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SUMMARY:"La poesia ti guarda". Homenagem ao Grupo 70 (1963-2023) na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação Galleria d’Arte Moderna\n\n\n\n\nEm 24 de maio de 1963\, no Forte do Belvedere em Florença\, ocorreu a conferência “Arte e comunicação”\, considerada pelos estudiosos o ato oficial de fundação do Grupo 70. \n\n\n\nSeis décadas após esse evento\, a Galleria d’Arte Moderna organiza uma exposição em homenagem aos artistas que determinaram sua criação. \n\n\n\nO Grupo 70 é o grupo artístico que interpreta de forma mais completa e coerente\, no contexto italiano\, o movimento internacional da poesia visual. Entre as neo-vanguardas\, é a que mais possui um caráter híbrido e multilíngue\, situando-se em uma “terra de ninguém” sugestiva entre a escrita e a imagem\, entre as artes visuais e a poesia. A arte era entendida e problematizada\, de forma mais geral\, como parte do complexo sistema de comunicação. \n\n\n\nEm comemoração a este aniversário\, é realizada uma homenagem aos principais expoentes do grupo – Ketty La Rocca\, Lucia Marcucci\, Eugenio Miccini\, Luciano Ori\, Lamberto Pignotti\, além de Roberto Malquori e Michele Perfetti – destacando as diversas manifestações estéticas e formais da poesia visual. \n\n\n\nAs obras\, em sua maioria inéditas e/ou pouco conhecidas pelo grande público\, provêm da coleção da Galeria de Arte Moderna\, do Arquivo Carlo Palli de Prato\, entre as principais coleções italianas de poesia visual\, do MART de Rovereto\, do Arquivo Lamberto Pignotti de Roma\, da Fundação Bonotto de Colceresa (VI) e de outras prestigiosas coleções privadas. \n\n\n\nA exposição inclui também poesias sonoras e cinépoesias\, livros de artista e documentos que ilustram de diversas maneiras as premissas teóricas\, as razões poéticas e os resultados expressivos do Grupo 70. \n\n\n\nA mostra\, com curadoria de Daniela Vasta\, é realizada em colaboração com o Arquivo Carlo Palli\, Arquivo Lamberto Pignotti e Fundação Bonotto. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por um catálogo editado pela De Luca Editori d’Arte\, com contribuições críticas de Daniela Vasta\, Patrizio Peterlini e Lucilla Saccà\, e uma entrevista inédita com Lamberto Pignotti por Claudio Crescentini\, além de aparatos bio-bibliográficos organizados por Elena Rosica.
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LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
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SUMMARY:Chiara Camoni no Pirelli HangarBicocca
DESCRIPTION:Chiara Camoni\, Barricata #1\, 2016\, Vista da instalação no Pirelli HangarBicocca\, Milão\, 2024. Foto: Agostino Osio\n\n\n\nChiara Camoni (Piacenza\, 1974; vive e trabalha em Seravezza\, Itália) é uma das principais artistas italianas de sua geração. Sua prática abrange desde desenhos até estampas vegetais\, de vídeos a esculturas\, com um foco particular em cerâmica. Seu trabalho é caracterizado pelo uso de objetos pertencentes ao mundo doméstico ou materiais orgânicos que a artista integra em sua produção. Ervas\, frutas e flores\, assim como vários tipos de argila e cinzas\, determinam os distintos tons naturais de suas obras\, e evocam a terra e a vegetação que a artista coleta e incorpora em suas esculturas. As obras são então manipuladas e reagrupadas por Chiara Camoni por meio de gestos rituais com fortes conexões com os mundos ancestrais e arcaicos\, com o objetivo de explorar a relação entre artesanato e a esfera espiritual. A dimensão coletiva e compartilhada também é relevante para sua prática\, já que a artista frequentemente colabora com amigos e parentes ou organiza oficinas e seminários para realizar seus projetos. \n\n\n\nA exposição no Pirelli HangarBicocca reúne o maior conjunto de obras já apresentado por Chiara Camoni e\, juntamente com uma série de novas produções\, dá vida a uma arquitetura de coletividade e memória\, cujas formas são inspiradas nos jardins italianos do final do Renascimento e nos antigos anfiteatros. O design simétrico e radial da planta cria corredores e salas\, caminhos e ambientes que dividem o espaço em áreas onde os visitantes podem permanecer ou conversar. Essa grande