, Making Their Mark viajará para o Museu de Arte de Berkeley e Arquivo de Filme do Pacífico em outubro de 2024\, co-curada por Margot Norton. Em seguida\, seguirá para o Museu de Arte Kemper em St. Louis em setembro de 2025\, co-curada por Sabine Eckmann.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/making-their-mark-no-the-shah-garg-foundation/
LOCATION:The Shah Garg Foundation\, 548 W 22nd St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Grace Wales Bonner—Spirit Movers" no MoMA
DESCRIPTION:Para esta exposição\, a mais recente edição da celebrada série Escolha do Artista do MoMA\, Wales Bonner reuniu mais de 50 obras de arte da coleção do Museu que exploram som\, movimento\, performance e estilo na diáspora africana e além. Ela reúne artistas de todo o mundo e de diferentes gerações\, incluindo Terry Adkins\, Moustapha Dimé\, Agnes Martin\, Man Ray\, Betye Saar e David Hammons. As obras apresentadas não são objetos ou imagens estáticos\, mas entidades dinâmicas profundamente conectadas ao ritual\, devoção e experiência coletiva. Esculturas parecem tremer com som; partituras evocam cerimônias; desenhos traçam estados de devaneio. Essas relações íntimas e poéticas inspiraram o título da exposição de Wales Bonner\, Spirit Movers. \n\n\n\nWales Bonner mudou a maneira como vemos o estilo. Cada detalhe de seus designs de moda interdisciplinares\, publicações\, exposições e filmes está relacionado a histórias\, arquivos e identidades culturais através do mundo diaspórico. Spirit Movers cria uma meditação profundamente pessoal sobre a expressão negra — e reflete o compromisso de Wales Bonner com a pesquisa de arquivos como uma forma de espiritualidade e prática estética.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/grace-wales-bonner-spirit-movers-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:An-My Lê no MoMA
DESCRIPTION:Por 30 anos\, as fotografias da artista An-My Lê têm abordado as complexas ficções que informam como justificamos\, representamos e mitologizamos a guerra e outras formas de conflito. Lê não adota uma abordagem fotojornalística direta para retratar o combate. Em vez disso\, com atenção poética à política e à paisagem\, ela medita sobre o significado da violência perpétua\, o impacto ambiental da guerra e a importância da diáspora. \n\n\n\nAn-My Lê: Between Two Rivers/Giữa hai giòng sông/Entre deux rivières é a primeira exposição a apresentar as poderosas fotografias de Lê ao lado de suas incursões em filme\, vídeo\, têxteis e escultura. Bordados nunca antes vistos — alguns em grande escala\, outros do tamanho de uma tela de laptop — e fotografias raramente exibidas de suas séries Delta e Gabinetto exploram a relação entre mídia de massa\, gênero\, trabalho e violência. E uma instalação imersiva criada especialmente para a exposição atesta a longa consideração da artista sobre as dimensões cinematográficas da fotografia e da guerra.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/an-my-le-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Prickling Goosebumps & a Humming Horizon" de Pipilotti Rist na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A artista suíça Pipilotti Rist\, autodenominada ‘selvagem e amigável’\, apresenta uma seleção de obras esculturais e projeções recentes na exposição Prickling Goosebumps & a Humming Horizon\, uma importante mostra em duas partes que será inaugurada em Chelsea. A exposição ocorre simultaneamente na localidade da 22nd Street da Hauser & Wirth e na localidade da 24th Street da Luhring Augustine\, sendo concebida pela artista como uma experiência multisensorial para os visitantes. Nestas apresentações complementares\, Rist explorará espaços físicos e psicológicos internos e externos\, com a Luhring Augustine reimaginada como um amplo ‘quintal’ compartilhado e a Hauser & Wirth transformada em uma ‘sala de estar coletiva’ lúdica. \n\n\n\nEm cada local\, os visitantes serão recebidos com um gesto artístico na fachada: a obra Textile Simultaneity na Luhring Augustine e a Innocent Collection na Hauser & Wirth.
