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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Alejandro Piñeiro Bello no Rubell Museum
DESCRIPTION:O artista nascido em Havana e baseado em Miami\, Piñeiro Bello\, concentra sua prática na diáspora caribenha\, em Cuba\, e nas identidades culturais\, imagens e história das ilhas circundantes. Ele pinta o esplendor místico sociocultural da cultura caribenha usando materiais tradicionais\, como óleo sobre linho cru ou juta\, e trabalha com uma paleta de cores vibrante para criar imagens que capturam a fertilidade da região.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/alejandro-pineiro-bello-no-rubell-museum/
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SUMMARY:"Basil Kincaid: Spirit in the Gift" no Rubell Museum
DESCRIPTION:A prática pós-disciplinar de Basil Kincaid\, um artista nascido em St. Louis que divide seu tempo entre os EUA e a África\, examina as relações entre ancestralidade\, lugar e a construção contemporânea do eu. Ao longo de seu trabalho\, Kincaid incorpora quilting\, colagem\, fotografia\, instalação\, performance e o uso de materiais encontrados.
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SUMMARY:"Rose Marie Cromwell: A Geological Survey" no ICA Miami
DESCRIPTION:Rose Marie Cromwell\, Rearview\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nO ICA Miami apresenta “Rose Marie Cromwell: A Geological Survey”\, a primeira exposição individual da artista em um museu\, destacando seu trabalho mais recente de 2022-23\, no qual ela aplica sua própria interpretação à tradicional arte da fotografia de paisagem. Uma reflexão pessoal sobre identidade\, maturação e relações familiares\, a série de fotografias acompanha a artista\, sua mãe e sua filha jovem em uma jornada pelo Oeste Americano. Juxtapondo esse empreendimento profundamente pessoal com preocupações sociais e ecológicas mais amplas\, as fotografias visualmente impactantes e emocionantes confrontam a história complexa da região e o legado carregado das representações artísticas da paisagem. \n\n\n\nRose Marie Cromwell (n. 1983\, Sacramento; baseada em Miami) é uma artista de foto e vídeo cujo trabalho explora os efeitos da globalização no local\, bem como o espaço tênue entre o político e o espiritual. Seu primeiro livro\, El Libro Supremo de la Suerte\, foi publicado em 2018 pela TIS books e recebeu o Prêmio Light Work Photobook e foi nomeado um dos 25 Melhores Fotolivros de 2018 pela revista TIME. Em 2021\, ela publicou dois livros\, Eclipse (TIS books) e A More Fluid Atmosphere (Pomegranate Press). Ela teve exposições individuais na DiabloRosso e Antítesis\, ambas na Cidade do Panamá\, Panamá; Institute 193\, Lexington\, Kentucky; e Filter Photo\, Chicago. Seu trabalho também foi exibido na Aperture Foundation\, Nova York; High Museum\, Atlanta; PRIZM Art Fair\, Miami; TILT Institute for the Contemporary Image\, Filadélfia; e o Silver Eye Center for Photography\, Pittsburgh; entre muitos outros. Cromwell é beneficiária de uma bolsa Fulbright e uma bolsa Getty Reportage\, foi artista residente no Light Work e artista residente na Oolite Arts em Miami. \n\n\n\n“Rose Marie Cromwell: A Geological Survey” é organizada pelo Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro Art + Research da Fundação Knight no ICA Miami\, e Amanda Morgan\, Curadora Assistente\, Exposições e Publicações.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Manuel Mathieu no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Manuel Mathieu | MOCA North Miami\n\n\n\nEm sua primeira exposição individual em uma grande instituição dos Estados Unidos\, Manuel Mathieu apresenta suas vibrantes pinturas que fundem de maneira fluida a abstração com a figuração. As obras de Mathieu servem como reflexões sobre nossas vidas entrelaçadas\, onde as fronteiras entre passado e presente\, ou o pessoal e o político\, muitas vezes se confundem. Compartilhando memórias que retratam cenas cotidianas\, Mathieu também interroga a complexa história de sua terra natal\, o Haiti\, em suas telas. Ao desenterrar os traumas da violência estatal\, ele aborda questões que permanecem