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SUMMARY:"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção\, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias\, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social\, no qual as técnicas artísticas\, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados\, sem estar preso a uma cronologia rígida\, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero\, classe\, trabalho\, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade\, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet\, Gustave Courbet\, Berthe Morisot\, Francisco Oller\, Henri Matisse\, Pablo Picasso\, Yves Tanguy\, Vasily Kandinsky\, entre outros.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Oscar yi Hou no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Em uma época de crescente violência contra as comunidades asiáticas nos Estados Unidos\, Oscar yi Hou questiona o que significa ser “asiático-americano” e quem é considerado “norte-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon\, título de um poema do artista\, compreende onze de suas recentes pinturas figurativas. Em algumas obras\, yi Hou coloca seus amigos e ele mesmo como figuras da história do leste asiático e da cultura visual ocidental\, desde imigrantes chineses do século XIX até Son Goku\, da popular franquia de mídia Dragon Ball. Em outros\, o artista retrata suas amigas\, muitas das quais\, como ele\, se identificam como parte de uma comunidade criativa asiática\, em papéis tradicionalmente brancos e masculinos\, acabando com os estereótipos de longa data. Da mesma forma\, yi Hou olha tanto para a cultura popular quanto para referências passadas\, incluindo as coleções de arte asiática recentemente reinstaladas do Brooklyn Museum\, em sua abordagem para essas composições que remete à colagem. O artista envolve seus temas com o que ele chama de iconografia de “cowboy chinês”\, um caleidoscópio de imagens como bandeiras americanas\, símbolos yin-yang\, chapéus de cowboy e caligrafia chinesa. Através dessa justaposição (e de sua crítica sobre as calúnias contra o povo do Leste Asiático) yi Hou revela a complexidade da questão de identidade nacional\, como evidenciado por sua própria origem sino-britânica. Agora morando no Brooklyn\, ele afirma: “Embora eu seja apenas um norte-americano\, sou resolutamente um asiático-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon é organizado por Eugenie Tsai\, Curador Sênior de Arte Contemporânea do Brooklyn Museum\, com Indira A. Abiskaroon\, Assistente Curatorial de Arte Moderna e Contemporânea.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Richard Avedon no The Met Museum
DESCRIPTION:Em 1969\, Richard Avedon estava em uma encruzilhada. Após um hiato de cinco anos\, o fotógrafo voltou a fazer retratos\, desta vez com uma nova câmera e um novo senso de escala. Trocando seu Rolleiflex portátil por um dispositivo maior montado em um tripé\, ele reinventou a dinâmica de seu estúdio. Ao invés de dançar em torno de seus assuntos por trás de um visor\, como fazia em suas fotos enérgicas de moda\, ele agora podia ficar ao lado de uma câmera estacionária e encará-los de frente. Enfrentando grupos de artistas\, ativistas e políticos proeminentes da época\, ele criou enormes retratos fotomurais\, condizentes com sua influência cultural descomunal. No centenário do nascimento do fotógrafo\, Richard Avedon: MURALS reunirá três dessas obras monumentais\, algumas com até 35 pés de largura. Para Avedon\, os murais expandiram as possibilidades artísticas da fotografia\, reorientando radicalmente espectadores e temas em uma visão ampla e abrangente. Os murais são retratos da sociedade. Neles\, Avedon reúne gigantes do final do século XX (membros da Factory de Andy Warhol\, arquitetos da guerra do Vietnã e manifestantes contra essa guerra) que juntos moldaram uma era extraordinariamente turbulenta da vida americana. Apresentados em uma galeria\, seus enormes retratos encenarão uma conversa improvável entre campos historicamente opostos\, bem como espectadores contemporâneos. As inovações formais do alto estilo de Avedon – corpos fortemente iluminados em um fundo branco impiedoso – são melhor realizadas nessas obras\, onde os personagens se juntam e aglomeram o quadro\, e vazios brilhantes entre eles estalam em contraste. Unindo os murais com projetos contemporâneos\, a exposição acompanha a abordagem evolutiva de Avedon para o retrato de grupo\, por meio do qual ele transformou as convenções deste gênero fotográfico.
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LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Mary Enoch Elizabeth Baxter no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:No quinquagésimo aniversário do caso Roe v. Wade – e no ano seguinte à sua revogação – esta exposição examina a longa história de injustiça reprodutiva nos Estados Unidos por meio de dois projetos de Mary Enoch Elizabeth Baxter. A artista e ativista prioriza a narrativa e a cura em seu trabalho\, explorando os processos institucionais\, legais e culturais que têm brutalmente privado as mulheres e meninas negras de sua autonomia corporal. Em seu filme Ain’t I a Woman\, Baxter conecta sua experiência de dar à luz algemada ao combate expandido pelos direitos reprodutivos – um combate que destaca as vulnerabilidades e violências contra as mulheres negras\, que historicamente têm sido negadas o direito de decidir se\, quando e como ter filhos de forma segura. O documentário musical é acompanhado por Consecration to Mary\, um trabalho fotográfico multipartidário que relaciona as histórias de abuso enfrentado por crianças negras ao “viés de adultificação”\, uma realidade social em que jovens negros são sistematicamente tratados como adultos. Na obra\, Baxter confronta e combate fotografias nuas sexualmente exploratórias de uma jovem negra tiradas pelo famoso artista americano branco Thomas Eakins em 1882. Baxter se insere em duas das fotografias de Eakins para proteger a vítima e apresenta outras imagens em estojos fechados de daguerreótipo\, ocultando-as da vista pública. Uma terceira fotografia aberta de Baxter quando criança conecta a própria artista a essas histórias de abuso social. Juntos\, esses trabalhos expõem como a exploração de meninas negras leva ao desempoderamento político e à precariedade social\, resultando no encarceramento em massa de mulheres negras. Ao colocar em destaque membros profundamente vulneráveis da sociedade americana\, a exposição amplia o discurso sobre o acesso ao aborto para uma conversa mais complexa sobre justiça reprodutiva\, abrangendo direitos humanos\, empatia e libertação.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Funk You Too!" no Museum of Arts and Design
DESCRIPTION:Funk You Too! Humor and Irreverence in Ceramic Sculpture reúne 50 obras de arte desde a década de 1960 até os dias atuais que destacam a argila como uma ferramenta cativante de crítica e sátira. Na exposição\, peças de artistas da geração originária do Funk Art são colocadas ao lado de trabalhos de artistas contemporâneos que estão expandindo o legado de humor\, subversão e figuração expressiva do Funk. As cerâmicas do Funk surgiram pela primeira vez na Costa Oeste na década de 1960\, criadas por um grupo de artistas que compartilhavam uma visão anticonformista em relação às expectativas da “arte boa”. Embora conscientes da atitude irreverente e da estética de seus predecessores\, a nova geração de artistas apresentada em Funk You Too! está examinando o potencial do humor na argila por meio de uma variedade de perspectivas. Ao levar o Funk para o futuro\, esses artistas estão aproveitando o poder de uma boa piada para abordar algumas das questões sociais e políticas mais urgentes de nosso tempo.