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LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Prickling Goosebumps & a Humming Horizon" de Pipilotti Rist na Luhring Augustine
DESCRIPTION:Inaugurada em novembro de 2023\, a artista suíça autodescrita como “selvagem e amigável” Pipilotti Rist apresenta uma seleção de novas e recentes obras esculturais e projeções em Prickling Goosebumps & a Humming Horizon\, uma grande exposição em duas partes aberta em Chelsea. A exposição\, que ocorre simultaneamente na localização da Hauser & Wirth e na Luhring Augustine\, foi concebida pela artista como uma experiência multissensorial para os visitantes. Nessas apresentações complementares\, Rist explora o interior e o exterior — espaços físicos e psicológicos internos e externos — com a Luhring Augustine reimaginada como um “quintal” compartilhado e expansivo e a Hauser & Wirth transformada em uma “sala de estar coletiva” caprichosa.
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LOCATION:Luhring Augustine Chelsea\, 531 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Women Dressing Women" no The Met
DESCRIPTION:A exposição de outono de 2023 do Instituto de Figurino explorará a criatividade e o legado artístico de estilistas mulheres a partir da coleção permanente do Met\, traçando uma linhagem de criadoras desde a virada do século XX até os dias atuais\, destacando estilistas consagradas\, novas vozes e histórias esquecidas da mesma forma. \n\n\n\nWomen Dressing Women contará com o trabalho de mais de setenta designers de moda feminina\, abrangendo aproximadamente de 1910 até hoje\, incluindo alta-costura francesa de casas como Jeanne Lanvin\, Elsa Schiaparelli e Madeleine Vionnet\, até criadoras americanas como Ann Lowe\, Claire McCardell e Isabel Toledo\, juntamente com designs contemporâneos de Iris van Herpen\, Rei Kawakubo\, Anifa Mvuemba e Simone Rocha. \n\n\n\nUm catálogo\, publicado pelo Met e distribuído pela Yale University Press\, acompanhará a exposição.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ruminations" de Frank Gehry na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta Ruminations\, uma exposição de novas esculturas e obras em papel de Frank Gehry\, que será inaugurada na localização da galeria na Madison Avenue 976 em 8 de fevereiro de 2024. Ruminations apresenta elaborações em grande escala de objetos da série de esculturas Fish Lamps de Gehry (1984–86 e 2012–)\, uma escultura de Crocodile Lamp e várias obras em papel que não foram anteriormente vistas em Nova York. \n\n\n\nAs esculturas\, várias das quais serão visíveis a partir desta exposição\, são formas internamente iluminadas em cobre e Formica; um peixe de cobre fica suspenso do teto do primeiro espaço da galeria\, onde também está em exibição a escultura Crocodile Lamp (2023). Outros dois grupos autônomos estão expostos sobre bases pesadas de madeira artesanal no segundo espaço\, ao lado de outro grande peixe suspenso. Embora as esculturas de peixes de Gehry sejam obras autônomas\, a “forma perfeita” da antiga criatura que elas emulam reaparece em todo seu trabalho arquitetônico\, contribuindo para os perfis ondulados de edifícios como o Walt Disney Concert Hall de 2003 em Los Angeles; Guggenheim Bilbao (1997); e Guggenheim Abu Dhabi (abertura em 2025). As escamas semelhantes a folhas no peixe de cobre representam um novo motivo inspirado em uma caminhada que Gehry fez com sua neta.
