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SUMMARY:"Cecilia Vicuña: Quipu Gut" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Cecilia Vicuña\, “Quipu Gut”\, 2017. Vista da instalação na Documenta 14\, Documenta Halle\, Kassel\, 2017. © 2024 Cecilia Vicuña / Artists Rights Society (ARS)\, Nova York. Cortesia da artista\, Pérez Art Museum Miami e Lehmann Maupins. Foto: Feodora Pallas.\n\n\n\n\nCecilia Vicuña é uma poetisa e artista que cresceu na comuna chilena de La Florida\, no Vale do Maipo. Filha de uma família de artistas e intelectuais\, Vicuña cresceu ouvindo sobre a perseguição e encarceramento de indivíduos que lutavam pela justiça social em um contexto de agendas governamentais cada vez mais conservadoras. Durante sua estadia na Slade School of Fine Art em Londres\, com uma bolsa do British Council\, entre 1972 e 1973\, um golpe de estado liderado pelo general Augusto Pinochet\, comandante-chefe do exército chileno\, deu início a uma ditadura militar de dezessete anos. Isso fez com que Vicuña permanecesse em Londres em um exílio autoimposto\, onde ela exibiu seu trabalho no Institute of Contemporary Arts e publicou seu primeiro livro\, Saborami (1973). Naquele período\, seu foco estava principalmente no ativismo político contra o fascismo e as violações dos direitos humanos no Chile e em outros países. \nEm 1975\, ela retornou à América do Sul para viver em Bogotá\, na Colômbia\, onde iniciou um caminho de redescoberta criativa voltado para a arte e a cultura indígenas. O interesse de Vicuña pelo quipu (“nó” em quechua) foi reacendido nesse período e permanece como uma constante fonte de inspiração. O quipu é uma antiga tecnologia de comunicação andina que usa cordas amarradas para registrar informações\, prática que foi proibida pelos espanhóis durante a colonização da América do Sul. Em 1965\, Vicuña fez a primeira referência ao quipu em seu diário com a frase\, el quipu que no recuerda nada (“o quipu que não lembra nada”). O conhecimento\, a sabedoria e a memória estão incorporados em sua concepção criativa e poética do quipu\, inspirando as iterações subsequentes e manifestações desse antigo dispositivo de comunicação. \nQuipu Gut faz parte de uma grande família de estruturas de quipu vermelho que a artista criou desde Quipu Menstrual em 2006; a cor visa associar as obras ao “sangue das geleiras” destruídas pela mineração. Os quipus vermelhos também refletem sobre água\, sangue e feminilidade\, manifestados como fios poéticos e fluxos de energia. Quipu Gut (2017) é um dos dois quipus comissionados para a documenta 14; foi exibido no documenta Halle em Kassel\, Alemanha; Quipu Womb (2017)\, a segunda obra comissionada\, foi exibida no Museu Nacional de Arte Contemporânea em Atenas. Ambas foram criadas “em homenagem a uma tradição religiosa sincrética que—via o cordão umbilical do simbolismo menstrual—conecta as deusas-mãe andinas com as mitologias marítimas da Grécia antiga. A mitologia se manifesta espiritualmente no que Vicuña descreve como seu “poema no espaço”\, construído com cinquenta grandes fios de lã não fiada\, tingidos de vermelho e amarrados ritmicamente ao longo de quase dez metros de comprimento\, conectando histórias compartilhadas\, práticas indígenas de tecelagem\, ritual e ativismo ambiental.
