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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/jason-seife-coming-to-fruition-no-perez-art-museum-miami/
LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Xican-a.o.x. Body" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Patssi Valdez\, “Hot Pink” (still)\, 1980-1983. Cortesia da artista e American Federation of Arts\n\n\n\n\nXican-a.o.x. Body é a primeira grande exposição a mostrar o trabalho de artistas que destacam o corpo como um local de agência política e imaginação\, investigação artística\, descolonização e formas alternativas de comunidade. O título da exposição é baseado no termo “Chicano”\, tradicionalmente definido como uma identidade étnica para os mexicanos-americanos que abraçam sua ancestralidade indígena. A exposição surge no cruzamento das práticas artísticas experimentais datando dos anos-chave do Movimento Chicano nas décadas de 1960 e 1970 e abraça o trabalho de artistas que se identificam de várias maneiras — incluindo mexicanos-americanos\, Chicana/o\, Xicanx\, indígenas\, Latinx\, negros\, pardos e queer. \nO framework curatorial de Xican-a.o.x. Body se baseia na ideia de “Brown Commons”\, um termo cunhado pelo escritor José Esteban Muñoz. Segundo a definição de Muñoz\, “Brownness” (a condição de ser pardo) é articulada como um sentimento e experiência de pessoas que existem em um “entre-lugar” e\, portanto\, são lidas como o Outro. Outro framework importante surge da ideia de Xicanisma\, um termo concebido pela escritora e poeta Anna Castillo para definir um tipo de feminismo Chicana socioeconomicamente e culturalmente específico. Xican-a.o.x. Body apresenta obras conceituais\, experimentais e pioneiras do final dos anos 1960 até o presente\, utilizando uma ampla gama de mídias — de poesia e cerâmica a pintura\, fotografia\, escultura\, filme\, performance e desenhos — que iluminam nossa compreensão da arte e cultura Xicanx. \nOs artistas de Xican-a.o.x. Body incluem Laura Aguilar\, Celia Álvarez Muñoz\, Asco (Harry Gamboa Jr.\, Gronk\, Willie Herrón III\, e Patssi Valdez\, 1972–82)\, Mario Ayala\, Judith F. Baca\, Alice Bag\, Julia Barbosa Landois\, Ariana Brown\, Nao Bustamante\, William Camargo\, Barbara Carrasco\, Charlie Cartwright (Good Time Charlie)\, Mel Casas\, Isabel Castro\, Yreina D. Cervántez\, Enrique Chagoya\, Artemisa Clark\, Liz Cohen\, Adriana Corral\, Camilo Cruz\, Cyclona\, Ms. Vaginal Davis\, Albert De Alba Sr.\, Sandra de la Loza\, Natalie Diaz com Mohammed Hammad\, Alex Donis\, Frances Salomé España\, rafa esparza\, Justin Favela\, Christina Fernandez\, Diane Gamboa\, Maria Gaspar\, Jay Lynn Gomez\, Ken Gonzales-Day\, Alfonso Gonzalez Jr.\, Fabian Guerrero\, Ester Hernandez\, Sebastian Hernández\, Celia Herrera Rodríguez\, Salomón Huerta\, Luis Jiménez\, Alma López\, Yolanda López\, Richard A. Lou\, James Luna\, Narsiso Martinez\, Patrick Martinez\, Delilah Montoya\, Malaquias Montoya\, Chuco Moreno\, Gabriela Muñoz\, Marcos Raya\, Sandy Rodriguez\, Gabriela Ruiz\, Sylvia Salazar Simpson\, Shizu Saldamando\, Teddy Sandoval\, Tamara Santibañez\, The Q-Sides (Vero Majano\, Amy Martinez\, e Kari Orvik)\, Walter Thompson-Hernández\, John Valadez\, Patssi Valdez\, Linda Vallejo\, Ricardo Valverde\, Kathy Vargas e José Villalobos.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/xican-a-o-x-body-no-perez-art-museum-miami/
LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Calida Rawles: Away with the Tides" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Calida Rawles\, Impact\, 2024. Cortesia da artista e Lehmann Maupin. Foto: Marten Elder\n\n\n\n\nCalida Rawles imagina a água como um espaço de cura para os negros e reimagina a comunidade afro-americana além das histórias que já conhecemos\, como parte da história coletiva dos Estados Unidos. Fundindo hiper-realismo\, abstração poética e os simbolismos culturais e históricos da água\, Rawles cria retratos únicos de corpos negros submersos em e interagindo com corpos d’água brilhantes e misteriosos. A água\, que é uma espécie de personagem dentro das pinturas\, funciona como um elemento que significa tanto a cura física e espiritual\, quanto o trauma histórico e a exclusão racial. Para sua primeira apresentação solo em museu\, Rawles cria uma ponte entre seu estilo característico e uma história da história de Miami que muitas vezes é ignorada e obscurecida. \nRawles se aprofunda na experiência particular das pessoas negras em Overtown\, um bairro de Miami que passou de um próspero centro cultural e comercial para negros a uma comunidade desmantelada pela gentrificação\, racismo sistêmico e deslocamento em massa. As figuras nas pinturas de Rawles são residentes da comunidade de Overtown—de crianças a idosos. O foco da exposição está nas histórias e experiências daqueles que vivem neste bairro histórico. Rawles leva sua prática um passo adiante\, fotografando alguns de seus sujeitos em águas naturais pela primeira vez\, na histórica Virginia Key Beach\, que foi uma vez segregada racialmente. Ao fotografar sujeitos negros no oceano pela primeira vez\, Rawles consegue explorar a história do Atlântico como o local do extremamente explorador comércio transatlântico de escravos. A obra final engaja criticamente com o clima entrelaçado com a água de Miami e explora a história da beleza\, opressão e resiliência na comunidade vizinha de Overtown do PAMM.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/calida-rawles-away-with-the-tides-no-perez-art-museum-miami/
LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Every Sound Is a Shape of Time" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Alfredo Jaar\, “I Can’t Go On. I’ll Go On”\, 2016. Imagem: Divulgação\n\n\n\n\nAo longo da história\, a arte tem sido um farol para a humanidade em tempos turbulentos. Neste momento de mudança e ruptura globais dinâmicas\, a arte continua a nos guiar através da incerteza. Esta exposição\, que incorpora a missão e visão do Pérez Art Museum Miami (PAMM)\, nos convida a refletir sobre nossa existência compartilhada e a capacidade inerente de moldar nossa própria realidade. Tomando seu título de uma obra da artista cubana Glenda León\, “Every Sound Is a Shape of Time” explora o humanismo e a beleza\, tirando força da coleção em uma pluralidade de vozes. \nDesde que se tornou uma instituição de colecionamento há 30 anos\, o PAMM tem se concentrado em arte moderna e contemporânea\, com ênfase particular na arte contemporânea. A maioria das obras da coleção foi criada após a Segunda Guerra Mundial\, e mais da metade foi feita nos últimos 50 anos. Esta exposição apresenta 21 obras de 17 artistas diversos\, desde pinturas abstratas até exemplos de conceitualismo baseado em fotografia e texto. A mostra inclui obras de León\, Luis Camnitzer\, Abraham Cruzvillegas\, Helen Frankenthaler\, Alfredo Jaar\, Jennie C. Jones\, Julie Mehretu\, Robert Morris\, Lydia Okumura\, Richard Serra e Lawrence Weiner\, entre outros.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/every-sound-is-a-shape-of-time-no-perez-art-museum-miami/
LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Cecilia Vicuña: Quipu Gut" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Cecilia Vicuña\, “Quipu Gut”\, 2017. Vista da instalação na Documenta 14\, Documenta Halle\, Kassel\, 2017. © 2024 Cecilia Vicuña / Artists Rights Society (ARS)\, Nova York. Cortesia da artista\, Pérez Art Museum Miami e Lehmann Maupins. Foto: Feodora Pallas.\n\n\n\n\nCecilia Vicuña é uma poetisa e artista que cresceu na comuna chilena de La Florida\, no Vale do Maipo. Filha de uma família de artistas e intelectuais\, Vicuña cresceu ouvindo sobre a perseguição e encarceramento de indivíduos que lutavam pela justiça social em um contexto de agendas governamentais cada vez mais conservadoras. Durante sua estadia na Slade School of Fine Art em Londres\, com uma bolsa do British Council\, entre 1972 e 1973\, um golpe de estado liderado pelo general Augusto Pinochet\, comandante-chefe do exército chileno\, deu início a uma ditadura militar de dezessete anos. Isso fez com que Vicuña permanecesse em Londres em um exílio autoimposto\, onde ela exibiu seu trabalho no Institute of Contemporary Arts e publicou seu primeiro livro\, Saborami (1973). Naquele período\, seu foco estava principalmente no ativismo político contra o fascismo e as violações dos direitos humanos no Chile e em outros países. \nEm 1975\, ela retornou à América do Sul para viver em Bogotá\, na Colômbia\, onde iniciou um caminho de redescoberta criativa voltado para a arte e a cultura indígenas. O interesse de Vicuña pelo quipu (“nó” em quechua) foi reacendido nesse período e permanece como uma constante fonte de inspiração. O quipu é uma antiga tecnologia de comunicação andina que usa cordas amarradas para registrar informações\, prática que foi proibida pelos espanhóis durante a colonização da América do Sul. Em 1965\, Vicuña fez a primeira referência ao quipu em seu diário com a frase\, el quipu que no recuerda nada (“o quipu que não lembra nada”). O conhecimento\, a sabedoria e a memória estão incorporados em sua concepção criativa e poética do quipu\, inspirando as iterações subsequentes e manifestações desse antigo dispositivo de comunicação. \nQuipu Gut faz parte de uma grande família de estruturas de quipu vermelho que a artista criou desde Quipu Menstrual em 2006; a cor visa associar as obras ao “sangue das geleiras” destruídas pela mineração. Os quipus vermelhos também refletem sobre água\, sangue e feminilidade\, manifestados como fios poéticos e fluxos de energia. Quipu Gut (2017) é um dos dois quipus comissionados para a documenta 14; foi exibido no documenta Halle em Kassel\, Alemanha; Quipu Womb (2017)\, a segunda obra comissionada\, foi exibida no Museu Nacional de Arte Contemporânea em Atenas. Ambas foram criadas “em homenagem a uma tradição religiosa sincrética que—via o cordão umbilical do simbolismo menstrual—conecta as deusas-mãe andinas com as mitologias marítimas da Grécia antiga. A mitologia se manifesta espiritualmente no que Vicuña descreve como seu “poema no espaço”\, construído com cinquenta grandes fios de lã não fiada\, tingidos de vermelho e amarrados ritmicamente ao longo de quase dez metros de comprimento\, conectando histórias compartilhadas\, práticas indígenas de tecelagem\, ritual e ativismo ambiental.