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SUMMARY:Gabriella Ciancimino no Museo del Novecento
DESCRIPTION:O Museo del Novecento apresenta Getsemani\, um projeto específico do local criado por Gabriella Ciancimino\, que narra um jardim visionário por meio de sinais e iconografias. A pintura na parede descreve uma paisagem multidimensional sem espaço e tempo. Assim\, Getsemani se torna o lugar onde os homens podem despertar do sono do mundo para se imergir no “Sonho de Unidade” com a natureza\, reconhecendo-se como parte integrante dela e não como antagonistas. A exposição faz parte do “Level 0”\, uma iniciativa do ArtVerona em colaboração com catorze instituições de arte contemporânea italianas\, que tem como objetivo promover artistas emergentes que se destacaram durante a feira e que são escolhidos e apresentados por cada museu. O trabalho de Gabriella Ciancimino\, selecionado em 2020\, reflete sobre as dinâmicas da “liberdade de ser”\, que podem ser adquiridas ao superar estereótipos espirituais\, sociais\, culturais e políticos. Assim\, a artista se inspira ao conectar sua visão à de mentes rebeldes de diferentes épocas: desde Myriam de Magdala até Leda Rafanelli – política italiana\, anarquista e escritora – com quem ela compartilha temas queridos como integração e ecologia social voltada para a mudança cultural. Em seu estúdio\, Ciancimino trabalha com materiais impressos libertários encontrados em diversos arquivos ao redor do mundo\, estilos florais art nouveau do arquiteto Ernesto Basile\, pranchas botânicas de plantas da região do Mediterrâneo e um breve poema que ela escreveu sobre o papel do jardineiro\, que não cultiva uma visão unilateral\, mas aproxima a terra do céu. Metaforicamente\, Getsemani se torna um ponto de encontro entre diferentes culturas: um jardim no qual espécies locais coexistem com aquelas provenientes da paisagem da Palestina do início do cristianismo\, juntamente com flores estilizadas retiradas das capas de alguns livros publicados pela Social Publishing House de Milão\, fundada por Rafanelli\, que ao longo de sua vida tentou combinar seu pensamento anarquista com sua pesquisa espiritual sobre o Islã.
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LOCATION:Museo del Novecento\, Via Marconi\, 1\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Luce dietro tracce incompiute" de Mariana Castillo Deball no Museo delle Culture
DESCRIPTION:Luce dietro tracce incompiute é a instalação têxtil da artista mexicana Mariana Castillo Deball (1975)\, que com suas dimensões monumentais recebe os visitantes no coração do Museu\, o Ágora. Como parte da visão renovada do museu\, voltada para temas e práticas contemporâneas\, o MUDEC apresenta no outono de 2023 o seu segundo projeto site-specific\, um prelúdio para a exposição Exposure\, prevista para março de 2024. \n\n\n\nTrabalhando com as coleções do MUDEC e da Fundação Ratti\, a artista Mariana Castillo Deball selecionou doze fragmentos têxteis de diferentes épocas\, com base nos quais ela criou suas próprias aquarelas\, posteriormente impressas em grande formato em tecido. Esses tecidos\, montados com elementos têxteis adicionais nos laboratórios da NABA\, a Nuova Accademia di Belle Arti\, juntamente com um grupo de estudantes orientados por Salvatore Averzano\, constituem “palimpsestos” que brilham com múltiplos significados e experiências. \n\n\n\nPela primeira vez\, a intervenção na superfície de vidro do Ágora altera o próprio status da arquitetura\, relacionando-a com as esculturas feitas de tecidos leves e semitransparentes. A luz natural passa por essa composição de fragmentos têxteis\, criando uma nova cartografia. \n\n\n\nUm programa de visitas guiadas aos depósitos das coleções permitirá ao público descobrir as peças do Museu reinterpretadas por Castillo Deball em sua instalação\, recriando a conexão muitas vezes invisível entre o espaço de exposição e o patrimônio museológico\, tornando-o acessível. \n\n\n\nCuradoria de Katya Inozemtseva e Sara Rizzo\, com o apoio de 24 ORE Cultura e da Fundação Deloitte.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Rodin e la danza" no Museo delle Culture