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LOCATION:Museum of Arts and Design\, 2 Columbus Circle\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Onyeka Igwe no MoMA PS1
DESCRIPTION:Através do cinema e da instalação\, a prática multidisciplinar de Onyeka Igwe (nascida em 1986\, Londres) examina eventos históricos pouco conhecidos\, coletando e combinando fontes documentais\, incluindo registros governamentais\, relatórios oficiais\, artefatos materiais e memória pessoal\, além de gesto\, voz\, dança e canto. Esta exposição apresenta uma série de três curtas-metragens — Her Name in My Mouth (2017)\, Sitting on a Man (2018) e Specialised Technique (2018) — apresentados como cinema expandido. A estrutura em camadas dos filmes de Igwe expõe as multiplicidades narrativas da vida contemporânea e contesta a narrativa única e progressiva da ideologia ocidental. Seu estilo de edição rítmica enfatiza a dissonância\, a reflexão e a amplificação entre imagem e som\, inseridos em uma instalação espacial. O tema principal do ciclo de filmes é a Guerra das Mulheres Igbos\, em 1929\, que Igwe descobriu pela primeira vez através de relatos familiares. Liderado principalmente por mulheres igbo\, o conflito é considerado uma das primeiras revoltas anticoloniais na Nigéria e marca um episódio violento na defesa do Império Britânico. Ao recuperar conceitualmente a história reprimida desse ato coletivo de resistência\, Igwe encontra\, mesmo nas tragédias do passado\, novos meios para compreender o presente. A exposição destaca o interesse contínuo da artista na relação entre movimento físico — ou seja\, dança — e movimentos de protesto\, especialmente aqueles protagonizados por mulheres.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Gego e Sarah Sze no Guggenheim
DESCRIPTION:Duas exposições são destaque na programação do Guggenheim: Gego: Measuring Infinity e Timelapse\, individual de Sarah Sze. Gego\, ou Gertrud Goldschmidt (1912\, Hamburgo – 1994\, Caracas)\, formou-se primeiro como arquiteta e engenheira na Technische Hochschule Stuttgart (hoje Universität Stuttgart). Fugindo da perseguição nazista em 1939\, ela imigrou para a Venezuela\, onde se estabeleceu permanentemente\, iniciando uma carreira artística nos anos 1950 que se estenderia por mais de quatro décadas. Em trabalhos bidimensionais e tridimensionais em diversos meios\, Gego explorou a relação entre linha\, espaço e volume. Sua prática nos campos relacionados de arquitetura\, design e ensino complementou essas investigações. A exposição Gego: Measuring Infinity é a primeira grande retrospectiva museológica da obra de Gego nos Estados Unidos desde 2005\, oferecendo uma visão totalmente integrada da influente artista germano-venezuelana e sua abordagem diferenciada da linguagem da abstração. Em cinco rampas da rotunda do Guggenheim\, a pesquisa cronológica e temática apresenta quase 200 obras do início dos anos 1950 até o início dos anos 1990\, incluindo esculturas\, desenhos\, gravuras\, tecidos e livros de artista\, além de imagens fotográficas de instalações e obras públicas\, esboços\, publicações e cartas. Gego é uma das artistas mais significativas a emergir da América Latina durante a segunda metade do século 20\, mas sua obra continua sendo menos conhecida nos Estados Unidos. Examinando as contribuições formais e conceituais que ela fez através de suas formas orgânicas\, estruturas lineares e investigações espaciais sistemáticas\, Gego: Measuring Infinity fundamenta a prática de Gego nos contextos artísticos da América Latina que floresceu ao longo de sua longa carreira\, considerando as interseções da artista com e saindo de movimentos artísticos transnacionais importantes\, como a abstração geométrica e a arte cinética. Gego apresentou idéias radicais através de suas intensas investigações sobre sistemas estruturais: transparência\, tensão\, fragilidade\, relações espaciais e os efeitos óticos do movimento são abordados metodicamente em seu singular corpo de trabalho. Traçando um caminho artístico marcadamente individual\, Gego desafiou a categorização. Essa retrospectiva há muito esperada se baseia no legado do Museu Guggenheim de apresentar exposições inovadoras de pesquisa individual moderna e contemporânea em um contexto global que defende a arte não objetiva. A mostra é co-curada por Pablo León de la Barra\, curador geral de América Latina do Guggenheim\, e Geaninne Gutiérrez-Guimarães\, curadora associada do museu. Para a individual Timelapse\, Sze criou uma série de instalações específicas do local que tecem um rastro de descoberta através de múltiplos espaços do icônico edifício do Guggenheim\, projetado por Frank Lloyd Wright. No exterior\, a exposição se espalha para a esfera pública além das paredes do museu. Um rio de imagens fluindo cobre o exterior do edifício\, ecoando o movimento do trânsito e dos transeuntes ao nível da rua\, enquanto uma projeção ao vivo da lua na fachada curva da rotunda espelha seu ciclo ao longo do curso da exposição.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Cecily Brown no The Met Museum
DESCRIPTION:Há mais de vinte e cinco anos\, Cecily Brown (nascida em 1969) tem fascinado espectadores com cores suntuosas\, pinceladas ousadas e narrativas complexas relacionadas a alguns dos temas mais grandiosos e antigos da história da arte ocidental. Após se mudar de Londres para Nova York na década de 1990\, ela ressuscitou a pintura para uma nova geração\, juntamente com um punhado de outros artistas\, muitas delas mulheres\, exatamente no momento em que os críticos questionavam sua importância e relevância. A primeira exposição completa institucional sobre o trabalho de Brown em Nova York desde que ela se estabeleceu na cidade\, Cecily Brown: Death and the Maid reúne cerca de cinquenta pinturas\, desenhos\, cadernos de esboços e monotipias de diferentes momentos de sua carreira para explorar os temas entrelaçados de natureza-morta\, memento mori\, reflexão e vanitas – representações simbólicas da vaidade humana ou da brevidade da vida – que impulsionaram sua prática dinâmica e impactante por décadas.
