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SUMMARY:"La poesia ti guarda". Homenagem ao Grupo 70 (1963-2023) na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação Galleria d’Arte Moderna\n\n\n\n\nEm 24 de maio de 1963\, no Forte do Belvedere em Florença\, ocorreu a conferência “Arte e comunicação”\, considerada pelos estudiosos o ato oficial de fundação do Grupo 70. \n\n\n\nSeis décadas após esse evento\, a Galleria d’Arte Moderna organiza uma exposição em homenagem aos artistas que determinaram sua criação. \n\n\n\nO Grupo 70 é o grupo artístico que interpreta de forma mais completa e coerente\, no contexto italiano\, o movimento internacional da poesia visual. Entre as neo-vanguardas\, é a que mais possui um caráter híbrido e multilíngue\, situando-se em uma “terra de ninguém” sugestiva entre a escrita e a imagem\, entre as artes visuais e a poesia. A arte era entendida e problematizada\, de forma mais geral\, como parte do complexo sistema de comunicação. \n\n\n\nEm comemoração a este aniversário\, é realizada uma homenagem aos principais expoentes do grupo – Ketty La Rocca\, Lucia Marcucci\, Eugenio Miccini\, Luciano Ori\, Lamberto Pignotti\, além de Roberto Malquori e Michele Perfetti – destacando as diversas manifestações estéticas e formais da poesia visual. \n\n\n\nAs obras\, em sua maioria inéditas e/ou pouco conhecidas pelo grande público\, provêm da coleção da Galeria de Arte Moderna\, do Arquivo Carlo Palli de Prato\, entre as principais coleções italianas de poesia visual\, do MART de Rovereto\, do Arquivo Lamberto Pignotti de Roma\, da Fundação Bonotto de Colceresa (VI) e de outras prestigiosas coleções privadas. \n\n\n\nA exposição inclui também poesias sonoras e cinépoesias\, livros de artista e documentos que ilustram de diversas maneiras as premissas teóricas\, as razões poéticas e os resultados expressivos do Grupo 70. \n\n\n\nA mostra\, com curadoria de Daniela Vasta\, é realizada em colaboração com o Arquivo Carlo Palli\, Arquivo Lamberto Pignotti e Fundação Bonotto. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por um catálogo editado pela De Luca Editori d’Arte\, com contribuições críticas de Daniela Vasta\, Patrizio Peterlini e Lucilla Saccà\, e uma entrevista inédita com Lamberto Pignotti por Claudio Crescentini\, além de aparatos bio-bibliográficos organizados por Elena Rosica.
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LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Martin Parr. Short and sweet" no Museo delle Culture
DESCRIPTION:Martin Parr\, La torre pendente\, Italia\, Pisa\, 1990 © Martin Parr/Magnum Photos\n\n\n\nO Museo delle Culture continua a bem-sucedida colaboração com a Magnum Photos sobre fotografia de reportagem e documental com Martin Parr. Short and sweet\, uma grande exposição dedicada a um dos fotógrafos documentaristas britânicos mais reconhecidos e aclamados do nosso tempo\, produzida pela 24 ORE Cultura\, promovida pela Prefeitura de Milão-Cultura e que conta com a Fundação Deloitte como Parceira Institucional. \n\n\n\nDesde seus primeiros trabalhos em preto e branco até os temas mais caros a Parr – das “vidas de praia” ao turismo – o projeto expositivo\, curado pessoalmente pelo artista\, expõe mais de 60 fotografias selecionadas por Parr especialmente para este projeto e apresentadas junto com o conjunto de imagens da série que o tornou famoso\, Common Sense\, com mais de 200 fotografias das 350 expostas na exposição homônima de 1999 que exploram a realidade plastificada e kitsch do mundo ocidental. \n\n\n\nAtravés de um percurso pelos projetos mais conhecidos e também de uma entrevista inédita conduzida pela historiadora e crítica de fotografia Roberta Valtorta\, o estilo documental inovador que caracteriza a linguagem do fotógrafo inglês Martin Parr há mais de cinquenta anos se torna um indicador para observar a sociedade contemporânea e suas nuances mais contraditórias\, aquelas que pertencem ao mundo ocidental\, em particular europeu\, retratadas por uma crônica fotográfica nítida\, sem filtros e fora da retórica\, às vezes contada com um sarcasmo penetrante; mais frequentemente apresentada com ironia e humor. As imagens de Parr capturam momentos cômicos ou inesperados\, oferecendo um olhar crítico\, mas também divertido\, sobre a vida cotidiana de todos nós.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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SUMMARY:Chiara Camoni no Pirelli HangarBicocca