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SUMMARY:"Ulla von Brandenburg: In Dialogue" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Obra de Ulla von Brandenburg. Via thebass.org\nO Bass Museum of Art anuncia uma nova exposição como parte da temporada de outono 2024-2025\, Ulla von Brandenburg: In Dialogue\, em exibição de 4 de setembro de 2024 a 6 de julho de 2025. \n\nUlla von Brandenburg\, artista nascida na Alemanha e radicada em Paris\, trabalha com momentos idiossincráticos e figuras negligenciadas das histórias da arte e da cultura. Suas exposições e projetos abordam uma ampla gama de temas\, incluindo ocultismo\, psicanálise\, arquitetura modernista e cinema de Hollywood\, trazendo-os para contextos contemporâneos. \nUlla von Brandenburg: In Dialogue é uma apresentação do trabalho de von Brandenburg\, emparelhado com o mural de cerâmica recentemente adquirido pelo Bass da artista libanesa-americana Etel Adnan (1925–2021). Figura proeminente da arte visual e literatura contemporâneas árabe-americanas\, Adnan criou campos geométricos ricos em cores em suas pinturas e desenhos\, alguns traduzidos em murais e tapeçarias de grande escala que refletem o interesse duradouro da artista pela arquitetura e pelo ambiente construído. Comparativamente\, a prática multifacetada de von Brandenburg combina filmes\, têxteis\, desenhos\, aquarelas e sons em cenários imersivos de exposições onde as diferentes formas de arte se harmonizam em um todo coeso (ou Gesamtkunstwerk). \nUlla von Brandenburg: In Dialogue explora esse engajamento intergeracional com a abstração geométrica—sua interação entre círculos\, quadrados e triângulos—evidente tanto no mural de Adnan quanto na prática de von Brandenburg\, e apresentada ao lado da rica história da artista franco-ucraniana Sonia Delaunay. Aqui\, o mural abstrato lírico de Adnan (Untitled\, 2023)\, com 14 × 21 pés\, serve como protagonista e pano de fundo teatral na cenografia da exposição de von Brandenburg. As obras se entrelaçam através da linguagem da abstração e dos interesses compartilhados das artistas no ambiente social e espacial.
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SUMMARY:"Rachel Feinstein: The Miami Years" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Rachel Feinstein\, “Clay body parts strung together”. Via thebass.org\n\n\n\n\nO Bass Museum of Art anuncia uma nova exposição como parte da temporada de outono de 2024-2025\, Rachel Feinstein: The Miami Years\, em exibição de 25 de setembro de 2024 a 17 de agosto de 2025. \nRachel Feinstein: The Miami Years abrange quase três décadas de trabalho da artista baseada em Nova York e é sua primeira grande exposição em sua cidade natal. Exibindo as abordagens multidisciplinares de Feinstein para a escultura — que ao longo de sua carreira incluíram pintura\, vídeo\, performance e instalação — The Miami Years reflete sobre temas como intimidade\, vulnerabilidade e abjeção\, explorando o exame de Feinstein sobre os fatores sociais que moldam o comportamento humano e a identidade feminina. \nFeinstein frequentemente cria ambientes envolventes que servem como cenografia para exposições\, incorporando às vezes papel de parede em seus projetos. As obras da exposição mostram o uso recorrente de cenografia pela artista\, especificamente o plano teatral como uma forma que expõe e reforça a noção e as estruturas de artificiedade e ilusão. \nEmbora influências iniciais incluam figuras como Carolee Schneemann e Kiki Smith\, há uma outra forte corrente no trabalho de Feinstein: Miami. A artista cresceu na “Cidade Mágica” durante os anos 1980. Miami\, então e agora\, é definida pela colisão de extremos: paisagens exuberantes de beleza natural extraordinária contrastando com o desenvolvimento comercial exagerado e industrialização\, fachadas brilhantes adjacentes ao abandono urbano\, e estilos arquitetônicos conflitantes encontrados em qualquer bloco. A Flórida — como o terreno de sol no inverno\, Disney World\, Art Deco e o kitsch americano — está imersa em fantasia escapista enquanto simultaneamente está envolvida nas realidades conflitantes da vida contemporânea\, política e meio ambiente. \nA exposição de Feinstein inclui uma nova comissão específica para o local\, Panorama de Miami (2024)\, uma enorme instalação de painéis de parede espelhados pintados\, com trinta metros de largura\, onde a artista explora como os americanos e a sociedade dos EUA absorvem e se apropriam da cultura europeia. Semelhante aos panoramas do século XVIII desenvolvidos por Jean Zuber e Joseph Dufour\, esse cenário tropical moderno retrata a região de Miami com suas marcas contraditórias de sofisticação e decadência\, exuberância e decadência. As montagens arquitetônicas fundem espaço e tempo com estilos arquitetônicos retirados da história local\, desde o Hotel Breakwater na Ocean Drive de South Beach\, até o Condomínio Atlantis da fama de Miami Vice\, o original Parrot Jungle\, Miami Seaquarium\, Fairchild Tropical Botanic Garden\, Museu e