instalação abriga inúmeras outras obras da artista\, incluindo uma grande seleção de esculturas de terracota policromada e esmaltada\, como as figuras antropomórficas da série Sisters (2017-23) e os Butterfly Vases (2020-22)\, uma reinterpretação dos jarros canópicos egípcios. Ao lado de ilhas esculturais\, como os ladrilhos de cerâmica Pavi­mento (For Clarice) (2021) e as cortinas feitas de estampas vegetais de Untitled (a Tent) (2019)\, os visitantes encontrarão novas obras figurativas em ônix\, pedra leccese e alumínio que se baseiam no vocabulário dos bestiários medievais. \n\n\n\nA exposição será complementada por um catálogo monográfico\, que incluirá uma documentação aprofundada da exposição e textos críticos encomendados a historiadores da arte\, sociólogos e arqueólogos. Alguns dos conceitos e temas da exposição serão explorados por meio de ensaios específicos e contribuições de autores como Anna Anguissola\, Domitilla Dardi\, Gian Antonio Gilli\, Chus Martínez\, Alice Motard e Andrea Viliani.
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LOCATION:Fondazione Pirelli HangarBicocca\, Via Chiese 2\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Exposure. Arte\, culture\, moda dentro e fuori la vetrina" no Museo delle Culture
DESCRIPTION:Mark Dion\, Raiding Neptune’s vault. Voyage to the Bottom of the Canals and Lagoons of Venice\, Installation Cabinet B\, 1997-98. Coleção privada.\n\n\n\nA exposição\, com curadoria de Katya Inozemtseva e Sara Rizzo\, reflete sobre a concepção tradicional da vitrine e sua centralidade nos projetos de exposição. Ligada à “exposição museológica clássica”\, a vitrine expõe e ao mesmo tempo separa o objeto\, oferecendo-o para apreciação\, mas formando uma barreira para o espectador. Nos museus etnográficos\, em particular\, o efeito “neutralizante” da vitrine afeta as obras\, isolando-as\, privando-as do contexto e da função originais. \n\n\n\nA mostra é antecipada nas salas da Coleção Permanente por uma intervenção especial do artista contemporâneo Theo Eshetu (1958)\, “Crocodile on a ceiling”\, um trabalho inédito\, produzido especialmente para o MUDEC. Através da inversão da visão\, Eshetu reflete sobre a origem do próprio museu\, a ser rastreada nos gabinetes de curiosidades renascentistas. “Brave New World”\, também de Theo Eshetu\, é um caleidoscópio de imagens em movimento que torna o próprio público parte da obra. \n\n\n\nSegue-se nas salas “Focus” uma seção dedicada à história da vitrine nas montagens museológicas e seu papel como meio de classificação\, especialmente nas coleções etnográficas. O tema do desejo é abordado através das imagens oníricas das vitrines criadas pelo lendário designer e vitrinista Gene Moore para a Tiffany\, e pelas montagens dos designers Albe Steiner\, Giancarlo Iliprandi e Roberto Sambonet para a Rinascente na segunda metade do século XX. \n\n\n\nEncerrando o percurso\, há um foco na caixa de exposição na prática da arte contemporânea\, através de obras de Mark Dion (1961)\, Sam Durant (1961) e uma instalação site-specific de Monia Ben Hamouda (1991)\, destinada a desconstruir a prática da vitrine e\, metaforicamente\, do próprio museu. \n\n\n\nA exposição é precedida no icônico ambiente da ágora por Luce dietro tracce incompiute\, de Mariana Castillo Deball (1975): no átrio de vidro do museu\, as sete esculturas têxteis\, inspiradas em peças das coleções do MUDEC\, criam uma situação invertida na qual o público se encontra\, junto com as obras\, dentro de uma imponente vitrine. \n\n\n\nA exposição é enriquecida ainda por uma programação diversificada de eventos que nos permite refletir sobre alguns conceitos-chave da mostra e sair do museu graças à arte pública. \n\n\n\nO projeto “Exposure” será ilustrado no segundo número da revista “MU – MUDEC United”\, que\, de acordo com sua proposta editorial\, oferecerá aprofundamentos transversais sobre o tema da exposição. \n\n\n\nArtistas presentes na exposição: Monia Ben Hamouda\, Mark Dion\, Sam Durant\, Theo Eshetu\, Damien Hirst\, Candida Höfer\, Giancarlo Iliprandi\, Gene Moore\, Roberto Sambonet\, Albe Steiner.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Miranda July: New Society" na Fondazione Prada