DESCRIPTION:Chiara Camoni\, Barricata #1\, 2016\, Vista da instalação no Pirelli HangarBicocca\, Milão\, 2024. Foto: Agostino Osio\n\n\n\nChiara Camoni (Piacenza\, 1974; vive e trabalha em Seravezza\, Itália) é uma das principais artistas italianas de sua geração. Sua prática abrange desde desenhos até estampas vegetais\, de vídeos a esculturas\, com um foco particular em cerâmica. Seu trabalho é caracterizado pelo uso de objetos pertencentes ao mundo doméstico ou materiais orgânicos que a artista integra em sua produção. Ervas\, frutas e flores\, assim como vários tipos de argila e cinzas\, determinam os distintos tons naturais de suas obras\, e evocam a terra e a vegetação que a artista coleta e incorpora em suas esculturas. As obras são então manipuladas e reagrupadas por Chiara Camoni por meio de gestos rituais com fortes conexões com os mundos ancestrais e arcaicos\, com o objetivo de explorar a relação entre artesanato e a esfera espiritual. A dimensão coletiva e compartilhada também é relevante para sua prática\, já que a artista frequentemente colabora com amigos e parentes ou organiza oficinas e seminários para realizar seus projetos. \n\n\n\nA exposição no Pirelli HangarBicocca reúne o maior conjunto de obras já apresentado por Chiara Camoni e\, juntamente com uma série de novas produções\, dá vida a uma arquitetura de coletividade e memória\, cujas formas são inspiradas nos jardins italianos do final do Renascimento e nos antigos anfiteatros. O design simétrico e radial da planta cria corredores e salas\, caminhos e ambientes que dividem o espaço em áreas onde os visitantes podem permanecer ou conversar. Essa grande instalação abriga inúmeras outras obras da artista\, incluindo uma grande seleção de esculturas de terracota policromada e esmaltada\, como as figuras antropomórficas da série Sisters (2017-23) e os Butterfly Vases (2020-22)\, uma reinterpretação dos jarros canópicos egípcios. Ao lado de ilhas esculturais\, como os ladrilhos de cerâmica Pavi­mento (For Clarice) (2021) e as cortinas feitas de estampas vegetais de Untitled (a Tent) (2019)\, os visitantes encontrarão novas obras figurativas em ônix\, pedra leccese e alumínio que se baseiam no vocabulário dos bestiários medievais. \n\n\n\nA exposição será complementada por um catálogo monográfico\, que incluirá uma documentação aprofundada da exposição e textos críticos encomendados a historiadores da arte\, sociólogos e arqueólogos. Alguns dos conceitos e temas da exposição serão explorados por meio de ensaios específicos e contribuições de autores como Anna Anguissola\, Domitilla Dardi\, Gian Antonio Gilli\, Chus Martínez\, Alice Motard e Andrea Viliani.
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LOCATION:Fondazione Pirelli HangarBicocca\, Via Chiese 2\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Picasso. La metamorfosi della figura" no Museo delle Culture
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Donna che gioca in spiaggia – Femme jouant sur la plage\, 1928\, Coleção privada © Succession Picasso\, por SIAE 2024\n\n\n\nA exposição Picasso. La metamorfosi della figura encerra as celebrações do 50º aniversário da morte do pintor e traz uma visão da evolução de Picasso desde suas obras jovens até as mais tardias. Ela destaca o amor do artista pelas fontes artísticas “primordiais”\, incluindo a “arte primitiva”\, que influenciou profundamente sua produção ao longo da vida. Com mais de quarenta obras\, a exposição revela como Picasso reinventou constantemente suas figuras\, utilizando influências africanas\, neolíticas e proto-ibéricas\, entre outras\, para criar sua linguagem visual. Essa abordagem resultou em uma série de obras que capturam a essência da existência humana e refletem a constante reelaboração intelectual do artista ao longo de sua carreira. A exposição é complementada por uma série de desenhos e esboços de estudos preparatórios\, além do valioso Caderno n. 7 da Fundação Pablo Ruiz Picasso – Museu Casa Natal de Málaga\, destacando a importância do acompanhamento dos principais museus espanhóis que abrigam obras do pintor.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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SUMMARY:“Brassaï. L'occhio di Parigi” no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Casal no baile das Quatro Estações\, rua de Lappe © Estate Brassaï Successão-Philippe Ribeyrolles\n\n\n\nA exposição\, criada em colaboração com o Estate Brassaï e com curadoria de Philippe Ribeyrolles\, estudioso e sobrinho do grande fotógrafo\, apresentará uma abordagem profunda e original da obra de Brassaï através de mais de 200 impressões vintage\, com especial atenção para as imagens extremamente famosas dedicadas à capital francesa e sua vida. \n\n\n\nHúngaro por nascimento\, mas parisiense por adoção\, Brassaï foi um dos protagonistas da fotografia mundial\, definido por seu amigo Henry Miller como “o olho vivo” da fotografia. A partir de 1924\, ele participou do grande fermento cultural que atingiu Paris naquela época\, experimentando uma estreita ligação com o movimento surrealista e uma relação próxima com artistas como Picasso\, Dalí e Matisse. \n\n\n\nSuas fotografias dedicadas à vida na capital – dos bairros proletários aos grandes monumentos simbólicos\, da moda aos retratos de seus amigos artistas\, passando por grafites e vida noturna – são hoje imagens icônicas que identificam imediatamente o retrato de Paris no imaginário coletivo.
