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SUMMARY:"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção\, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias\, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social\, no qual as técnicas artísticas\, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados\, sem estar preso a uma cronologia rígida\, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero\, classe\, trabalho\, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade\, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet\, Gustave Courbet\, Berthe Morisot\, Francisco Oller\, Henri Matisse\, Pablo Picasso\, Yves Tanguy\, Vasily Kandinsky\, entre outros.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Richard Avedon no The Met Museum
DESCRIPTION:Em 1969\, Richard Avedon estava em uma encruzilhada. Após um hiato de cinco anos\, o fotógrafo voltou a fazer retratos\, desta vez com uma nova câmera e um novo senso de escala. Trocando seu Rolleiflex portátil por um dispositivo maior montado em um tripé\, ele reinventou a dinâmica de seu estúdio. Ao invés de dançar em torno de seus assuntos por trás de um visor\, como fazia em suas fotos enérgicas de moda\, ele agora podia ficar ao lado de uma câmera estacionária e encará-los de frente. Enfrentando grupos de artistas\, ativistas e políticos proeminentes da época\, ele criou enormes retratos fotomurais\, condizentes com sua influência cultural descomunal. No centenário do nascimento do fotógrafo\, Richard Avedon: MURALS reunirá três dessas obras monumentais\, algumas com até 35 pés de largura. Para Avedon\, os murais expandiram as possibilidades artísticas da fotografia\, reorientando radicalmente espectadores e temas em uma visão ampla e abrangente. Os murais são retratos da sociedade. Neles\, Avedon reúne gigantes do final do século XX (membros da Factory de Andy Warhol\, arquitetos da guerra do Vietnã e manifestantes contra essa guerra) que juntos moldaram uma era extraordinariamente turbulenta da vida americana. Apresentados em uma galeria\, seus enormes retratos encenarão uma conversa improvável entre campos historicamente opostos\, bem como espectadores contemporâneos. As inovações formais do alto estilo de Avedon – corpos fortemente iluminados em um fundo branco impiedoso – são melhor realizadas nessas obras\, onde os personagens se juntam e aglomeram o quadro\, e vazios brilhantes entre eles estalam em contraste. Unindo os murais com projetos contemporâneos\, a exposição acompanha a abordagem evolutiva de Avedon para o retrato de grupo\, por meio do qual ele transformou as convenções deste gênero fotográfico.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/richard-avedon-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Cecily Brown no The Met Museum
DESCRIPTION:Há mais de vinte e cinco anos\, Cecily Brown (nascida em 1969) tem fascinado espectadores com cores suntuosas\, pinceladas ousadas e narrativas complexas relacionadas a alguns dos temas mais grandiosos e antigos da história da arte ocidental. Após se mudar de Londres para Nova York na década de 1990\, ela ressuscitou a pintura para uma nova geração\, juntamente com um punhado de outros artistas\, muitas delas mulheres\, exatamente no momento em que os críticos questionavam sua importância e relevância. A primeira exposição completa institucional sobre o trabalho de Brown em Nova York desde que ela se estabeleceu na cidade\, Cecily Brown: Death and the Maid reúne cerca de cinquenta pinturas\, desenhos\, cadernos de esboços e monotipias de diferentes momentos de sua carreira para explorar os temas entrelaçados de natureza-morta\, memento mori\, reflexão e vanitas – representações simbólicas da vaidade humana ou da brevidade da vida – que impulsionaram sua prática dinâmica e impactante por décadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/cecily-brown-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/amalia-mesa-bains-archaeology-of-memory-no-el-museo-del-barrio/
LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Listen Until You Hear" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:O que significa aceitar e se relacionar com a experiência desconhecida de outra pessoa ou entender o que só conhecemos através da intuição ou sentimento? Como realmente nos ver e ouvir afeta nossos relacionamentos e histórias? Listen Until You Hear é um convite ao público para estar presente\, abordando a fotografia\, o cinema\, a escultura e a performance em exibição\, com curiosidade e conscientização intencional. Cada um dos artistas expositores explora a ideia de ouvir como cura\, com trabalhos profundamente pessoais\, políticos e imaginativos através de uma variedade de mídias. O uso da representação pelos artistas é uma investigação sobre o que não é visto nem ouvido e destaca como o significado e o valor são moldados por nossa capacidade de nos ouvir e ouvir os outros. Esta exposição explora como formas mais profundas de ouvir podem levar a uma maior conscientização e conexão com nós mesmos e com o mundo ao nosso redor. Os artistas desta exposição refletem sobre a complexidade da vida\, visualizando temas que incluem liberdade\, família\, amor\, dor\, sobrevivência e futuro.