DESCRIPTION:A exposição é possível graças à colaboração com o Museu Rodin de Paris\, de onde provêm 53 obras; ela narra\, por meio de um projeto expositivo inédito e original\, o fascínio e a forte influência criativa que a dança teve sobre o gênio artístico de Auguste Rodin. Um círculo virtuoso no qual\, por um lado\, a dança foi musa inspiradora para o artista no início do século XX\, e\, por outro\, a dança contemporânea ainda encontra inspiração no artista por meio de suas obras ‘dançantes’\, únicas e tão atuais. \n\n\n\nContando com a valiosa colaboração do Museu Rodin\, o Museo delle Culture apresenta pela primeira vez na Itália uma série de quinze estatuetas de dançarinas dedicadas pelo artista francês a Movimenti di danza. Quatorze delas\, na verdade\, vêm do museu parisiense\, e a esse núcleo\, durante a exposição\, será adicionada uma décima quinta estatueta\, mantida na GNAM\, a Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporânea de Roma. \n\n\n\nA exposição – cujo cenário multimídia e interativo foi projetado e realizado pelo estúdio de design Dotdotdot – torna-se uma oportunidade para fazer uma viagem extraordinária pelo mundo da dança por meio de uma seleção de vídeos relacionados à coreografia contemporânea e a artistas coreógrafos que se inspiraram em Rodin para suas representações. O diálogo contínuo entre as esculturas de Rodin e o aparato multimídia e digital\, juntamente com a instalação imersiva\, cria um constante jogo de referências visuais e simbólicas. \n\n\n\nAs três seções da exposição\, por meio de um trabalho complexo e cuidadoso realizado por três curadoras\, são respectivamente organizadas por Aude Chevalier\, assistente conservadora do departamento de esculturas do Museu Rodin\, Cristiana Natali\, professora de Antropologia da Ásia Meridional\, Antropologia da Dança e Metodologias de Pesquisa Etnográfica na Universidade de Bolonha\, e Elena Cervellati\, professora associada de História da Dança e Teorias e Práticas da Dança no Departamento de Artes da Universidade de Bolonha.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Goya: La ribellione della ragione" no Palazzo Reale
DESCRIPTION:O Palazzo Reale recebe a exposição Goya: La ribellione della ragione\, uma importante oportunidade para descobrir a trajetória artística completa do mestre espanhol desenvolvida em um longo período histórico\, saturado de mudanças e eventos políticos\, sociais e ideológicos que deram início a uma nova era da História. \n\n\n\nGoya viveu o fim do Antigo Regime\, a era do Iluminismo e da Revolução Francesa\, as guerras napoleônicas\, a restauração absolutista e o exílio. \n\n\n\nO artista não se limitou a representar essa época turbulenta: ele mesmo experimentou uma revolução na pintura em sintonia com a complexidade histórica que estava vivendo\, uma mudança que expressou por meio de imagens. \n\n\n\nAtravés das sete seções temáticas da exposição\, será possível descobrir como o artista soube transformar a pintura em uma linguagem revolucionária\, capaz de romper tanto com as regras e sistemas plásticos estabelecidos quanto com a imitação de modelos. A pintura dos anos de maturidade de Goya é uma pintura sem modelos\, é a expressão íntima e única de um artista que cria a arte revolucionando-a\, ao mesmo tempo\, com uma linguagem nova. \n\n\n\nA exposição\, organizada por Victor Nieto Alcaide\, foi possível graças à colaboração com uma instituição cultural de alto nível: a Real Academia de Bellas Artes de San Fernando\, com o patrocínio da Embaixada da Espanha na Itália e do Instituto Cervantes de Milão.