Jardins Vizcaya\, o Biltmore Hotel e o longamente fechado Miami Serpentarium. \nFeinstein frequentemente cria ambientes envolventes que servem como cenografia para exposições\, incorporando às vezes papel de parede em seus projetos. Old Cutler (2024) é outra obra nova\, específica para o local\, encomendada pelo Bass e em exibição na exposição. Aqui\, os visitantes entram na representação de uma paisagem exuberante\, inicialmente retratada em carvão sobre papel e depois transformada neste papel de parede em escala de sala. Seu design é inspirado em uma fotografia de arquivo da Old Cutler Road\, uma importante via histórica ladeada de figueiras em Miami\, intimamente associada às memórias de Feinstein de sua infância no sul da Flórida. \nA visão de Feinstein de Old Cutler equilibra um ponto entre encantado e perturbador\, lembrando as florestas sombrias que frequentemente servem como pano de fundo para contos de fadas e histórias populares. As árvores imponentes\, a vegetação espessa e o crepúsculo evocam uma paisagem repleta de potencial para transformação\, onde beleza e fantasia ocultam o perigo e a inquietação. Ao dar as boas-vindas aos visitantes na exposição\, a obra funciona como uma espécie de espaço liminar entre o exterior e o mundo interior da artista. \nCom a fragmentação ecoando nas práticas artísticas de Feinstein\, The Miami Years é a primeira exposição de Feinstein a considerar o impacto subjacente da imaginação coletiva e das realidades extremas do sul da Flórida em seu trabalho abrangente. A artista utiliza uma gama de referências culturais\, sociais\, estéticas e históricas da arte — desde pinturas rococó do século XVIII de Fragonard\, até contos de fadas e folclore\, publicidade de moda e os rastros culturais de Los Angeles. Exagerados\, incongruentes\, reunidos de forma improvisada e\, às vezes\, monstruosos\, Feinstein monta essas partes e peças díspares — sejam formas humanas\, relíquias arquitetônicas ou cenários teatrais — em obras coesas e atraentes.
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SUMMARY:"(LA)HORDE: Heureux sous son ombre" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Homem equilibrando-se em uma motocicleta (LA)HORDE. Via thebass.org\n\n\n\n\nO Bass Museum of Art anuncia uma nova exposição como parte da temporada de outono de 2024-2025\, (LA)HORDE: Heureux sous son ombre\, em exibição de 16 de outubro de 2024 a 27 de abril de 2025. \n(LA)HORDE é um coletivo multidisciplinar com sede na França\, fundado em 2013 pelos artistas Marine Brutti\, Jonathan Debrouwer e Arthur Harel. Como diretores do Ballet de Marseille\, o trio expande os limites da dança clássica para explorar como os corpos são representados no espaço público\, nas redes sociais\, nos objetos e no palco—tudo isso estará em exibição no The Bass na primeira exposição do coletivo nos Estados Unidos. \nBondy (2017)—um retrato em vídeo fascinante de uma comunidade globalizada contemporânea—é o centro da exposição. Em 2017\, a comuna de Bondy\, um subúrbio de Paris\, e o Centre National de la Danse convidaram (LA)HORDE para produzir um retrato coreográfico de Bondy e seus residentes. O objetivo era adentrar a comunidade e conhecer cidadãos comuns que dançam\, mas podem não ter treinamento formal. (LA)HORDE convidou essas pessoas—representando uma ampla demografia de idade\, gênero e origem cultural—para filmar a si mesmas dançando\, e dirigindo a si mesmas enquanto dançavam\, nos locais de sua escolha. \nCerca de cinquenta membros da comunidade se voluntariaram para participar do projeto\, incluindo líderes de torcida do ensino médio\, idosos em um clube de dança e até nadadores sincronizados. No vídeo\, os participantes são mostrados dançando ou executando rotinas em suas respectivas zonas de atividade comunitária. Além disso\, membros de clubes locais de motociclistas\, vestidos com trajes de motoqueiro completos\, imitam os movimentos de suas motos montadas em pantomimas encenadas. Com uma mistura de graça e ameaça\, esses interlúdios poéticos oferecem um subtexto fascinante para as cenas coreografadas de outra forma diretas. \nO título da exposição faz uma referência ao lema municipal do século XVIII de Bondy\, Heureux sous son ombre (“Feliz sob sua sombra”). Referindo-se às origens da cidade próxima à floresta com o mesmo nome\, o lema foi adotado para reabilitar a imagem de uma região que antes era marcada por assaltantes e banditismo. A escultura HEUREUX SOUS SON OMBRE (2024)\, apresentada ao lado do vídeo\, também reconhece os espaços culturalmente demarcados de ameaça e civilização\, com ideias sobre a sociedade que surgem consistentemente em formas politicamente construídas. Próxima\, sua prima conceitual\, a escultura Ghost Light\, The Bass\, Miami (2024)\, ecoa esse apelo para aliviar a ansiedade coletiva\, aludindo à tradição teatral de colocar uma luz de utilidade no palco após o expediente para garantir a segurança da equipe em um teatro escuro (ou\, supersticiosamente\, para fazer companhia aos fantasmas).