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LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Encounter: Barbara Chase-Riboud/Alberto Giacometti" no MoMA
DESCRIPTION:“Tudo estava coberto de gesso – as paredes\, os pisos\, o teto – e a primeira vez que o vi\, ele mesmo era uma múmia egípcia ambulante\, totalmente branca\, coberta de gesso branco”\, lembrou Barbara Chase-Riboud\, nascida na Filadélfia\, sobre sua visita em 1962 ao estúdio de Montparnasse do escultor suíço Alberto Giacometti. Foi o primeiro encontro entre dois expatriados de diferentes gerações\, que haviam feito de Paris seu lar. A última vez que se encontraram foi em Milão alguns anos depois\, pouco antes da morte de Giacometti. The Encounter: Barbara Chase-Riboud/Alberto Giacometti explora o terreno comum entre dois escultores que buscaram inspiração no passado para reimaginar a arte de seu tempo. Em suas esculturas\, tanto Chase-Riboud quanto Giacometti retornaram repetidamente à forma humana. Giacometti frequentemente começava com argila\, modelando suas obras à mão antes de fundi-las em gesso. Chase-Riboud\, que também se tornou uma aclamada poetisa e romancista\, preferia o antigo método de fundição em cera perdida para suas esculturas em bronze\, combinando-as com fibras trançadas e entrelaçadas\, lã ou seda. Esta exposição inclui cinco esculturas de gesso (que estão viajando para os Estados Unidos pela primeira vez) da icônica série Femmes de Venise (Mulheres de Veneza)\, feitas por Giacometti para a Bienal de Veneza de 1956\, juntamente com obras de toda a carreira de sete décadas de Chase-Riboud. Suas primeiras esculturas em bronze\, como The Couple (1963)\, aparecerão junto com outras obras da década de 1970\, incluindo All That Rises Must Converge (1973)\, incorporando a ideia de Chase-Riboud de que “a escultura não deve ficar parada”.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Something Beautiful" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Something Beautiful: Reframing La Colección é a apresentação mais ambiciosa do Museu del Barrio em mais de duas décadas\, exibindo sua coleção permanente única\, complexa e culturalmente diversa. Organizada por Rodrigo Moura\, Curador-Chefe; Susanna V. Temkin\, Curadora; e Lee Sessions\, Curador Associado da Coleção Permanente\, a exposição apresentará aproximadamente 500 obras de arte\, incluindo novas aquisições e comissões de artistas\, por meio de exibições rotativas ao longo de um ano. Something Beautiful atravessa categorias tradicionais de cronologia\, geografia e mídia\, reconsiderando a Coleção por meio de novas abordagens interdisciplinares enraizadas na história e legado fundamental do Museu del Barrio. Esse modelo inovador concentra-se na contribuição das culturas ameríndia\, africana e europeia como base da produção visual nas Américas e no Caribe. A primeira rotação da mostra é organizada em oito seções\, além de sete destaques de artistas. Temas e motivos reaparecem entre as seções para criar uma conversa maior ao longo da exposição. As seções incluem: Ocama Aracoel: espíritos e formas taínos e sua influência no movimento de arte Nuyorican; Visões Cósmicas: artistas indígenas e não indígenas evocando línguas\, paisagens e outras referências culturais ameríndias; Primeiras Impressões: foco em aquisições iniciais e no portfólio gráfico na gravura porto-riquenha; El Barrio: diferentes facetas da vida em East Harlem e outros bairros de Nova York\, especialmente em torno do degrau\, da calçada e da bodega; A Rua se Transforma: intervenções de artistas e ativistas no espaço público; Pathos\, Esperança\, Glória: retratos trans-históricos e autorretratos de artistas que refletem a diversidade da experiência latinx; Vestido/Despido: obras de arte que exploram\, exageram e desconstroem o que significa ser homem\, mulher\, nenhum ou ambos; e Abstracionistas: o protagonismo das mulheres na arte abstrata\, tradições matrilineares\, oticalidades e a moldura da realidade por meio da abstração. Os destaques dos artistas apresentarão as obras de Jorge Soto Sánchez; Alejandro Diaz; Papo Colo; Antonio Lopez; e Myrna Baez.
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SUMMARY:"Before Technicolor: Early Color on Film" no MoMA
DESCRIPTION:Os primeiros filmes coloridos foram feitos por volta de 1895\, quando corantes sinteticamente produzidos transformaram a natureza das cores em meios como cartões-postais\, lâminas de lanternas mágicas e tecidos. Para os espectadores e críticos da época\, a cor adicionada aos filmes em preto e branco era um atrativo “efeito especial”. Nas décadas anteriores à comprovação de que a Technicolor era capaz de reproduzir um espectro completo de cores mais próximo das do mundo real\, os coloristas se entregavam às possibilidades imaginativas das técnicas disponíveis para eles. Longe de ser uma conclusão óbvia\, a cor no cinema era um detalhe\, uma oportunidade para a arte e a experimentação. Escrevendo em 1931\, o cineasta e historiador Paul Rotha chegou ao ponto de afirmar que a cor “é desnecessária no cinema dramático teatral” e “definitivamente diminui o apelo”. A cor\, continuou ele\, “sempre deve permanecer uma especulação do ponto de vista comercial… um elefante branco para a mídia cinematográfica”. Recordando essa “história esquecida”\, esta instalação da galeria apresenta nove obras cinematográficas da coleção do MoMA e introduz uma série de sistemas primitivos que foram usados para reproduzir cor no celulóide. Focado em filmes produzidos nos Estados Unidos e na França do meio dos anos 1890 ao meio dos anos 1930\, a exposição apresenta uma série de filmes de dança Butterfly e Serpentine coloridos à mão dos anos 1890; os filmes L’Antre Infernal (1905) e La voix du rossignol (1923) coloridos por estêncil; testes experimentais da Technicolor (1933-1935)\, incluindo um com a atriz Katherine Hepburn como Joana d’Arc; e Sunshine Gatherers (1921)\, um anúncio de frutas enlatadas filmado em cor Prizma. Restaurados digitalmente pelo Departamento de Cinema em 2019\, esses são alguns dos trabalhos mais cativantes adquiridos pela Film Library do Museu por ocasião de sua fundação nos anos 1930.