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LOCATION:Palazzo Reale\, Piazza del Duomo\, 12\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"La poesia ti guarda". Homenagem ao Grupo 70 (1963-2023) na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação Galleria d’Arte Moderna\n\n\n\n\nEm 24 de maio de 1963\, no Forte do Belvedere em Florença\, ocorreu a conferência “Arte e comunicação”\, considerada pelos estudiosos o ato oficial de fundação do Grupo 70. \n\n\n\nSeis décadas após esse evento\, a Galleria d’Arte Moderna organiza uma exposição em homenagem aos artistas que determinaram sua criação. \n\n\n\nO Grupo 70 é o grupo artístico que interpreta de forma mais completa e coerente\, no contexto italiano\, o movimento internacional da poesia visual. Entre as neo-vanguardas\, é a que mais possui um caráter híbrido e multilíngue\, situando-se em uma “terra de ninguém” sugestiva entre a escrita e a imagem\, entre as artes visuais e a poesia. A arte era entendida e problematizada\, de forma mais geral\, como parte do complexo sistema de comunicação. \n\n\n\nEm comemoração a este aniversário\, é realizada uma homenagem aos principais expoentes do grupo – Ketty La Rocca\, Lucia Marcucci\, Eugenio Miccini\, Luciano Ori\, Lamberto Pignotti\, além de Roberto Malquori e Michele Perfetti – destacando as diversas manifestações estéticas e formais da poesia visual. \n\n\n\nAs obras\, em sua maioria inéditas e/ou pouco conhecidas pelo grande público\, provêm da coleção da Galeria de Arte Moderna\, do Arquivo Carlo Palli de Prato\, entre as principais coleções italianas de poesia visual\, do MART de Rovereto\, do Arquivo Lamberto Pignotti de Roma\, da Fundação Bonotto de Colceresa (VI) e de outras prestigiosas coleções privadas. \n\n\n\nA exposição inclui também poesias sonoras e cinépoesias\, livros de artista e documentos que ilustram de diversas maneiras as premissas teóricas\, as razões poéticas e os resultados expressivos do Grupo 70. \n\n\n\nA mostra\, com curadoria de Daniela Vasta\, é realizada em colaboração com o Arquivo Carlo Palli\, Arquivo Lamberto Pignotti e Fundação Bonotto. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por um catálogo editado pela De Luca Editori d’Arte\, com contribuições críticas de Daniela Vasta\, Patrizio Peterlini e Lucilla Saccà\, e uma entrevista inédita com Lamberto Pignotti por Claudio Crescentini\, além de aparatos bio-bibliográficos organizados por Elena Rosica.
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LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
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SUMMARY:Ron Mueck na Triennale Milano
DESCRIPTION:Ron Mueck\, Mass\, vista da instalação. Foto: Gautier Deblonde\n\n\n\nA primeira exposição individual na Itália do escultor australiano Ron Mueck\, cujas obras\, realistas e ao mesmo tempo misteriosas\, criam empatia imediata com o visitante. O percurso expositivo é composto por seis esculturas e inclui a instalação monumental Mass de 2017\, proveniente da coleção da National Gallery of Victoria\, Melbourne\, e exposta pela primeira vez na Europa. A instalação se apresenta ao público como uma experiência física\, além de visual\, composta por cem enormes esculturas em forma de crânio humano\, um símbolo iconográfico inesgotável. A mostra também apresenta novas obras que ilustram a evolução na prática escultural de Mueck e obras emblemáticas de sua carreira pertencentes à coleção da Fondation Cartier.
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LOCATION:Triennale Milano\, Viale Emilio Alemagna\, 6\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"I have lost and I have been lost but for now I'm flying high" de Michael Stipe no ICA Milão
DESCRIPTION:Michael Stipe\, “I have lost and I have been lost but for now I’m flying high”\, vista da instalação\, Fondazione ICA Milano\, Cortesia do artista e Fondazione ICA Milano. Foto: Dario Lasagni.\n\n\n\nA Fondazione ICA Milano apresenta I have lost and I have been lost but for now I’m flying high\, uma importante exposição individual do multifacetado artista visual e líder icônico da banda R.E.M.\, Michael Stipe (nascido em 1960\, EUA). A exposição estará em exibição de terça-feira\, 12 de dezembro de 2023\, a sábado\, 16 de março de 2024. O projeto\, especialmente concebido para a Fondazione ICA Milano\, é curado pelo diretor da instituição\, Alberto Salvadori. A exposição foca\, em parte\, na retratação\, interpretada por uma ampla gama de formas – desde fotografia até cerâmica\, escultura e obras de áudio. \n\n\n\nUma seleção de mais de 120 obras\, tanto recém-criadas quanto anteriormente inéditas\, estará em exibição nos espaços do ICA\, refletindo o escopo completo da produção artística de Michael Stipe. A instalação entrelaça conceitos de homenagem e vulnerabilidade\, preocupações embutidas na representação tanto figurativa quanto não-figurativa da forma humana de Stipe. \n\n\n\nO título da exposição surgiu de uma conversa entre o curador e o artista\, na qual Stipe identifica a vulnerabilidade como uma força motriz\, desafiando radicalmente considerações convencionais deste estado de sentimento como uma questão de responsabilidade ou fraqueza. Dentro do caos acelerado da vida contemporânea\, Stipe identifica a vulnerabilidade como uma ferramenta poderosa para a sobrevivência e uma abordagem filosófica mais ampla para traçar novos caminhos.