DESCRIPTION:Miranda July: New Society\, Osservatorio Fondazione Prada\, Milão\, Foto: Valentina Sommariva\, Cortesia da Fondazione Prada.\n\n\n\n\nOrganizada por Mia Locks\, Miranda July: New Society é a primeira exposição dedicada à obra de Miranda July\, que percorre os trinta anos de carreira da artista\, diretora e escritora americana através de seus curtas-metragens\, performances e instalações. O projeto inclui o novo trabalho F.A.M.I.L.Y. (Falling Apart Meanwhile I Love You)\, uma instalação de vídeo de vários canais que documenta a colaboração de um ano entre July e sete artistas performáticos no Instagram. F.A.M.I.L.Y. é o ponto de partida para investigar na exposição os temas presentes em outros projetos performativos e colaborativos de July. \n\n\n\nO primeiro andar do Observatório apresenta a documentação das performances de July\, desde as primeiras em locais punk até as mais conhecidas\, como Love Diamond (1998-2000)\, The Swan Tool (2000-2003)\, Things We Don’t Understand and Definitely Are Not Going to Talk About (2006-2007) e New Society (2015)\, juntamente com adereços\, figurinos e documentos de arquivo. \n\n\n\nNo segundo andar está exposto F.A.M.I.L.Y. juntamente com outros dois projetos colaborativos – I’m the President\, Baby (2018) e Services (2020). A exposição também apresenta uma reiteração de Learning to Love You More (2000-2007)\, um projeto online realizado em colaboração com Harrell Fletcher\, que inclui setenta “tarefas” atribuídas ao público e carregadas no site. A “tarefa” nº 43 (“Realize uma exposição com as obras que encontrar na casa de seus pais”)\, realizada por uma mulher milanesa especialmente para este projeto expositivo\, será apresentada como parte da exposição. \n\n\n\nMiranda July: New Society é acompanhada pela apresentação da filmografia completa de July\, que ocorrerá no Cinema Godard da Fundação Prada simultaneamente com a exposição. O programa inclui três longas-metragens\, Me and You and Everyone We Know (2005)\, The Future (2011) e Kajillionaire (2020)\, e será complementado por uma seleção de curtas-metragens e obras inéditas na tela grande.
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LOCATION:Fondazione Prada\, Largo Isarco\, 2\, Milão\, Itália
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SUMMARY:Pino Pascali na Fondazione Prada
DESCRIPTION:Pino Pascali\, Fondazione Prada\, Milão\, Foto por Roberto Marossi\, Cortesia da Fondazione Prada.\n\n\n\nA Fondazione Prada apresenta uma extensa retrospectiva dedicada ao artista italiano Pino Pascali (1935-1968). O projeto explora o caráter inovador de sua obra\, especialmente em relação à produção escultórica\, que nos últimos cinquenta anos teve um impacto fundamental em diversas gerações de artistas e críticos e continua a atrair a atenção do público internacional. \n\n\n\nCurada por Mark Godfrey\, a exposição é dividida em quatro seções\, cada uma delas oferecendo uma perspectiva precisa sobre a produção de Pascali\, e é realizada em três edifícios da sede em Milão: o Podium\, a galeria Nord e a galeria Sul. Concebido por 2×4\, o percurso de exibição inclui quarenta e nove obras de Pino Pascali vindas de museus italianos e internacionais e de coleções privadas prestigiadas; nove trabalhos de artistas do pós-guerra; uma seleção de fotografias e um vídeo retratando o artista com suas obras. \n\n\n\nNascido em Bari em 1935\, Pino Pascali mudou-se para Roma em 1955 para estudar cenografia na Academia de Belas Artes. Trabalhou como assistente de cenografia em várias produções televisivas da Rai e colaborou como designer e cenógrafo para o cinema e algumas agências publicitárias. Em 1965\, realizou sua primeira exposição individual na Galleria La Tartaruga\, em Roma. Em 1968\, morreu tragicamente em um acidente de moto aos trinta e dois anos\, no mesmo ano de sua apresentação monográfica na Bienal de Arte de Veneza. \n\n\n\nComo escreve Mark Godfrey no texto publicado no catálogo\, “Pascali explorou a relação entre escultura e elementos cênicos e contrapôs escultura e objetos de uso. Ele criou obras que de longe parecem ready-mades\, mas que\, olhadas de perto\, revelam-se feitas de materiais reciclados. Ele questionava as potencialidades de uma escultura ‘falsa’ ou ‘simulada’. Nomeava as obras como se fossem corpos sólidos\, piscando para seu público\, por sua vez consciente de que se tratavam de volumes vazios. Ele usava elementos naturais como terra e água junto com materiais de construção como eternit\, e dividia seus mares e campos em unidades modulares. Levava para o estúdio novos produtos de consumo e tecidos sintéticos para criar animais\, armadilhas e pontes. E se a complexidade de sua abordagem à escultura é inquestionável\, o fator que torna sua prática artística tão genial e original é outro. Pascali é um artista sempre atual porque era um ‘exibicionista’. […] Pascali entendia que os artistas do pós-guerra precisavam dedicar tantas energias à atividade expositiva quanto às dedicadas a refinar as obras no estúdio”. \n\n\n\nO projeto expositivo é composto por quatro seções. A primeira analisa a abordagem com a qual Pascali realizou suas exposições de 1965 a 1968\, criando ambientes originais em vez de simples seleções de obras de seu estúdio. A segunda parte explora seus mais significativos intervencionismo em importantes exposições coletivas daquela época e inclui os trabalhos de artistas que expuseram junto com ele. A terceira seção examina a interação de Pascali com suas esculturas nas fotografias tiradas por Claudio Abate\, Andrea Taverna e Ugo Mulas e como essas imagens sugerem modos fantasiosos de abordar seu trabalho. A quarta seção investiga o uso de materiais naturais e industriais por parte de Pascali\, estudando sua origem\, seu uso comercial\, quais outros artistas os utilizaram e seu desenvolvimento ao longo do tempo.
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SUMMARY:"Ground Break" de Nari Ward no Pirelli HangarBicocca
DESCRIPTION:Nari Ward\, vista da instalação no Pirelli HangarBicocca\, Milão\, 2024. Imagem: Divulgação\n\n\n\nNari Ward (St. Andrew\, Jamaica\, 1963; vive e trabalha em Nova York) é um artista internacionalmente aclamado\, conhecido por suas instalações que combinam materiais familiares e humildes em uma sobreposição de referências sócio-históricas. Ao reutilizar uma ampla gama de objetos encontrados\, cada um com sua própria história única\, sua arte dialoga com a memória e a transformação\, abrindo novas possibilidades. O entrelaçamento e a justaposição de elementos descartados por Nari Ward aludem a vários aspectos sociais e políticos e abordam noções de identidade\, raça\, justiça social e cultura do consumo\, criando obras comoventes que tecem respostas tanto espirituais quanto conceituais. Seu uso intencional de materiais cotidianos\, remanescentes de práticas passadas\, lugares\, comunidades e épocas\, permite ao espectador se conectar diretamente com as obras\, mantendo a narrativa aberta a temas contemporâneos e urgentes. \n\n\n\nA retrospectiva no Pirelli HangarBicocca apresenta\, pela primeira vez\, uma combinação de obras que entrelaça a exploração de Ward da performatividade e projetos colaborativos. Com um foco particular em trabalhos de mídia baseada no tempo\, incluindo vídeo\, som\, esculturas performativas e instalações\, a exposição embarca em mais de trinta anos de prática\, apresentando obras seminais e históricas antigas\, bem como novas produções. A narrativa se desenrola por meio das instalações de grande escala seminais\, originalmente realizadas por Ward entre 1996 e 2000 para a coreografia da Trilogia Geográfica de Ralph Lemon\, apresentadas aqui em um contexto de exposição pela primeira vez desde então. As três obras criarão uma nova coreografia juntamente com outras esculturas\, vídeos\, instalações e os corpos dos visitantes. A noção de performatividade anima a própria exposição\, que será marcada por um programa de ações colaborativas ao vivo durante toda a mostra. \n\n\n\nA exposição será complementada por um volume monográfico apresentando os estudos mais recentes sobre a prática de Nari Ward\, explorando aspectos de performatividade\, som e práticas baseadas no tempo que surgiram a partir de intercâmbios colaborativos no trabalho do artista. O livro incluirá ensaios e contribuições temáticas de acadêmicos e críticos internacionais\, incluindo Naomi Beckwith\, Jessica Bell Brown\, Adrienne Edwards\, Dieter Roelstraete e Christina Sharpe.