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SUMMARY:"One Becomes Many" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Sonia Gomes\, Sem título\, da série Torções\, 2021. © Sonia Gomes\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nOne Becomes Many investiga os legados duradouros que atravessam gerações na obra de onze artistas negros brasileiros. Por meio de motivos tradicionais\, abstrações geométricas e uma profunda reverência à cultura brasileira\, os artistas revelam um universo em que a resiliência não é apenas uma característica\, mas uma herança sagrada. \nNo centro da exposição está o candomblé — religião afro-brasileira que se origina das tradições de povos da África Ocidental\, como iorubás\, fons e bantos\, incorporando também elementos do catolicismo romano. Inspirados por rituais e práticas espirituais\, os artistas homenageiam orixás e ancestrais\, impregnando suas obras com potência e sabedoria divina. Os símbolos do candomblé\, aqui reinterpretados\, tornam-se testemunhos visuais da força de um povo que resistiu\, persistiu e floresceu. \nAs experiências da diáspora também reverberam nas obras reunidas\, refletindo vivências comuns de deslocamento\, sobrevivência e continuidade cultural. Através de narrativas sobre identidade e pertencimento\, os artistas articulam as complexidades da história com as realidades contemporâneas das comunidades afro-brasileiras. One Becomes Many convida o público a uma travessia em que passado e presente se entrelaçam\, guiados pelos ecos da ancestralidade rumo a um futuro iluminado por tudo aquilo que permanece. \nParticipam da exposição: Emanoel Araújo\, Mestre Didi\, Sonia Gomes\, Gustavo Nazareno\, Paulo Nazareth\, Antonio Obá\, Alberto Pitta\, Hariel Revignet\, Tadáskía\, Nádia Taquary e Rubem Valentim. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPerguntar ao 
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mirror of the Mind" no El Espacio 23
DESCRIPTION:Marta Minujín\, “Long-term Freeze (Self-Portrait with Back Turned)”\, 1975⁣. Via elespacio23.org\n\n\n\n\nMirror of the Mind: Figuration in the Jorge M. Pérez Collection explora a relação entrelaçada e inseparável entre os aspectos físicos e emocionais do corpo. Esta exposição reúne mais de 120 artistas que utilizam a figuração e o retrato para examinar as complexidades da condição humana: o poder da percepção\, o peso do trauma\, as possibilidades de cura\, o espaço para a introspecção\, o sentido de pertencimento e o impacto sobre a carne. Através de diversos meios — incluindo fotografia\, pintura\, escultura e vídeo — o corpo é referenciado como um vaso que experimenta\, documenta\, participa e se transforma ao longo da jornada da vida. A dualidade do corpo — sua materialidade e imaterialidade — torna-se uma paisagem visual onde dinâmicas de representação\, do individual ao coletivo\, são abordadas\, ilustrando a persistência da figuração na arte contemporânea.