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ulla von Brandenburg: In Dialogue" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Obra de Ulla von Brandenburg. Via thebass.org\nO Bass Museum of Art anuncia uma nova exposição como parte da temporada de outono 2024-2025\, Ulla von Brandenburg: In Dialogue\, em exibição de 4 de setembro de 2024 a 6 de julho de 2025. \n\nUlla von Brandenburg\, artista nascida na Alemanha e radicada em Paris\, trabalha com momentos idiossincráticos e figuras negligenciadas das histórias da arte e da cultura. Suas exposições e projetos abordam uma ampla gama de temas\, incluindo ocultismo\, psicanálise\, arquitetura modernista e cinema de Hollywood\, trazendo-os para contextos contemporâneos. \nUlla von Brandenburg: In Dialogue é uma apresentação do trabalho de von Brandenburg\, emparelhado com o mural de cerâmica recentemente adquirido pelo Bass da artista libanesa-americana Etel Adnan (1925–2021). Figura proeminente da arte visual e literatura contemporâneas árabe-americanas\, Adnan criou campos geométricos ricos em cores em suas pinturas e desenhos\, alguns traduzidos em murais e tapeçarias de grande escala que refletem o interesse duradouro da artista pela arquitetura e pelo ambiente construído. Comparativamente\, a prática multifacetada de von Brandenburg combina filmes\, têxteis\, desenhos\, aquarelas e sons em cenários imersivos de exposições onde as diferentes formas de arte se harmonizam em um todo coeso (ou Gesamtkunstwerk). \nUlla von Brandenburg: In Dialogue explora esse engajamento intergeracional com a abstração geométrica—sua interação entre círculos\, quadrados e triângulos—evidente tanto no mural de Adnan quanto na prática de von Brandenburg\, e apresentada ao lado da rica história da artista franco-ucraniana Sonia Delaunay. Aqui\, o mural abstrato lírico de Adnan (Untitled\, 2023)\, com 14 × 21 pés\, serve como protagonista e pano de fundo teatral na cenografia da exposição de von Brandenburg. As obras se entrelaçam através da linguagem da abstração e dos interesses compartilhados das artistas no ambiente social e espacial.
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SUMMARY:"Antonia Wright: State of Labor" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Antonia Wright. “Hang-her”\, 2022. Cortesia da artista e Spinello Projects\n\n\n\n\nAtravés de uma prática multidisciplinar que envolve vídeo\, performance\, fotografia\, escultura\, som e luz\, Antonia Wright (nascida em 1979\, Miami; reside em Miami) responde a extremos de emoção\, controle e violência no contexto dos sistemas de poder na sociedade. State of Labor é uma composição de arte sonora generativa — uma forma de música ou som que se cria a partir de um conjunto inicial de elementos musicais definidos pelo compositor e/ou por um sistema — que utiliza a sonificação de dados para protestar contra as mudanças nas leis sobre o acesso a abortos seguros e legais. Este trabalho foi criado em resposta à decisão de 2022 da Suprema Corte dos Estados Unidos de reverter Roe v. Wade\, declarando que o direito constitucional ao aborto não existe mais. Como resultado\, os abortos se tornaram ilegais em vários estados\, que desde então implementaram proibições parciais ou completas do procedimento\, uma condição que afeta desproporcionalmente pessoas de cor de baixa renda e minorias que são mais vulneráveis às novas leis\, tendo que viajar distâncias maiores para obter cuidados com aborto\, procurar procedimentos inseguros ou serem forçadas a levar gravidezes indesejadas ou perigosas até o termo. State of Labor sonifica dados relacionados a esses problemas\, incluindo o aumento da distância que uma pessoa terá que percorrer à medida que sua gravidez indesejada avança. Em parceria com parteiras\, Wright coletou os sons que as pessoas fazem durante o trabalho de parto ativo\, incluindo gravações de sua própria experiência de parto domiciliar em 2015. \nO código foi programado para que\, quando um ponto de dado no algoritmo atinge a distância média de direção de ida que uma pessoa precisa percorrer para receber cuidados reprodutivos\, os sons mais suaves que uma pessoa grávida faz entre as contrações durante o parto sejam tocados. Em seguida\, quando essa distância média de direção de ida aumenta como resultado das proibições estaduais ao aborto\, a instalação sonora toca os sons poderosos\, crus e guturais que acompanham uma contração. Os dados para o algoritmo foram obtidos pelo Guttmacher Institute\, uma organização líder em pesquisa e políticas sobre saúde sexual e reprodutiva e direitos em todo o mundo. Os sons são tão pessoais quanto os efeitos reais da decisão da Suprema Corte. Wright\, mãe de dois filhos\, espera galvanizar aqueles que acreditam na autodeterminação dos seres humanos sobre seus próprios corpos e contra a paternidade compulsória.
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SUMMARY:"Rachel Feinstein: The Miami Years" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Rachel Feinstein\, “Clay body parts strung together”. Via thebass.org\n\n\n\n\nO Bass Museum of Art anuncia uma nova exposição como parte da temporada de outono de 2024-2025\, Rachel Feinstein: The Miami Years\, em exibição de 25 de setembro de 2024 a 17 de agosto de 2025. \nRachel Feinstein: The Miami Years abrange quase três décadas de trabalho da artista baseada em Nova York e é sua primeira grande exposição em sua cidade natal. Exibindo as abordagens multidisciplinares de Feinstein para a escultura — que ao longo de sua carreira incluíram pintura\, vídeo\, performance e instalação — The Miami Years reflete sobre temas como intimidade\, vulnerabilidade e abjeção\, explorando o exame de Feinstein sobre os fatores sociais que moldam o comportamento humano e a identidade feminina. \nFeinstein frequentemente cria ambientes envolventes que servem como cenografia para exposições\, incorporando às vezes papel de parede em seus projetos. As obras da exposição mostram o uso recorrente de cenografia pela artista\, especificamente o plano teatral como uma forma que expõe e reforça a noção e as estruturas de artificiedade e ilusão. \nEmbora influências iniciais incluam figuras como Carolee Schneemann e Kiki Smith\, há uma outra forte corrente no trabalho de Feinstein: Miami. A artista cresceu na “Cidade Mágica” durante os anos 1980. Miami\, então e agora\, é definida pela colisão de extremos: paisagens exuberantes de beleza natural extraordinária contrastando com o desenvolvimento comercial exagerado e industrialização\, fachadas brilhantes adjacentes ao abandono urbano\, e estilos arquitetônicos conflitantes encontrados em qualquer bloco. A Flórida — como o terreno de sol no inverno\, Disney World\, Art Deco e o kitsch americano — está imersa em fantasia escapista enquanto simultaneamente está envolvida nas realidades conflitantes da vida contemporânea\, política e meio ambiente. \nA exposição de Feinstein inclui uma nova comissão específica para o local\, Panorama de Miami (2024)\, uma enorme instalação de painéis de parede espelhados pintados\, com trinta metros de largura\, onde a artista explora como os americanos e a sociedade dos EUA absorvem e se apropriam da cultura europeia. Semelhante aos panoramas do século XVIII desenvolvidos por Jean Zuber e Joseph Dufour\, esse cenário tropical moderno retrata a região de Miami com suas marcas contraditórias de sofisticação e decadência\, exuberância e decadência. As montagens arquitetônicas fundem espaço e tempo com estilos arquitetônicos retirados da história local\, desde o Hotel Breakwater na Ocean Drive de South Beach\, até o Condomínio Atlantis da fama de Miami Vice\, o original Parrot Jungle\, Miami Seaquarium\, Fairchild Tropical Botanic Garden\, Museu e Jardins Vizcaya\, o Biltmore Hotel e o longamente fechado Miami Serpentarium. \nFeinstein frequentemente cria ambientes envolventes que servem como cenografia para exposições\, incorporando às vezes papel de parede em seus projetos. Old Cutler (2024) é outra obra nova\, específica para o local\, encomendada pelo Bass e em exibição na exposição. Aqui\, os visitantes entram na representação de uma paisagem exuberante\, inicialmente retratada em carvão sobre papel e depois transformada neste papel de parede em escala de sala. Seu design é inspirado em uma fotografia de arquivo da Old Cutler Road\, uma importante via histórica ladeada de figueiras em Miami\, intimamente associada às memórias de Feinstein de sua infância no sul da Flórida. \nA visão de Feinstein de Old Cutler equilibra um ponto entre encantado e perturbador\, lembrando as florestas sombrias que frequentemente servem como pano de fundo para contos de fadas e histórias populares. As árvores imponentes\, a vegetação espessa e o crepúsculo evocam uma paisagem repleta de potencial para transformação\, onde beleza e fantasia ocultam o perigo e a inquietação. Ao dar as boas-vindas aos visitantes na exposição\, a obra funciona como uma espécie de espaço liminar entre o exterior e o mundo interior da artista. \nCom a fragmentação ecoando nas práticas artísticas de Feinstein\, The Miami Years é a primeira exposição de Feinstein a considerar o impacto subjacente da imaginação coletiva e das realidades extremas do sul da Flórida em seu trabalho abrangente. A artista utiliza uma gama de referências culturais\, sociais\, estéticas e históricas da arte — desde pinturas rococó do século XVIII de Fragonard\, até contos de fadas e folclore\, publicidade de moda e os rastros culturais de Los Angeles. Exagerados\, incongruentes\, reunidos de forma improvisada e\, às vezes\, monstruosos\, Feinstein monta essas partes e peças díspares — sejam formas humanas\, relíquias arquitetônicas ou cenários teatrais — em obras coesas e atraentes.