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SUMMARY:“From the Heart to the Hands: Dolce&Gabbana” no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Vista da exposição “From the Heart to the Hands”\, 2024 Palazzo Reale. Foto: Michael Adair\n\n\n\n“From the Heart to the Hands: Dolce&Gabbana” reunirá pela primeira vez as criações únicas da marca de moda. A exposição será uma carta de amor aberta à cultura italiana como inspiração duradoura para os designs de moda da Dolce&Gabbana\, traçando a extraordinária tradução das ideias de Domenico Dolce e Stefano Gabbana\, do coração até sua realização\, manualmente. \n\n\n\nA exposição\, que terá início em Milão e depois viajará pelo mundo\, celebrará a marca como símbolo do estilo italiano\, seguindo os sonhos da Alta Moda\, e explorará sua abordagem não convencional ao mundo do luxo: elegante\, sensual e única\, mas também humorística\, irreverente e subversiva. \n\n\n\nCurada por Florence Müller e produzida pela IMG\, a exposição também apresentará obras de artistas visuais em diálogo com os celebrados designs da Dolce&Gabbana. \n\n\n\nO arquivo e as novas coleções serão exibidos em uma série de temas destacando as muitas camadas de influências culturais italianas em seu enfoque ao design de moda – incluindo arte\, arquitetura\, artesanato\, cidades e sua topografia regional\, música\, ópera e balé\, tradições populares\, teatro e\, é claro\, “la dolce vita”.
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SUMMARY:"Io sono un drago" de  na Triennale Milano
DESCRIPTION:Vista da exposição “Io sono un drago” na Triennale Milano. Foto: Delfino Sisto Legnani\, DSL Studio\n\n\n\nUma ampla retrospectiva – produzida em parceria com a Fondation Cartier pour l’art contemporain – sobre o trabalho do arquiteto\, designer e artista Alessandro Mendini. Com mais de quatrocentas obras\, a exposição é organizada em diversas seções temáticas e reúne peças de vários formatos\, materiais e temas\, provenientes de coleções públicas e privadas. O título “Io sono un drago” [Eu sou um dragão] faz referência a um dos autorretratos mais emblemáticos de Mendini\, destacando a complexidade de sua figura dentro do cenário internacional do design\, da arquitetura e da arte.
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SUMMARY:"Gae Aulenti (1927-2012)" na Triennale Milano
DESCRIPTION:Vista da instalação. Foto: Alessandro Saletta\, DSL Studio\n\n\n\n\nEsta é a primeira retrospectiva dedicada a Gae Aulenti (1927–2012)\, uma das mais representativas profissionais da arquitetura e design contemporâneos. Em sua carreira de mais de 60 anos\, a multitalentosa designer atuou em diversos campos: desde o design em escala urbana até a criação de exposições\, arquitetura paisagística\, decoração de interiores\, design de móveis\, gráficos e cenografia. A exposição apresenta sua trajetória de maneira analítica e impressionante\, transmitindo seu modo pessoal de ver\, imaginar e projetar a realidade\, o que deixou uma marca em vários contextos italianos e estrangeiros na segunda metade do século XX. O percurso expositivo é composto por uma sequência de salas reproduzidas em escala real (1:1)\, com o auxílio de materiais originais (desenhos\, fotografias\, maquetes) do arquivo milanês da arquiteta.