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LOCATION:Palazzo Reale\, Piazza del Duomo\, 12\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Reality Optional". Miaz Brothers con i maestri del XX secolo na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Miaz Brothers\, Oh\, Keith\, 2023\, da série New trends and experiments. Créditos: Vittorio Lico\, Cortesia Miaz Brothers & Wunderkammern\n\n\n\nAs obras originais dos dois artistas dialogam com as grandes obras-primas da coleção para investigar os fenômenos de percepção e interpretação pelos espectadores. \n\n\n\nOs Irmãos Miaz\, Roberto (1965) e Renato (1968)\, há anos dedicados ao tema da percepção e à relação entre realidade e imaginação\, chegam à Galleria d’Arte Moderna com um projeto expositivo conceitual no qual sua abordagem experimental à retratística se confronta pela primeira vez diretamente com os grandes Mestres do Século XX presentes na coleção de arte pública da GAM. \n\n\n\nA exposição\, a primeira de um percurso artístico e cultural que a Sovrintendenza Capitolina pretende propor para celebrar o centenário da instituição da Galleria d’Arte Moderna (1925-2025)\, nasce do encontro entre algumas obras-primas da GAM e a linguagem artística dos Irmãos Miaz. Um projeto expositivo com cerca de 60 obras no total\, onde o espectador se torna um elemento ativo dentro de um jogo de referências\, homenagens\, chamadas\, todas centradas nos mecanismos de percepção ou não da realidade. A dupla de artistas foi chamada a se envolver na reinterpretação dos grandes mestres da coleção capitolina (e não apenas) por meio de um estilo retratístico inovador\, onde os sujeitos originais\, reconhecíveis nos traços principais\, aparecem fora de foco. \n\n\n\nOs Irmãos Miaz têm se dedicado há anos ao tema da percepção e à relação entre realidade e imaginação\, e a mostra Reality Optional. Miaz Brothers con i maestri del XX secolo [Realidade: Opcional. Irmãos Miaz com os Mestres do Século XX] resulta em um importante ponto de chegada para eles. \n\n\n\nDurante seu processo criativo\, os dois artistas se inspiraram diretamente – ou indiretamente\, conforme o caso – em algumas obras-primas do museu\, focando especialmente a atenção criativa no tema\, hoje muito sentido e debatido\, da “pós-verdade”. \n\n\n\nCom pós-verdade\, referimo-nos em particular a notícias que\, embora falsas\, são consideradas verdadeiras por um número significativo de pessoas\, avaliando-as com base em suas emoções e preconceitos\, sem dar crédito a fatos e dados objetivos que assim perdem significado e importância. Dessa forma\, a manipulação se concretiza por meio da linguagem\, que os dois artistas transformam em arte por meio de um percurso já com duas décadas de foco na percepção e na relação entre realidade e imaginação\, visível e invisível. Suas imagens\, portanto\, nunca são predeterminadas\, não há uma verdade que deva ser revelada\, de modo que a realidade permaneça aberta e inapreensível. \n\n\n\nPara a arte dos Irmãos Miaz\, as associações e interpretações dos observadores são fundamentais\, pois contribuem para a definição da obra em si em um contínuo intercâmbio entre artista e público\, dentro de uma viagem imersiva ao reino da percepção da cultura do Século XX. Por sua vez\, os artistas e curadores se dirigem com a mesma força ao espectador\, com o objetivo de estimulá-lo a questionar seu próprio olhar e as imagens que lhe são apresentadas.
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LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
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SUMMARY:“De Nittis. Painter of modern life” no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Giuseppe De Nittis\, “Il Kimono color arancio”\, cerca de 1883-1884. Cortesia de Marco Bertoli\, Modena © Arquivo das Galerias Maspes\, Milão\n\n\n\nPela primeira vez\, o Palazzo Reale celebra o talento de Giuseppe De Nittis em uma exposição monográfica com cerca de 90 pinturas\, entre óleos e pastéis\, provenientes das principais coleções públicas e privadas\, italianas e estrangeiras\, incluindo o Musée d’Orsay e o Petit Palais de Paris\, o Musée des Beaux-Arts de Reims e de Dunkerke\, os Uffizi de Florença – para citar alguns -\, além do extraordinário núcleo preservado no GAM em Milão e uma seleção da Pinacoteca de Barletta\, nomeada em homenagem ao pintor\, que preserva um número excepcional de obras após o legado da viúva\, Léontine De Nittis. \n\n\n\nA consagração de Giuseppe de Nittis como um dos grandes protagonistas da pintura europeia do século XIX ocorreu graças ao sucesso da exposição que ele desfrutou após sua morte\, a partir da magnífica retrospectiva dedicada a ele em 1914 na 11ª Bienal de Veneza. Outros estágios fundamentais foram a exposição Giuseppe De Nittis. La modernité élégante\, montada em Paris no Petit Palais em 2010-2011\, e em 2013 a monográfica fundamental dedicada a ele em Pádua no Palazzo Zabarella. \n\n\n\nDE NITTIS. Pintor da vida moderna tem como objetivo realçar a estatura internacional de um pintor que foi\, juntamente com Boldini\, o maior dos italianos em Paris\, onde conseguiu se destacar em comparação com Manet\, Degas e os impressionistas. Com estes últimos\, o jovem Peppino foi capaz de compartilhar\, apesar da diversidade de linguagem pictórica\, a aspiração de revolucionar a própria ideia de pintura\, desmantelando de uma vez por todas a hierarquia dos gêneros para alcançar a autonomia da arte\, que foi a maior aspiração da modernidade. \n\n\n\nOs pintores franceses e De Nittis\, que sempre se sentiram profundamente parisienses por