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SUMMARY:Nicolas Party e Rosalba Carriera no The Frick Collection
DESCRIPTION:The Frick Collection apresenta uma instalação site-specific do artista suíço Nicolas Party (nascido em 1980) que combina o retrato de Rosalba Carriera intitulado Portrait of a Man in Pilgrim’s Costume [Retrato de um Homem com Traje de Peregrino] com um conjunto de obras de giz pastel criadas pelo próprio Party. A instalação\, nas Italian Galleries do terceiro andar da casa temporária do museu\, o Frick Madison\, justapõe o retrato de Rosalba Carriera\, um espetacular pastel do século XVIII doado ao Frick em 2020 por Alexis Gregory\, com um conjunto de obras de Party\, todas criadas usando pastel. A instalação coloca três retratos – um de Rosalba e dois de Party – no contexto de três murais efêmeros de pastel que representam faixas de tecido inspiradas no trabalho dos artistas do século XVIII Jean-Étienne Liotard e Maurice-Quentin de La Tour.
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SUMMARY:"Africa Fashion" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:À medida que grande parte da África conquistou sua independência na metade do século XX\, uma onda de expressão criativa libertada varreu o continente — e sua evolução não parou desde então. Apresentando uma impressionante variedade de vestimentas ao lado de música\, arte visual e muito mais\, a exposição Africa Fashion celebra a engenhosidade e o impacto global das modas africanas desde a década de 1950 até os dias de hoje. Obras de designers e artistas icônicos iluminam o papel fundamental da moda no renascimento cultural da África\, que lançou as bases para uma contínua revolução na moda. Fazendo sua estreia na América do Norte em Brooklyn\, Africa Fashion é a maior apresentação já realizada sobre o assunto: mais de 180 obras\, incluindo peças destacadas das coleções do museu. Organizada de forma temática\, essa experiência multisensorial apresenta exposições imersivas de alta costura e roupas prontas para uso\, além de fotografias\, literatura\, esboços\, música\, filmes e imagens de passarelas\, têxteis e joias. Mais de quarenta designers e artistas de vinte países africanos estão representados\, desde os vanguardistas que primeiro ganharam reconhecimento mundial\, como Kofi Ansah (Gana) e Shade Thomas-Fahm (Nigéria)\, até a mais nova geração de criativos de ponta\, como Thebe Magugu (África do Sul) e Gouled Ahmed (Djibouti). Muitas de suas obras estão sendo exibidas pela primeira vez nos Estados Unidos. Sendo lar de uma das comunidades africanas diaspóricas mais dinâmicas do país\, Brooklyn é o cenário perfeito para explorar as diversas histórias e culturas da África. Os visitantes podem participar compartilhando fotos contemporâneas e vídeos curtos nas redes sociais\, que poderão ser apresentados nos canais do Museu de Brooklyn.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Inheritance” no Whitey Museum
DESCRIPTION:A exposição Inheritance [Herança] traça os impactos profundos das heranças e do passado ao longo das linhas familiares\, históricas e estéticas. Apresentando novas aquisições e obras raramente vistas da coleção do Whitney de quarenta e três artistas de destaque\, a exposição inclui pinturas\, esculturas\, vídeos\, fotografias e instalações de mídia baseada no tempo desde os anos 1970 até hoje. Essa diversidade de obras considera o que foi transmitido e como pode se transformar\, mudar ou viver novamente. Tendo como inspiração o filme de 2020 de Ephraim Asili\, com o mesmo título\, Inheritance reflete sobre múltiplos significados da palavra\, sejam eles celebratórios ou dolorosos\, de uma era\, pessoa ou ideia para a próxima. A exposição adota uma abordagem em camadas para contar histórias\, entrelaçando narrativa com experiências documentais e pessoais com eventos históricos e geracionais. Um grupo de obras que examina o ciclo do nascimento à morte abre a exposição\, enquanto outras galerias abordam diferentes tipos de linhagens\, como o modo como os artistas se apropriam e recriam a história da arte ou desenrolam legados de violência racializada e suas recorrências. O poeta Rio Cortez fala sobre ser “enquadrado pelo nosso conhecimento futuro” – mesmo quando estamos neste momento\, deslizamos para trás e para frente no tempo\, entre nossas antepassadas e os descendentes que nunca conheceremos. Em vez de aceitar passivamente nosso estado atual\, os artistas cujo trabalho está exposto aqui perguntam: Como chegamos aqui\, como indivíduos e como sociedade\, e para onde estamos indo?