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SUMMARY:Georgia O'Keeffe no MoMA
DESCRIPTION:“To See Takes Time”\, escreveu Georgia O’Keeffe uma vez. Mais conhecida por suas pinturas de flores\, O’Keeffe (1887-1986) também fez extraordinárias séries de obras em carvão\, lápis\, aquarela e pastel. A exposição\, organizada por Samantha Friedman\, reúne trabalhos em papel que são frequentemente vistos individualmente\, juntamente com pinturas-chave\, esta exposição oferece um vislumbre raro dos métodos de trabalho da artista e nos convida a dedicar um tempo para olhar. Ao longo de sua longa carreira\, O’Keeffe revisitou e retrabalhou os mesmos assuntos\, desenvolvendo\, repetindo e transformando padrões que estão entre a observação e a abstração. Entre 1915 e 1918\, um período de experimentação revolucionário\, a artista realizou tantos trabalhos em papel quanto nas quatro décadas seguintes\, produzindo progressões de linhas arrojadas\, paisagens orgânicas e nus autênticos\, bem como obras em carvão radicalmente abstratos a que chamou de “especiais”. Mesmo quando se voltava cada vez mais para a pintura\, séries importantes – incluindo flores nos anos 1930\, retratos nos anos 40 e visões aéreas nos anos 50 – reafirmaram seu compromisso de trabalhar em papel. Desenhar dessa maneira permitiu a O’Keeffe capturar não apenas as formas da natureza\, mas também seus ritmos: traçar a espiral descendente do sol em pigmento vividamente colorido ou comprometer com o preto aveludado a perspectiva em mudança vista de uma janela de avião.
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SUMMARY:Jaune Quick-to-See Smith no Whitney Museum
DESCRIPTION:Esta exposição é a primeira retrospectiva em Nova York de Jaune Quick-to-See Smith (nascida em 1940\, cidadã da Confederação Salish e Kootenai)\, um olhar tardio\, mas oportuno\, do trabalho de uma artista pioneira. Jaune Quick-to-See Smith: Memory Map\, curada por Laura Phipps\, reúne quase cinco décadas de desenhos\, gravuras\, pinturas e esculturas de Smith na maior e mais abrangente exposição de sua carreira até hoje. O trabalho de Smith dialoga com modos contemporâneos de produção artística\, desde a sua adesão idiossincrática da abstração até suas reflexões sobre a arte pop americana e o neo-expressionismo. Essas tradições artísticas são incorporadas e reimaginadas com conceitos enraizados na própria prática cultural de Smith\, refletindo sua crença de que seu “trabalho de vida envolve examinar a vida contemporânea na América e interpretá-la por meio da ideologia nativa”. Utilizando sátira e humor\, a arte de Smith conta histórias que subvertem concepções comumente aceitas de narrativas históricas e iluminam absurdos na formação da cultura dominante. A abordagem de Smith borra categorias importantes e questiona por que certas linguagens visuais obtêm reconhecimento\, privilégio histórico e valor. Ao longo de décadas e mídias\, Smith empregou e reapropriou ideias de mapeamento\, história e ambientalismo\, incorporando memórias pessoais e coletivas. A retrospectiva oferecerá novos quadros para se considerar a arte nativa americana contemporânea e mostrará como Smith liderou e iniciou alguns dos diálogos mais urgentes em torno da terra\, do racismo e da preservação cultural – questões que estão na vanguarda da vida e da arte contemporâneas hoje.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Daniel Lind-Ramos e liu Susiraja no MoMA PS1
DESCRIPTION:O MoMA PS1 apresenta a maior exposição em um museu até hoje do trabalho do artista multidisciplinar Daniel Lind-Ramos (nascido em 1953\, Loíza\, Porto Rico). Utilizando objetos encontrados e presenteados de significado pessoal\, comunitário e regional\, como detritos\, objetos decorativos e ferramentas cotidianas\, Lind-Ramos produz assemblages meticulosamente detalhadas que exploram as tradições e histórias das comunidades afrodescendentes em Porto Rico\, no Caribe e ao redor do mundo. Esta apresentação exibe mais de 10 obras de grande escala que entrelaçam a prática multiestratificada de Lind-Ramos\, incluindo muitas esculturas novas e previamente não exibidas. Apresentando obras que revelam as tradições locais de agricultura\, pesca\, culinária