adoção\, abordaram os mesmos temas\, incluindo a paisagem\, o retrato e a representação da vida moderna que De Nittis foi capaz de capturar nas ruas das duas metrópoles que frequentava\, na época grandes capitais europeias da arte: Paris e Londres. Ele foi capaz de representar\, juntamente com as duas metrópoles\, em uma técnica extraordinária en plein air\, os lugares privilegiados da mitologia da modernidade\, que serão colocados no centro de um itinerário de exposição que se desenvolve ao longo de um período de vinte anos\, de 1864 a 1884\, reconstruindo uma aventura pictórica extraordinária\, que terminou prematuramente com a morte do artista aos apenas 38 anos de idade. \n\n\n\nOs resultados que ele alcançou se devem ao seu gênio inato\, sua capacidade de se comparar com os grandes artistas de sua época\, sua curiosidade intelectual e abertura a outras linguagens. Ele também está entre os artistas da época que melhor souberam se medir com a pintura japonesa que estava na moda na época. \n\n\n\nA exposição também conta com a colaboração do METS Percorsi d’Arte\, que contribuiu para o projeto incorporando uma seleção significativa de obras de coleções privadas. Entre estas estão o Quimono Cor de Laranja\, Piccadilly\, e o famoso Westminster. \n\n\n\nTudo isso será destacado pela exposição e pelo rico catálogo da Silvana Editoriale.
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SUMMARY:"Exposure. Arte\, culture\, moda dentro e fuori la vetrina" no Museo delle Culture
DESCRIPTION:Mark Dion\, Raiding Neptune’s vault. Voyage to the Bottom of the Canals and Lagoons of Venice\, Installation Cabinet B\, 1997-98. Coleção privada.\n\n\n\nA exposição\, com curadoria de Katya Inozemtseva e Sara Rizzo\, reflete sobre a concepção tradicional da vitrine e sua centralidade nos projetos de exposição. Ligada à “exposição museológica clássica”\, a vitrine expõe e ao mesmo tempo separa o objeto\, oferecendo-o para apreciação\, mas formando uma barreira para o espectador. Nos museus etnográficos\, em particular\, o efeito “neutralizante” da vitrine afeta as obras\, isolando-as\, privando-as do contexto e da função originais. \n\n\n\nA mostra é antecipada nas salas da Coleção Permanente por uma intervenção especial do artista contemporâneo Theo Eshetu (1958)\, “Crocodile on a ceiling”\, um trabalho inédito\, produzido especialmente para o MUDEC. Através da inversão da visão\, Eshetu reflete sobre a origem do próprio museu\, a ser rastreada nos gabinetes de curiosidades renascentistas. “Brave New World”\, também de Theo Eshetu\, é um caleidoscópio de imagens em movimento que torna o próprio público parte da obra. \n\n\n\nSegue-se nas salas “Focus” uma seção dedicada à história da vitrine nas montagens museológicas e seu papel como meio de classificação\, especialmente nas coleções etnográficas. O tema do desejo é abordado através das imagens oníricas das vitrines criadas pelo lendário designer e vitrinista Gene Moore para a Tiffany\, e pelas montagens dos designers Albe Steiner\, Giancarlo Iliprandi e Roberto Sambonet para a Rinascente na segunda metade do século XX. \n\n\n\nEncerrando o percurso\, há um foco na caixa de exposição na prática da arte contemporânea\, através de obras de Mark Dion (1961)\, Sam Durant (1961) e uma instalação site-specific de Monia Ben Hamouda (1991)\, destinada a desconstruir a prática da vitrine e\, metaforicamente\, do próprio museu. \n\n\n\nA exposição é precedida no icônico ambiente da ágora por Luce dietro tracce incompiute\, de Mariana Castillo Deball (1975): no átrio de vidro do museu\, as sete esculturas têxteis\, inspiradas em peças das coleções do MUDEC\, criam uma situação invertida na qual o público se encontra\, junto com as obras\, dentro de uma imponente vitrine. \n\n\n\nA exposição é enriquecida ainda por uma programação diversificada de eventos que nos permite refletir sobre alguns conceitos-chave da mostra e sair do museu graças à arte pública. \n\n\n\nO projeto “Exposure” será ilustrado no segundo número da revista “MU – MUDEC United”\, que\, de acordo com sua proposta editorial\, oferecerá aprofundamentos transversais sobre o tema da exposição. \n\n\n\nArtistas presentes na exposição: Monia Ben Hamouda\, Mark Dion\, Sam Durant\, Theo Eshetu\, Damien Hirst\, Candida Höfer\, Giancarlo Iliprandi\, Gene Moore\, Roberto Sambonet\, Albe Steiner.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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SUMMARY:“Pop/Beat\, Italia 1960-1979. Liberi di Sognare” na Fondazione Marconi
DESCRIPTION:Vista da exposição “Pop/Beat\, Italia 1960-1979. Liberi di Sognare” na Fondazione Marconi\, 2024. Imagem: Reprodução/Divulgação Fondazione Marconi\n\n\n\nIdealizado e curado pelo artista Roberto Floreani para a Prefeitura de Vicenza e Silvana Editoriale\, esta exposição inédita para a Itália traz obras de diversos museus\, galerias e coleções privadas\, reunindo as gerações Pop e Beat italianas pela primeira vez\, testemunhando um sentimento comum daquela época ligado a uma visão otimista do futuro e ao engajamento do movimento Sessantotto. \n\n\n\nSerá destacada a singularidade e a importância do movimento Pop italiano na Europa\, bem como as diferenças substanciais e a autonomia de seus artistas em relação aos americanos. A seção Pop apresentará quase uma centena de obras de trinta e cinco artistas\, privilegiando os grandes formatos que serão espetacularizados por uma ampla seção de esculturas. A seção Beat será garantida pela música daquela época\, representada por raros documentos originais\, e pela arte militante do Antigruppo siciliano.