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SUMMARY:"ZELO" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Paulo Nazareth\, “L’arbre d’Oublier” [Árvore do Esquecimento] (still)\, 2013. Via vimeo.com\n\n\n\n\nO Pérez Art Museum Miami (PAMM) e o ArtRio apresentam ZELO\, uma exposição de vídeo arte que explora o conceito multifacetado de zelo\, abrangendo dedicação\, afeto e cuidado. Abertura em 26 de setembro de 2024\, no ArtRio e disponível online via PAMMTV\, a exposição poderá ser acessada globalmente ao visitar www.pamm.tv e criar uma conta. \nAcompanhada de exibições noturnas no ArtRio de 26 a 29 de setembro de 2024\, ZELO reflete os valores de cuidado\, dedicação e conexões emocionais que estão no cerne do que nos torna humanos. A exposição apresenta onze obras de vídeo de artistas internacionais e brasileiros\, que iluminam diversas perspectivas sobre o zelo\, apresentando uma gama de interpretações enraizadas em seus contextos culturais únicos. Por meio dessas obras\, ZELO promove uma apreciação mais profunda pelos fios de conexão que nos ligam uns aos outros e ao mundo ao nosso redor\, incentivando um diálogo transcultural sobre o significado do cuidado em suas diversas formas. \nA exposição marca a primeira colaboração entre PAMMTV e MIRA\, o programa pioneiro de vídeo arte do ArtRio\, que tem sido fundamental na exibição de obras inovadoras de vídeo e na criação de uma plataforma para os artistas explorarem novas mídias no Brasil. Lançado em 2023\, o PAMMTV é uma plataforma de streaming dedicada a amplificar a vídeo arte da Flórida do Sul\, América Latina\, Caribe e Diáspora Africana. O PAMMTV oferece ao público global acesso a uma diversidade de arte midiática contemporânea\, incluindo seleções da coleção do PAMM\, prestigiados festivais de cinema\, curadores convidados e cineastas regionais. Com foco em artistas inovadores e mídia com consciência cívica\, o PAMMTV democratiza o acesso à vídeo arte contemporânea\, criando um espaço inclusivo para que o público global descubra obras instigantes e provocativas. \nArtistas exibidos: Jonathas de Andrade\, Iván Argote\, Charles Atlas\, Widline Cadet\, Seba Calfuqueo\, Sabrina Fidalgo\, Manuel Mathieu\, Carlos Motta\, Paulo Nazareth\, Isadora Neves Marques e Luiz Roque.
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SUMMARY:"(LA)HORDE: Heureux sous son ombre" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Homem equilibrando-se em uma motocicleta (LA)HORDE. Via thebass.org\n\n\n\n\nO Bass Museum of Art anuncia uma nova exposição como parte da temporada de outono de 2024-2025\, (LA)HORDE: Heureux sous son ombre\, em exibição de 16 de outubro de 2024 a 27 de abril de 2025. \n(LA)HORDE é um coletivo multidisciplinar com sede na França\, fundado em 2013 pelos artistas Marine Brutti\, Jonathan Debrouwer e Arthur Harel. Como diretores do Ballet de Marseille\, o trio expande os limites da dança clássica para explorar como os corpos são representados no espaço público\, nas redes sociais\, nos objetos e no palco—tudo isso estará em exibição no The Bass na primeira exposição do coletivo nos Estados Unidos. \nBondy (2017)—um retrato em vídeo fascinante de uma comunidade globalizada contemporânea—é o centro da exposição. Em 2017\, a comuna de Bondy\, um subúrbio de Paris\, e o Centre National de la Danse convidaram (LA)HORDE para produzir um retrato coreográfico de Bondy e seus residentes. O objetivo era adentrar a comunidade e conhecer cidadãos comuns que dançam\, mas podem não ter treinamento formal. (LA)HORDE convidou essas pessoas—representando uma ampla demografia de idade\, gênero e origem cultural—para filmar a si mesmas dançando\, e dirigindo a si mesmas enquanto dançavam\, nos locais de sua escolha. \nCerca de cinquenta membros da comunidade se voluntariaram para participar do projeto\, incluindo líderes de torcida do ensino médio\, idosos em um clube de dança e até nadadores sincronizados. No vídeo\, os participantes são mostrados dançando ou executando rotinas em suas respectivas zonas de atividade comunitária. Além disso\, membros de clubes locais de motociclistas\, vestidos com trajes de motoqueiro completos\, imitam os movimentos de suas motos montadas em pantomimas encenadas. Com uma mistura de graça e ameaça\, esses interlúdios poéticos oferecem um subtexto fascinante para as cenas coreografadas de outra forma diretas. \nO título da exposição faz uma referência ao lema municipal do século XVIII de Bondy\, Heureux sous son ombre (“Feliz sob sua sombra”). Referindo-se às origens da cidade próxima à floresta com o mesmo nome\, o lema foi adotado para reabilitar a imagem de uma região que antes era marcada por assaltantes e banditismo. A escultura HEUREUX SOUS SON OMBRE (2024)\, apresentada ao lado do vídeo\, também reconhece os espaços culturalmente demarcados de ameaça e civilização\, com ideias sobre a sociedade que surgem consistentemente em formas politicamente construídas. Próxima\, sua prima conceitual\, a escultura Ghost Light\, The Bass\, Miami (2024)\, ecoa esse apelo para aliviar a ansiedade coletiva\, aludindo à tradição teatral de colocar uma luz de utilidade no palco após o expediente para garantir a segurança da equipe em um teatro escuro (ou\, supersticiosamente\, para fazer companhia aos fantasmas).
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SUMMARY:"One Becomes Many" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Sonia Gomes\, Sem título\, da série Torções\, 2021. ©Sonia Gomes. Via touchofclass.com.br\n\n\n\n\nOne Becomes Many explora os legados duradouros que transcendem gerações nas obras de dez artistas negros brasileiros. Através de motivos tradicionais\, abstrações geométricas e uma profunda reverência pela cultura brasileira\, esses artistas oferecem vislumbres de um mundo onde a resiliência não é apenas uma característica\, mas uma herança sagrada. \nCentral à exposição está o candomblé — a religião afro-brasileira que se baseia em tradições de grupos étnicos da África Ocidental\, como os iorubás\, fon e bantos\, além de alguns aspectos do catolicismo romano. Inspirados em práticas ritualísticas\, esses artistas prestam homenagem a deuses e espíritos ancestrais\, exalando potência divina e sabedoria em suas obras. As imagens simbólicas reimaginadas do candomblé servem como um testemunho visual da força de um povo que tem resistido\, persistido e florescido. \nTemas da diáspora também ressoam profundamente nesta coleção de obras\, refletindo as experiências compartilhadas dos artistas com deslocamento\, sobrevivência e continuidade cultural. Através de narrativas sobre identidade e pertencimento\, os artistas colocam em contraste as complexidades da história com as realidades contemporâneas das comunidades afro-brasileiras. One Becomes Many convida os espectadores a uma jornada onde o passado se entrelaça com o presente e os ecos da sabedoria ancestral nos guiam rumo a um futuro iluminado pelo que perdura. \nOs artistas apresentados são Emanoel Araújo\, Mestre Didi\, Sonia Gomes\, Gustavo Nazareno\, Paulo Nazareth\, Antonio Obá\, Rosana Paulino\, Hariel Revignet\, Tadáskía e Nádia Taquary.