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/inheritance-no-whitey-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Projects: Dineo Seshee Bopape" no MoMA
DESCRIPTION:O que nossos oceanos lembram? A movimentação dos continentes? Cardumes migratórios de peixes e mamíferos? O movimento dos navios transportando pessoas escravizadas pelo Atlântico? O sopro daqueles que buscavam liberdade? Essas perguntas impulsionam a instalação de som e vídeo de múltiplos canais de Dineo Seshee Bopape intitulada Lerato laka le a phela le a phela le a phela/My love is alive\, is alive\, is alive (2022). Radicada na África do Sul\, Bopape combina vídeo\, som e materiais naturais em suas obras\, considerando como as histórias sociais\, políticas e espirituais da diáspora africana habitam o mundo físico ao nosso redor. Lerato laka le a phela presta homenagem aos 12 milhões de pessoas escravizadas que cruzaram o Atlântico – aqueles que sobreviveram e aqueles que fugiram para as águas em busca de refúgio. Através de três telas\, a artista é vista submergindo as mãos e colocando frutas\, flores e várias oferendas no Oceano Pacífico e no Mar do Caribe\, próximo à costa da Jamaica. Elementos de áudio são incorporados por meio da percussão ritmada da água por Bopape e de sua cantoria em sua língua materna\, Sepedi. A obra foi inspirada nas costas marcadas por chicotadas de um homem afro-americano conhecido apenas como Peter (anteriormente erroneamente chamado de Gordon)\, que escapou da escravidão americana no século XVIII e cuja história de resiliência espiritual continua sendo contada por meio de uma fotografia amplamente divulgada. Projetados em uma superfície de calcário\, os vídeos estão cercados por um anel de pedras. Uma lavagem de solo foi aplicada nas paredes da galeria. Ao unir solo\, rocha\, argila e água\, a obra permite que múltiplas linhas do tempo – geológica\, histórica e pessoal – convirjam no presente. Para Bopape\, essa conexão com o mundo físico é uma investigação da memória coletiva: “É um ato de rebeldia espiritual e política lembrar – não esquecer o que se está sendo solicitado a esquecer”.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/projects-dineo-seshee-bopape-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ilana Savdie: Radical Contractions" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Ilana Savdie (nascida em 1986\, criada em Barranquilla\, Colômbia\, e Miami\, Flórida; com base em Brooklyn\, Nova York) explora temas de performance\, transgressão\, identidade e poder em suas vibrantes pinturas em grande escala. Suas telas reúnem fragmentos em composições detalhadas e fluidas que pulsam com cores extravagantes. Formas abstratas se juntam\, fundem-se e se mesclam para criar um excesso tumultuado. No cerne de suas pinturas\, Savdie busca desmantelar ideias de identidade binária ou fixa e abraçar a performance como uma ferramenta transformadora. Para esta exposição\, Savdie apresentará alguns de seus trabalhos mais recentes\, incluindo pinturas e desenhos\, bem como novas obras produzidas especialmente para o Whitney. Inspirando-se em uma variedade de temas e ambientes como material de origem\, como as celebrações do Carnaval que ocorrem em Barranquilla\, Colômbia\, Savdie explora texturas e formas variáveis de criação de marca em cada uma de suas amplas telas. Combinando áreas de cor manchada e borrada com pinceladas visíveis e marcadas ou traços suaves e de bordas definidas\, ela utiliza acrílico\, óleo e cera de abelha em pinturas caracterizadas por sua ilusão onírica\, mas enraizadas no corpo físico. Essa exposição estará em exibição na galeria do lobby do museu\, que é acessível ao público gratuitamente\, como parte do compromisso contínuo do Whitney Museum em apoiar e apresentar o trabalho mais recente de artistas emergentes americanos. Ilana Savdie: Radical Contractions é co-curada por Marcela Guerrero\, Curadora da Família DeMartini\, e Angelica Arbelaez\, Bolsista da Família Rubio Butterfield no Whitney Museum of American Art.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Women’s Work" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:O que é o “trabalho das mulheres”? Como as amplas tendências na história econômica\, legal e política dos Estados Unidos incentivaram as mulheres a assumirem certos empregos e as restringiram do “trabalho dos homens”? Como raça\, etnia\, classe social\, status legal\, orientação sexual e apresentação de gênero impactaram essas distinções? \n\n\n\nEm uma nova exposição\, o Centro de História das Mulheres destaca aproximadamente 45 objetos das próprias coleções do Museu e Biblioteca de Nova York para demonstrar como o “trabalho das mulheres” não se encaixa em categorias. Os itens vão desde um berço de mogno do século XIX até um kit de dissecação de médico do século XX\, e ainda\, um botão de alfinete com a mensagem “Shirley Chisholm for President”. A exposição busca mostrar que o trabalho das mulheres tem sido essencial para a sociedade americana e é inherentemente político: o trabalho das mulheres está em todos os lugares. Curada pela equipe curatorial do Centro de História das Mulheres e seus colaboradores.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/womens-work-no-new-york-historical-society/
LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Trust Me" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Selecionada do acervo do Whitney\, Trust Me reúne obras fotográficas que convidam à experiência emocional compartilhada. Os artistas na exposição abraçam a intuição e a indeterminação como parte de seu processo criativo e reconhecem que a vulnerabilidade\, normalmente associada à impotência e exposição\, pode desempenhar um papel na formação de conexões. Retratando laços familiares e ancestrais\, amizade\, parceria romântica e outras redes de influência e troca\, essas fotografias tornam essa conexão visível – na imagem e muitas vezes além dela – evocando as vidas e amores sobrepostos dos criadores\, espectadores e cuidadores das obras. \n\n\n\nA exposição apresenta um grupo intergeracional de artistas: Laura Aguilar\, Genesis Báez\, Alvin Baltrop\, Jenny Calivas\, Moyra Davey\, Lola Flash\, Barbara Hammer\, Muriel Hasbun\, Dakota Mace\, Mary Manning e D’Angelo Lovell Williams. Muitas de suas imagens não incluem pessoas\, mas oferecem reflexões sobre os ambientes e experiências cotidianas\, com objetos frequentemente representando aspectos íntimos das vidas dos artistas. Precisamente encenadas ou em resposta a encontros fortuitos\, essas imagens encorajam uma atenção cuidadosa. \n\n\n\nAlém de abordar temas de vulnerabilidade\, os artistas na exposição escolheram um meio precário. As fotografias emergem por meio de combinações de luz\, produtos químicos\, tempo e acaso\, e\, no entanto\, esses mesmos elementos também podem empurrar uma imagem para além da legibilidade. Muitos dos artistas estabelecem paralelos entre a contingência material e emocional\, e acolhem acidentes\, imperfeições e o inesperado. Apostando no poder das imagens de transmitir sentimentos profundos\, as obras em Trust Me oferecem espaço para capacidade expandida\, reciprocidade e aprendizado.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/trust-me-no-whitney-museum/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Only the Young: Experimental Art in Korea\, 1960s–1970s" no Guggenheim
