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SUMMARY:"Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art" no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Apresentando obras de arte do século XIX e início do século XX de nossa coleção\, criadas por artistas nascidos na Europa ou em suas colônias\, Monet to Morisot: The Real and Imagined in European Art enfoca um período de significativa transformação social\, no qual as técnicas artísticas\, temas e patrocínio passaram por mudanças profundas. O fio condutor “real e imaginado” da exposição oferece uma perspectiva evocativa e flexível para considerar as obras de arte através de cinco temas inter-relacionados\, sem estar preso a uma cronologia rígida\, e incentiva a formulação de questões críticas: O que é real e o que é imaginado nas obras que afirmam e refletem visões de gênero\, classe\, trabalho\, colonialismo e natureza? Quem produz essas perspectivas e para quem? Essas perguntas também nos lembram que o cânone tradicional da história da arte europeia é ao mesmo tempo imaginado e real. É uma construção imaginada e servindo a uma estreita e auto-designada comunidade\, mas teve um impacto muito real sobre o que foi colecionado e exibido em museus. Apresentadas são aproximadamente noventa obras de Claude Monet\, Gustave Courbet\, Berthe Morisot\, Francisco Oller\, Henri Matisse\, Pablo Picasso\, Yves Tanguy\, Vasily Kandinsky\, entre outros.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/monet-to-morisot-the-real-and-imagined-in-european-art-no-brooklyn-museum/
LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/instalacao-david-hammons-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/at-the-dawn-of-a-new-age-no-whitney-museum-of-american-art/
LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Jumana Manna no MoMA PS1
DESCRIPTION:“Break\, Take\, Erase\, Tally”\, primeira grande individual de Jumana Manna nos EUA\, mostra a pesquisa multidisciplinar da artista\, que explora os efeitos paradoxais das práticas de preservação na agricultura\, na ciência e no direito. Marcando a estreia em Nova York do novo filme de Manna\, “Foragers” (2022)\, a exposição reúne quase 20 obras\, incluindo dois filmes recentes e uma série de esculturas novas e anteriores. Enfocando a terra diante das formas crescentes de sua alienação\, os filmes de Manna usam uma série de métodos narrativos para examinar como as práticas baseadas na terra (agricultura e forragem\, por exemplo) estão envolvidas e lutam contra as políticas neoliberais e coloniais e\, por sua vez\, contra as mudanças climáticas. Extraído de exemplos específicos\, como a primeira retirada do Cofre Global de Sementes de Svalbard em 2015 em resposta à guerra síria (tema de seu filme “Wild Relatives”) Manna” ressalta as limitações científicas na recuperação da perda de vidas biológicas\, em todas as suas formas. Seu trabalho visualiza a lenta violência da agricultura industrial enquanto faz perguntas pungentes sobre que tipo de futuro é possível em um presente precário. Em seu novo filme\, “Foragers”\, Manna se move entre documentário e ficção para abordar confrontos crônicos entre colhedores palestinos de ervas selvagens ‘akkoub e za’atar e a Autoridade Israelense de Proteção da Natureza\, que considerou as plantas ameaçadas de extinção. A recusa dos foragidos e as punições que enfrentam\, devido a grandes multas e tempo de prisão em potencial\, às vezes assumem um tom absurdo e cômico que levanta questões-chave em torno da política de extinção – principalmente\, quem determina o que vive e como vive. Em ambos os filmes da artista\, plantas e sementes são temas primários\, e a relação entre o trabalho humano e a terra é essencial para suas estruturas narrativas. A exposição também apresenta uma nova instalação em larga escala de esculturas que se inspiram nos restos fragmentados de khabyas\, estruturas tradicionais e agora obsoletas para o armazenamento de grãos no Levante. As esculturas são colocadas em diálogo com suas características assemblages de rodapés industriais\, que usam materiais encontrados no ambiente urbano\, em lugares como canteiros de obras e sistemas de drenagem. Através da escultura e do filme\, as obras da artista exploram a terra e seus ritmos como base para formas de vida que também podem servir para resistir\, fugir e transformar estruturas de poder hegemônico.