urgentes hoje como têm sido ao longo da história haitiana. \n\n\n\nApresentando uma constelação de obras – incluindo pinturas\, desenhos e cerâmicas – a exposição\, que teve origem na The Power Plant Contemporary Art Gallery em Toronto\, Ontário\, lança luz sobre a relação do Haiti com o mundo. Posicionado nas linhas de falha das crises políticas e ambientais modernas\, o Haiti é o epítome de um anseio global por libertação e resistência de base contra explorações imperialistas e capitalistas. No seu núcleo\, esta exposição é um exame das repercussões duradouras da revolta pioneira do Haiti\, que começou em 1791 para desafiar a escravidão e o colonialismo. Isso\, e sua busca por autodeterminação\, envolveram a nação nas intrigas da Guerra Fria nas últimas décadas. \n\n\n\nAlgumas pinturas trazem de volta à consciência contemporânea incidentes angustiantes\, sugerindo as atrocidades cometidas pelas ditaduras impiedosas do Haiti. Mathieu nos lembra que comemorar as tragédias do passado não recai apenas sobre os ombros das comunidades locais ou da diáspora de uma nação\, mas é parte de nossa responsabilidade coletiva. Suas obras sugerem um entendimento distinto da história do Haiti – uma história definida por correntes globais\, que ocasionalmente colidem\, resultando em episódios frenéticos de violência em massa. Mathieu\, portanto\, propõe que as dinâmicas do mundo podem se manifestar em um lugar\, como o Haiti. Sublinhando vínculos e lutas comuns que nos unem apesar das fronteiras nacionais\, ele nos convida a entrar em um mundo descoberto sob outros céus.
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LOCATION:MOCA North Miami\, 770 NE 125th street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Zilia Sánchez: Topologías / Topologies" no ICA Miami
DESCRIPTION:Zilia Sanchez\, Eros\, 1976/1998. © Zilia Sanchez. Cortesia da Galerie Lelong & Co.\, Nova York.\n\n\n\nO Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, apresenta uma grande retrospectiva das obras de Zilia Sánchez\, abrangendo de 1950 a 1996. \n\n\n\nDe abril a outubro de 2024\, o Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, apresentará uma pesquisa abrangente das obras da artista Zilia Sánchez (n. 1926\, Havana; vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico). Uma voz singular no modernismo latino-americano pós-guerra e na abstração geométrica\, a prática artística dinâmica de Sánchez engloba uma ampla gama de estilos e temas. Abrangendo mais de sete décadas\, suas obras são produto de experimentação contínua. \n\n\n\nSánchez é mais conhecida por suas icônicas pinturas em telas moldadas. Esticadas sobre construções de madeira\, essas obras assemelham-se a formas corporais enquanto mantêm qualidades abstratas. Por meio dessas obras\, a artista explorou preocupações formalistas enquanto lidava sutilmente com questões sociais significativas — noções de gênero\, feminismo e formação de identidade\, entre outras. Além dessas pinturas em tela esticada\, a exposição também inclui um número significativo de trabalhos anteriores de Sánchez\, como suas pinturas abstratas em tons vivos e formas geométricas criadas na década de 1950 enquanto vivia em Cuba. \n\n\n\nEm Havana\, Sánchez fez parte de um grupo de pintores que buscava deixar para trás a pintura figurativa\, que havia dominado gerações anteriores. Em seu lugar\, eles mobilizaram a abstração\, como uma proposta antiestabelecimento e como uma inovação formal. Esses foram anos turbulentos em Cuba\, à medida que a ditadura repressiva foi estabelecida\, e uma jovem geração de estudantes\, artistas e líderes cívicos resistiu. Nesse ambiente\, Sánchez começou a desenvolver propostas formais cada vez mais complexas e a testar novas linguagens abstratas. Paralelamente às suas abstrações\, Sánchez desenvolveu sua série “Afrocubanos” de pinturas que retratam figuras estilizadas abstratas e aludem a práticas rituais e efígies religiosas. Esta exposição reúne pela primeira vez um robusto grupo dessas obras\, ampliando a compreensão do escopo expansivo e da amplitude da prática de Sánchez. \n\n\n\nA artista deixou Cuba em 1960\, um ano após Fidel Castro