DESCRIPTION:A exposição Only the Young: Experimental Art in Korea\, 1960s–1970s examina o corpo inovador e desafiador de produção artística de uma época de transformação notável na Coreia do Sul. Criadas por jovens artistas que amadureceram nas décadas imediatamente após a Guerra da Coreia\, as obras refletem e respondem às mudanças nas condições socioeconômicas e materiais que foram moldadas por um cenário político tumultuado em casa e por um mundo globalizado além das fronteiras. Esta é a primeira exposição de arte experimental coreana (silheom misul) em um museu da América do Norte\, dedicada aos seus artistas\, cuja abordagem radical aos materiais e ao processo resultou em algumas das práticas mais significativas da vanguarda do século XX. \n\n\n\nAbrangendo três galerias e apresentando aproximadamente oitenta obras\, esta exposição oferece uma oportunidade sem precedentes para experimentar a criatividade e a amplitude dessa geração de artistas coreanos. Não ligados a uma única estética\, mas sim à busca pelo novo\, esses jovens artistas lançaram o que mais tarde seria chamado de “arte experimental” pelo historiador de arte Gim Mi-gyeong no início dos anos 2000. Tanto individualmente quanto em coletivos\, os artistas experimentais romperam definitivamente com seus predecessores\, redefinindo os limites da pintura e da escultura tradicionais enquanto abraçavam abordagens inovadoras e muitas vezes provocativas para a criação artística. Representando uma variedade de meios\, incluindo performance\, instalação\, fotografia e vídeo\, as obras expostas ilustram como os artistas experimentais lidaram com questões urgentes\, como a subjetividade na era da rápida modernização e globalização\, e a vontade individual às margens de um estado cada vez mais autoritário. O que emerge é a história de como esses jovens artistas coreanos aproveitaram o poder da arte para confrontar e reimaginar um presente em constante mudança.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"20 years" de Daniel Arsham na Perrotin
DESCRIPTION:A Perrotin apresenta duas exposições individuais de obras de Daniel Arsham em Paris e Nova York\, em homenagem ao 20º aniversário da colaboração do artista com Emmanuel Perrotin. Arsham irá estrear várias séries de obras que se inspiram na evolução de sua prática artística ao longo das duas últimas décadas. Renomado por transformar visualmente objetos culturais em artefatos sutilmente erodidos\, Arsham destaca o poder da nostalgia ao mesclar passado\, presente e futuro. Nas próximas exposições\, Arsham voltará ao seu trabalho para examinar e refletir sobre seu duradouro apreço pelas complexidades da materialidade e do espaço. Em 20 years\, Arsham estreia suas séries Split e Anatopism. A série Split utiliza a inteligência artificial para sobrepor imagens de suas esculturas da Antiguidade Clássica a personagens de Anime\, unindo duas formas icônicas de representação de épocas distintas. Em suas pinturas de Anatopism\, Arsham utiliza a linguagem visual da impressão e da animação digital para fazer referência a momentos importantes de sua própria carreira\, incluindo esculturas helênicas\, desenhos de carros erodidos e figuras de Pikachu\, bem como referências a suas colaborações com Porsche e Dior.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/20-years-de-daniel-arsham-na-perrotin/
LOCATION:Perrotin\, 130 Orchard St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Geometria do acaso" de José Patrício na Nara Roesler
DESCRIPTION:Nara Roesler New York apresenta a primeira individual de José Patrício nos Estados Unidos. Reunindo cerca de 15 trabalhos produzidos pelo artista de 2005 a 2023\, a mostra abre ao público no dia 6 de setembro. \n\n\n\nO início da produção artística de José Patrício se deu na década de 1970\, quando seu interesse residia\, em um primeiro momento\, na gravura\, e posteriormente na potencialidade expressiva do papel propriamente dito\, por meio de suas cores\, texturas e arranjos formais na ocupação do espaço compositivo. A partir do final da década de 1990\, contudo\, sua pesquisa passa a se direcionar para materiais industrializados populares e de caráter seriado\, como botões\, peças de dominó\, dados e outros. Através destes elementos\, o artista cria estruturas extremamente sofisticadas que respondem a permutações matemáticas e desdobramentos em série. \n\n\n\nPara sua primeira exposição em Nova York\, José Patrício reuniu uma seleção de trabalhos feitos a partir de pequenas peças de plástico utilizadas em jogos de quebra cabeça e que começaram a ser utilizadas pelo artista nos anos 2000 para suas composições em série. Em trabalhos anteriores\, esses pequenos elementos eram incorporados com suas estampas e desenhos originais\, como objetos encontrados. Porém\, nos últimos anos\, o artista passou a comissionar as mesmas diretamente com a fábrica que as produz\, o que lhe permitiu definir as tonalidades dos padrões dos quebra-cabeças para ampliar o espectro de composição de suas obras. Os possíveis arranjos de combinações tonais são determinados por meio de fórmulas matemáticas e explorados no maior número de possibilidades possíveis. De acordo com o artista\, embora os resultados de seus trabalhos sejam obtidos por meio de operações matemáticas prévias\, a experiência visual proporcionada por eles é imprevisível.  \n\n\n\nA maioria das obras presentes na exposição apresentam variações de tons que vão do preto ao branco\, passando por tons de cinza e azul. O arranjo dessas cores em diferentes sequências tonais torna essas composições profundamente dinâmicas\, com jogos de luminosidade e movimento. Já na série Acumulações Progressivas\, desenvolvida desde 2014\, José Patrício trabalha com peças em cores sem tons intermediários\, resultando em um efeito vibrante causado por intensos contrastes cromáticos. \n\n\n\nA mostra conta também com a série Recipientes\, igualmente desenvolvida com peças de quebra-cabeça\, porém utilizando nas composições seu verso. Nessa parte\, o objeto conta com uma espécie de cavidade\, na qual pode ser inserido tanto um signo visual como algum encaixe\, tornando-se\, portanto\, uma espécie de recipiente que é então preenchido pelo artista com tinta esmalte\, tradicionalmente utilizada nesse tipo de peça. Segundo Patrício\, esse trabalho constitui uma espécie de “pintura expandida”\, uma espécie de base para estes objetos encontrados alterados\, de modo que o verso das peças pode funcionar como recipiente cromático\, enriquecendo as composições.