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SUMMARY:"One Becomes Many" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Sonia Gomes\, Sem título\, da série Torções\, 2021. © Sonia Gomes\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nOne Becomes Many investiga os legados duradouros que atravessam gerações na obra de onze artistas negros brasileiros. Por meio de motivos tradicionais\, abstrações geométricas e uma profunda reverência à cultura brasileira\, os artistas revelam um universo em que a resiliência não é apenas uma característica\, mas uma herança sagrada. \nNo centro da exposição está o candomblé — religião afro-brasileira que se origina das tradições de povos da África Ocidental\, como iorubás\, fons e bantos\, incorporando também elementos do catolicismo romano. Inspirados por rituais e práticas espirituais\, os artistas homenageiam orixás e ancestrais\, impregnando suas obras com potência e sabedoria divina. Os símbolos do candomblé\, aqui reinterpretados\, tornam-se testemunhos visuais da força de um povo que resistiu\, persistiu e floresceu. \nAs experiências da diáspora também reverberam nas obras reunidas\, refletindo vivências comuns de deslocamento\, sobrevivência e continuidade cultural. Através de narrativas sobre identidade e pertencimento\, os artistas articulam as complexidades da história com as realidades contemporâneas das comunidades afro-brasileiras. One Becomes Many convida o público a uma travessia em que passado e presente se entrelaçam\, guiados pelos ecos da ancestralidade rumo a um futuro iluminado por tudo aquilo que permanece. \nParticipam da exposição: Emanoel Araújo\, Mestre Didi\, Sonia Gomes\, Gustavo Nazareno\, Paulo Nazareth\, Antonio Obá\, Alberto Pitta\, Hariel Revignet\, Tadáskía\, Nádia Taquary e Rubem Valentim. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nPerguntar ao 
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SUMMARY:"Andrea Chung: Between Too Late and Too Early" no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Andrea Chung\, “Colostrum IV”\, 2020. Coleção de Stephanie e Timothy Ingrassia. Cortesia da artista\n\n\n\n\nA exposição solo da artista Andrea Chung (nascida em 1978\, Newark\, NJ) na MOCA\, intitulada Between Too Late and Too Early\, busca reunir considerações recentes sobre a libertação negra e uma utopia afrofuturista\, colocando-as em diálogo com obras mais antigas. \nTrabalhando com diversos meios\, incluindo colagens intimistas que utilizam imagens de arquivo e mídia mista\, até instalações em grande escala e vídeos multicanal\, o trabalho de Andrea Chung investiga o colonialismo em relação à maternidade\, à negritude\, ao impacto do trauma e à imaginação. Usando conceitos como Drexciya como ponto de partida\, ela recontextualiza a história e oferece possibilidades alternativas para o autoconhecimento.
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SUMMARY:"Smita Sen: Embodied" no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Smita Sen\, “Feelings\, Fossilized #3”\, 2023. Crédito: Pedro Wazzan\nSmita Sen é uma escultora e artista de performance conhecida por trabalhar com escultura\, danças performáticas e também por usar tecnologias avançadas para criar fotografias e videografias\, investigando como o corpo se move dependendo do ambiente e do sentimento. \n\nNa exposição futura de Sen no MOCA\, será explorado o uso das performances baseadas em dança da artista e como ela desenvolveu esculturas e desenhos baseados nos seus movimentos\, tanto nos trabalhos mais antigos quanto nos mais recentes. \nO uso de tecnologias avançadas e modelos 3D\, como na sua série Feelings\, Fossilized\, surgiu em um período de lesão\, quando ela não pôde realizar performances em grande escala e usou a tecnologia como uma maneira de criar esculturas sem comprometer o seu corpo. O trabalho de Smita Sen\, no final\, é uma tentativa de entender a resiliência e a maleabilidade do corpo\, buscando continuamente apoio nos seus mecanismos de cura.
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SUMMARY:"Mirror of the Mind" no El Espacio 23
DESCRIPTION:Marta Minujín\, “Long-term Freeze (Self-Portrait with Back Turned)”\, 1975⁣. Via elespacio23.org\n\n\n\n\nMirror of the Mind: Figuration in the Jorge M. Pérez Collection explora a relação entrelaçada e inseparável entre os aspectos físicos e emocionais do corpo. Esta exposição reúne mais de 120 artistas que utilizam a figuração e o retrato para examinar as complexidades da condição humana: o poder da percepção\, o peso do trauma\, as possibilidades de cura\, o espaço para a introspecção\, o sentido de pertencimento e o impacto sobre a carne. Através de diversos meios — incluindo fotografia\, pintura\, escultura e vídeo — o corpo é referenciado como um vaso que experimenta\, documenta\, participa e se transforma ao longo da jornada da vida. A dualidade do corpo — sua materialidade e imaterialidade — torna-se uma paisagem visual onde dinâmicas de representação\, do individual ao coletivo\, são abordadas\, ilustrando a persistência da figuração na arte contemporânea.
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LOCATION:El Espacio 23\, 2270 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Temporada de exposições na The Margulies Collection at the WAREhOUSE
DESCRIPTION:Willem de Kooning\, “Fire Island”\, 1946. Divulgação/Cortesia The Margulies Collection\n\n\n\n\nA temporada de exposições da Margulies Collection at the Warehouse apresenta uma seleção abrangente de obras que abarca diferentes períodos e abordagens artísticas. A mostra “Historic Works from the Margulies Collection 1930’s – 1970’s” reúne peças de artistas influentes do século XX como Willem de Kooning\, Jackson Pollock\, Andy Warhol e Roy Lichtenstein\, enquanto a exposição “Beyond the Single Image”\, realizada em colaboração com a Foto Colectania Collection de Barcelona\, foca na fotografia espanhola e sua narrativa visual. \nA exposição “Conceptual Works 1980’s – 2010’s” examina a evolução da arte conceitual ao longo de três décadas\, apresentando trabalhos que abordam questões contemporâneas. Em “Portraits from Here to There”\, Alec Soth e Jason Schmidt exploram a prática do retrato em suas diversas formas\, trazendo diferentes perspectivas sobre identidade e memória. Por fim\, a instalação de Do Ho Suh e a exposição dedicada ao trabalho de Mimmo Paladino complementam o programa\, apresentando abordagens distintas dentro do panorama da arte contemporânea e moderna.
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LOCATION:The Margulies Collection at the WAREhOUSE\, 591 NW 27th St Wynwood Art District\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"assume vivid astro focus – XI" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Vista da exposição “assume vivid astro focus – XI”. Imagem: Divulgação\nO Bass Museum tem o prazer de apresentar a exposição assume vivid astro focus – XI\, uma instalação envolvente de papel de parede estampado e gráficos em decalque que cobre do chão ao teto\, em um ambiente criado para as obras de mais de trinta artistas\, em exibição a partir de 13 de novembro de 2024. Esta mistura colorida é reunida em torno de um teatro escultural e um palco modular\, que será usado para exibições\, performances e outras ativações pelo coletivo assume vivid astro focus (avaf). \nO coletivo de arte visual e performance baseado em São Paulo funde desenho\, escultura\, vídeo e performance em instalações de grande escala e acontecimentos nos quais gênero\, política e códigos culturais interagem livremente. Habitantes das formas sociais de discotecas e festas de dança\, o avaf convida os visitantes do museu a se engajarem com o ambiente da exposição\, criando experiências vividas que contribuem para as dinâmicas sociais em constante evolução inerentes ao seu trabalho. \nO coletivo reinventa convenções artísticas e desafia a mitologia do artista singular\, co-criando seus projetos ao lado dos espectadores e colaboradores\, enquanto percorre temas e mídias diversas de forma fluida. Frequentemente reciclado imagens e objetos de projetos anteriores em novas instalações\, o avaf fomenta um diálogo contínuo entre obras passadas e as narrativas associadas que geram no presente. \nOriginalmente instalado na casa dos colecionadores de Miami Rosa e Carlos de la Cruz\, e estreando durante a edição de 2004 da Art Basel Miami Beach\, XI incorporou um senso comunitário de excitação na cena artística local e sinalizou Miami como um novo destino global para a arte contemporânea. Avançando dois décadas\, assume vivid astro focus – XI marca o vigésimo aniversário daquele momento crucial e dessa obra inovadora. A nova iteração foca no programa de vídeos Butch Queen Realness with a Twist in Pastel Colors\, uma compilação de mais de 100 vídeos curtos com duração de sete horas\, de diversos artistas e coletivos. \nEsta apresentação abrange desde trabalhos históricos de figuras como László Moholy-Nagy e Paul Sharits\, até obras mais recentes de Mike Bell-Smith\, Miguel Calderón\, Dearraindrop\, Black Leotard Front\, Kembra Pfahler e Zoie Rizzuto. Entre eles\, videoclipes de Blondie\, Grace Jones e Kraftwerk\, e imagens do Soul Train nos anos 1970\, performances underground no Pyramid Club em Nova York nos anos 1980 e bals de voguing de Harlem nos anos 1990. Também estão presentes obras dos artistas Charles Atlas\, Marco Boggio Sella\, Michael Lazarus\, Aleksandra Mir e Justin Samson\, junto ao AIDS wallpaper do General Idea. A queeridade—menos uma referência explícita à sexualidade do que uma estratégia para desestabilizar o status quo—é o fio pulsante que atravessa XI. \nAs instalações do avaf mostram o ethos flexível\, aberto e colaborativo que impulsiona sua prática\, borrando as linhas entre exposição\, performance e experiência imersiva. A generosidade e abertura de sua abordagem para a criação artística acolhe uma multiplicidade de figuras e ideias\, possuindo uma relevância extraordinária\, até urgência\, nos dias de hoje\, à medida que o clima social e político exibe uma crescente hostilidade em relação à diferença.