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LOCATION:Gagosian\, 976 Madison Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Brush in the Universe" de Hana Yilma Godine na Fridman Gallery
DESCRIPTION:A Fridman Gallery e a Rachel Uffner Gallery apresentam A Brush in the Universe\, uma exposição individual da pintora etíope Hana Yilma Godine que abrange as duas galerias. Esta é a segunda vez que as galerias estão colaborando para apresentar o trabalho de Godine\, tendo organizado em conjunto A Hair Salon in Addis Ababa há dois anos. \n\n\n\nA exposição dupla reunirá as novas pinturas de Godine de mulheres ocupando espaços espirituais imaginados que fundem paisagens terrenas e ultraterrenas. Godine apresenta suas mulheres míticas e maiores do que a vida em conversa com o universo – montanhas\, rios\, oceanos\, plantas\, animais\, aves. As pinturas\, que misturam tinta a óleo e acrílica com têxteis sobre tela\, surgem da pesquisa contínua da artista e reflexão sobre as representações em evolução do corpo feminino na arte e na história etíope\, desde a heroína mitológica Arcaica Andrômeda até a Rainha Zauditu\, Imperatriz da Etiópia de 1916 a 1930. Em uma sociedade patriarcal dilacerada por guerras civis\, Godine apresenta uma dimensão paralela onde as mulheres estão a salvo da violência e livres para expressar seu poder\, beleza e feminilidade independentemente das restrições sociais e políticas. \n\n\n\nO uso de Godine da perspectiva achatada\, figuras alongadas e luz uniformemente distribuída lembra a iconografia etíope que enfatiza a divindade de temas bíblicos ao rejeitar as regras da representação terrena. Por outro lado\, as obras de arte de Godine estão firmemente enraizadas na realidade – ela pinta em tecidos tradicionais que as mulheres geralmente transformam em vestidos acessíveis. Ela entrelaça suas pinceladas com a estampa floral do tecido\, às vezes deixando os padrões intocados\, às vezes permitindo que eles apareçam sutilmente através das camadas pintadas. \n\n\n\nCombinando materiais tradicionais com composições ousadas e esquemas de cores\, as pinturas parecem viajar no tempo\, oferecendo uma visão de futuro baseada em espírito\, comunidade\, cuidado e esperança. No mundo de Godine\, a pintura em si representa a criação\, descobrindo conexões ocultas entre topografias e formas de vida.
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LOCATION:Fridman Gallery Bowery\, 169 Bowery\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Winter Flowers" de Caroline Larsen e Vanessa Prager na The Hole Bowery
DESCRIPTION:A The Hole tem apresenta Winter Flowers\, uma exposição especial de duas artistas\, Caroline Larsen e Vanessa Prager. Apresentando novas pinturas a óleo de ambas as artistas\, com buquês harmoniosos e abundantes e muita tinta espessa\, nesta mostra\, mais é mais. \n\n\n\nFlores de inverno são necessárias\, por que esperar pela primavera? A galeria é nossa estufa metafórica\, aquecendo o espaço para que suas flores desabrochem nestes meses mais frios – ou talvez trazendo o calor necessário para que essas pinturas superespessas sequem! Usando sacos de pigmento a óleo com bicos de confeiteiro\, Caroline Larsen espreme e aperta a tinta em montes de confeitaria\, cobrindo o painel com extrusões tubulares e em forma de espiral. Nestas obras\, Larsen enlouquece com os padrões xadrez\, adicionando padrões psicodélicos ao fundo. Vanessa Prager\, também conhecida por trabalhar com uma abundância de tinta\, sua elaborada técnica de impasto constrói camadas de óleo sobre tela para criar superfícies esculturais. Esses buquês são uma extensão de sua série de retratos\, sugeridos por dicas de ombros. \n\n\n\nEnquanto ambas as artistas preenchem suas telas com vida\, flores em seu auge\, em plena floração e glória\, na realidade essas flores estão condenadas\, compartilha Larsen\, vidas encurtadas e arranjadas na água para nossa alegria. Tanto Larsen quanto Prager abordam a vida – humana e floral – em suas obras\, capturando o ser vivo em seu melhor e mais brilhante. Prager proporciona uma poderosa ambiguidade ao obscurecer seus recipientes. Em Masquerade\, há uma silhueta quase humana na disposição\, é isso um corpo ou um buquê? O trabalho de Prager muitas vezes oscila entre natureza morta e classicismo\, com séries anteriores dedicadas a seres meio florais e deslumbrantes de maneira ambígua\, sujeitos sem rosto substituídos por buquês. Na nova série de Larsen\, também vemos figuras pela primeira vez em seus cenários florais\, em Plaid with Lady with Fan Vase\, uma figura de estilo dos anos 1920 renderizada em azul olha com coqueteria sobre o ombro\, e em I Rather Drown Than Ask for Help\, o vaso é composto por uma mulher se afogando no estilo de Roy Lichtenstein. \n\n\n\nUma pintura de uma flor é suscetível a uma rápida apreciação\, no entanto\, ambas as artistas nos proporcionam a necessidade de permanecer e realmente olhar. Desde que um arranjo floral em um vaso foi permitido como o único protagonista de uma pintura no início do século XVII na Era de Ouro Holandesa\, esse gênero perdurou em muitas iterações ao longo dos movimentos e séculos. Aqui\, em 2024\, Larsen usa vasos Art Deco de Longwy\, referências à cultura pop e vasos reinterpretados da era do Renascimento Rococó para apresentar arranjos de flores impossivelmente brilhantes e espessos contra fundos opticamente cintilantes. As If\, de Larsen\, é inspirada pelo videoclipe de Iggy Azalea\, “Fancy”\, onde Azalea se veste como Cher de “As Patricinhas de Beverly Hills”. Enquanto isso\, em textura e profundidade\, Prager nos oferece interpretações dinâmicas veladas\, evocando motivos das pinturas de flores pós-impressionistas de Cézanne com uma nova opulência e renovação em espiral.