e carnaval\, que estão rapidamente desaparecendo\, ao lado de esculturas emblemáticas que examinam as repercussões do furacão Maria em 2017\, a exposição culminará com várias obras de grande escala feitas no último ano que abordam a pandemia do COVID-19 e seu impacto nas comunidades locais. \n\n\n\nNos últimos 15 anos\, Iiu Susiraja (nascida em 1975\, Turku\, Finlândia) tem fotografado a si mesma em ambientes domésticos\, mais frequentemente em sua casa em Turku\, Finlândia. O MoMA PS1 apresenta a primeira exposição individual do trabalho de Susiraja nos Estados Unidos\, reunindo uma seleção focada de fotografias e vídeos que destacam a trajetória de sua prática desde 2007. Simultaneamente sedutoras\, abjetas\, estilizadas e vulneráveis\, as obras de Susiraja estão fundamentadas em performances desinibidas\, porém privadas\, para a câmera. Nessas encenações\, objetos domésticos — toalhas de mesa\, guarda-chuvas\, cachorros-quentes\, bananas\, esteiras\, patinhos de borracha e peixes mortos\, para citar alguns itens — tornam-se cúmplices em seus confrontos com a lente. As manipulações corporais de Susiraja torcem os simbolismos desses objetos\, criando imagens incongruentes e de impacto. Situadas entre a comédia e o impassível\, as obras de Susiraja encontram inquietação no confortável e vice-versa.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Chosen Memories" no MoMA
DESCRIPTION:Chosen Memories\, organizada por Inés Katzenstein\, reúne obras de artistas latino-americanos contemporâneos que investigam a história como fonte para o seu trabalho. “La historia es un organismo vivo”\, disse a brasileira Rosângela Rennó\, uma das quarenta artistas que fazem parte da exposição. Através de uma seleção de vídeos\, fotografias\, pinturas e esculturas feitas nas últimas quatro décadas\, a exposição permite descobrir como algumas das obras de arte mais relevantes da atualidade surgem da investigação e de novas maneiras de contar a história. Pautada pela influente doação de obras de Patricia Phelps de Cisneros\, membro do conselho do MoMA\, e exibida em diálogo com outras obras latino-americanas da coleção do museu\, a mostra apresenta trabalhos de artistas consagrados\, como Rennó\, Alejandro Cesarco (Uruguai)\, Regina José Galindo (Guatemala)\, Mario García Torres (México)\, Leandro Katz (Argentina)\, Suwon Lee (Venezuela)\, Gilda Mantilla (Peru) e Raimond Chaves (Colômbia) e José Alejandro Restrepo (Colômbia)\, entre outros. A exposição nos oferece novas maneiras de nos relacionarmos com o passado para compreender e forjar melhor o presente\, seja reformulando criticamente a história colonial no território\, explorando as diferentes formas como os artistas revisam patrimônios culturais depreciados ou reforçando os mecanismos que fortalecem as relações de parentesco e o senso de pertencimento.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/amalia-mesa-bains-archaeology-of-memory-no-el-museo-del-barrio/
LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Listen Until You Hear" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:O que significa aceitar e se relacionar com a experiência desconhecida de outra pessoa ou entender o que só conhecemos através da intuição ou sentimento? Como realmente nos ver e ouvir afeta nossos relacionamentos e histórias? Listen Until You Hear é um convite ao público para estar presente\, abordando a fotografia\, o cinema\, a escultura e a performance em exibição\, com curiosidade e conscientização intencional. Cada um dos artistas expositores explora a ideia de ouvir como cura\, com trabalhos profundamente pessoais\, políticos e imaginativos através de uma variedade de mídias. O uso da representação pelos artistas é uma investigação sobre o que não é visto nem ouvido e destaca como o significado e o valor são moldados por nossa capacidade de nos ouvir e ouvir os outros. Esta exposição explora como formas mais profundas de ouvir podem levar a uma maior conscientização e conexão com nós mesmos e com o mundo ao nosso redor. Os artistas desta exposição refletem sobre a complexidade da vida\, visualizando temas que incluem liberdade\, família\, amor\, dor\, sobrevivência e futuro.