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LOCATION:MoMA PS1\, 22-25 Jackson Ave LIC\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Just Above Midtown no MoMA
DESCRIPTION:Just Above Midtown – ou JAM – era uma galeria de arte e um laboratório artístico liderado por Linda Goode Bryant\, voltado a artistas afro-americanos e negros. Aberto de 1974 a 1986\, foi um lugar onde a arte negra floresceu e o debate foi cultivado. A galeria ofereceu oportunidades iniciais para artistas hoje muito reconhecidos\, incluindo David Hammons\, Lawrence D. “Butch” Morris\, Senga Nengudi\, Lorraine O’Grady\, e Howardena Pindell. Nengudi descreveu a energia do JAM como “vibrante”\, um espaço onde os artistas “recebiam carta branca\, e não havia restrições”. Essa exposição apresenta artistas e obras de arte apresentadas e criadas no JAM em uma ampla variedade de meios. O material de arquivo e as intervenções artísticas contextualizam o ethos experimental que definiu a galeria. \n\n\n\nAnimada pela crença de Goode Bryant em tentar “nos conectar com nossa capacidade inata de usar o que temos para criar o que precisamos”\, a galeria tomou o que era uma visão expansiva na época\, abraçando artistas que trabalhavam com abstração e materiais baratos\, vídeo e performance\, assim como artistas autodidatas e da Costa Oeste. Ela organizou exposições que exploraram a ideia de mistura artística e racial\, incentivou colaborações entre artistas e ofereceu uma plataforma para críticas consistentes sobre a comercialização da arte. Como parte de sua missão de construir relacionamentos com o público artístico da cidade\, Goode Bryant e seus colaboradores incorporaram palestras e workshops na programação da galeria\, incluindo “The Business of Being an Artist”\, dirigido ao desenvolvimento profissional dos artistas\, e “Brunch with JAM”\, uma série de almoços de $5 com palestras de artistas e curadores de museus. A mostra inclui performances\, exibições e programas públicos\, assim como uma série de colaborações.
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LOCATION:MoMA\, 11 W 53rd St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Oscar yi Hou no Brooklyn Museum
DESCRIPTION:Em uma época de crescente violência contra as comunidades asiáticas nos Estados Unidos\, Oscar yi Hou questiona o que significa ser “asiático-americano” e quem é considerado “norte-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon\, título de um poema do artista\, compreende onze de suas recentes pinturas figurativas. Em algumas obras\, yi Hou coloca seus amigos e ele mesmo como figuras da história do leste asiático e da cultura visual ocidental\, desde imigrantes chineses do século XIX até Son Goku\, da popular franquia de mídia Dragon Ball. Em outros\, o artista retrata suas amigas\, muitas das quais\, como ele\, se identificam como parte de uma comunidade criativa asiática\, em papéis tradicionalmente brancos e masculinos\, acabando com os estereótipos de longa data. Da mesma forma\, yi Hou olha tanto para a cultura popular quanto para referências passadas\, incluindo as coleções de arte asiática recentemente reinstaladas do Brooklyn Museum\, em sua abordagem para essas composições que remete à colagem. O artista envolve seus temas com o que ele chama de iconografia de “cowboy chinês”\, um caleidoscópio de imagens como bandeiras americanas\, símbolos yin-yang\, chapéus de cowboy e caligrafia chinesa. Através dessa justaposição (e de sua crítica sobre as calúnias contra o povo do Leste Asiático) yi Hou revela a complexidade da questão de identidade nacional\, como evidenciado por sua própria origem sino-britânica. Agora morando no Brooklyn\, ele afirma: “Embora eu seja apenas um norte-americano\, sou resolutamente um asiático-americano”. Oscar yi Hou: East of Sun\, West of Moon é organizado por Eugenie Tsai\, Curador Sênior de Arte Contemporânea do Brooklyn Museum\, com Indira A. Abiskaroon\, Assistente Curatorial de Arte Moderna e Contemporânea.