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LOCATION:Nara Roesler Nova York\, 511 W 21st St Manhattan\, Nova York\, Nova York
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SUMMARY:"Exemplary Modern. Sophie Taeuber- Arp with Contemporary Artists" na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:A Hauser & Wirth New York abre uma exposição especial que coloca em contraste obras-chave da pioneira modernista suíça do início do século XX\, Sophie Taeuber-Arp (1889-1943)\, com obras de três artistas contemporâneos – Leonor Antunes\, Ellen Lesperance e Nicolas Party. ‘Exemplary Modern. Sophie Taeuber-Arp com Artistas Contemporâneos’ destaca a versatilidade e o legado duradouro da mestra suíça da vanguarda. Através das esculturas\, obras em papel e têxteis em exibição\, as práticas de Antunes\, Lesperance e Party ressoam com a de Taeuber-Arp\, enfatizando a diversidade e a influência duradoura de seu radical trabalho interdisciplinar. \n\n\n\nA exposição apresenta exemplos de Taeuber-Arp que destacam seus variados interesses e uso inventivo de materiais. Diferentes séries de composições em papel exemplificam sua atenção meticulosa à interação entre geometria e cor\, uma preocupação formal que informou grande parte de sua prática. Esboços de cenografias mostram a maestria da artista em projetar espaços teatrais\, enquanto uma bolsa de contas em exibição encapsula sua genialidade em dissolver a fronteira entre arte aplicada e belas-artes.Ao situar esses objetos em diálogo com obras novas e recentes de Antunes\, Lesperance e Party\, a exposição revela maneiras pelas quais a carreira multifacetada de Taeuber-Arp e sua excepcional versatilidade continuam a influenciar a arte contemporânea.
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LOCATION:Hauser & Wirth Nova York\, 69th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Fold Me" de Wolfgang Tillmans na David Zwirner
DESCRIPTION:David Zwirner apresenta Fold Me\, a quarta exposição individual de Wolfgang Tillmans na galeria. A exposição atesta a singularidade da visão expansiva de Tillmans e medita sobre a simultaneidade da vida. Fold Me apresenta um conjunto inteiramente novo de obras do artista e segue a importante retrospectiva de Tillmans no Museu de Arte Moderna de Nova York\, no outono de 2022. Intitulada Wolfgang Tillmans: To look without fear\, a pesquisa está atualmente em exibição na Galeria de Arte de Ontário\, em Toronto\, até 1º de outubro de 2023\, e posteriormente viajará para o Museu de Arte Moderna de São Francisco (de 11 de novembro de 2023 a 3 de março de 2024). Uma dobra é um encontro do interior e do exterior\, uma mudança de direção que deixa uma impressão física. Em seu trabalho\, Tillmans convida a interação entre o acaso e o controle\, a reflexão e o acidente\, o processo e o tempo. Ele dobra o mundo de volta para o papel. Em um momento em que a tecnologia de criação de imagens está acelerando em direção a um novo desconhecido\, as imagens de Tillmans em “Dobre-me” confiam calmamente na tradução/filmagem fotográfica do ato de ver: do olho para o papel por meio do uso analógico da câmera digital.
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LOCATION:David Zwirner\, 525 & 533 West 19th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Swamp" de Nicolas Party na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Para sua primeira exposição individual com a Hauser & Wirth na cidade de Nova York\, Nicolas Party transformou o primeiro andar do edifício da galeria na 22nd Street. Novas pinturas a óleo sobre cobre\, composições de gabinetes\, pinturas em pastel que são sua marca registrada\, e dois murais monumentais específicos para o local irão envolver os visitantes na prática de Party. Essa prática celebra e desafia simultaneamente convenções de longa data e queridas da pintura representacional por meio de seu estilo singular e subversivo. \n\n\n\nAo entrar na exposição\, os visitantes se deparam com o primeiro de dois murais expansivos em pastel – uma floresta em chamas. Party é conhecido por conceber suas exposições como ambientes abrangentes\, incorporando intervenções arquitetônicas e estendendo a paleta de suas pinturas pelas paredes brancas da galeria. Aumentando os efeitos poderosos – formais e psicológicos – de seu tema\, Party escolheu inundar as paredes ao redor com um rico tom de bordô. Logo após o mural em pastel\, há um grupo de retratos com figuras enigmáticas acompanhadas de animais que ocultam seus corpos. Essas criaturas foram inspiradas no trabalho da pintora realista francesa radical do século XIX\, Rosa Bonheur\, um ícone da independência feminina que colocou o mundo animal no centro de sua vida e obra\, colocando os animais no centro de sua prática.