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LOCATION:ICA Milão\, Via Orobia 26\, Milão\, Itália
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SUMMARY:Juergen Teller na Triennale Milano
DESCRIPTION:Self-portrait with pink shorts and balloons\, Paris\, 2017 © Juergen Teller\, Todos os direitos reservados.\n\n\n\nO fotógrafo alemão Juergen Teller – ativo desde a primeira metade dos anos 90 – é conhecido mundialmente por suas obras retratando personalidades famosas\, editoriais provocativos para importantes publicações e campanhas de moda originais. Entre as mais de 1.000 obras expostas na mostra\, encontram-se tanto trabalhos pessoais quanto obras encomendadas\, imagens conhecidas e novas séries fotográficas\, além de vídeos e instalações. “i need to live” – uma declaração e ao mesmo tempo uma frase motivacional – resume os sentimentos do artista diante dos trágicos incidentes que marcaram sua vida. Com suas fotos\, ele reconhece a fragilidade da existência humana e celebra a importância de estar vivo.
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LOCATION:London
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SUMMARY:"Martin Parr. Short and sweet" no Museo delle Culture
DESCRIPTION:Martin Parr\, La torre pendente\, Italia\, Pisa\, 1990 © Martin Parr/Magnum Photos\n\n\n\nO Museo delle Culture continua a bem-sucedida colaboração com a Magnum Photos sobre fotografia de reportagem e documental com Martin Parr. Short and sweet\, uma grande exposição dedicada a um dos fotógrafos documentaristas britânicos mais reconhecidos e aclamados do nosso tempo\, produzida pela 24 ORE Cultura\, promovida pela Prefeitura de Milão-Cultura e que conta com a Fundação Deloitte como Parceira Institucional. \n\n\n\nDesde seus primeiros trabalhos em preto e branco até os temas mais caros a Parr – das “vidas de praia” ao turismo – o projeto expositivo\, curado pessoalmente pelo artista\, expõe mais de 60 fotografias selecionadas por Parr especialmente para este projeto e apresentadas junto com o conjunto de imagens da série que o tornou famoso\, Common Sense\, com mais de 200 fotografias das 350 expostas na exposição homônima de 1999 que exploram a realidade plastificada e kitsch do mundo ocidental. \n\n\n\nAtravés de um percurso pelos projetos mais conhecidos e também de uma entrevista inédita conduzida pela historiadora e crítica de fotografia Roberta Valtorta\, o estilo documental inovador que caracteriza a linguagem do fotógrafo inglês Martin Parr há mais de cinquenta anos se torna um indicador para observar a sociedade contemporânea e suas nuances mais contraditórias\, aquelas que pertencem ao mundo ocidental\, em particular europeu\, retratadas por uma crônica fotográfica nítida\, sem filtros e fora da retórica\, às vezes contada com um sarcasmo penetrante; mais frequentemente apresentada com ironia e humor. As imagens de Parr capturam momentos cômicos ou inesperados\, oferecendo um olhar crítico\, mas também divertido\, sobre a vida cotidiana de todos nós.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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SUMMARY:Chiara Camoni no Pirelli HangarBicocca
DESCRIPTION:Chiara Camoni\, Barricata #1\, 2016\, Vista da instalação no Pirelli HangarBicocca\, Milão\, 2024. Foto: Agostino Osio\n\n\n\nChiara Camoni (Piacenza\, 1974; vive e trabalha em Seravezza\, Itália) é uma das principais artistas italianas de sua geração. Sua prática abrange desde desenhos até estampas vegetais\, de vídeos a esculturas\, com um foco particular em cerâmica. Seu trabalho é caracterizado pelo uso de objetos pertencentes ao mundo doméstico ou materiais orgânicos que a artista integra em sua produção. Ervas\, frutas e flores\, assim como vários tipos de argila e cinzas\, determinam os distintos tons naturais de suas obras\, e evocam a terra e a vegetação que a artista coleta e incorpora em suas esculturas. As obras são então manipuladas e reagrupadas por Chiara Camoni por meio de gestos rituais com fortes conexões com os mundos ancestrais e arcaicos\, com o objetivo de explorar a relação entre artesanato e a esfera espiritual. A dimensão coletiva e compartilhada também é relevante para sua prática\, já que a artista frequentemente colabora com amigos e parentes ou organiza oficinas e seminários para realizar seus projetos. \n\n\n\nA exposição no Pirelli HangarBicocca reúne o maior conjunto de obras já apresentado por Chiara Camoni e\, juntamente com uma série de novas produções\, dá vida a