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LOCATION:The Hole\, 312 Bowery\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Rituals" de Jennifer Guidi na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta Rituals\, uma exposição de novas pinturas de Jennifer Guidi\, em exibição na 541 West 24th St. a partir de 17 de janeiro de 2024. \n\n\n\nRituals apresenta uma série de pinturas que exploram a beleza sublime das paisagens de montanhas e do espectro de cores. Essas composições cuidadosamente elaboradas não são meras representações; elas imaginam terrenos elevados inspirados na profunda conexão da artista com a natureza e em seus rituais pessoais e artísticos. Desenvolvidas por meio de ações e processos repetitivos\, cada pintura emerge como se de uma jornada meditativa\, manifestada através das investigações de Guidi sobre cor\, forma\, textura e material.
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LOCATION:Gagosian\, 541 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sea and Space" de Mary Weatherford na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar Sea and Space\, uma exposição de novas pinturas e trabalhos em papel de Mary Weatherford na localização da galeria na Avenida Madison 980 de 18 de janeiro a 2 de março. \n\n\n\nDominadas pela cor verde\, as novas pinturas de Weatherford fazem referência visual a ambientes arborizados e aquáticos. Algumas delas também reavivam a combinação de imagens empíreas e oceânicas que apareceram em seu trabalho décadas atrás. Há também alusões ao espaço exterior\, um interesse refletido e mantido pelas fotografias da NASA na coleção de Weatherford e por suas visitas ao Planetário Hayden em Nova York. \n\n\n\nO trabalho de Weatherford está enraizado em sua experiência e observação de ambientes urbanos e rurais\, que ela utiliza como estímulos para investigar as propriedades da luz\, cor e gesto. Muitas vezes\, inspirando-se em materiais comuns e orgânicos associados à Arte Povera\, ela também estudou pintores abstratos americanos das décadas de 1950 e 1960\, como Helen Frankenthaler e Kenneth Noland. Além disso\, Weatherford incorporou materiais adicionais\, como conchas\, esponjas\, tampas de garrafa e luzes neon\, conferindo às suas pinturas ilusões espaciais e um espírito de indagação existencial.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/sea-and-space-de-mary-weatherford-na-gagosian/
LOCATION:Gagosian Madison Avenue\, 980 Madison Avenue\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Por que vocês não sabem do lixo ocidental?" de Jaime Lauriano na Nara Roesler
DESCRIPTION:A Nara Roesler Nova York tem o prazer de apresentar Por que vocês não sabem do lixo ocidental?\, primeira individual de Jaime Lauriano nos Estados Unidos\, com curadoria de Igor Simões. A mostra reúne em torno de dez trabalhos\, entre pinturas e esculturas e um vídeo que são recentes desdobramentos da pesquisa do artista\, desenvolvidos principalmente ao longo do último ano.  \n\n\n\nCom título extraído do primeiro verso da canção Para Lennon e McCartney\, de Milton Nascimento\, a exposição tem como foco trabalhos que se debruçam sobre a formação do imaginário da sociedade brasileira. Numa perspectiva decolonial\, Lauriano trabalha sobre questões da atualidade sempre levando em conta o passado da sociedade brasileira e latino americana\, fundadas na exploração colonial e na escravidão\, expondo uma realidade contemporânea profundamente violenta e desigual. De forma a entender poeticamente essa conjuntura histórica\, o artista revisita elementos visuais que ajudaram a criar essa situação\, indo desde grandes pinturas da Arte brasileira até imagens cotidianas de grande circulação\, muitas delas aparentemente “inofensivas”\, tais como brinquedos e stickers\, mas que carregam implícitas enorme carga de violência histórica.  \n\n\n\nNos trabalhos de natureza pictórica\, o artista insere sobre uma tela vários elementos presentes na visualidade popular\, que vão desde imagens de natureza colonial\, até aquelas associadas a religiões de matriz afro-brasileira. Através dessas obras\, Jaime Lauriano opera uma espécie de ressignificação\, com elementos como a palavra “Ax锹\, ou figuras sagradas como o Preto Velho²\, atuando contra a violência colonial e trazendo proteção espiritual.  \n\n\n\nTambém estão presentes alguns trabalhos recentes de natureza cartográfica. Mapas são um elemento amplamente empregado em processos de invasão e esquadrinhamento de territórios subordinados. Nessas obras\, contudo\, o artista executa esses mapas por meio da pemba\, giz utilizado em territórios de religiões afro-brasileiras. Ao mesmo tempo em que ele insere em seus mapas territórios e nomes associados à cartografia histórica\, acrescenta também objetos e signos visuais associados ao colonialismo\, ao racismo e à violência contemporânea.  \n\n\n\nInvasão de Pedro Álvares Cabral em Porto Seguro em 1500 também é um desdobramento de uma pesquisa que Jaime Lauriano vem realizando desde 2022. Neste grupo de trabalhos\, o artista faz uma releitura de pinturas acadêmicas produzidas entre a segunda metade do Século XIX e início do Século XX\, que representam de forma idealizada fatos da História do Brasil\, em geral colocando agentes colonizadores em poses heróicas. A tela do trabalho em questão é uma pintura datada de 1900\, pintada por Oscar Pereira da Silva\, que representa a chegada dos primeiros portugueses ao que viria hoje ser o território brasileiro. Jaime esvazia a cena de pessoas e personagens\, mantendo apenas o cenário e inserindo nele uma profusão de stickers\, que ora aludem a violência colonial\, ora a elementos de resistência. Acima\, na moldura\, miniaturas de soldados e figuras populares ligadas a religiões de matriz afro\, como o Zé Pilintra³\, aparecem dispostos de maneira a simular um combate.  \n\n\n\nPadrão dos Descobrimentos discute sobre a colonização portuguesa de maneira mais ampla\, revisitando para isso o monumento de mesmo nome situado na cidade de Lisboa\, projetado na década de 1940\, cujo objetivo é o de homenagear os envolvidos na expansão marítima portuguesa e na construção do Império Colonial daquele país. Aqui\, contudo\, o imponente marco é reduzido a uma miniatura de latão fundido\, cujo material foi extraído de cartuchos de munições recolhidos em áreas de conflito do Brasil\, mostrando que o feito celebrado em Portugal foi responsável por criar conflitos até hoje existentes mundo afora.  \n\n\n\nA mostra também conta com o filme Cantando na Chuva\, de 2023\, que consiste no primeiro trabalho do artista em linguagem cinematográfica. Nesse filme\, realizado em parceria com o Coletivo Legítima Defesa\, o artista faz uma releitura do clássico de mesmo nome estrelado por Gene Kelly\, porém usando como ponto de partida um episódio de violência racial ocorrido no Rio de Janeiro em 2018\, no qual um homem negro foi assassinado pela polícia após ter um guarda chuva que portava confundido por esses últimos com um fuzil. \n\n\n\nNas palavras de Igor Simões\, curador da exposição: “Essa exposição existe\, exatamente porque vocês não querem saber do lixo que foi\, simultaneamente\, rastro e lastro da experiência de um continente fundado a partir da colonização.” \n\n\n\n¹ Axé: palavra em idioma Iorubá (língua africana originária da região da Nigéria) que significa “energia”\, “poder” ou “força”. \n\n\n\n² Preto Velho: entidade presente na Umbanda (religião de matriz africana originada no Brasil) que consiste em um espírito que se manifesta sob o arquétipo de um idoso africano. Associados a sabedoria\, ternura e paciência\, trazem amor e esperança para aqueles que protegem. \n\n\n\n³ Zé Pilintra: Entidade presente em religiões de matriz afro-brasileiras\, considerado o espírito patrono de bares\, locais de jogo e sarjetas\, por vezes associado a malandragem.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/por-que-voces-nao-sabem-do-lixo-ocidental-de-jaime-lauriano-na-nara-roesler/
LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:Cindy Sherman na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A proeminente artista americana Cindy Sherman revela pela primeira vez nos Estados Unidos seu mais recente conjunto de obras na localização da Hauser & Wirth na Wooster Street\, na cidade de Nova York. A exposição apresenta aproximadamente 30 novos trabalhos e marca o retorno de Sherman ao histórico distrito de SoHo\, onde\, no final dos anos 1970\, ela estreou suas agora icônicas Untitled Film Stills no espaço sem fins lucrativos Artists Space\, lançando uma carreira que a estabeleceu como uma das artistas mais reconhecidas e influentes de nosso tempo. O trabalho inovador de Sherman tem explorado temas de representação e identidade na mídia contemporânea por mais de quatro décadas. Desde o início dos anos 2000\, ela tem construído personagens usando manipulação digital\, refletindo sobre o senso de identidade cada vez mais fragmentado na sociedade do século 21 e continuando uma exploração artística que encapsulou de forma única sua obra desde o início de sua carreira.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/cindy-sherman-na-hauser-wirth-ny/
LOCATION:Hauser & Wirth Wooster Street\, 134 Wooster Street\, Nova York\, NY
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Hello Thank You Come In: 50th Anniversary Members Exhibition" no Center of Book Arts
DESCRIPTION:Hello Thank You Come In: 50th Anniversary Members Exhibition no Center for Book Arts é uma celebração do meio século de dedicação do centro às artes do livro. Esta exposição homenageia tanto a história do centro quanto o talento da sua comunidade de membros artistas\, apresentando uma variedade de obras que incluem desde livros de artistas até publicações que incorporam técnicas inovadoras e materiais não convencionais como tecido\, objetos encontrados e materiais de arquivo. Ao mesmo tempo que desafiam a forma tradicional do livro\, essas obras também prestam tributo a ele\, refletindo a evolução e a diversidade das artes do livro no decorrer dos anos. A escolha do nome da exposição\, inspirada em uma fotografia histórica da primeira sede do centro\, sublinha a importância da comunidade e da hospitalidade no coração das atividades do Center for Book Arts ao longo das décadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/hello-thank-you-come-in-50th-anniversary-members-exhibition-no-center-of-book-arts/
LOCATION:Center for Book Arts\, 28 W 27th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Averno" e "Big Sky" na Almine Rech
DESCRIPTION:A exposição intitulada Averno\, de Sasha Ferré busca explorar a temática do limiar entre mundos\, inspirando-se no mitológico Lago Averno na região de Nápoles\, descrito pelo autor romano Virgílio\, em seu poema Eleida\, como a entrada para o submundo. Essa escolha de nome reflete uma intenção de criar um espaço de exposição que evoca mistério\, tranquilidade e introspecção\, semelhante a um refúgio subterrâneo onde o ambiente pode ser meticulosamente controlado e personalizado. A exposição promete uma experiência imersiva que convida à reflexão sobre temas de transição\, liminaridade e o desconhecido. \n\n\n\nPor outro lado\, Big Sky é uma exposição de Daniel Gibson que apresenta uma série de pinturas inspiradas nas vastas paisagens do alto deserto do sudoeste americano. Esta exposição explora a interação entre o céu e a terra\, ancorando-se no horizonte onde ambos se encontram. Através desta série\, Gibson convida o espectador a um jogo de perspectiva entre os reinos terrenos e celestiais\, oferecendo uma reflexão sobre a busca humana por significado\, sonhos e respostas nos espaços entre a realidade tangível e o etéreo.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/averno-e-big-sky-na-almine-rech/
LOCATION:Almine Rech | Tribeca\, 361 Broadway\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"The Wanda Coleman Songbook" de Cauleen Smith na 52 Walker