chegar ao poder\, e se estabeleceu em Nova York\, onde se tornou uma membro ativa da cena cultural de artistas e escritores emigrantes. Ela trabalhou como designer gráfica e como cenógrafa de teatro\, enquanto continuava a desenvolver e exibir suas pinturas. Experimentando com materiais não tradicionais\, como serragem\, resina e cera\, Sánchez criou uma série de pinturas em mídia mista que se relacionam com os quatro elementos\, incluindo “Agua” (1961) e “Tierra” (1968)\, junto com temas mais abstratos como “Ecuación” (Equação\, 1963) e “Sucesión” (Sucessão\, 1966). \n\n\n\nEm 1966\, Sánchez mudou-se para Madrid\, auxiliada por uma bolsa de estudos da Fundação CINTAS\, para estudar conservação e restauração. Ela começou a desenvolver o estilo que viria a caracterizar sua prática. Telas tridimensionais com formas sensuais\, suas pinturas desse período combinam abstração geométrica com conotações sociais\, biográficas\, emocionais e eróticas\, como sugerem obras com títulos referenciando “Eros” e “Amazonas”. Desde 1971\, Sánchez vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico. As obras que ela criou lá são marcadas por um abraço enfático da forma feminina\, desafiando as convenções rígidas e racionais do modernismo europeu com uma abordagem sensorial e feminista da abstração geométrica. \n\n\n\nA exposição “Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” abrange aproximadamente trinta obras da artista produzidas entre 1950 e 1996. A retrospectiva será acompanhada por um catálogo de exposição ricamente ilustrado\, apresentando novas fotografias\, ensaios acadêmicos sobre a artista e materiais de arquivo. \n\n\n\nZilia Sánchez (n. 1926\, Havana; vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico) tem sido exibida internacionalmente desde a década de 1950. Mais recentemente\, exposições individuais foram realizadas no Artist Space\, Nova York (2013); a Phillips Collection\, Washington\, D.C.\, que viajou para o Museo de Arte Ponce\, San Juan\, e El Museo del Barrio\, Nova York (todos em 2019). O trabalho de Sánchez foi destaque em exposições coletivas seminais\, incluindo “Mulheres Radicais: Arte Latino-Americana\, 1960-1985\,” no Brooklyn Museum\, Brooklyn\, Nova York\, bem como na exposição principal “Viva Arte Viva” da Bienal de Veneza de 2017. Atualmente está em exibição em “Estrangeiros em Todo Lugar” na Bienal de Veneza de 2024. O trabalho de Sánchez está presente em coleções de museus incluindo a Tate\, Londres; Museu de Arte Moderna\, Nova York; Centre Pompidou\, Paris; Museu de Arte de Porto Rico\, San Juan; Museu de Arte Latino-Americano em Buenos Aires\, Argentina; Museu Nacional de Belas Artes em Havana\, Cuba. \n\n\n\n“Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” é organizada pelo ICA Miami e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro de Arte + Pesquisa da instituição\, e Stephanie Seidel\, Curadora Monica e Blake Grossman.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years" no ICA Miami
DESCRIPTION:George Condo\, Am I Human?\, 2022. © George Condo. Cortesia do artista e Hauser & Wirth. Foto: Thomas Barratt.\n\n\n\nPor ocasião de seu décimo aniversário\, o ICA Miami apresenta “Toward the Celestial”\, uma seleção de obras de sua coleção permanente que destaca o desenvolvimento programático do museu\, bem como comissões recentes e obras anteriormente não exibidas. A exposição é organizada tematicamente e percorre desde imagens microscópicas até macroscópicas para explorar a dimensão do tempo e as ordens de escala. O título da exposição alude à bandeira Universo Celestial (1988) de Betye Saar\, que foi destaque na pesquisa da artista em 2021 e tem feito parte das instalações da artista ao longo de várias décadas\, sugerindo tanto uma presença iminente quanto o registro do tempo através de estruturas ideológicas alternativas. \n\n\n\n“Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years” é organizada pelo ICA Miami\, e curada por Alex Gartenfeld\, Diretor Artístico Irma e Norman Braman; Gean Moreno\, Diretor da Fundação Knight do Centro de Arte e Pesquisa do ICA Miami; e Stephanie Seidel\, Curadora Monica & Blake Grossman.