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LOCATION:El Espacio 23\, 2270 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"assume vivid astro focus – XI" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Vista da exposição “assume vivid astro focus – XI”. Imagem: Divulgação\nO Bass Museum tem o prazer de apresentar a exposição assume vivid astro focus – XI\, uma instalação envolvente de papel de parede estampado e gráficos em decalque que cobre do chão ao teto\, em um ambiente criado para as obras de mais de trinta artistas\, em exibição a partir de 13 de novembro de 2024. Esta mistura colorida é reunida em torno de um teatro escultural e um palco modular\, que será usado para exibições\, performances e outras ativações pelo coletivo assume vivid astro focus (avaf). \nO coletivo de arte visual e performance baseado em São Paulo funde desenho\, escultura\, vídeo e performance em instalações de grande escala e acontecimentos nos quais gênero\, política e códigos culturais interagem livremente. Habitantes das formas sociais de discotecas e festas de dança\, o avaf convida os visitantes do museu a se engajarem com o ambiente da exposição\, criando experiências vividas que contribuem para as dinâmicas sociais em constante evolução inerentes ao seu trabalho. \nO coletivo reinventa convenções artísticas e desafia a mitologia do artista singular\, co-criando seus projetos ao lado dos espectadores e colaboradores\, enquanto percorre temas e mídias diversas de forma fluida. Frequentemente reciclado imagens e objetos de projetos anteriores em novas instalações\, o avaf fomenta um diálogo contínuo entre obras passadas e as narrativas associadas que geram no presente. \nOriginalmente instalado na casa dos colecionadores de Miami Rosa e Carlos de la Cruz\, e estreando durante a edição de 2004 da Art Basel Miami Beach\, XI incorporou um senso comunitário de excitação na cena artística local e sinalizou Miami como um novo destino global para a arte contemporânea. Avançando dois décadas\, assume vivid astro focus – XI marca o vigésimo aniversário daquele momento crucial e dessa obra inovadora. A nova iteração foca no programa de vídeos Butch Queen Realness with a Twist in Pastel Colors\, uma compilação de mais de 100 vídeos curtos com duração de sete horas\, de diversos artistas e coletivos. \nEsta apresentação abrange desde trabalhos históricos de figuras como László Moholy-Nagy e Paul Sharits\, até obras mais recentes de Mike Bell-Smith\, Miguel Calderón\, Dearraindrop\, Black Leotard Front\, Kembra Pfahler e Zoie Rizzuto. Entre eles\, videoclipes de Blondie\, Grace Jones e Kraftwerk\, e imagens do Soul Train nos anos 1970\, performances underground no Pyramid Club em Nova York nos anos 1980 e bals de voguing de Harlem nos anos 1990. Também estão presentes obras dos artistas Charles Atlas\, Marco Boggio Sella\, Michael Lazarus\, Aleksandra Mir e Justin Samson\, junto ao AIDS wallpaper do General Idea. A queeridade—menos uma referência explícita à sexualidade do que uma estratégia para desestabilizar o status quo—é o fio pulsante que atravessa XI. \nAs instalações do avaf mostram o ethos flexível\, aberto e colaborativo que impulsiona sua prática\, borrando as linhas entre exposição\, performance e experiência imersiva. A generosidade e abertura de sua abordagem para a criação artística acolhe uma multiplicidade de figuras e ideias\, possuindo uma relevância extraordinária\, até urgência\, nos dias de hoje\, à medida que o clima social e político exibe uma crescente hostilidade em relação à diferença.
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SUMMARY:"José Parlá: Homecoming" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:José Parlá\, “American Mindscape”\, 2024. Foto: Cortesia do artista e Parlá Studios\n\n\n\n\nNascido em Miami\, filho de pais cubanos\, o artista José Parlá (n. 1973\, Miami; vive em Nova York) foi criado entre os Estados Unidos continentais e Porto Rico. Influenciado por sua proximidade com países do Caribe e América Latina\, desenvolveu interesse por traços culturais diversos\, como a música cubana\, hip hop\, reggae\, caligrafia\, dança e a arquitetura urbana e sua decadência\, temas recorrentes em seu trabalho. Coerente com sua cultura híbrida\, Parlá explora formas híbridas de abstração. Por meio de um processo único de criação de marcas\, fundamentado no movimento e em gestos corporais\, Parlá produz um fluxo de consciência pictórico\, caracterizado por adição\, apagamento e camadas. Seu processo artístico físico e textural desafia a cultura visual convencional. \nO Pérez Art Museum Miami (PAMM) tem a honra de sediar a primeira exposição individual de Parlá em sua cidade natal. Apresentando uma nova série de obras inéditas e um mural site-specific\, José Parlá: Homecoming reflete\, em última análise\, o estúdio do artista. A exposição\, dividida em duas partes\, permitirá aos visitantes observar a técnica semelhante a uma dança de Parlá em tempo real enquanto ele pinta um mural específico para a primeira fase da mostra. Na segunda fase\, a galeria será transformada no estúdio do artista\, com mesas cobertas de tinta\, uma animada coleção de discos inspirados na cultura cubana e décadas de memórias de arquivo de Parlá. \nEm 2021\, Parlá enfrentou um caso grave de COVID-19\, foi hospitalizado e passou por um coma de quatro meses\, durante o qual sofreu um AVC e hemorragia cerebral significativa. Rompendo com o uso tradicional do espaço em um museu\, esta apresentação representa não apenas um retorno à sua cidade natal\, mas também um reencontro com sua prática artística após essa experiência. Celebrando o espírito de resiliência e o retorno às origens\, José Parlá: Homecoming é um testemunho das conexões profundas entre história pessoal\, arte e expressão criativa. \nAlém do mural concluído e da recriação do estúdio\, a exposição também apresentará diversas obras recentes que Parlá criou após seu retorno à pintura. O resultado é uma exposição focada no processo\, que destaca um pintor expressionista engajado de maneira consciente com questões relacionadas à identidade cubana e à diáspora em sentido mais amplo.