DESCRIPTION:A David Zwirner apresenta a exposição\, The Wanda Coleman Songbook\, que apresentará o trabalho da artista com base em Los Angeles\, Cauleen Smith (nascida em 1967). \n\n\n\nThe Wanda Coleman Songbook é uma instalação de vídeo imersiva que utiliza aroma\, visão e som para explorar a profundidade multidimensional dos poemas de Wanda Coleman (1946–2013). Coleman era amplamente considerada a poetisa laureada não oficial de Los Angeles\, e seu trabalho guiou o reencontro de Smith com a cidade após uma ausência de dezesseis anos. No centro da sala de audição de The Wanda Coleman Songbook\, os visitantes são convidados a colocar uma agulha no EP de vinil colorido de 12 polegadas com edição limitada\, intitulado com o mesmo nome\, com contribuições comissionadas por Kelsey Lu\, Shala Miller\, moor mother e Aquiles Navarro\, Meshell Ndegeocello\, Jeff Parker e Ruby Parker\, Alice Smith e Jamila Woods e Standing on the Corner.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/the-wanda-coleman-songbook-de-cauleen-smith-na-david-zwirner/
LOCATION:52 Walker\, 52 Walker St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Emilija Škarnulytė: Æqualia" no Canal Projects
DESCRIPTION:Æqualia é uma nova instalação imersiva da artista nascida na Lituânia\, Emilija Škarnulytė\, co-comissionada pelo Canal Projects e pela 14ª Bienal de Gwangju. Nesta peça\, Škarnulytė nada pelo Encontro das Águas em Manaus\, Brasil\, como uma sereia chamada Æqualia. O Encontro das Águas é a confluência onde o Rio Solimões e o Rio Negro dão origem ao Rio Amazonas. \n\n\n\nAs águas leitosas do Rio Solimões\, originadas do derretimento das geleiras\, turvas com sedimentos e argilas ricas em nutrientes dos Andes\, encontram o fluxo negro e pesado do Rio Negro\, escuro devido à decomposição das florestas tropicais de terras baixas\, quente e hipóxico. A diferença acentuada de temperatura e composição faz com que os dois rios permaneçam distintos em cor\, temperatura e perfil químico por um trecho de seis quilômetros\, antes de finalmente se fundirem. \n\n\n\nA instabilidade fluida dos rios é resultado das diferenças de velocidade e viscosidade. Eles se unem em redemoinhos fractais ao longo dos pontos de encontro – um fenômeno semelhante pode ser visto em outros ambientes diversos e dinâmicos\, que vão desde o Ponto Vermelho de Júpiter até formações de nuvens fluctus\, até os cachos de uma fina camada de óleo sobre a superfície de uma panela de água fervente. Em Æqualia\, esses redemoinhos fractais se constroem e aceleram até que os dois fluxos se tornem um. \n\n\n\nA bacia do rio é o lar dos botos cor-de-rosa do Rio Amazonas (Inia geoffrensis geoffrensis)\, conhecidos localmente como botos. Os botos usam seu aguçado senso de ecolocalização para navegar tanto nas águas mais frias do Rio Solimões quanto nas águas quentes e opacas do Rio Negro\, movendo-se entre os dois com facilidade. Nadando ao lado dos botos\, Škarnulytė incorpora a sereia Æqualia – uma figura quimérica – que existe na interseção de múltiplos reinos. Ela dissolve perfeitamente as fronteiras entre o humano\, o não humano e o transcendental\, fundindo elementos científicos e mitológicos em uma única força híbrida e vibrante. \n\n\n\nAté outubro de 2023\, dentro de um ano após a conclusão das filmagens de Æqualia\, o Encontro das Águas secou devido a secas excessivas\, levando à morte em massa dos botos. Encarnando-se como uma sereia – metade peixe\, metade pessoa – Škarnulytė revela as repercussões da arrogância humana. Através de sua encarnação\, ela apresenta visões que se estendem além dos limites perceptuais de nossa espécie\, instigando reflexões sobre as consequências de nossas ações. \n\n\n\nContinuando seu compromisso em apoiar projetos de artistas que permitem ao público refletir sobre as consequências visuais e materiais da globalização e de suas economias extrativistas\, o Canal Projects organizará programas públicos em parceria com o Projeto More Than Human Rights (MOTH) na Universidade de Nova York para lançar luz adicional sobre os locais e temas da exposição de Škarnulytė. Essa colaboração trará vozes especializadas da Amazônia e continuará a criar espaços para a produção colaborativa de conhecimento e a promoção da justiça ambiental.
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LOCATION:Canal Projects\, 351 Canal St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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