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LOCATION:Fondazione Marconi\, Via Tadino 15\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Miranda July: New Society" na Fondazione Prada
DESCRIPTION:Miranda July: New Society\, Osservatorio Fondazione Prada\, Milão\, Foto: Valentina Sommariva\, Cortesia da Fondazione Prada.\n\n\n\n\nOrganizada por Mia Locks\, Miranda July: New Society é a primeira exposição dedicada à obra de Miranda July\, que percorre os trinta anos de carreira da artista\, diretora e escritora americana através de seus curtas-metragens\, performances e instalações. O projeto inclui o novo trabalho F.A.M.I.L.Y. (Falling Apart Meanwhile I Love You)\, uma instalação de vídeo de vários canais que documenta a colaboração de um ano entre July e sete artistas performáticos no Instagram. F.A.M.I.L.Y. é o ponto de partida para investigar na exposição os temas presentes em outros projetos performativos e colaborativos de July. \n\n\n\nO primeiro andar do Observatório apresenta a documentação das performances de July\, desde as primeiras em locais punk até as mais conhecidas\, como Love Diamond (1998-2000)\, The Swan Tool (2000-2003)\, Things We Don’t Understand and Definitely Are Not Going to Talk About (2006-2007) e New Society (2015)\, juntamente com adereços\, figurinos e documentos de arquivo. \n\n\n\nNo segundo andar está exposto F.A.M.I.L.Y. juntamente com outros dois projetos colaborativos – I’m the President\, Baby (2018) e Services (2020). A exposição também apresenta uma reiteração de Learning to Love You More (2000-2007)\, um projeto online realizado em colaboração com Harrell Fletcher\, que inclui setenta “tarefas” atribuídas ao público e carregadas no site. A “tarefa” nº 43 (“Realize uma exposição com as obras que encontrar na casa de seus pais”)\, realizada por uma mulher milanesa especialmente para este projeto expositivo\, será apresentada como parte da exposição. \n\n\n\nMiranda July: New Society é acompanhada pela apresentação da filmografia completa de July\, que ocorrerá no Cinema Godard da Fundação Prada simultaneamente com a exposição. O programa inclui três longas-metragens\, Me and You and Everyone We Know (2005)\, The Future (2011) e Kajillionaire (2020)\, e será complementado por uma seleção de curtas-metragens e obras inéditas na tela grande.
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SUMMARY:"Cézanne / Renoir: Obras-primas do Musée de l’Orangerie e do Musée d’Orsay" no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Paul Cézanne\, Three Bathers Painting (detalhe). Musee d’Orsay\, Paris.\n\n\n\nNas prestigiadas salas de exposição do Palazzo Reale em Milão\, cinquenta e duas obras-primas narram as vidas de dois mestres que contribuíram para o surgimento de um dos movimentos mais incríveis da história da arte. Uma jornada através de suas pinturas mais icônicas\, de retratos a paisagens a banhistas\, um confronto épico entre duas figuras-chave do Impressionismo. Curada por Cécile Girardeau do Museé d’Orsay e Stefano Zuffi\, historiador da arte e curador de alguns dos projetos de exposição de arte mais importantes realizados na Itália.