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LOCATION:Brooklyn Museum\, 200 Eastern Pkwy Brooklyn\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Edward Hopper no Whitney Museum
DESCRIPTION:Para Edward Hopper\, Nova York era uma cidade que existia tanto na mente quanto no mapa\, um lugar que tomou forma através da experiência vivida\, da memória e da imaginação coletiva. Foi\, ele refletiu no final da vida\, “a cidade americana que melhor conheço e de que mais gosto”. A cidade de Nova York foi a casa de Hopper por quase seis décadas (1908-67)\, um período que abrange toda a sua carreira madura. A Nova York de Hopper não era um retrato exato da metrópole do século 20. Durante sua vida\, a cidade foi submetida a um tremendo desenvolvimento: arranha-céus atingiram alturas recordes\, os canteiros de obras rugiam pelos cinco bairros\, e uma população cada vez mais diversificada cresceu. Ainda assim\, suas representações de Nova York permaneceram em escala humana e em grande parte despovoadas. Escapando do skyline icônico e de marcos pitorescos\, como a Brooklyn Bridge e o Empire State Building\, em vez disso Hopper voltou sua atenção para suas estruturas utilitárias não elogiadas e esquinas ermas\, atraído pelo contraste incômodo entre novo e antigo\, coletivo e residencial\, público e privado\, evidências dos paradoxos da cidade em transformação. A Nova York de Edward Hopper traça o fascínio duradouro do artista pela cidade\, revelando uma visão de Nova York que é tanto uma manifestação do próprio Hopper quanto um registro da cidade ao seu redor. A exposição Edward Hopper’s New York dá uma visão abrangente da vida e do trabalho de Hopper\, desde suas primeiras impressões de Nova York em esboços\, gravuras e ilustrações\, até suas últimas pinturas\, nas quais a cidade serviu de pano de fundo para suas evocativas destilações da experiência urbana. Extraída do extenso acervo da Whitney e ampliada por empréstimos-chave\, a exposição reúne muitos dos quadros emblemáticos da cidade de Hopper\, bem como vários exemplos menos conhecidos\, mas de importância crítica. A mostra é significativamente permeada por materiais variados do arquivo Sanborn Hopper recentemente adquirido pelo museu (efêmera\, correspondência\, fotografias e periódicos) que juntos inspiram novas ideias sobre a vida de Hopper na cidade. Ao explorar o trabalho do artista através das lentes de Nova York\, a exposição oferece uma nova visão dessa figura formidável e considera a própria cidade como um ator principal. A exposição foi organizada por Kim Conaty\, curadora de desenho e gravuras\, com Melinda Lang\, assistente sênior de curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Meret Oppenheim no MoMA
DESCRIPTION:“Ninguém lhe dará liberdade”\, disse Meret Oppenheim em 1975. “Você tem que tomá-la”. Inspirada em projetos da própria artista visionária suíça\, Meret Oppenheim: My Exhibition reúne quase 200 obras que oferecem uma ampla visão retrospectiva da inovação de Oppenheim ao longo de sua vida\, com um conceito de arte notavelmente aberto\, e uma originalidade e sagacidade ferozes. Mais conhecida por sua famosa xícara de chá revestida de peles\, o escopo completo da carreira de seis décadas de Oppenheim tem sido largamente desconhecido fora de sua Suíça natal\, e muitas das pinturas\, esculturas\, montagens\, relevos\, desenhos de joias\, trabalhos em papel e colagens estão em exposição nos EUA pela primeira vez. Esta exposição oferece uma rara oportunidade de ver a produção de Oppenheim em toda sua exuberante variedade\, desde objetos ousados expostos pela primeira vez ao lado dos surrealistas nos anos 1930\, até colagens pintadas que incorporam materiais naturais encontrados na paisagem alpina\, passando por esculturas feitas de bronze e pedras semi-preciosas. Antes de sua apresentação no MoMA\, a exposição foi apresentada no Kunstmuseum de Berna\, Suíça\, entre 22 de outubro de 2021 e 13 de fevereiro de 2022\, e na Menil Collection\, em Houston\, entre 25 de março e 18 de setembro de 2022.
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