uma arquitetura de coletividade e memória\, cujas formas são inspiradas nos jardins italianos do final do Renascimento e nos antigos anfiteatros. O design simétrico e radial da planta cria corredores e salas\, caminhos e ambientes que dividem o espaço em áreas onde os visitantes podem permanecer ou conversar. Essa grande instalação abriga inúmeras outras obras da artista\, incluindo uma grande seleção de esculturas de terracota policromada e esmaltada\, como as figuras antropomórficas da série Sisters (2017-23) e os Butterfly Vases (2020-22)\, uma reinterpretação dos jarros canópicos egípcios. Ao lado de ilhas esculturais\, como os ladrilhos de cerâmica Pavi­mento (For Clarice) (2021) e as cortinas feitas de estampas vegetais de Untitled (a Tent) (2019)\, os visitantes encontrarão novas obras figurativas em ônix\, pedra leccese e alumínio que se baseiam no vocabulário dos bestiários medievais. \n\n\n\nA exposição será complementada por um catálogo monográfico\, que incluirá uma documentação aprofundada da exposição e textos críticos encomendados a historiadores da arte\, sociólogos e arqueólogos. Alguns dos conceitos e temas da exposição serão explorados por meio de ensaios específicos e contribuições de autores como Anna Anguissola\, Domitilla Dardi\, Gian Antonio Gilli\, Chus Martínez\, Alice Motard e Andrea Viliani.
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LOCATION:Fondazione Pirelli HangarBicocca\, Via Chiese 2\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Brand New Love" de Daniele Toneatti na Peres Projects
DESCRIPTION:Daniele Toneatti\, vista da exposição Brand New Love no Peres Projects\, Milão. Foto: T-space\n\n\n\nPeres Projects apresenta Brand New Love\, uma exposição de novas pinturas de Daniele Toneatti (nascido em 1989 em Veneza\, Itália)\, marcando a estreia do artista na galeria e sua primeira apresentação solo em Milão. \n\n\n\nToneatti pratica a dissolução das fronteiras em sua obra. Em Brand New Love\, a figuração se dissolve na abstração\, e habilidades técnicas virtuosas coexistem com linguagens intuitivas e viscerais. Pinturas a óleo\, lembrando esboços de carvão grosseiros\, penduram-se em um estado de incompletude permanente\, ao lado de pinturas completas que foram obliteradas por lavagens apressadas de tinta. Aqui\, o próprio processo de fazer pinturas é atomizado\, e cada um de seus componentes recebe igual atenção e importância. Como as peças entrelaçadas de um quebra-cabeça\, desenho\, cor e tema são retrabalhados em inúmeras combinações\, enquanto o estúdio do artista parece se infiltrar no espaço da exposição. \n\n\n\nInformado por abordagens e teorias pós-modernas\, onde a interpretação transcende a criação\, Toneatti cultiva uma prática singular baseada em apropriação. O artista coleta e pinta a partir de imagens encontradas\, que vão desde fotografias de banco de imagens até referências da história da arte\, que ele remistura e sampleia em um corpo de trabalho versátil. \n\n\n\nBrand New Love ilustra a versatilidade estilística da prática de Toneatti e a fluidez com que ele navega de uma linguagem pictórica para outra. Mais do que um reflexo de nossa sociedade atual orientada pela imagem\, o trabalho de Toneatti é\, acima de tudo\, um diálogo pessoal e apaixonado com a história da arte. Cada obra captura um encontro com uma imagem\, traduzido através de abordagens pictóricas variadas\, livres de qualquer fórmula ou receita. \n\n\n\nDentro do espaço da exposição\, as pinturas estão dispostas em aglomerados\, fomentando associações livres de imagens e ideias. Links invisíveis conectam as obras\, formando constelações misteriosas à medida que o artista desdobra sua própria jornada pela cultura visual e história da arte. Enquanto as imagens de Toneatti exalam uma sensação de déjà vu\, muitas das referências que ele utiliza permanecem elusivas. Essa incerteza cria superfícies infinitas de projeção\, permitindo que o espectador conecte as obras com seu próprio banco de imagens mentais. \n\n\n\nBrand New Love encarna uma maneira renovada e\, em última análise\, romântica de absorver imagens\, convidando-nos\, por sua vez\, a refletir sobre nosso próprio panteão de imagens. \n\n\n\nEsta é a primeira exposição solo de Daniele Toneatti com Peres Projects. Toneatti teve sua estreia solo no Open Forum em Berlim em 2023. Intitulada “Das Ding”\, a exposição explorou nossa era de niilismo de imagem\, questionando o achatamento tanto da cultura quanto de nossas experiências estéticas.