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SUMMARY:"Estefania Puerta: The Ghost in the Hallway" na Nina Johnson
DESCRIPTION:Vista da exposição “Estefania Puerta: The Ghost in the Hallway”. Divulgação/Cortesia Nina Johnson\n\n\n\n\n\n\n\n\nNina Johnson apresenta The Ghost in the Hallway\, uma exposição de objetos em mídias mistas da artista Estafania Puerta que desafia a definição de “portador”\, tanto funcionalmente—representado por vasos\, vitrines e suportes para velas—quanto metaforicamente\, abordando como os materiais carregam significados e criam valor pessoal ou simbólico. A prática de Puerta é enraizada na materialidade\, incorporando materiais orgânicos e inorgânicos “para formar uma nova poética de transformação e tradução.” Por meio das obras nesta exposição\, ela explora a ideia de limite ou fronteira em suas escolhas de materiais e nos objetos que cria—o que é exibido\, ou o que atua como uma espécie de pele ou exoesqueleto que protege e contém algo internamente. A complexidade dessas obras—sua variedade de materiais e amplitude de formas—cria mundos próprios\, ricos e matizados. \nDe acordo com Puerta\, o conceito de ghost in the hallway “é o momento em que parece que captamos algo ou alguém pelo canto do olho\, brevemente contido pelo corredor—o corredor [atua como] um dispositivo de enquadramento\, permitindo-nos ver o fantasma perfeitamente\, como se ele estivesse nos esperando ali o tempo todo. O fantasma no corredor é uma metáfora para o efêmero que é contido\, mesmo que por breves instantes. Assim como um túmulo contém um espírito\, nossas bocas contêm [a linguagem]\, e nossa consciência coletiva contém histórias. Grande parte dessa exposição é sobre contenção e sobre o que floresce para fora ou nos atrai para [olharmos] de perto. A maneira como enquadramos o fantasma é como o vemos. Damos a ele um corpo\, [damos a ele] um nome\, mesmo que seja meio dito.” \nAlguns dos objetos nesta exposição\, muitos dos quais começaram conceitualmente durante o período de Puerta em Roma\, foram inspirados por relicários e sarcófagos como algo que simultaneamente funciona como lugar\, objeto e uma espécie de documento literário. Na série Bloom\, Puerta cria peças montadas na parede usando folha de alumínio\, polpa de papel e vitrais que contêm pequenos gabinetes de materiais ou desenhos. Reproduction Question consiste em uma estrutura de mesa de café com uma vitrine na parte superior que abriga pequenos objetos e textos\, envoltos por um Plexiglas colorido; sobre a mesa está uma escultura de lona com um buraco no topo\, através do qual os espectadores podem ler o texto na vitrine. \nPuerta buscou dialogar diretamente com o espaço da biblioteca—“As prateleiras na biblioteca são seus próprios sistemas que organizam a linguagem da mesma forma que essas peças fazem”—e espalhou suportes para velas (cujas formas dialogam formalmente com as peças montadas na parede) entre as estantes\, transformando o espaço de galeria em relicário. É através desses muitos materiais\, formas e camadas que Puerta simultaneamente constrói um mundo e alcança outro reino; essas obras parecem funcionar através do tempo e além dele como documento\, relíquia\, mas talvez mais urgentemente\, como invocação.
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SUMMARY:"José Parlá: Homecoming" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:José Parlá\, “American Mindscape”\, 2024. Foto: Cortesia do artista e Parlá Studios\n\n\n\n\nNascido em Miami\, filho de pais cubanos\, o artista José Parlá (n. 1973\, Miami; vive em Nova York) foi criado entre os Estados Unidos continentais e Porto Rico. Influenciado por sua proximidade com países do Caribe e América Latina\, desenvolveu interesse por traços culturais diversos\, como a música cubana\, hip hop\, reggae\, caligrafia\, dança e a arquitetura urbana e sua decadência\, temas recorrentes em seu trabalho. Coerente com sua cultura híbrida\, Parlá explora formas híbridas de abstração. Por meio de um processo único de criação de marcas\, fundamentado no movimento e em gestos corporais\, Parlá produz um fluxo de consciência pictórico\, caracterizado por adição\, apagamento e camadas. Seu processo artístico físico e textural desafia a cultura visual convencional. \nO Pérez Art Museum Miami (PAMM) tem a honra de sediar a primeira exposição individual de Parlá em sua cidade natal. Apresentando uma nova série de obras inéditas e um mural site-specific\, José Parlá: Homecoming reflete\, em última análise\, o estúdio do artista. A exposição\, dividida em duas partes\, permitirá aos visitantes observar a técnica semelhante a uma dança de Parlá em tempo real enquanto ele pinta um mural específico para a primeira fase da mostra. Na segunda fase\, a galeria será transformada no estúdio do artista\, com mesas cobertas de tinta\, uma animada coleção de discos inspirados na cultura cubana e décadas de memórias de arquivo de Parlá. \nEm 2021\, Parlá enfrentou um caso grave de COVID-19\, foi hospitalizado e passou por um coma de quatro meses\, durante o qual sofreu um AVC e hemorragia cerebral significativa. Rompendo com o uso tradicional do espaço em um museu\, esta apresentação representa não apenas um retorno à sua cidade natal\, mas também um reencontro com sua prática artística após essa experiência. Celebrando o espírito de resiliência e o retorno às origens\, José Parlá: Homecoming é um testemunho das conexões profundas entre história pessoal\, arte e expressão criativa. \nAlém do mural concluído e da recriação do estúdio\, a exposição também apresentará diversas obras recentes que Parlá criou após seu retorno à pintura. O resultado é uma exposição focada no processo\, que destaca um pintor expressionista engajado de maneira consciente com questões relacionadas à identidade cubana e à diáspora em sentido mais amplo.