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SUMMARY:"Huguette Caland: Outside the Line" no ICA Miami
DESCRIPTION:Huguette Caland\, Bribes de corps (detalhe)\, 1973. Cortesia do espólio do artista.\n\n\n\nO ICA Miami tem o orgulho de apresentar “Huguette Caland: Outside the Line”\, a primeira exposição individual das obras da artista libanesa Huguette Caland em um museu americano. Figura provocativa na arte abstrata\, Caland (1931–2019) foi recentemente reconhecida por suas pinturas figurativas e abstratas que representam o corpo em linhas sutis e explosões de cor que são simultaneamente íntimas\, eróticas e ousadas. Esta exposição reúne pinturas da série da artista “Bribes de corps” (Partes do Corpo\, 1973–76) e obras associadas\, refletindo sua preocupação com o corpo e a experimentação formal em desenho e pintura abstrata. Caland frequentemente usava seu próprio corpo como ponto de partida; essas obras focam no corpo como artesanato e caricatura\, expressando suas formas sutis através do humor\, expressão sexual e invenção formal. \n\n\n\nNascida em Beirute\, filha do primeiro presidente de um Líbano independente\, Caland cresceu em um ambiente cosmopolita e político. Até a Guerra Civil Libanesa em 1975\, a cena artística de Beirute era de grande liberdade e experimentação. Participante ativa desse meio\, Caland criou desenhos\, pinturas e caftãs que construíram a base para sua investigação da forma feminina. Em 1970\, Caland mudou-se para Paris para prosseguir com sua prática artística; foi lá que ela aprofundou o poder expressivo e erótico da linha e da cor em seu trabalho\, criando a série “Bribes de corps”\, que centraliza o corpo e suas expressões eróticas. Enfatizando o corpo através de close-ups que\, por vezes\, o tornam irreconhecível\, as obras de Caland são simultaneamente minimalistas e audaciosamente referenciais. \n\n\n\nEnquanto suas obras anteriores exploravam a relação entre figuração e abstração\, “Bribes de corps” estabeleceu Caland como uma figura chave no discurso mais amplo do Expressionismo Abstrato e da pintura de Campo de Cor. As obras também assumem uma corrente autobiográfica. Transformando as curvas e orifícios do corpo em abstrações que dobram como paisagens ou formas não humanas\, Caland subverteu as representações idealizadas da forma feminina e desafiou os métodos interpretativos dos espectadores. Esta série reflete o profundo investimento de Caland na visibilidade e celebração da forma feminina\, enquanto também expressa uma aguda consciência das maneiras como o corpo é submetido a forças políticas e violentas. \n\n\n\nAs obras de Caland podem ser encontradas em coleções ao redor do mundo\, incluindo o Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Hammer Museum\, Los Angeles; British Museum\, Londres; Tate\, Reino Unido; Museu de Arte Moderna\, Nova York; Metropolitan Museum of Art\, Nova York; San Diego Museum of Art; Museum of Fine Arts\, Houston; Centre Pompidou\, Paris; Bibliothèque nationale de France\, Paris; Fonds national d’art contemporain\, Paris; Barjeel Art Foundation\, Sharjah\, Emirados Árabes Unidos; Sharjah Art Foundation; e a Ramzi and Saeda Dalloul Art Foundation\, Beirute. \n\n\n\n“Huguette Caland: Outside the Line (1970–84)” é organizada pelo ICA Miami e curada por Donna Honarpisheh\, Curadora Associada.