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SUMMARY:"Hurvin Anderson: Passenger Opportunity" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Hurvin Anderson\, “Passenger Opportunity”\, 2024 (detalhe). © Hurvin Anderson. Cortesia do artista\, Thomas Dane Gallery e Michael Werner Gallery\n\n\n\n\nInspirado pelos murais de Carl Abrahams que adornam o saguão de embarque do Aeroporto Internacional Norman Manley\, em Kingston\, Jamaica\, Hurvin Anderson apresenta uma nova pintura monumental composta por dezesseis painéis em sua primeira exposição individual no Pérez Art Museum Miami. \nExplorando o espaço entre a abstração e a representação na pintura\, Anderson cria obras que são ao mesmo tempo impregnadas de história e profundamente contemporâneas. Nascido em Birmingham\, Inglaterra\, de pais jamaicanos da Geração Windrush e formado pelo Royal College of Art em Londres\, as pinturas de Anderson estão enraizadas nos espaços universais e no arquivo visual da tradição da paisagem\, tão presente na história da arte moderna ocidental. Contudo\, como demonstrado nesta exposição\, ele também é um explorador do significado dessas histórias na diáspora africana e\, mais especificamente\, nas tradições culturais e sociais do Caribe. \nEm 2022\, Anderson participou da Bienal de Kingston. Durante esse período\, viajando de e para a Jamaica via Miami\, ele se deparou com os dois murais pintados por Abrahams em 1985\, retratando a história jamaicana para o aeroporto. Nesse momento\, os murais de Abrahams começaram a ressoar de uma forma diferente para Anderson. Refletindo sobre a importância da história jamaicana e a rica história do Caribe como um todo\, Anderson começou a desenvolver ideias para esta exposição enquanto realizava essas viagens. Pensando no significado histórico desses murais para a imigração\, mas também como um ponto de entrada e partida para o turismo\, Anderson desenvolveu esta nova pintura composta por dezesseis painéis.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Vanessa Raw: This is How the Light Gets In" no Rubell Museum
DESCRIPTION:Vanessa Raw\, “When I talk to the night”\, 2024. Cortesia da artista e do Rubell Museum\n\n\n\n\nNascida em 1984 em Hexham\, Inglaterra\, Vanessa Raw vive e trabalha em Margate\, também na Inglaterra. Sua apresentação no Rubell Museum Miami marca sua primeira exposição nos Estados Unidos\, bem como sua primeira mostra institucional. Nas obras de grande escala recém-comissionadas\, as camadas distintas de pinceladas e o uso expressivo de cores de Raw retratam um mundo onírico e exclusivamente feminino—um paraíso terrestre onde a natureza é benevolente e senciente\, e onde o desejo feminino ocupa um lugar central. Ex-triatleta\, a maestria praticada de Raw sobre seu próprio corpo transparece em seu trabalho sobre a tela. Suas figuras são tranquilas e à vontade\, mas possuem agência. Elas se deleitam na companhia umas das outras e na paisagem exuberante\, suave e repleta de cores—um verdadeiro paraíso encontrado.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/vanessa-raw-this-is-how-the-light-gets-in-no-rubell-museum/
LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Recent Acquisitions" no Rubell Museum
DESCRIPTION:Vista da exposição com obras de February James e Murjoni Merriweather. Divulgação/Cortesia Rubell Museum\n\n\n\n\nEstendendo a paixão multigeracional dos Rubells por descobrir e apoiar muitos dos artistas mais fascinantes da atualidade\, uma apresentação de aquisições recentes ocupa as galerias centrais do museu. Com exposições individuais de sete artistas\, a maioria deles exibindo pela primeira vez em um museu nos Estados Unidos\, a mostra demonstra o compromisso contínuo dos Rubells em identificar\, envolver e promover artistas emergentes. Os artistas apresentados incluem: \n\nPatrick Goddard\nOlaolu Slawn\nEmmanuel Louisnord Desir\nFebruary James\, Murjoni Merriweather\nMichelle Uckotter\nOmari Douglin