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SUMMARY:"The Big Sweep" de Ed Clark na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Dois andares inteiros do prédio da Hauser & Wirth na 22nd Street\, em Nova York\, são dedicados a The Big Sweep\, uma exposição que abrange a carreira de seis décadas do pioneiro na abstração americana\, Ed Clark (1926 – 2019). O título da exposição faz referência ao compromisso de Clark com técnicas inovadoras\, em particular sua revolucionária adoção da vassoura comum como pincel\, e esta apresentação documenta as maneiras pelas quais Clark expandiu os limites da abstração e suas convenções além do expressionismo\, desde sua introdução marcante da tela em forma até sua abordagem distinta e impactante em relação a questões de materialidade\, forma e cor.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/the-big-sweep-de-ed-clark-na-hauser-wirth-ny/
LOCATION:Hauser & Wirth 22nd Street\, 542 West 22nd Street\, Nova York\, Nova York
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Susie’s Mother Tongue" de Ashley Bickerton na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta uma exposição de esculturas e pinturas de Ashley Bickerton (1959–2022)\, incluindo suas pinturas inéditas da série Blur. Concebida como uma visão geral da carreira\, a seleção de obras foi feita e a instalação planejada por Bickerton durante uma viagem a Nova York na primavera de 2022. É a primeira exposição individual de Bickerton na galeria e a primeira desde que a Gagosian anunciou sua representação do artista em 2022. A apresentação de mais de vinte e cinco obras abre na 522 West 21st Street em Nova York em 8 de setembro de 2023. Originalmente identificado com as tendências neoconceituais/neogeométricas do final dos anos 1980 em Nova York\, Bickerton ganhou notoriedade com construções abstratas e irônicas focadas em temas de consumismo\, identidade e valor. Quando se mudou para a ilha indonésia de Bali em 1993\, seu trabalho tomou um rumo “exótico” conscientemente irônico\, seu aspecto ornamentado e artesanal contrastando fortemente com o distanciamento conceitual da produção anterior do artista. Nos últimos anos de sua vida\, Bickerton trouxe sua prática de volta ao início\, sintetizando seus modos heterogêneos em uma linguagem visual abrangente. Sua abordagem e estética foram comentadas por uma variedade intergeracional de artistas\, incluindo Matthew Barney\, Damien Hirst\, Jeff Koons e Jordan Wolfson\, e esta exposição oferece uma oportunidade para celebrar seu legado e influência contínua.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/susies-mother-tongue-de-ashley-bickerton-na-gagosian/
LOCATION:Gagosian\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Once there was a mother" de Louise Bourgeois na Hauser & Wirth NY
DESCRIPTION:Celebrada por suas esculturas em grande escala e instalações\, Bourgeois também foi uma inventiva e prolífica gravadora\, especialmente durante a última década de sua vida. A exposição\, centrada em um de seus temas mais poderosos – a maternidade -\, coloca as obras impressas de Bourgeois em relação às esculturas e desenhos para destacar o papel essencial que a gravura desempenhou em sua prática multifacetada. \n\n\n\nOnce there was a mother tira seu título da Placa 9 do livro ilustrado de 1947 de Bourgeois\, He Disappeared into Complete Silence\, que combina nove gravuras com textos curtos que ela chamou de parábolas. Essas histórias e suas imagens acompanhadas de edifícios isolados transmitem um sentimento de solidão\, alienação e falta de comunicação. Elas também mostram a fascinação de Bourgeois pela arquitetura de sua cidade adotiva\, Nova York\, onde ela viveu e trabalhou de 1938 até sua morte em 2010. Na parábola que acompanha a Placa 9\, um filho acaba rejeitando sua mãe dedicada\, apesar de seus melhores esforços para protegê-lo. Bourgeois escreveu isso no meio dos anos 1940\, enquanto criava três filhos pequenos. \n\n\n\nA maioria das obras impressas na exposição foi feita durante a última década de vida de Bourgeois\, quando imagens de maternidade – gravidez\, parto e amamentação – vieram à tona. Embora já estivesse em seus noventa anos na época de sua criação\, as impressões revelam Bourgeois como excepcionalmente ativa e inovadora\, experimentando com uma variedade de técnicas\, adicionando detalhes aplicados à mão e imprimindo em peças de roupa antigas e tecidos domésticos que ela havia guardado ao longo de sua longa vida.Como páginas de um diário\, esse material evocava memórias de pessoas e eventos do passado de Bourgeois e também era usado extensivamente em seu trabalho escultural\, à medida que ela se identificava cada vez mais com sua mãe\, uma tecelã e restauradora de tapeçaria. Seu impressor de longa data\, Felix Harlan\, estabeleceu um processo de impressão no qual os diversos tecidos podiam receber uma impressão tão rica quanto o papel. Nesse período\, Bourgeois também começou a trabalhar de perto com a renomada editora e galerista de Nova York\, Carolina Nitsch\, que incentivou seu interesse em criar impressões com elementos únicos\, incluindo tintas de arquivo\, colagens e processos digitais. \n\n\n\nA gravura permitiu a Bourgeois a possibilidade de pegar uma imagem ou tema e experimentar com ele em diferentes variações e permutações. The Fragile (2007) é uma edição de sete conjuntos individuais de trinta e seis impressões em tecido\, cada um com elementos distintos e tintas de arquivo aplicadas à mão. A obra é uma expressão dos sentimentos de fragilidade física e psicológica de Bourgeois em sua velhice\, e sua subsequente identificação com a criança recém-nascida.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/once-there-was-a-mother-de-louise-bourgeois-na-hauser-wirth-ny/
LOCATION:Hauser & Wirth Nova York\, 69th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Lichtenstein Remembered" na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta Lichtenstein Remembered\, uma exposição de esculturas e estudos relacionados de Roy Lichtenstein\, com curadoria de Irving Blum\, em reconhecimento ao centenário do nascimento do artista. A exposição é organizada em estreita colaboração com o Estate de Roy Lichtenstein e com design de exposição de Bill Katz. Esta é a primeira exposição de galeria dedicada à escultura de Lichtenstein desde a pesquisa apresentada em Londres e Nova York em 2005. Para criar os desenhos miraculosos no espaço que constituem seu trabalho escultural\, Lichtenstein empregou uma variedade de estratégias visuais familiares de sua pintura e gravura. Representando óculos\, lâmpadas\, espelhos e objetos móveis\, bem como cabeças de retrato e explosões estilizadas\, ele produziu esculturas espirituosas e sedutoras no estilo da Pop art\, do qual ele foi um dos pioneiros. Fazendo referência à sua adaptação da mídia impressa popular em geral e da ilustração de quadrinhos em particular\, as obras em exibição em Nova York evocam as inovações estilísticas e conceituais de artistas como Matisse e Picasso.