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LOCATION:Peres Projects\, Piazza Belgioioso 2\, Milão\, Itália
CATEGORIES:Milão
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SUMMARY:"Picasso. La metamorfosi della figura" no Museo delle Culture
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Donna che gioca in spiaggia – Femme jouant sur la plage\, 1928\, Coleção privada © Succession Picasso\, por SIAE 2024\n\n\n\nA exposição Picasso. La metamorfosi della figura encerra as celebrações do 50º aniversário da morte do pintor e traz uma visão da evolução de Picasso desde suas obras jovens até as mais tardias. Ela destaca o amor do artista pelas fontes artísticas “primordiais”\, incluindo a “arte primitiva”\, que influenciou profundamente sua produção ao longo da vida. Com mais de quarenta obras\, a exposição revela como Picasso reinventou constantemente suas figuras\, utilizando influências africanas\, neolíticas e proto-ibéricas\, entre outras\, para criar sua linguagem visual. Essa abordagem resultou em uma série de obras que capturam a essência da existência humana e refletem a constante reelaboração intelectual do artista ao longo de sua carreira. A exposição é complementada por uma série de desenhos e esboços de estudos preparatórios\, além do valioso Caderno n. 7 da Fundação Pablo Ruiz Picasso – Museu Casa Natal de Málaga\, destacando a importância do acompanhamento dos principais museus espanhóis que abrigam obras do pintor.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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SUMMARY:“Brassaï. L'occhio di Parigi” no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Casal no baile das Quatro Estações\, rua de Lappe © Estate Brassaï Successão-Philippe Ribeyrolles\n\n\n\nA exposição\, criada em colaboração com o Estate Brassaï e com curadoria de Philippe Ribeyrolles\, estudioso e sobrinho do grande fotógrafo\, apresentará uma abordagem profunda e original da obra de Brassaï através de mais de 200 impressões vintage\, com especial atenção para as imagens extremamente famosas dedicadas à capital francesa e sua vida. \n\n\n\nHúngaro por nascimento\, mas parisiense por adoção\, Brassaï foi um dos protagonistas da fotografia mundial\, definido por seu amigo Henry Miller como “o olho vivo” da fotografia. A partir de 1924\, ele participou do grande fermento cultural que atingiu Paris naquela época\, experimentando uma estreita ligação com o movimento surrealista e uma relação próxima com artistas como Picasso\, Dalí e Matisse. \n\n\n\nSuas fotografias dedicadas à vida na capital – dos bairros proletários aos grandes monumentos simbólicos\, da moda aos retratos de seus amigos artistas\, passando por grafites e vida noturna – são hoje imagens icônicas que identificam imediatamente o retrato de Paris no imaginário coletivo.
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LOCATION:Palazzo Reale\, Piazza del Duomo\, 12\, Milão\, Itália
CATEGORIES:Milão
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SUMMARY:"Reality Optional". Miaz Brothers con i maestri del XX secolo na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Miaz Brothers\, Oh\, Keith\, 2023\, da série New trends and experiments. Créditos: Vittorio Lico\, Cortesia Miaz Brothers & Wunderkammern\n\n\n\nAs obras originais dos dois artistas dialogam com as grandes obras-primas da coleção para investigar os fenômenos de percepção e interpretação pelos espectadores. \n\n\n\nOs Irmãos Miaz\, Roberto (1965) e Renato (1968)\, há anos dedicados ao tema da percepção e à relação entre realidade e imaginação\, chegam à Galleria d’Arte Moderna com um projeto expositivo conceitual no qual sua abordagem experimental à retratística se confronta pela primeira vez diretamente com os grandes Mestres do Século XX presentes na coleção de arte pública da GAM. \n\n\n\nA exposição\, a primeira de um percurso artístico e cultural que a Sovrintendenza Capitolina pretende propor para celebrar o centenário da instituição da Galleria d’Arte Moderna (1925-2025)\, nasce do encontro entre algumas obras-primas da GAM e a linguagem artística dos Irmãos Miaz. Um projeto expositivo com cerca de 60 obras no total\, onde o espectador se torna um elemento ativo dentro de um jogo de referências\, homenagens\, chamadas\, todas centradas nos mecanismos de percepção ou não da realidade. A dupla de artistas foi chamada a se envolver na reinterpretação dos grandes mestres da coleção capitolina (e não apenas) por meio de um estilo retratístico inovador\, onde os sujeitos originais\, reconhecíveis nos traços principais\, aparecem fora de foco. \n\n\n\nOs Irmãos Miaz têm se dedicado há anos ao tema da percepção e à relação entre realidade e imaginação\, e a mostra Reality Optional. Miaz Brothers con i maestri del XX secolo [Realidade: Opcional. Irmãos Miaz com os Mestres do Século XX] resulta em um importante ponto de chegada para