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LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Encounter: Barbara Chase-Riboud/Alberto Giacometti" no MoMA
DESCRIPTION:“Tudo estava coberto de gesso – as paredes\, os pisos\, o teto – e a primeira vez que o vi\, ele mesmo era uma múmia egípcia ambulante\, totalmente branca\, coberta de gesso branco”\, lembrou Barbara Chase-Riboud\, nascida na Filadélfia\, sobre sua visita em 1962 ao estúdio de Montparnasse do escultor suíço Alberto Giacometti. Foi o primeiro encontro entre dois expatriados de diferentes gerações\, que haviam feito de Paris seu lar. A última vez que se encontraram foi em Milão alguns anos depois\, pouco antes da morte de Giacometti. The Encounter: Barbara Chase-Riboud/Alberto Giacometti explora o terreno comum entre dois escultores que buscaram inspiração no passado para reimaginar a arte de seu tempo. Em suas esculturas\, tanto Chase-Riboud quanto Giacometti retornaram repetidamente à forma humana. Giacometti frequentemente começava com argila\, modelando suas obras à mão antes de fundi-las em gesso. Chase-Riboud\, que também se tornou uma aclamada poetisa e romancista\, preferia o antigo método de fundição em cera perdida para suas esculturas em bronze\, combinando-as com fibras trançadas e entrelaçadas\, lã ou seda. Esta exposição inclui cinco esculturas de gesso (que estão viajando para os Estados Unidos pela primeira vez) da icônica série Femmes de Venise (Mulheres de Veneza)\, feitas por Giacometti para a Bienal de Veneza de 1956\, juntamente com obras de toda a carreira de sete décadas de Chase-Riboud. Suas primeiras esculturas em bronze\, como The Couple (1963)\, aparecerão junto com outras obras da década de 1970\, incluindo All That Rises Must Converge (1973)\, incorporando a ideia de Chase-Riboud de que “a escultura não deve ficar parada”.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Jac Leirner no Swiss Institute
DESCRIPTION:O Swiss Institute  apresenta a primeira grande exposição individual institucional em Nova York da artista brasileira Jac Leirner (nascida em 1961\, em São Paulo). A exposição engloba uma ampla variedade cronológica da experiência da artista\, com obras que vão desde os anos 80 até hoje. Em pilhas\, montes e camadas\, a acumulação seletiva de objetos cotidianos de Leirner segue uma lógica acumulativa. O processo de Leirner\, ao mesmo tempo controlado e compulsivo\, leva a obscurecer parcialmente a própria natureza dos materiais que ela reúne\, pois eles se transformam em esculturas. A performance paradoxal do apagamento através da acumulação ecoa o desaparecimento dos objetos de escolha de Leirner ao longo dos anos: sacolas plásticas\, cigarros\, notas de banco e cartões de visita\, uma vez onipresentes e aparentemente insubstituíveis\, estão cada vez mais fora de circulação. Amarrado entre o desejo essencial de acumular e formas acidentais inesperadas\, o comprometimento de Leirner por mais de 40 anos em coletar materiais\, objetos e produtos compõe “um vocabulário idealista de signos onde a própria vontade de viver é discernível em uma materialidade cada vez mais distante” (tradução livre)\, como escreveu o sociólogo e filósofo francês\, Jean Baudrillard. Sua homenagem formal e contínua a materiais descartáveis eleva o efêmero ao biográfico\, ao coletivo e ao sublime.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/jac-leirner-no-swiss-institute/
LOCATION:Swiss Intitute\, 38 St Marks Pl\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Lap-See Lam no Swiss Institute
DESCRIPTION:Tales of the Altersea é a primeira exposição individual nos Estados Unidos da artista Lap-See Lam\, baseada em Estocolmo. A mostra apresenta uma instalação de vídeo e CGI que explora a história dos restaurantes chineses fechados ou vendidos na Europa e\, de forma mais ampla\, suas interpretações poéticas das vidas das comunidades chinesas de Hong Kong na diáspora. Lam documentou o interior desses restaurantes usando um scanner 3D na década de 2010\, estabelecendo conexões visuais e históricas entre esses espaços\, ressaltando a importância da chinoiserie como um símbolo diaspórico. A narrativa de Lam se desenrola no SI como uma peça de sombras\, uma forma tradicional do folclore chinês disseminada na Europa por rotas comerciais imperialistas. A cenografia desse vídeo em 8 canais se baseia na decoração e imagens de um desses restaurantes: o flutuante Sea Palace. No início dos anos 1990\, esse navio de três andares foi encomendado por Johan Wang. O navio navegou de Xangai para a Europa\, mas fracassou economicamente após um ano e foi abandonado em Gotemburgo. Tales of the Altersea se desenrola nesse ambiente submarino luminoso\, onde duas protagonistas\, irmãs gêmeas\, encontram personagens inspirados na história e mitologia cantonesas. Acompanhada por música e paisagem sonora\, a história segue as meninas em uma jornada de aventura e descoberta. Esculturas de neon e latão retratando a cabeça e a cauda de um dragão adornam as extremidades do navio. Lam sintetiza técnicas de produção antigas e contemporâneas\, combinando estilos de realismo mágico e história oral\, explorando perdas geracionais e culturais\, assim como a identificação e desidentificação com construções culturais. Através de sua pesquisa e poética\, Lam indica as possibilidades que podem surgir nesses vazios. Além da exposição em Nova York\, programas públicos ocorrerão simultaneamente em Frankfurt\, onde uma versão da exposição também será apresentada no Portikus\, conectando a história e o presente dessas cidades como importantes centros comerciais.
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LOCATION:Swiss Intitute\, 38 St Marks Pl\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Young Picasso in Paris" no Guggenheim
DESCRIPTION:Pablo Picasso chegou pela primeira vez a Paris\, vindo de Barcelona\, no outono de 1900\, durante as últimas semanas da Exposição Universal que incluía seu trabalho no pavilhão espanhol. A cidade da luz\, como Paris é conhecida\, cativou e transformou o jovem espanhol de dezenove anos. Embora Picasso falasse pouco francês\, ele absorveu tudo o que Paris tinha a oferecer durante sua estada inicial de dois meses e durante sua volta em maio do ano seguinte até o final de 1901. Ele frequentou não apenas as galerias de arte\, mas também os cafés boêmios\, clubes noturnos barulhentos e casas de dança que permeavam seu bairro no topo da colina de Montmartre. Esses locais de encontro social e os diversos tipos de pessoas que os frequentavam\, rapidamente se tornaram uma fonte primária de inspiração.Coincidindo com o cinquentenário da morte de Picasso\, a exposição “Young Picasso in Paris” explora um momento crítico em seu desenvolvimento artístico e destaca uma obra definidora\, Le Moulin de la Galette\, que recentemente foi objeto de uma análise de conservação e um projeto de tratamento. A famosa casa de dança havia sido retratada por vanguardistas como Ramon Casas\, Pierre-Auguste Renoir\, Henri de Toulouse-Lautrec e Vincent van Gogh. Na versão instigante de Picasso\, uma seção transversal da sociedade parisiense se mistura sob as luzes elétricas. Esta pintura e outras\, demonstram a fascinação do jovem artista pelos aspectos não convencionais da vida moderna. O trabalho inicial de Picasso antecipa o desenraizamento social que ele traz à tona com mais clareza em seu subsequente Blue Period (1901-04) através de representações dos explorados e vulneráveis. Esta exposição íntima inclui um pequeno grupo de pinturas e desenhos que mostram os exercícios de estudo de personagens de Picasso e demonstram sua evolução durante este período formativo. À beira do precipício em 1900\, o artista eventualmente superou sua formação acadêmica para criar uma prática singular reflexiva de seu tempo.