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LOCATION:Gagosian\, 976 Madison Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Bauhaus Stairway Mural" de Roy Lichtenstein na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar a instalação do mural Bauhaus Stairway Mural (1989) de Roy Lichtenstein na galeria localizada na 555 West 24th Street\, em Nova York. Esta é a segunda vez que a Gagosian exibe um mural de Lichtenstein\, seguindo a réplica do Greene Street Mural (1983) no mesmo local em 2015. \n\n\n\nNa década de 1960\, Lichtenstein forjou uma nova abordagem para a pintura ao fundir a cultura popular e a história da arte ocidental. Seu trabalho é enraizado nos poderes sedutores da publicidade e eleva a imagética gráfica da mídia impressa popular e das ilustrações de quadrinhos ao reino da alta arte. Empregando um processo artesanal\, ele se inspirou nas técnicas de impressão de revistas e jornais\, fazendo com que os pontos Benday e as cores vivas se tornassem sinônimos de Pop art. Lichtenstein produziu murais ao longo de sua carreira\, desde Girl in a Window para o Pavilhão do Estado de Nova York na Feira Mundial de 1964 até o Times Square Mural\, projetado em 1994 e instalado em 2002. \n\n\n\nMedindo aproximadamente 8 metros de altura e pintado em óleo e Magna sobre tela\, o Bauhaus Stairway Mural presta homenagem ao artista abstrato alemão Oskar Schlemmer (1888–1943) e sua pintura Bauhaustreppe (Escadaria da Bauhaus\, 1932). O mural de Lichtenstein foi encomendado para o átrio principal da sede da Creative Artists Agency (CAA) em Beverly Hills\, que o arquiteto do edifício\, I.M. Pei\, imaginou como um ponto de encontro para escritores\, diretores\, atores\, músicos e agentes – um enfoque na interação interdisciplinar que ressoava com o interesse de Lichtenstein em formas criativas acessíveis.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/bauhaus-stairway-mural-de-roy-lichtenstein-na-gagosian/
LOCATION:Gagosian Nova York\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"ED RUSCHA / NOW THEN" no MoMA
DESCRIPTION:A exposição ED RUSCHA / NOW THEN apresentará mais de 200 obras\, em meios que incluem pintura\, desenho\, gravuras\, fotografia\, livros de artista\, cinema e instalação\, utilizando desde pólvora até chocolate. Explorando as contribuições marcantes de Ruscha para a arte americana do pós-guerra\, bem como aspectos menos conhecidos de sua carreira de mais de seis décadas\, a exposição oferecerá novas perspectivas sobre um conjunto de obras que influenciou gerações de artistas\, arquitetos\, designers e escritores. Em 1956\, Ruscha deixou sua cidade natal\, Oklahoma City\, e dirigiu ao longo da rodovia interestadual 66 para estudar arte comercial em Los Angeles\, onde se inspirou na arquitetura da cidade\, na linguagem coloquial e na cultura popular. Ruscha registrou e transformou assuntos familiares – seja postos de gasolina à beira da estrada ou o logotipo da 20th Century Fox – muitas vezes revisitando motivos\, locais ou palavras anos depois. Traçando mudanças nos meios e métodos do artista ao longo do tempo\, ED RUSCHA / NOW THEN destaca a reinvenção contínua que definiu seu trabalho.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ed-ruscha-now-then-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"My Anxious Self" de Tetsuya Ishida na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian apresenta My Anxious Self uma extensa exposição de pinturas do falecido Tetsuya Ishida (1973-2005) na Gagosian\, localizada na 555 West 24th Street\, em Nova York. Curada por Cecilia Alemani\, a mostra segue o anúncio da representação global da Tetsuya Ishida Estate pela Gagosian\, que\, juntamente com notáveis coleções privadas e o Museu de Arte da Província de Shizuoka\, no Japão\, emprestaram mais de oitenta obras para a exposição. My Anxious Self é a exposição mais abrangente da obra do artista a ser realizada fora do Japão e a primeira em Nova York. Ao longo de apenas dez anos\, Ishida produziu um impressionante conjunto de obras centradas no tema da alienação humana. Ele surgiu como artista durante a “Década Perdida” do Japão\, uma recessão que durou durante os anos 1990\, e suas pinturas capturam os sentimentos de desesperança\, claustrofobia e desconexão que caracterizaram a sociedade japonesa durante esse período\, mesmo após seu rápido avanço tecnológico. Antes de sua prematura morte em 2005\, Ishida criou alegorias dos desafios da vida contemporânea em pinturas e trabalhos em papel carregados de absurdo kafkiano.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/my-anxious-self-de-tetsuya-ishida-na-gagosian/
LOCATION:Gagosian\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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