eles. \n\n\n\nDurante seu processo criativo\, os dois artistas se inspiraram diretamente – ou indiretamente\, conforme o caso – em algumas obras-primas do museu\, focando especialmente a atenção criativa no tema\, hoje muito sentido e debatido\, da “pós-verdade”. \n\n\n\nCom pós-verdade\, referimo-nos em particular a notícias que\, embora falsas\, são consideradas verdadeiras por um número significativo de pessoas\, avaliando-as com base em suas emoções e preconceitos\, sem dar crédito a fatos e dados objetivos que assim perdem significado e importância. Dessa forma\, a manipulação se concretiza por meio da linguagem\, que os dois artistas transformam em arte por meio de um percurso já com duas décadas de foco na percepção e na relação entre realidade e imaginação\, visível e invisível. Suas imagens\, portanto\, nunca são predeterminadas\, não há uma verdade que deva ser revelada\, de modo que a realidade permaneça aberta e inapreensível. \n\n\n\nPara a arte dos Irmãos Miaz\, as associações e interpretações dos observadores são fundamentais\, pois contribuem para a definição da obra em si em um contínuo intercâmbio entre artista e público\, dentro de uma viagem imersiva ao reino da percepção da cultura do Século XX. Por sua vez\, os artistas e curadores se dirigem com a mesma força ao espectador\, com o objetivo de estimulá-lo a questionar seu próprio olhar e as imagens que lhe são apresentadas.
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LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
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SUMMARY:“De Nittis. Painter of modern life” no Palazzo Reale
DESCRIPTION:Giuseppe De Nittis\, “Il Kimono color arancio”\, cerca de 1883-1884. Cortesia de Marco Bertoli\, Modena © Arquivo das Galerias Maspes\, Milão\n\n\n\nPela primeira vez\, o Palazzo Reale celebra o talento de Giuseppe De Nittis em uma exposição monográfica com cerca de 90 pinturas\, entre óleos e pastéis\, provenientes das principais coleções públicas e privadas\, italianas e estrangeiras\, incluindo o Musée d’Orsay e o Petit Palais de Paris\, o Musée des Beaux-Arts de Reims e de Dunkerke\, os Uffizi de Florença – para citar alguns -\, além do extraordinário núcleo preservado no GAM em Milão e uma seleção da Pinacoteca de Barletta\, nomeada em homenagem ao pintor\, que preserva um número excepcional de obras após o legado da viúva\, Léontine De Nittis. \n\n\n\nA consagração de Giuseppe de Nittis como um dos grandes protagonistas da pintura europeia do século XIX ocorreu graças ao sucesso da exposição que ele desfrutou após sua morte\, a partir da magnífica retrospectiva dedicada a ele em 1914 na 11ª Bienal de Veneza. Outros estágios fundamentais foram a exposição Giuseppe De Nittis. La modernité élégante\, montada em Paris no Petit Palais em 2010-2011\, e em 2013 a monográfica fundamental dedicada a ele em Pádua no Palazzo Zabarella. \n\n\n\nDE NITTIS. Pintor da vida moderna tem como objetivo realçar a estatura internacional de um pintor que foi\, juntamente com Boldini\, o maior dos italianos em Paris\, onde conseguiu se destacar em comparação com Manet\, Degas e os impressionistas. Com estes últimos\, o jovem Peppino foi capaz de compartilhar\, apesar da diversidade de linguagem pictórica\, a aspiração de revolucionar a própria ideia de pintura\, desmantelando de uma vez por todas a hierarquia dos gêneros para alcançar a autonomia da arte\, que foi a maior aspiração da modernidade. \n\n\n\nOs pintores franceses e De Nittis\, que sempre se sentiram profundamente parisienses por adoção\, abordaram os mesmos temas\, incluindo a paisagem\, o retrato e a representação da vida moderna que De Nittis foi capaz de capturar nas ruas das duas metrópoles que frequentava\, na época grandes capitais europeias da arte: Paris e Londres. Ele foi capaz de representar\, juntamente com as duas metrópoles\, em uma técnica extraordinária en plein air\, os lugares privilegiados da mitologia da modernidade\, que serão colocados no centro de um itinerário de exposição que se desenvolve ao longo de um período de vinte anos\, de 1864 a 1884\, reconstruindo uma aventura pictórica extraordinária\, que terminou prematuramente com a morte do artista aos apenas 38 anos de idade. \n\n\n\nOs resultados que ele alcançou se devem ao seu gênio inato\, sua capacidade de se comparar com os grandes artistas de sua época\, sua curiosidade intelectual e abertura a outras linguagens. Ele também está entre os artistas da época que melhor souberam se medir com a pintura japonesa que estava na moda na época. \n\n\n\nA exposição também conta com a colaboração do METS Percorsi d’Arte\, que contribuiu para o projeto incorporando uma seleção significativa de obras de coleções privadas. Entre estas estão o Quimono Cor de Laranja\, Piccadilly\, e o famoso Westminster. \n\n\n\nTudo isso será destacado pela exposição e pelo rico catálogo da Silvana Editoriale.