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SUMMARY:"Narratives in Focus: Selections from PAMM’s Collection" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Camila Falquez\, “Samantha Siagama\, Trans – Indigenous Leader”\, 2023. Coleção Pérez Art Museum Miami\, aquisição do museu com fundos oferecidos pela NADA (New Art Dealers Alliance) como presente de aquisição ao PAMM em 2023. © Camila Falquez\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNarratives in Focus é uma exposição de fotografia que reúne artistas do Caribe\, Estados Unidos\, América Latina e África\, explorando de forma sensível e crítica expressões de identidades individuais e coletivas. A mostra convida o público a se engajar com temas como raça\, gênero e cultura a partir de perspectivas visuais plurais. \nAs obras apresentadas evidenciam o poder da fotografia como meio para investigar histórias pessoais\, identidades culturais e dinâmicas sociais. Por meio de linguagens visuais diversas\, os artistas abordam questões como memória\, migração e a tensão entre tradição e modernidade. Temas como sobrevivência\, resistência e empoderamento atravessam as obras\, refletindo o compromisso dos artistas em repensar e redefinir ideias de lar\, território e comunidade. \nAo reunir uma multiplicidade de experiências e pontos de vista\, Narratives in Focus estimula o espectador a reconsiderar suas percepções e preconceitos. A exposição ressalta não apenas a importância da representatividade\, mas também propõe uma reflexão sobre as conexões entre passado e presente\, entre o pessoal e o coletivo\, entre o local e o global. Por meio de imagens potentes e conteúdos provocativos\, a mostra amplia e aprofunda nossa compreensão sobre identidade no mundo contemporâneo. \nParticipam da exposição os artistas Widline Cadet\, Sarah Charlesworth\, River Claure\, Camila Falquez\, Anna Bella Geiger\, Njaimeh Njie\, Athi-Patra Ruga e Mary Sibande. \n\n\n\n\n\nPerguntar ao 
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SUMMARY:"Gyula Kosice: Intergalactic" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Gyula Kosice\, “Satelite de luzl”\, 1970. Cortesia do Malba – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. Foto: Santiago Orti\n\n\n\n\nCem anos após seu nascimento\, Gyula Kosice: Intergalactic celebra a trajetória do artista argentino Gyula Kosice (n. 1924\, Košice\, Tchecoslováquia; m. 2016\, Buenos Aires\, Argentina)\, artista experimental\, escultor\, poeta e teórico. Co-fundador dos grupos de arte construtiva Arturo (1944) e Madí (1946)\, com atuação concentrada na região do Rio da Prata entre Uruguai e Argentina\, Kosice também foi uma figura de destaque na vanguarda internacional após 1945. Sua prática introduziu ideias artísticas originais\, como esculturas interativas que questionavam a relação entre o objeto artístico e o espectador\, além de experimentar com uma ampla variedade de materiais — muitos deles inéditos no campo das artes visuais. \nAssim como Julio Le Parc e Carlos Cruz-Diez\, Kosice incorporou luz e movimento em sua produção\, mas foi um dos primeiros a utilizar água como elemento artístico. A exposição Intergalactic foca justamente em sua vertente experimental\, na qual o movimento é constante e essencial. São apresentados trabalhos realizados entre 1950 e 1980\, como esculturas em acrílico\, relevos cinéticos e gotas d’água\, muitos deles ativados por luzes\, aeradores e motores. \nO destaque da mostra é a obra mais ambiciosa de Kosice: A Cidade Hidroespacial (The Hydrospatial City\, 1946–2004)\, uma instalação imersiva composta por protótipos arquitetônicos que especulam sobre a possibilidade de uma colonização humana além da Terra\, motivada por desigualdade socioeconômica\, degradação ambiental e crescimento populacional acelerado. Como alternativa\, o artista propôs uma cidade formada por habitats modulares semiabertos\, suspensos a 1.500 metros do solo e alimentados por oxigênio e hidrogênio extraídos do vapor d’água presente nas nuvens.
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