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LOCATION:Guggenheim\, 1071 5th Ave Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Something Beautiful" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Something Beautiful: Reframing La Colección é a apresentação mais ambiciosa do Museu del Barrio em mais de duas décadas\, exibindo sua coleção permanente única\, complexa e culturalmente diversa. Organizada por Rodrigo Moura\, Curador-Chefe; Susanna V. Temkin\, Curadora; e Lee Sessions\, Curador Associado da Coleção Permanente\, a exposição apresentará aproximadamente 500 obras de arte\, incluindo novas aquisições e comissões de artistas\, por meio de exibições rotativas ao longo de um ano. Something Beautiful atravessa categorias tradicionais de cronologia\, geografia e mídia\, reconsiderando a Coleção por meio de novas abordagens interdisciplinares enraizadas na história e legado fundamental do Museu del Barrio. Esse modelo inovador concentra-se na contribuição das culturas ameríndia\, africana e europeia como base da produção visual nas Américas e no Caribe. A primeira rotação da mostra é organizada em oito seções\, além de sete destaques de artistas. Temas e motivos reaparecem entre as seções para criar uma conversa maior ao longo da exposição. As seções incluem: Ocama Aracoel: espíritos e formas taínos e sua influência no movimento de arte Nuyorican; Visões Cósmicas: artistas indígenas e não indígenas evocando línguas\, paisagens e outras referências culturais ameríndias; Primeiras Impressões: foco em aquisições iniciais e no portfólio gráfico na gravura porto-riquenha; El Barrio: diferentes facetas da vida em East Harlem e outros bairros de Nova York\, especialmente em torno do degrau\, da calçada e da bodega; A Rua se Transforma: intervenções de artistas e ativistas no espaço público; Pathos\, Esperança\, Glória: retratos trans-históricos e autorretratos de artistas que refletem a diversidade da experiência latinx; Vestido/Despido: obras de arte que exploram\, exageram e desconstroem o que significa ser homem\, mulher\, nenhum ou ambos; e Abstracionistas: o protagonismo das mulheres na arte abstrata\, tradições matrilineares\, oticalidades e a moldura da realidade por meio da abstração. Os destaques dos artistas apresentarão as obras de Jorge Soto Sánchez; Alejandro Diaz; Papo Colo; Antonio Lopez; e Myrna Baez.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Before Technicolor: Early Color on Film" no MoMA
DESCRIPTION:Os primeiros filmes coloridos foram feitos por volta de 1895\, quando corantes sinteticamente produzidos transformaram a natureza das cores em meios como cartões-postais\, lâminas de lanternas mágicas e tecidos. Para os espectadores e críticos da época\, a cor adicionada aos filmes em preto e branco era um atrativo “efeito especial”. Nas décadas anteriores à comprovação de que a Technicolor era capaz de reproduzir um espectro completo de cores mais próximo das do mundo real\, os coloristas se entregavam às possibilidades imaginativas das técnicas disponíveis para eles. Longe de ser uma conclusão óbvia\, a cor no cinema era um detalhe\, uma oportunidade para a arte e a experimentação. Escrevendo em 1931\, o cineasta e historiador Paul Rotha chegou ao ponto de afirmar que a cor “é desnecessária no cinema dramático teatral” e “definitivamente diminui o apelo”. A cor\, continuou ele\, “sempre deve permanecer uma especulação do ponto de vista comercial… um elefante branco para a mídia cinematográfica”. Recordando essa “história esquecida”\, esta instalação da galeria apresenta nove obras cinematográficas da coleção do MoMA e introduz uma série de sistemas primitivos que foram usados para reproduzir cor no celulóide. Focado em filmes produzidos nos Estados Unidos e na França do meio dos anos 1890 ao meio dos anos 1930\, a exposição apresenta uma série de filmes de dança Butterfly e Serpentine coloridos à mão dos anos 1890; os filmes L’Antre Infernal (1905) e La voix du rossignol (1923) coloridos por estêncil; testes experimentais da Technicolor (1933-1935)\, incluindo um com a atriz Katherine Hepburn como Joana d’Arc; e Sunshine Gatherers (1921)\, um anúncio de frutas enlatadas filmado em cor Prizma. Restaurados digitalmente pelo Departamento de Cinema em 2019\, esses são alguns dos trabalhos mais cativantes adquiridos pela Film Library do Museu por ocasião de sua fundação nos anos 1930.