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SUMMARY:Pino Pascali na Fondazione Prada
DESCRIPTION:Pino Pascali\, Fondazione Prada\, Milão\, Foto por Roberto Marossi\, Cortesia da Fondazione Prada.\n\n\n\nA Fondazione Prada apresenta uma extensa retrospectiva dedicada ao artista italiano Pino Pascali (1935-1968). O projeto explora o caráter inovador de sua obra\, especialmente em relação à produção escultórica\, que nos últimos cinquenta anos teve um impacto fundamental em diversas gerações de artistas e críticos e continua a atrair a atenção do público internacional. \n\n\n\nCurada por Mark Godfrey\, a exposição é dividida em quatro seções\, cada uma delas oferecendo uma perspectiva precisa sobre a produção de Pascali\, e é realizada em três edifícios da sede em Milão: o Podium\, a galeria Nord e a galeria Sul. Concebido por 2×4\, o percurso de exibição inclui quarenta e nove obras de Pino Pascali vindas de museus italianos e internacionais e de coleções privadas prestigiadas; nove trabalhos de artistas do pós-guerra; uma seleção de fotografias e um vídeo retratando o artista com suas obras. \n\n\n\nNascido em Bari em 1935\, Pino Pascali mudou-se para Roma em 1955 para estudar cenografia na Academia de Belas Artes. Trabalhou como assistente de cenografia em várias produções televisivas da Rai e colaborou como designer e cenógrafo para o cinema e algumas agências publicitárias. Em 1965\, realizou sua primeira exposição individual na Galleria La Tartaruga\, em Roma. Em 1968\, morreu tragicamente em um acidente de moto aos trinta e dois anos\, no mesmo ano de sua apresentação monográfica na Bienal de Arte de Veneza. \n\n\n\nComo escreve Mark Godfrey no texto publicado no catálogo\, “Pascali explorou a relação entre escultura e elementos cênicos e contrapôs escultura e objetos de uso. Ele criou obras que de longe parecem ready-mades\, mas que\, olhadas de perto\, revelam-se feitas de materiais reciclados. Ele questionava as potencialidades de uma escultura ‘falsa’ ou ‘simulada’. Nomeava as obras como se fossem corpos sólidos\, piscando para seu público\, por sua vez consciente de que se tratavam de volumes vazios. Ele usava elementos naturais como terra e água junto com materiais de construção como eternit\, e dividia seus mares e campos em unidades modulares. Levava para o estúdio novos produtos de consumo e tecidos sintéticos para criar animais\, armadilhas e pontes. E se a complexidade de sua abordagem à escultura é inquestionável\, o fator que torna sua prática artística tão genial e original é outro. Pascali é um artista sempre atual porque era um ‘exibicionista’. […] Pascali entendia que os artistas do pós-guerra precisavam dedicar tantas energias à atividade expositiva quanto às dedicadas a refinar as obras no estúdio”. \n\n\n\nO projeto expositivo é composto por quatro seções. A primeira analisa a abordagem com a qual Pascali realizou suas exposições de 1965 a 1968\, criando ambientes originais em vez de simples seleções de obras de seu estúdio. A segunda parte explora seus mais significativos intervencionismo em importantes exposições coletivas daquela época e inclui os trabalhos de artistas que expuseram junto com ele. A terceira seção examina a interação de Pascali com suas esculturas nas fotografias tiradas por Claudio Abate\, Andrea Taverna e Ugo Mulas e como essas imagens sugerem modos fantasiosos de abordar seu trabalho. A quarta seção investiga o uso de materiais naturais e industriais por parte de Pascali\, estudando sua origem\, seu uso comercial\, quais outros artistas os utilizaram e seu desenvolvimento ao longo do tempo.
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SUMMARY:"Ground Break" de Nari Ward no Pirelli HangarBicocca
DESCRIPTION:Nari Ward\, vista da instalação no Pirelli HangarBicocca\, Milão\, 2024. Imagem: Divulgação\n\n\n\nNari Ward (St. Andrew\, Jamaica\, 1963; vive e trabalha em Nova York) é um artista internacionalmente aclamado\, conhecido por suas instalações que combinam materiais familiares e humildes em uma sobreposição de referências sócio-históricas. Ao reutilizar uma ampla gama de objetos encontrados\, cada um com sua própria história única\, sua arte dialoga com a memória e a transformação\, abrindo novas possibilidades. O entrelaçamento e a justaposição de elementos descartados por Nari Ward aludem a vários aspectos sociais e políticos e abordam noções de identidade\, raça\, justiça social e cultura do consumo\, criando obras comoventes que tecem respostas tanto espirituais quanto conceituais. Seu uso intencional de materiais cotidianos\, remanescentes de práticas passadas\, lugares\, comunidades e épocas\, permite ao espectador se conectar diretamente com as obras\, mantendo a narrativa aberta a temas contemporâneos e urgentes. \n\n\n\nA retrospectiva no Pirelli HangarBicocca apresenta\, pela primeira vez\, uma combinação de obras que entrelaça a exploração de Ward da performatividade e projetos colaborativos. Com um foco particular em trabalhos de mídia baseada no tempo\, incluindo vídeo\, som\, esculturas performativas e instalações\, a exposição embarca em mais de trinta anos de prática\, apresentando obras seminais e históricas antigas\, bem como novas produções. A narrativa se desenrola por meio das instalações de grande escala seminais\, originalmente realizadas por Ward entre 1996 e 2000 para a coreografia da Trilogia Geográfica de Ralph Lemon\, apresentadas aqui em um contexto de exposição pela primeira vez desde então. As três obras criarão uma nova coreografia juntamente com outras esculturas\, vídeos\, instalações e os corpos dos visitantes. A noção de performatividade anima a própria exposição\, que será marcada por um programa de ações colaborativas ao vivo durante toda a mostra. \n\n\n\nA exposição será complementada por um volume monográfico apresentando os estudos mais recentes sobre a prática de Nari Ward\, explorando aspectos de performatividade\, som e práticas baseadas no tempo que surgiram a partir de intercâmbios colaborativos no trabalho do artista. O livro incluirá ensaios e contribuições temáticas de acadêmicos e críticos internacionais\, incluindo Naomi Beckwith\, Jessica Bell Brown\, Adrienne Edwards\, Dieter Roelstraete e Christina Sharpe.