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SUMMARY:"Crossroads: Rubem Valentim’s 1960s" no ICA Miami
DESCRIPTION:Rubem Valentim\, “Pintura 2”\, 1964. Imagem: Divulgação\n\n\n\n\nO ICA Miami apresenta a primeira exposição em um museu dos Estados Unidos dedicada ao pintor afro-brasileiro Rubem Valentim (nascido em 1922\, Salvador\, Brasil; falecido em 1991\, São Paulo). Uma voz singular na pintura modernista e na abstração geométrica\, Valentim explorou as preocupações formais do meio e suas ressonâncias sociais através de culturas e práticas espirituais. Esta exposição concentra-se nas obras produzidas por Valentim na década de 1960 e na transformação de seu trabalho e pensamento durante esse período. \nValentim dividiu a década entre o Brasil\, que vivia um momento entre a rápida industrialização e a ditadura militar\, e a Europa\, onde teve seu primeiro contato direto com a arte africana e as políticas do Terceiro Mundo que influenciariam sua prática artística. Após se mudar de Salvador para o Rio de Janeiro no final da década anterior\, Valentim produziu\, nos anos 1960\, pinturas marcadas pela forma racional e composição simétrica. Como as obras mais progressistas produzidas no Brasil da época\, incluindo as pinturas de Waldemar Cordeiro e os experimentos fotográficos de Geraldo de Barros\, suas pinturas desse período caracterizam-se pela clareza composicional e fácil comunicabilidade. Valentim buscava oferecer ferramentas para que uma população em rápida urbanização pudesse funcionar melhor com os novos sistemas e velocidades de comunicação\, tecnologias e formas de vida nas cidades em modernização\, ainda que segregadas e economicamente desiguais. \nEntre 1963 e 1966\, Valentim viveu na Europa\, estabelecendo-se principalmente em Roma\, onde realizou sua primeira exposição fora do Brasil. Durante esse período\, visitou outras cidades e\, em Londres\, viu esculturas africanas pela primeira vez. O impacto desse encontro está registrado em suas pinturas desse período: obras que mantêm as linhas precisas e os espaços pictóricos rasos da abstração geométrica\, mas nas quais formas genéricas se transformam em figuras que aludem a totens\, objetos de culto\, fragmentos de arquitetura de templos e signos como machados e flechas associados a divindades afro-brasileiras. Sua estadia no exterior culminou com sua participação no Primeiro Festival Mundial de Artes Negras\, realizado em Dakar\, Senegal\, em 1966. \nEm 1967\, ao retornar para viver em Brasília\, a nova capital moderna do país\, Valentim iniciou a série radical intitulada “Emblemas”. Produzidas em baixo-relevo raso\, essas obras invadem o espaço físico do espectador\, rejeitando qualquer possibilidade de ilusão oferecida pelo plano pictórico. Além disso\, essas obras reduzem ainda mais a paleta de cores de Valentim\, frequentemente empregando apenas uma cor sobre um fundo branco impecável. Embora ainda utilizasse formas geométricas abstratas\, Valentim buscava aprofundar sua conexão com a arte das práticas religiosas afro-brasileiras\, criando pinturas como uma tecnologia para interpretar significados cosmológicos. Nesse processo\, suas pinturas tornaram-se crescentemente ideográficas\, fundindo signo e significado e questionando a própria representação. \nAs obras de Rubem Valentim estão presentes em coleções como as do Museum of Modern Art\, Nova York; Museum of Fine Arts\, Boston; Pinacoteca do Estado de São Paulo; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro; Museu de Arte Moderna da Bahia; Museu de Arte de Brasília; Museu de Arte de São Paulo (MASP); Museu Afro Brasil\, São Paulo; e o Museum of Fine Arts\, Houston. Seu trabalho foi exibido na Bienal de Veneza e na Bienal de São Paulo. Em 2019\, foi tema de uma importante retrospectiva\, Rubem Valentim: Construções Afro-Atlânticas\, no MASP.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Keiichi Tanaami: Memory Collage" no ICA Miami
DESCRIPTION:Keiichi Tanaami\, Untitled (Collagebook 7_60)\, c. 1971. Coleção particular\, Reino Unido. Cortesia de Karma\, International\n\n\n\n\nO Institute of Contemporary Art\, Miami\, apresenta Keiichi Tanaami: Memory Collage\, a primeira exposição individual do artista em um museu nos Estados Unidos. Keiichi Tanaami (1936–2024\, Tóquio) foi uma figura pioneira no Pop Art japonês e global ao longo de sete décadas\, criando obras magnificamente imersivas em diversos meios para examinar as culturas americana e japonesa no período pós-guerra. Tanaami antecipou o cruzamento entre cultura popular e arte\, e\, por meio de suas conexões com o design\, adotou uma abordagem radical e crítica sobre como imagens de desejo e violência transformam a sociedade. A exposição reúne obras produzidas entre 1965 e 2024\, destacando o uso do artista do método de colagem para expressar a complexa paisagem midiática contemporânea. \nA vida e obra de Tanaami foram profundamente marcadas por sua criação no Japão\, o trauma da Segunda Guerra Mundial e a reconstrução do país no pós-guerra. Apesar de a guerra ter forçado Tanaami e sua mãe a fugirem para o campo em 1943\, os massivos ataques aéreos dos Estados Unidos em Tóquio no final do conflito\, assim como sua experiência em abrigos antiaéreos\, tiveram um impacto imenso no garoto de nove anos e continuam a assombrar sua imaginação. Suas obras alucinatórias transbordam com aviões americanos\, holofotes\, monstros reais e imaginários e multidões em fuga. Imagens sexuais permeiam sua obra ao longo das décadas\, assim como cores sintéticas; Tanaami registra a cultura popular comercializando o desejo como uma forma de suprimir a devastação da guerra. Tanaami formou-se em design gráfico pela Musashino Art University\, em Kodaira\, Japão\, em 1960\, e construiu uma carreira de sucesso no design e publicidade\, atuando como o primeiro diretor de arte da Playboy japonesa e criando capas de discos para Jefferson Airplane e The Monkees\, contribuindo para a introdução da cultura psicodélica no Japão. \nDurante a década de 1960\, a prática artística de Tanaami frequentemente assumiu a forma de exuberantes colagens repletas de recortes de revistas internacionais. Essas colagens densas são fascinantes índices da cultura visual do pós-guerra\, com referências de fontes ocidentais e japonesas\, formas comerciais e chapbooks. Tanaami também desenvolveu esses conjuntos fantásticos de imagens por meio de animações musicais\, surreais e psicodélicas\, que hoje são clássicos do cinema de vanguarda. \nCombinando mídias díspares\, Tanaami criou mundos que exploram como a guerra distorce a percepção por meio de fragmentação\, pesadelos e visões alucinatórias. Nos anos 1970\, suas icônicas pinturas combinavam paisagens idílicas com publicidade\, imagens eróticas e slogans anti-guerra. Nas décadas seguintes\, Tanaami expandiu continuamente esses mundos\, citando mangás\, teatro e\, cada vez mais\, a história da arte\, inspirando-se em fontes tão variadas quanto a Escola de Fontainebleau do século XVI e as xilogravuras japonesas (ukiyo-e). Nos últimos anos\, o artista explorou o papel do criador na cultura visual com a série Pleasure of Picasso (2020–)\, que utiliza apropriação e repetição de forma lúdica e técnica\, refletindo sobre a compressão entre arte social\, comercial e histórica na contemporaneidade. \nA exposição também apresenta uma visão concisa do trabalho recente de Tanaami\, um período de grande produtividade e experimentação para o artista. Em pinturas de escala épica e imagens em movimento complexas\, Tanaami empregou tecnologia para ampliar suas visões caleidoscópicas. Com essas pinturas radicalmente produzidas\, impressas digitalmente e visualmente saturadas\, o artista reflete sobre o regime contemporâneo de imagens onipresentes e o espectro sempre presente da história.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hurvin Anderson: Passenger Opportunity" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Hurvin Anderson\, “Passenger Opportunity”\, 2024 (detalhe). © Hurvin Anderson. Cortesia do artista\, Thomas Dane Gallery e Michael Werner Gallery\n\n\n\n\nInspirado pelos murais de Carl Abrahams que adornam o saguão de embarque do Aeroporto Internacional Norman Manley\, em Kingston\, Jamaica\, Hurvin Anderson apresenta uma nova pintura monumental composta por dezesseis painéis em sua primeira exposição individual no Pérez Art Museum Miami. \nExplorando o espaço entre a abstração e a representação na pintura\, Anderson cria obras que são ao mesmo tempo impregnadas de história e profundamente contemporâneas. Nascido em Birmingham\, Inglaterra\, de pais jamaicanos da Geração Windrush e formado pelo Royal College of Art em Londres\, as pinturas de Anderson estão enraizadas nos espaços universais e no arquivo visual da tradição da paisagem\, tão presente na história da arte moderna ocidental. Contudo\, como demonstrado nesta exposição\, ele também é um explorador do significado dessas histórias na diáspora africana e\, mais especificamente\, nas tradições culturais e sociais do Caribe. \nEm 2022\, Anderson participou da Bienal de Kingston. Durante esse período\, viajando de e para a Jamaica via Miami\, ele se deparou com os dois murais pintados por Abrahams em 1985\, retratando a história jamaicana para o aeroporto. Nesse momento\, os murais de Abrahams começaram a ressoar de uma forma diferente para Anderson. Refletindo sobre a importância da história jamaicana e a rica história do Caribe como um todo\, Anderson começou a desenvolver ideias para esta exposição enquanto realizava essas viagens. Pensando no significado histórico desses murais para a imigração\, mas também como um ponto de entrada e partida para o turismo\, Anderson desenvolveu esta nova pintura composta por dezesseis painéis.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Alba Triana: Dialogue with the Primordial Sea" na Locust Projects
DESCRIPTION:Alba Triana e suas ferramentas. Foto: Nicole Combeau\n\n\n\n\nLocust Projects apresenta uma nova instalação imersiva de som cinético comissionada pela artista intermedia Alba Triana\, baseada em Miami e reconhecida internacionalmente. Seu trabalho investiga a interseção entre arte\, ciência e tecnologia\, revelando a relação inseparável entre o ambiente ao nosso redor e as forças imperceptíveis que regem o mundo natural. \nDialogue with the Primordial Sea\, no Locust Projects\, expande a série Delirious Fields da artista\, explorando o complexo jogo entre o tangível e o intangível\, o individual e o coletivo\, o acaso e a organização\, além de processos auto-organizáveis da natureza. Engajando-se com esses fenômenos em grande escala\, a instalação revela e imerge o espectador nas dinâmicas invisíveis que moldam a humanidade. \nA instalação site-specific apresenta uma série de esferas magnéticas que alternam entre levitar e oscilar enquanto interagem com campos magnéticos invisíveis. Cada sistema consiste em uma esfera magnética e duas bobinas. Quando uma bobina emite um campo magnético\, a esfera levita próxima a ela\, manifestando a presença intangível do campo. Quando o campo se dissipa\, a esfera oscila livremente\, impulsionada pela gravidade. Como um todo\, a instalação comporta-se como um organismo coletivo—uma entidade composta por partes inter-relacionadas que funcionam juntas\, traçando linhas efêmeras de movimento pelas paredes do espaço. Controladas por um código probabilístico\, as esferas exibem comportamentos individuais e coletivos. Em meio à aleatoriedade\, momentos de imobilidade sincronizada e atividades sincronizadas emergem\, evocando uma entidade viva que se autogera constantemente. \nComissionada pelo Locust Projects como parte da série Knight Digital Commission\, esta obra site-specific oferece a Alba Triana uma oportunidade excepcional para ampliar suas explorações anteriores em uma instalação imersiva de grande escala. Transformando a Project Room em um espaço que incorpora forças e relações intangíveis\, mas poderosas\, Triana expande os limites de sua prática\, aprofundando sua investigação sobre os reinos etéreos dos quais tudo—includingo os humanos e suas criações—emerge. \nDialogue with the Primordial Sea foi escolhido como “Curator’s Pick” pela Diretora Executiva Lorie Mertes\, a partir de aplicações de artistas no edital Knight Digital Commissions de 2024.