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SUMMARY:"L’estetica della deformazione" na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Arnaldo Badodi\, Caffè\, 1940. Foto: Studio Vandrasch. Cortesia da Collezione Giuseppe Iannaccone\, Milão.\n\n\n\n\nA exposição L’estetica della deformazione. Protagonisti dell’espressionismo italiano apresenta cerca de 130 obras que percorrem a variada realidade do expressionismo italiano\, com destaque para personalidades e grupos ativos principalmente em Roma\, Milão e Turim. \nUma das fases mais originais da cultura artística italiana da primeira metade do século XX é representada pelo expressionismo dos anos 1920-1940. Embora tenha se desenvolvido em grupos mais ou menos definidos e duradouros\, o movimento trouxe uma contribuição fundamental para a pesquisa artística. A exposição\, realizada na Galleria d’Arte Moderna\, foi concebida em preparação para a celebração do centenário da instituição (1925-2025) e dedica-se a essa experiência estética e poética que atravessa as duas guerras mundiais. \nA mostra foca em algumas das mais importantes personalidades que\, em percursos individuais ou dentro de grupos codificados\, expressaram\, na Itália dos anos 1920-1940\, uma linguagem marcadamente antiacadêmica. Essa linguagem estava centrada na transcrição de dados subjetivos interiores\, utilizando cores antinaturalistas e rebeldes\, e formas que desviavam do cânone clássico de beleza. Para esses artistas\, a representação precisa das coisas não era importante; o objetivo era externalizar suas visões interiores e “interpretar” o dado percebido. O termo “expressionismo” deriva do latim exprimĕre\, que significa “externar” ou “espremer”\, refletindo a ideia de transmitir através de um filtro subjetivo. Assim\, os retratos deixam de buscar a precisão fotográfica\, os paisagens adquirem um olhar inquieto\, e a cidade se transforma em cenário de visões alucinantes e oníricas\, enquanto os objetos nas naturezas-mortas se tornam metáforas enigmáticas. Formas deformadas e cores agressivas e audaciosas oferecem um instrumento linguístico adequado para essas ideias. \nA exposição é possível graças ao diálogo entre a coleção da Galleria d’Arte Moderna e obras de outras coleções capitolinas\, como as dos Musei di Villa Torlonia e da Casa Museo Alberto Moravia\, além de peças da prestigiada Collezione Giuseppe Iannaccone de Milão\, que nunca havia sido exibida em Roma. Esse diálogo permite explorar a rica realidade do expressionismo italiano\, com foco nos grupos baseados em Roma\, Milão e Turim. \nDestaque para as duas aquisições mais recentes da Collezione Giuseppe Iannaccone: os óleos sobre tela Nudo sdraiato (1929)\, de Gigi Chessa\, e Figura in blu (e vaso verde) (1929)\, de Francesco Menzio. A coleção\, especializada em arte italiana entre as duas guerras\, oferece uma visão única do expressionismo italiano dos anos 1920-1940\, particularmente nos grupos que propuseram uma estética “neorromântica”\, em contraste com o neoclassicismo da época. \nArtistas presentes na exposição incluem: Afro\, Arnaldo Badodi\, Mirko Basaldella\, Renato Birolli\, Domenico Cantatore\, Bruno Cassinari\, Gigi Chessa\, Filippo De Pisis\, Lucio Fontana\, Nino Franchina\, Nicola Galante\, Renato Guttuso\, Carlo Levi\, Mario Mafai\, Giacomo Manzù\, Marino Mazzacurati\, Roberto Melli\, Francesco Menzio\, Ennio Morlotti\, Fausto Pirandello\, Antonietta Raphaël\, Aldo Salvadori\, Aligi Sassu\, Scipione (Gino Bonichi)\, Emilio Sobrero\, Luigi Spazzapan\, Filippo Tallone\, Fiorenzo Tomea\, Arturo Tosi\, Ernesto Treccani\, Italo Valenti\, Emilio Vedova e Alberto Ziveri. \nO percurso expositivo começa em Roma\, com a Scuola di via Cavour e as personalidades que definiram a “escola romana” e suas peculiaridades técnicas e temáticas. O encontro entre Scipione e Mafai\, seguido por Antonietta Raphaël\, deu início a uma pintura