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SUMMARY:“From the Heart to the Hands: Dolce&Gabbana” no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Vista da exposição “From the Heart to the Hands”\, 2024 Palazzo Reale. Foto: Michael Adair\n\n\n\n“From the Heart to the Hands: Dolce&Gabbana” reunirá pela primeira vez as criações únicas da marca de moda. A exposição será uma carta de amor aberta à cultura italiana como inspiração duradoura para os designs de moda da Dolce&Gabbana\, traçando a extraordinária tradução das ideias de Domenico Dolce e Stefano Gabbana\, do coração até sua realização\, manualmente. \n\n\n\nA exposição\, que terá início em Milão e depois viajará pelo mundo\, celebrará a marca como símbolo do estilo italiano\, seguindo os sonhos da Alta Moda\, e explorará sua abordagem não convencional ao mundo do luxo: elegante\, sensual e única\, mas também humorística\, irreverente e subversiva. \n\n\n\nCurada por Florence Müller e produzida pela IMG\, a exposição também apresentará obras de artistas visuais em diálogo com os celebrados designs da Dolce&Gabbana. \n\n\n\nO arquivo e as novas coleções serão exibidos em uma série de temas destacando as muitas camadas de influências culturais italianas em seu enfoque ao design de moda – incluindo arte\, arquitetura\, artesanato\, cidades e sua topografia regional\, música\, ópera e balé\, tradições populares\, teatro e\, é claro\, “la dolce vita”.
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SUMMARY:"Notizia" de Erika Verzutti no ICA Milão
DESCRIPTION:Erika Verzutti. Notizia. Vista da instalação\, curada por Chiara Nuzzi e Alberto Salvadori\, Fondazione ICA Milano\, Milão. Foto: Andrea Rossetti\n\n\n\nA Fondazione ICA Milano apresenta\, de quarta-feira\, 10 de abril a sexta-feira\, 19 de julho de 2024\, a exposição Notizia\, primeira mostra individual em Milão da artista brasileira Erika Verzutti (São Paulo\, 1971). A exposição é curada por Chiara Nuzzi e Alberto Salvadori e é concebida para o térreo da Fondazione ICA Milano. O projeto oferece uma seleção de várias obras esculturais que Verzutti criou quase inteiramente em Milão entre 2023 e 2024\, proporcionando uma visão sobre a longa prática da artista. \n\n\n\nO título da exposição\, Notizia\, refere-se ao forte impacto que a constante circulação de informações tem sobre a artista e seu processo criativo. Partindo do sentido de ansiedade que Erika Verzutti encontra ao ser exposta a um fluxo contínuo de dados\, nas salas da Fondazione ICA Milano\, esculturas em bronze\, cerâmica\, papel e resina se desdobram\, evocando figuras totêmicas inspiradas em elementos que remetem ao mundo natural e artificial\, como frutas tropicais\, ovos e folhas de jornal. A paisagem projetada pelas obras da artista é marcada pela apresentação inédita de suas obras mais icônicas\, muitas das quais são exibidas intencionalmente na horizontal. \n\n\n\nComo explicam Chiara Nuzzi e Alberto Salvadori no texto introdutório da exposição: “A escultura de Verzutti não é nova para os conceitos de desobediência e irreverência\, elementos fundamentais de uma prática centrada no estudo experimental e especulativo da sobrevivência das imagens. É precisamente a partir desse desafio que a artista questiona como é possível produzir obras de arte em um presente caracterizado por crescente desigualdade e instabilidade\, como aquele em que vivemos”. \n\n\n\nA exposição começa com um foco nas explorações formais que Erika Verzutti dedica ao elemento da torre\, tradicionalmente entendida como uma figura vertical e aqui exibida em posição horizontal. Obras como Torre de Ovos com Notícias\, 2024; Notizia\, 2024; Torre de Jacas com Pedra Filosofal\, 2024 formulam um desafio aos métodos usuais de apresentação de uma obra de arte no contexto de um museu\, seguindo uma abordagem experimental que explora o espaço e seus significados. Venus Revolta também\, em sua evocação ancestral da figura feminina reminiscente da Vênus de Willendorf\, é apresentada de maneira incomum\, virada para o chão\, enfatizando suas formas sinuosas. A obra alude a uma concepção do corpo feminino\, percebido como um objeto cativante a ser devorado\, em uma exploração do tema da fertilidade que Erika Verzutti explora por meio das contínuas referências aos temas da fruta e do ovo. \n\n\n\nNotizia continua com a série de baixos-relevos de bronze exibidos nas paredes\, um componente importante da pesquisa da artista. As obras\, que em alguns casos incorporam recortes e impressões de jornais\, são referências diretas a produções anteriores\, como em Homeopatia e Notícias\, 2024\, onde Verzutti emprega ovais coloridos esculpidos no material para fazer referência a uma escultura com nome similar criada em 2018. Evocando movimentos masculinos como o modernismo e o futurismo\, a artista questiona certos paradigmas do conhecimento humano\, que são gradualmente revelados por meio de nuances\, arranhões e toques de cor. \n\n\n\nInspirada nos elementos estruturais e arquitetônicos da Fondazione ICA Milano\, Notizia aborda as muitas linhas de pesquisa que caracterizam o trabalho da artista\, como cultura vernacular\, domesticidade\, o mundo digital e conflitos sociais\, criando um espaço de liberdade criativa\, social e política.