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SUMMARY:"Alexandre Arrechea: Herramienta Desnuda (Bare Tool)" na Locust Projects
DESCRIPTION:Alexandre Arrechea\, “Herramienta Desnuda (Bare Tool)”. Vista da instalação na Locust Projects. Foto: Pedro Wazzan\n\n\n\n\nA Locust Projects apresenta Bare Tool (Herramienta Desnuda)\, uma nova exposição do artista Alexandre Arrechea que explora o gesto de uma pedra quicando na água como metáfora para a “escultura social” e o efeito ondulatório resultante. O artista concebe a obra em três atos: “A Ferramenta\,” “A Ação” e “As Implicações\,” desenvolvidos como uma experiência multimídia imersiva em grande escala\, que convida à reflexão sobre o poder dos atos individuais. \nEsculturas suspensas do teto\, elementos móveis no chão e projeções de vídeo transformam um gesto simples em uma experiência envolvente e expansiva\, destacando como pequenas ações podem levar a mudanças significativas. O espaço servirá como palco para diversos “Atos” e ativações sociais\, incluindo o Jantar Beneficente Anual da Locust Projects e uma nova performance comissionada durante a Miami Art Week\, entre outros eventos. \nBare Tool também carrega um momento tecnológico e familiar profundo para o artista. Arrechea utiliza filmagens digitais de seu filho\, Arturo\, brincando em um parque para criar um diálogo entre movimento e consequência. Projeções de vídeo e iluminação preenchem o espaço enquanto os visitantes percorrem a galeria\, gerando “ondas” que ampliam a metáfora de influência e impacto no cenário cultural. \nPatrocinador Principal: María Bechily e Scott Hodes. A exposição é uma Knight Digital Commission e foi viabilizada com o apoio significativo da John S. and James L. Knight Foundation; da The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts; do Prefeito e da Comissão de Miami-Dade County; e por meio de uma bolsa Art Works do National Endowment for the Arts.
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LOCATION:Locust Projects\, 297 NE 67th St\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jaime Hayon: BESTIAL" na Mindy Solomon Gallery
DESCRIPTION:Jaime Hayon\, “Mingbeast Vase I”\, 2024. Divulgação/Cortesia Mindy Solomon Gallery\n\n\n\n\n\n\n\n\n“Bestial” é uma palavra que remete à fauna\, mas também funciona como um adjetivo superlativo para algo impressionante\, incrível\, brutal ou selvagem. A exposição aborda a relação entre natureza e humanidade de maneira crítica\, lúdica e irônica\, apresentando animais com características e gestos humanos que adentram realidades desconhecidas. \nCom pinceladas enérgicas e furiosas de saturação máxima\, as bestas metamórficas parecem explodir nas telas. Intensos e contraditórios\, flora e fauna se buscam em um universo onírico\, explorando a condição incerta do mundo natural e da humanidade que o domina. Nesta exposição individual\, por meio de pinturas e esculturas feitas de diversos materiais\, Hayon transcende a realidade e a imaginação para investigar temas como fragilidade\, incerteza e a busca contínua por autodescoberta. \nNa visão do artista\, os animais desempenham um papel essencial na história da arte\, simbolizando emoções e experiências humanas ao longo das civilizações. Desde os egípcios\, que humanizaram os animais em seus deuses\, até artistas como Picasso\, Dalí e Rousseau\, os animais expressam força\, fúria e paixão em nosso cotidiano. \nJaime Hayon se inspira nessa herança para criar formas fantásticas que transmitem sentimentos humanizados. Ele encontra uma fonte profunda de inspiração na arte egípcia antiga e nas pinturas de flores flamengas\, onde cores vibrantes contrastam com fundos escuros. Para Hayon\, conectar passado e presente é essencial\, refletindo como animais\, fauna e flora têm enriquecido as narrativas pictóricas e escultóricas ao longo da história humana.
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LOCATION:Mindy Solomon Gallery\, 848 NW 22 Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Patrick Dean Hubbell: You Guide Me Through" na Nina Johnson
DESCRIPTION:Vista da exposição “Patrick Dean Hubbell: You Guide Me Through” na Nina Jonhson. Divulgação/Cortesia Nina Johnson\n\n\n\n\nNina Johnson apresenta You Guide Me Through\, uma exposição de novas obras de Patrick Dean Hubbell que exploram a relação interdependente entre o indivíduo e os fundamentos do conhecimento cultural indígena e da filosofia cultural fundamental. \n“Patrick Dean Hubbell é pai\, pecuarista e pintor. Seu trabalho nasce desse contexto\, mas também tem como base o conhecimento cultural indígena e a filosofia cultural Diné. At Times It Felt Like I was Alone\, But You Were Always There By My Side é ao mesmo tempo profundamente pessoal\, uma referência à família\, ao amor\, à comunidade\, e\, de forma mais ampla\, às tradições culturais e ensinamentos Navajo\, uma presença ancestral que está sempre presente. \nNo contexto desta exposição\, Patrick é\, antes de tudo\, um pintor\, um indivíduo obcecado pelo gesto\, pela cor\, pela linha e pelos limites do plano pictórico. Um artista em seu estúdio navegando na interseção entre a exploração pessoal inquisitiva e um engajamento profundo com o que é considerado ‘arte indígena’ em relação ao contexto da ‘pintura contemporânea’. \nYou Guide Me Through é a segunda exposição individual de Patrick na galeria e surge após um período frutífero de exposições\, viagens e explorações. Ideias de perseverança\, resiliência e sobrevivência são exploradas através do uso de todos os materiais possíveis no processo de estúdio\, objetos encontrados e materiais reaproveitados. Há uma reverência ao mundo natural e às entidades espirituais\, traduzida por meio do uso transformador de materiais de desenho e pintura\, pigmentos naturais da terra coletados das terras ancestrais e pela materialidade tátil desses elementos naturais. Navegando pelos momentos pessoais da vida\, desde períodos sensíveis de perda e cura até experiências de alegria\, amor\, família\, crescimento\, cerimônia e gratidão\, essas reflexões são traduzidas em todo o trabalho.” – Nina Johnson
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LOCATION:Nina Johnson Gallery\, 6315 NW 2nd Ave\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Josué Sánchez: Guardians of the Sacred Land" na Nina Johnson
DESCRIPTION:Josué Sánchez\, “Tree of Life / ÁRBOL DE LA VIDA”\, 2024. Divulgação/Cortesia Nina Johnson\n\n\n\n\n“As histórias que Josué Sánchez conta em suas pinturas parecem emergir do céu andino. Espíritos ancestrais lutam e dançam nos raios enquanto suas narrativas descem pelas encostas dos montes em terraços até vilarejos habitados por fantasmas que falam quéchua\, e depois se infiltram em reinos subterrâneos onde mineradores de cobre se misturam com deuses das profundezas. Esses homens parecem estar em conluio com os espíritos\, extraindo metais preciosos para serem vendidos ao redor do mundo. Suas histórias ressurgem em nascentes de água doce que desembocam na selva amazônica\, onde\, no sub-bosque pantanoso\, um fantasma branco repousa nas costas de um puma\, acariciando suavemente a flora da floresta. Nos mundos que o artista cria\, camadas geológicas aludem à existência de realidades alternadas. A verticalidade dos Andes sugere o fluxo do tempo\, do novo e do antigo se entrelaçando em uma arquitetura labiríntica. A altitude determina a forma da vida. \nQuando penso nas pinturas de Josué Sánchez\, essas são algumas das imagens que dançam em minha mente. Observo seu trabalho há quase 30 anos e ainda lembro da primeira vez que o encontrei. Estava em uma viagem ao Peru com minha família\, em 1996. Josué havia sido recentemente contratado para pintar o refeitório central do Convento de Santa Rosa de Ocopa\, localizado na província de Junín\, nos Andes centrais. Fundado pelos franciscanos em 1725\, o convento servia como centro para missionários que buscavam converter os povos indígenas da Bacia Amazônica ao cristianismo. O mural de Josué cobre as paredes e o teto do salão\, retratando a vida na selva com um brilho lisérgico. Lembro que todos nós ficamos boquiabertos ao entrar na sala. Em meio às cores vibrantes e ao fluxo da exuberante vegetação\, Josué teceu o que\, à primeira vista\, parece ser a bela história de um encontro harmonioso entre os missionários e os povos nativos. Xamãs realizam cerimônias de Ayahuasca para se comunicarem com os espíritos\, flores gigantes desabrocham ao redor de cada soquete de lâmpada\, e macacos sobem pela folhagem saturada da selva\, enquanto padres franciscanos trazem sua religião. \nMas\, escondido em um canto da sala\, um leviatã de duas