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SUMMARY:"Exposure. Arte\, culture\, moda dentro e fuori la vetrina" no Museo delle Culture
DESCRIPTION:Mark Dion\, Raiding Neptune’s vault. Voyage to the Bottom of the Canals and Lagoons of Venice\, Installation Cabinet B\, 1997-98. Coleção privada.\n\n\n\nA exposição\, com curadoria de Katya Inozemtseva e Sara Rizzo\, reflete sobre a concepção tradicional da vitrine e sua centralidade nos projetos de exposição. Ligada à “exposição museológica clássica”\, a vitrine expõe e ao mesmo tempo separa o objeto\, oferecendo-o para apreciação\, mas formando uma barreira para o espectador. Nos museus etnográficos\, em particular\, o efeito “neutralizante” da vitrine afeta as obras\, isolando-as\, privando-as do contexto e da função originais. \n\n\n\nA mostra é antecipada nas salas da Coleção Permanente por uma intervenção especial do artista contemporâneo Theo Eshetu (1958)\, “Crocodile on a ceiling”\, um trabalho inédito\, produzido especialmente para o MUDEC. Através da inversão da visão\, Eshetu reflete sobre a origem do próprio museu\, a ser rastreada nos gabinetes de curiosidades renascentistas. “Brave New World”\, também de Theo Eshetu\, é um caleidoscópio de imagens em movimento que torna o próprio público parte da obra. \n\n\n\nSegue-se nas salas “Focus” uma seção dedicada à história da vitrine nas montagens museológicas e seu papel como meio de classificação\, especialmente nas coleções etnográficas. O tema do desejo é abordado através das imagens oníricas das vitrines criadas pelo lendário designer e vitrinista Gene Moore para a Tiffany\, e pelas montagens dos designers Albe Steiner\, Giancarlo Iliprandi e Roberto Sambonet para a Rinascente na segunda metade do século XX. \n\n\n\nEncerrando o percurso\, há um foco na caixa de exposição na prática da arte contemporânea\, através de obras de Mark Dion (1961)\, Sam Durant (1961) e uma instalação site-specific de Monia Ben Hamouda (1991)\, destinada a desconstruir a prática da vitrine e\, metaforicamente\, do próprio museu. \n\n\n\nA exposição é precedida no icônico ambiente da ágora por Luce dietro tracce incompiute\, de Mariana Castillo Deball (1975): no átrio de vidro do museu\, as sete esculturas têxteis\, inspiradas em peças das coleções do MUDEC\, criam uma situação invertida na qual o público se encontra\, junto com as obras\, dentro de uma imponente vitrine. \n\n\n\nA exposição é enriquecida ainda por uma programação diversificada de eventos que nos permite refletir sobre alguns conceitos-chave da mostra e sair do museu graças à arte pública. \n\n\n\nO projeto “Exposure” será ilustrado no segundo número da revista “MU – MUDEC United”\, que\, de acordo com sua proposta editorial\, oferecerá aprofundamentos transversais sobre o tema da exposição. \n\n\n\nArtistas presentes na exposição: Monia Ben Hamouda\, Mark Dion\, Sam Durant\, Theo Eshetu\, Damien Hirst\, Candida Höfer\, Giancarlo Iliprandi\, Gene Moore\, Roberto Sambonet\, Albe Steiner.
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LOCATION:Museo delle Culture (Mudec)\, Via Tortona\, 56\, Milão\, Itália
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