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SUMMARY:"La Casa Dentro" de Formafantasma no ICA Milão
DESCRIPTION:Formafantasma\, La Casa Dentro. Vista da instalação\, curada por Alberto Salvadori\, Fondazione ICA Milano\, Milão. Foto: Andrea Rossetti\n\n\n\nA Fondazione ICA Milano apresenta\, de quarta-feira\, 10 de abril a sexta-feira\, 19 de julho de 2024\, o inédito projeto de exposição dos designers Formafantasma\, intitulado La Casa Dentro\, com curadoria de Alberto Salvadori. \n\n\n\nA exposição é montada no primeiro andar da Fondazione e apresenta uma seleção de obras recém-produzidas. A exposição constrói uma reflexão delicada focada na ideia de lar\, explorada como um espaço físico e como um conjunto complexo de relacionamentos humanos e temas ligados à identidade pessoal e à memória coletiva. \n\n\n\nO título da exposição refere-se a uma visão introspectiva do ambiente doméstico\, onde nuances psicológicas e emocionais se intersectam. Partindo das lembranças de suas próprias casas de infância\, povoadas por elementos decorativos e objetos artesanais\, Formafantasma estabelece uma leitura crítica dos dogmas ideológicos herdados do Modernismo\, que identificavam a racionalidade e a sobriedade como componentes a serem promovidos\, em oposição às tensões ornamentais. Inspirando-se em sua própria formação\, Formafantasma desafia o conceito de cânone que\, em sua visão masculina como uma extensão da racionalidade\, tende a apagar do espaço de convivência os elementos sentimentais e características decorativas que podem criar uma dimensão de domesticidade. \n\n\n\nFormafantasma explica em uma densa conversa com o curador Alberto Salvadori: “Queríamos partir dessa marca do design moderno e enfatizar suas ideologias implícitas\, combinando-a com padrões decorativos\, seja pintados ou bordados. Isso não é uma pastiche pós-moderna\, nem uma ode ao camp ou ao kitsch. É uma tentativa romântica de dignificar memórias pessoais e o que é frequentemente culturalmente vilipendiado\, o decorativo\, o bonitinho e\, por extensão de significado\, o feminino.” \n\n\n\nLa Casa Dentro popula os espaços da Fondazione ICA Milano com obras onde um elemento fundamental da tradição modernista\, o tubo de metal\, se intersecta com objetos e motivos puramente ornamentais. A racionalidade do aço curvado é enriquecida com tábuas de madeira decoradas com bordados feitos à mão\, motivos florais pintados e babados de seda\, definindo um ambiente híbrido que combina memórias pessoais e a herança intelectual da arquitetura e do design. \n\n\n\nNuma abordagem particularmente íntima e pessoal\, Formafantasma manipula os códigos do design modernista para construir uma reflexão original sobre a memória. La Casa Dentro devolve ao visitante uma narrativa dedicada ao que foi perdido\, apagado e em risco de extinção\, pontuada às vezes com musas inquietantes ligadas à imobilidade dos objetos e à certeza inconsciente de que eles sobreviverão aos seres humanos que os criaram.
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SUMMARY:"Io sono un drago" de  na Triennale Milano
DESCRIPTION:Vista da exposição “Io sono un drago” na Triennale Milano. Foto: Delfino Sisto Legnani\, DSL Studio\n\n\n\nUma ampla retrospectiva – produzida em parceria com a Fondation Cartier pour l’art contemporain – sobre o trabalho do arquiteto\, designer e artista Alessandro Mendini. Com mais de quatrocentas obras\, a exposição é organizada em diversas seções temáticas e reúne peças de vários formatos\, materiais e temas\, provenientes de coleções públicas e privadas. O título “Io sono un drago” [Eu sou um dragão] faz referência a um dos autorretratos mais emblemáticos de Mendini\, destacando a complexidade de sua figura dentro do cenário internacional do design\, da arquitetura e da arte.
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