visionária e onírica\, influenciada por artistas como Goya\, El Greco e Bosch\, bem como pelos modernos Kokoschka\, Chagall\, Derain e Dufy. O crítico Roberto Longhi\, ao revisar a mostra do grupo em 1929\, destacou as influências expressionistas francesas no grupo. \nA exposição continua com os protagonistas do grupo Sei di Torino (1929-31)\, influenciado por Felice Casorati e pelas personalidades de Edoardo Persico e Lionello Venturi. Através de obras de Chessa\, Galante\, Levi\, Menzio\, e outros\, como Spazzapan e Sobrero\, explora-se uma pintura inspirada nas pesquisas impressionistas e pós-impressionistas francesas. \nO percurso conclui-se com o grupo Corrente\, ativo a partir de 1938 em Milão\, que expressa um expressionismo lírico vigoroso. Coordenados por Edoardo Persico\, artistas como Badodi\, Birolli\, Cassinari\, Sassu\, Treccani e Valenti demonstram uma pintura inquieta e emocional. \nA exposição L’estetica della deformazione. Protagonisti dell’espressionismo italiano renova o compromisso da Sovrintendenza Capitolina em tornar acessíveis suas mostras temporárias. Um percurso dedicado com desenhos em relevo\, traduções em braille e audiodescrições foi desenvolvido para pessoas com deficiência visual.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/lestetica-della-deformazione-na-galleria-darte-moderna/
LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
CATEGORIES:Milão
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SUMMARY:"À jour. Laura VdB Facchini" na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Divulgação Galleria d’Arte Moderna\n\n\n\n\nO projeto site-specific concebido e realizado pela artista Laura VdB (Van der Bol) Facchini estabelece um diálogo direto com o complexo monumental do antigo mosteiro de San Giuseppe a Capo le Case\, atual sede da Galleria d’Arte Moderna. Curado por Wind Mill\, o trabalho foi desenvolvido com base em uma investigação detalhada do espaço\, suas cores e iluminação\, resultando em uma instalação que homenageia as monjas Carmelitas Descalças que ocuparam o local por séculos e que\, em parte\, ainda residem no complexo. \nIntitulada À jour\, a instalação remete à técnica de bordado à mão\, reinterpretando-a em escala monumental com o uso de tiras de polietileno branco e transparente. Essas tiras\, amarradas e entrelaçadas\, compõem um grande painel tridimensional que responde à arquitetura do local\, adaptando-se à fachada e ao claustro do antigo mosteiro. Os pontos de fixação dos materiais foram cuidadosamente escolhidos nas superfícies existentes\, respeitando o caráter histórico e arquitetônico do espaço. \nA obra começa a envolver os visitantes já na entrada do museu\, com uma intervenção marcante na fachada\, e se expande pelos ambientes internos\, especialmente no claustro das esculturas e no claustro-jardim. Nestes espaços\, a interação entre o bordado tridimensional\, o ambiente aberto e as esculturas cria arabescos e formas que sugerem novas perspectivas e interpretações. O entrelaçamento das fitas conecta o interior ao exterior\, preenchendo os vazios das janelas e estabelecendo um diálogo visual entre as paredes e as aberturas\, formando geometrias inovadoras e efeitos tridimensionais que acentuam o volume das superfícies arquitetônicas. \nO material utilizado\, o filme extensível de embalagem\, é uma escolha recorrente nas obras de Laura VdB Facchini por sua flexibilidade e pelo respeito que demonstra em intervenções em espaços históricos e delicados. Em À jour\, esse material transforma o espaço em uma obra de arte que não apenas preserva a memória histórica do lugar\, mas também lhe confere uma nova dimensão estética e contemporânea.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/a-jour-laura-vdb-facchini-na-galleria-darte-moderna/
LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
CATEGORIES:Milão
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