cabeças se enrola em torno de uma árvore. As cabeças da criatura se estendem sobre e sob uma conclusão sombria desse encontro — uma cena de violenta destruição ambiental. A selva foi desmatada e incendiada\, bombas caem do céu\, crânios cobrem o chão e a cabeça de um indígena flutua na fumaça de uma fogueira. Em contraste com a teologia católica\, o mural de Josué sugere que o inferno não é algo que existe em outra dimensão ou no além-vida. Em vez disso\, ele existe aqui\, neste plano\, neste mundo; é uma consequência da invasão dos franciscanos na Amazônia e em seu povo. A obra também traz o passado para o presente\, conectando-os de forma a desacreditar a ideia de que o passado está apenas atrás de nós. O passado vive conosco\, afirma o mural. Percebi essas mensagens subversivas. Ao observar este mural agora\, percebo como meu próprio caminho artístico está profundamente ligado a este momento\, a este primeiro encontro com a obra de Josué nos Andes. \nDois anos depois\, ao me formar no San Francisco Art Institute\, estava vivendo com minha família em Huancayo\, cidade natal de Josué. Na época\, ele vivia nos arredores da cidade\, em uma casa de adobe que construiu com suas próprias mãos. Quando o visitei pela primeira vez\, fiquei impressionado com o quintal repleto de suas esculturas\, rodeado por campos de batata e milho\, onde uma mulher em uma manta belamente tecida ordenhava uma vaca. Eu estava dentro de uma de suas pinturas. Ele me recebeu com uma voz calorosa e suave. Fui confortado pelo som de seu tom\, algo que associo às pessoas das montanhas. Foi o início de nossa amizade. \nPassei quase um ano vivendo em Huancayo e\, durante esse tempo\, Josué me ofereceu um quarto em sua casa\, que se tornou meu estúdio improvisado. Ele me apresentou a outros artistas da cidade e me convidou para ajudá-lo com um mural que estava criando com crianças locais no mercado. Na época\, Josué era diretor da Casa de Cultura\, um centro cultural local\, e me convidou para expor lá. Enquanto eu preparava minhas obras para a exposição\, ele frequentemente entrava no estúdio para dar feedback. Tivemos conversas maravilhosas com sua esposa\, Diana\, enquanto tomávamos café e comíamos torradas\, discutindo arte\, política e compartilhando histórias de nossas vidas. Josué me contava histórias sobre o folclore e as tradições do povo Huanca\, povo de meu pai. À tarde\, eu fazia pausas para brincar com seu filho de dois anos\, Álvaro\, na grama entre as esculturas de Josué. Foi um período belo; foi bom sentir que eu pertencia ali. \nAo refletir sobre minhas experiências durante aquele ano\, vejo-o como um capítulo crucial no meu desenvolvimento como artista. Josué se tornou um elo direto com meu DNA artístico\, minha própria história da arte. Ele ampliou minha compreensão de um patrimônio de formas ao qual pertenço\, ajudando-me a encontrar o caminho para desenvolver minha própria linguagem visual. Este é o motivo pelo qual esta exposição é tão importante: uma rara oportunidade de unir as Américas através dos mundos e histórias que Josué cria com tanto vigor.” – Eamon Ore Giron
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LOCATION:Nina Johnson Gallery\, 6315 NW 2nd Ave\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Vanessa Raw: This is How the Light Gets In" no Rubell Museum
DESCRIPTION:Vanessa Raw\, “When I talk to the night”\, 2024. Cortesia da artista e do Rubell Museum\n\n\n\n\nNascida em 1984 em Hexham\, Inglaterra\, Vanessa Raw vive e trabalha em Margate\, também na Inglaterra. Sua apresentação no Rubell Museum Miami marca sua primeira exposição nos Estados Unidos\, bem como sua primeira mostra institucional. Nas obras de grande escala recém-comissionadas\, as camadas distintas de pinceladas e o uso expressivo de cores de Raw retratam um mundo onírico e exclusivamente feminino—um paraíso terrestre onde a natureza é benevolente e senciente\, e onde o desejo feminino ocupa um lugar central. Ex-triatleta\, a maestria praticada de Raw sobre seu próprio corpo transparece em seu trabalho sobre a tela. Suas figuras são tranquilas e à vontade\, mas possuem agência. Elas se deleitam na companhia umas das outras e na paisagem exuberante\, suave e repleta de cores—um verdadeiro paraíso encontrado.
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LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Recent Acquisitions" no Rubell Museum
DESCRIPTION:Vista da exposição com obras de February James e Murjoni Merriweather. Divulgação/Cortesia Rubell Museum\n\n\n\n\nEstendendo a paixão multigeracional dos Rubells por descobrir e apoiar muitos dos artistas mais fascinantes da atualidade\, uma apresentação de aquisições recentes ocupa as galerias centrais do museu. Com exposições individuais de sete artistas\, a maioria deles exibindo pela primeira vez em um museu nos Estados Unidos\, a mostra demonstra o compromisso contínuo dos Rubells em identificar\, envolver e promover artistas emergentes. Os artistas apresentados incluem: \n\nPatrick Goddard\nOlaolu Slawn\nEmmanuel Louisnord Desir\nFebruary James\, Murjoni Merriweather\nMichelle Uckotter\nOmari Douglin
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SUMMARY:"The Last Man" de Marlon Portales na Spinello Projects
DESCRIPTION:Marlon Portales\, “The Last Man”\, 2024. Divulgação/Cortesia Spinello Projects\n\n\n\n\nA Spinello Projects apresenta The Last Man\, a primeira exposição individual em galeria do artista cubano Marlon Portales. \nA galeria apresenta uma série de novas pinturas que abordam profundamente questões relacionadas à masculinidade\, identidade\, relacionamentos e erotismo. Por meio de uma combinação de referências históricas e contemporâneas\, além de uma estética distinta\, Portales cria um corpo de trabalho ao mesmo tempo profundamente pessoal e universalmente ressonante. \nA reverência de Portales pela história da arte é evidente em obras inspiradas por obras-primas como Portrait of an Artist (Pool with Two Figures) de David Hockney\, Le Déjeuner sur l’herbe de Édouard Manet e as atmosferas românticas e oníricas dos Pré-Rafaelitas\, infundindo suas pinturas com movimento e sensualidade. Nesta série\, Portales retrata personagens e narrativas em cenários fictícios e oníricos\, onde a natureza desempenha um papel simbólico\, frequentemente representada de forma tropical e sedutora\, envolvendo os personagens em uma aura de mistério e desejo. Suas figuras aparecem adornadas com armaduras refletivas de ouro e prata ou vestidas com trajes inspirados no barroco\, unindo elementos da pintura histórica com sensibilidades modernas. Portales utiliza cenas noturnas para expressar sua crença de que a verdadeira essência de uma pessoa se manifesta mais intensamente à noite. Essas obras exploram as sombras metafóricas da psique humana\, onde o eu e o outro\, o real e o imaginado\, se entrelaçam. \nUma peça central da exposição\, também intitulada The Last Man\, apresenta um homem perfurado por flechas em um barco\, acompanhado por uma mulher de olhos fechados e outra figura nadando abaixo. Esta obra evoca o martírio de São Sebastião\, símbolo associado ao sofrimento e à beleza masculina. Aqui\, Portales utiliza essa imagem para refletir sobre a confusão em torno da identidade masculina\, diante de discursos contraditórios sobre papéis de gênero tradicionais e as pressões impostas por expectativas sociais. O artista busca imaginar um novo tipo de homem\, libertado dessas definições impostas. \nNessas pinturas\, a masculinidade é fluida e complexa. Portales incorpora características tradicionalmente associadas ao feminino\, como vulnerabilidade\, beleza e empatia\, nas identidades de seus sujeitos masculinos e vice-versa. Os personagens parecem existir em um estado de constante transformação\, enfrentando uma mudança que questiona os atributos que valorizamos\, encarnando a tensão entre quem são e quem se espera que sejam. \nPortales convida os espectadores a confrontar sua própria autoimagem e os conflitos entre o pessoal e o social. É um espaço de reflexão\, transformação e libertação\, onde os limites da identidade são questionados e reimaginados. Por meio desta exposição\, Portales afirma sua posição como uma voz significativa na pintura figurativa contemporânea\, oferecendo uma meditação impactante e visualmente deslumbrante sobre a natureza da masculinidade no mundo moderno.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/the-last-man-de-marlon-portales-na-spinello-projects/
LOCATION:Spinello Projects\, 2930 NW 7 Ave.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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