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SUMMARY:"Van Gogh's Cypresses" no The Met Museum
DESCRIPTION:A exposição Van Gogh’s Cypresses é a primeira a focar nas árvores\, entre as mais famosas na história da arte\, imortalizadas em imagens icônicas por Vincent van Gogh (1853-1890). Quadros tão emblemáticos como Wheat Field with Cypresses e The Starry Night ocupam o lugar central nessa apresentação\, que proporciona uma perspectiva inédita sobre um motivo praticamente sinônimo do poder de expressão original e intenso do artista holandês. Cerca de 40 obras iluminam a extensão de sua fascinação pelas distintas coníferas flamejantes da região\, que despertaram e alimentaram sua imaginação ao longo de dois anos no sul da França: desde suas primeiras visões das árvores “altas e escuras” em Arles até a realização de seu potencial completo e evocativo no asilo em Saint-Rémy. Ao juntar pinturas famosas com desenhos preciosos e cartas ilustradas – muitos deles raramente emprestados ou exibidos juntos – esta exposição tematicamente concebida oferece uma oportunidade extraordinária para apreciar de maneira renovada algumas das obras mais célebres de Van Gogh\, em um contexto que revela pela primeira vez os bastidores de sua criação.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/van-goghs-cypresses-no-the-met-museum/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Philip Guston: What Kind of Man Am I?" no The Met
DESCRIPTION:Philip Guston (1913–1980) nasceu em Montreal\, filho de imigrantes que haviam fugido da perseguição aos judeus em Odessa\, na Ucrânia\, uma década antes. Criado em Los Angeles\, ele trabalhou no Meio-Oeste durante parte dos anos 1940 e se estabeleceu permanentemente em Nova York em 1949\, dividindo seu tempo entre Manhattan e seu estúdio em Woodstock. Embora Guston seja frequentemente associado ao Expressionismo Abstrato\, sua carreira é muito expansiva para ser compreendida apenas em relação a esse movimento. No final dos anos 1960\, ele estava trilhando um caminho singular. Esta instalação\, que apresenta oito obras criadas durante os últimos onze anos de vida de Guston\, celebra uma doação extraordinária de duzentas e vinte pinturas e desenhos da filha do artista\, Musa Guston Mayer. Graças à generosidade de Mayer\, o The Met se tornará o maior acervo da obra de Guston e o futuro centro de estudos sobre ele. Guston consistentemente questionou seu propósito e identidade como artista\, resultando em um corpo de trabalho autorreflexivo que abraça conteúdo abstrato e representacional. Ele lidou abertamente com símbolos do mal e preconceito\, e explorou a experiência da mortalidade e vulnerabilidade\, especialmente em suas obras tardias vistas aqui. A arte de Guston engaja-se sem hesitação com alguns dos aspectos mais angustiantes da natureza humana. Ao mesmo tempo\, há grande prazer em seus quadros\, cujas cores\, pinceladas e materialidade se entregam a uma observação atenta. Contradições como essas estão no cerne da prática de Guston\, conferindo-lhe uma urgência estética e filosófica.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/philip-guston-what-kind-of-man-am-i-no-the-met/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Prix Pictet Fire" no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:O fogo mal saiu das notícias desde o incêndio que consumiu a Notre Dame em Paris no início de 2019\, com recordes de incêndios florestais na Amazônia\, incêndios em florestas e arbustos na Austrália e conflagrações na Califórnia\, entre muitos outros desastres ecológicos. As obras selecionadas para Prix Pictet Fire se inspiram tanto em eventos globais importantes quanto em experiências pessoais. As imagens fotográficas abrangem documentário\, retratos\, paisagens\, colagens e estudos de luz e processo. A fotógrafa americana Sally Mann recebeu o prêmio em 2021 por sua série Blackwater (2008-2012)\, uma exploração multifacetada dos incêndios devastadores que envolveram o Great Dismal Swamp\, no sudeste da Virgínia\, onde os primeiros navios de escravos atracaram na América. Fire também apresenta trabalhos de outros fotógrafos consagrados\, incluindo Rinko Kawauchi\, que fotografou shows de fogos de artifício em todo o Japão todos os verões de 1997 a 2001\, e Mak Remissa\, cuja série Left 3 Days evoca memórias profundamente pessoais durante a ocupação do Khmer Vermelho em Phnom Penh. Eles são acompanhados por jovens nomes emergentes na fotografia\, incluindo David Uzochukwu\, cuja série de retratos In The Wake se passa em uma paisagem desconhecida em chamas\, e Daisuke Yokota\, cuja série Matter / Burn Out explora o ato de reconstruir significado e valor por meio da queima de sua própria obra-prima\, Matter\, após sua exposição na China\, documentando o processo em 4.000 fotografias\, em que os dados foram processados\, manipulados e revividos para formar uma obra completamente nova.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/prix-pictet-fire-no-fotografiska-museum/
LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"New Photography 2023" no MoMA
DESCRIPTION:Em nosso mundo interconectado\, as imagens são cruciais. Não mais apenas um meio de registrar nosso entorno\, as fotos se tornaram um prisma através do qual nossas experiências são criadas e compartilhadas. New Photography 2023: Kelani Abass\, Akinbode Akinbiyi\, Yagazie Emezi\, Amanda Iheme\, Abraham Oghobase\, Karl Ohiri\, Logo Oluwamuyiwa apresenta o trabalho de sete artistas\, em diferentes estágios de suas carreiras\, que investigam a imagem como um meio social e estão unidos pelo uso crítico de formas fotográficas. Iniciando a próxima fase da celebrada série do MoMA\, New Photography 2023 é a primeira a se concentrar em uma cena artística específica ao redor do mundo. Cada um dos artistas internacionais na exposição mantém uma conexão com a vibrante comunidade artística que floresce na cidade portuária de Lagos (Èkó) – capital comercial da Nigéria e uma das cidades mais populosas do continente africano. Esses artistas desafiam a noção de fotografia como documento e exploram a rica história e variedade da fotografia para abrir espaço para novas percepções e encontros. Alguns utilizam cenas da vida cotidiana como tema\, retratando-as de forma inovadora através de experimentação formal e reflexões poéticas\, ou ao registrar experiências pessoais no âmago da ação política coletiva. Outros usam a fotografia para explorar arquitetura\, locais geográficos e figuras históricas. Desde 1985\, a série New Photography tem apresentado o trabalho de mais de 150 artistas ao redor do mundo. A exposição apresenta estes artistas pela primeira vez no MoMA e é organizada por Oluremi C. Onabanjo\, Curadora Associada do Departamento de Fotografia\, com a assistência de Kaitlin Booher\, Bolsista Curatorial Beaumont e Nancy Newhall\, do Departamento de Fotografia do museu.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/new-photography-2023-no-moma/
LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Nicolas Party e Rosalba Carriera no The Frick Collection
DESCRIPTION:The Frick Collection apresenta uma instalação site-specific do artista suíço Nicolas Party (nascido em 1980) que combina o retrato de Rosalba Carriera intitulado Portrait of a Man in Pilgrim’s Costume [Retrato de um Homem com Traje de Peregrino] com um conjunto de obras de giz pastel criadas pelo próprio Party. A instalação\, nas Italian Galleries do terceiro andar da casa temporária do museu\, o Frick Madison\, justapõe o retrato de Rosalba Carriera\, um espetacular pastel do século XVIII doado ao Frick em 2020 por Alexis Gregory\, com um conjunto de obras de Party\, todas criadas usando pastel. A instalação coloca três retratos – um de Rosalba e dois de Party – no contexto de três murais efêmeros de pastel que representam faixas de tecido inspiradas no trabalho dos artistas do século XVIII Jean-Étienne Liotard e Maurice-Quentin de La Tour.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/nicolas-party-e-rosalba-carriera-no-the-frick-collection/
LOCATION:The Frick Collection\, 945 Madison Avenue at 75th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:Terry O'Neill no Fotografiska Museum
DESCRIPTION:Lendas do rock\, estrelas de Hollywood e heróis do esporte. Ninguém conseguiu chegar tão perto das estrelas quanto Terry O’Neill. O fotógrafo britânico é um dos mais famosos do mundo\, e desde a década de 1960 até sua morte em 2019\, ele tirou retratos de inúmeras estrelas de Hollywood\, lendas da música\, ícones da moda e atletas. “Stars” é uma retrospectiva do trabalho único do aclamado fotógrafo\, com mais de cem fotografias icônicas. A exposição inclui fotografias lendárias de Faye Dunaway\, Audrey Hepburn e Frank Sinatra\, retratos mundialmente famosos de Brigitte Bardot e Mick Jagger vistos em cores pela primeira vez\, e fotografias inéditas de estrelas como Elvis Presley e Bianca Jagger. “Stars” reúne tanto imagens icônicas quanto trabalhos inéditos do arquivo completo de Terry O’Neill\, criando uma coleção exclusiva de fotografias.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/terry-oneill-no-fotografiska-museum/
LOCATION:Fotografiska Museum\, 281 Park Ave S Manhattan\, Manhattan\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"It’s Pablo-matic" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Cinquenta anos após sua morte\, Pablo Picasso (1881-1973) continua sendo um ícone artístico e cultural. Picasso não é apenas um nome conhecido\, mas suas obras de arte são vendidas por preços recordes\, reafirmando constantemente seu status como o artista moderno por excelência. It’s Pablo-matic: Picasso According to Hannah Gadsby examina o legado complicado do artista através de uma lente crítica\, contemporânea e feminista\, mesmo reconhecendo o poder transformador e a influência duradoura de seu trabalho. A exposição do Brooklyn Museum é organizada em parceria com a comediante australiana Hannah Gadsby\, cujo especial de comédia revolucionário de 2018\, Nanette\, denunciou o comportamento inaceitável de algumas das figuras mais proeminentes da história da arte\, especialmente Picasso. Através de justaposições nas galerias\, acompanhadas de um áudio tour com o humor incisivo e a crítica perspicaz de Gadsby\, It’s Pablo-matic apresenta mais de cem obras\, incluindo peças de Picasso e seleções de artistas mulheres dos séculos XX e XXI\, como Cecily Brown\, Renee Cox\, Käthe Kollwitz\, Dindga McCannon\, Ana Mendieta\, Marilyn Minter\, Joan Semmel\, Kiki Smith\, May Stevens e Mickalene Thomas. Destacando a voz de Gadsby ao lado das vozes de muitas das artistas incluídas\, a exposição lida com questões complexas de misoginia\, criatividade\, cânone da história da arte e “genialidade”.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Kahlil Gibran no The Drawing Center
DESCRIPTION:A Greater Beauty: The Drawings of Kahlil Gibran apresenta mais de cem desenhos do prolífico artista\, poeta e ensaísta libanês-americano\, e coincide com o centenário da mundialmente famosa obra de Gibran\, O Profeta. Embora seja mais conhecido por sua poesia e prosa\, Gibran se via igualmente como um artista visual\, produzindo pinturas\, aquarelas\, esboços\, ilustrações\, capas de livros e outros materiais como complemento de sua obra escrita. A Greater Beauty oferece uma visão geral dos desenhos e esboços de Gibran\, juntamente com páginas manuscritas\, cadernos\, correspondências\, ilustrações e ensaios de revistas e primeiras edições\, proporcionando um vislumbre da produção do artista no contexto de sua obra como um todo. Em sua escrita\, Gibran rompeu com as rígidas convenções da poesia árabe tradicional e da prosa literária\, e sua abordagem não sectária\, que combinava elementos do cristianismo\, islamismo\, budismo e psicologia junguiana\, foi uma revelação para as comunidades árabes e imigrantes nos Estados Unidos. Gibran adotou uma abordagem semelhante em seu tema\, praticando uma fusão idiossincrática de panteísmo simbolista e misticismo espiritual para criar uma estética única\, igualitária e universalista que agradava a um amplo público internacional. Embora a escrita em inglês de Gibran tenha um tom poético e\, em contraste com sua escrita anterior em árabe\, não seja explicitamente política\, sua filosofia era orientada por uma profunda oposição ao domínio otomano e seu apoio a uma irmandade síria além das fronteiras nacionais. Ele defendia a liberdade de espírito como base para a liberdade política e material\, e\, juntamente com seu grupo romântico árabe em Nova York\, mobilizava sua própria identidade diaspórica como uma espécie de rebelião.
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LOCATION:The Drawing Center\, 35 Wooster St.\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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