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SUMMARY:"Xican-a.o.x. Body" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Patssi Valdez\, “Hot Pink” (still)\, 1980-1983. Cortesia da artista e American Federation of Arts\n\n\n\n\nXican-a.o.x. Body é a primeira grande exposição a mostrar o trabalho de artistas que destacam o corpo como um local de agência política e imaginação\, investigação artística\, descolonização e formas alternativas de comunidade. O título da exposição é baseado no termo “Chicano”\, tradicionalmente definido como uma identidade étnica para os mexicanos-americanos que abraçam sua ancestralidade indígena. A exposição surge no cruzamento das práticas artísticas experimentais datando dos anos-chave do Movimento Chicano nas décadas de 1960 e 1970 e abraça o trabalho de artistas que se identificam de várias maneiras — incluindo mexicanos-americanos\, Chicana/o\, Xicanx\, indígenas\, Latinx\, negros\, pardos e queer. \nO framework curatorial de Xican-a.o.x. Body se baseia na ideia de “Brown Commons”\, um termo cunhado pelo escritor José Esteban Muñoz. Segundo a definição de Muñoz\, “Brownness” (a condição de ser pardo) é articulada como um sentimento e experiência de pessoas que existem em um “entre-lugar” e\, portanto\, são lidas como o Outro. Outro framework importante surge da ideia de Xicanisma\, um termo concebido pela escritora e poeta Anna Castillo para definir um tipo de feminismo Chicana socioeconomicamente e culturalmente específico. Xican-a.o.x. Body apresenta obras conceituais\, experimentais e pioneiras do final dos anos 1960 até o presente\, utilizando uma ampla gama de mídias — de poesia e cerâmica a pintura\, fotografia\, escultura\, filme\, performance e desenhos — que iluminam nossa compreensão da arte e cultura Xicanx. \nOs artistas de Xican-a.o.x. Body incluem Laura Aguilar\, Celia Álvarez Muñoz\, Asco (Harry Gamboa Jr.\, Gronk\, Willie Herrón III\, e Patssi Valdez\, 1972–82)\, Mario Ayala\, Judith F. Baca\, Alice Bag\, Julia Barbosa Landois\, Ariana Brown\, Nao Bustamante\, William Camargo\, Barbara Carrasco\, Charlie Cartwright (Good Time Charlie)\, Mel Casas\, Isabel Castro\, Yreina D. Cervántez\, Enrique Chagoya\, Artemisa Clark\, Liz Cohen\, Adriana Corral\, Camilo Cruz\, Cyclona\, Ms. Vaginal Davis\, Albert De Alba Sr.\, Sandra de la Loza\, Natalie Diaz com Mohammed Hammad\, Alex Donis\, Frances Salomé España\, rafa esparza\, Justin Favela\, Christina Fernandez\, Diane Gamboa\, Maria Gaspar\, Jay Lynn Gomez\, Ken Gonzales-Day\, Alfonso Gonzalez Jr.\, Fabian Guerrero\, Ester Hernandez\, Sebastian Hernández\, Celia Herrera Rodríguez\, Salomón Huerta\, Luis Jiménez\, Alma López\, Yolanda López\, Richard A. Lou\, James Luna\, Narsiso Martinez\, Patrick Martinez\, Delilah Montoya\, Malaquias Montoya\, Chuco Moreno\, Gabriela Muñoz\, Marcos Raya\, Sandy Rodriguez\, Gabriela Ruiz\, Sylvia Salazar Simpson\, Shizu Saldamando\, Teddy Sandoval\, Tamara Santibañez\, The Q-Sides (Vero Majano\, Amy Martinez\, e Kari Orvik)\, Walter Thompson-Hernández\, John Valadez\, Patssi Valdez\, Linda Vallejo\, Ricardo Valverde\, Kathy Vargas e José Villalobos.
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SUMMARY:"Calida Rawles: Away with the Tides" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Calida Rawles\, Impact\, 2024. Cortesia da artista e Lehmann Maupin. Foto: Marten Elder\n\n\n\n\nCalida Rawles imagina a água como um espaço de cura para os negros e reimagina a comunidade afro-americana além das histórias que já conhecemos\, como parte da história coletiva dos Estados Unidos. Fundindo hiper-realismo\, abstração poética e os simbolismos culturais e históricos da água\, Rawles cria retratos únicos de corpos negros submersos em e interagindo com corpos d’água brilhantes e misteriosos. A água\, que é uma espécie de personagem dentro das pinturas\, funciona como um elemento que significa tanto a cura física e espiritual\, quanto o trauma histórico e a exclusão racial. Para sua primeira apresentação solo em museu\, Rawles cria uma ponte entre seu estilo característico e uma história da história de Miami que muitas vezes é ignorada e obscurecida. \nRawles se aprofunda na experiência particular das pessoas negras em Overtown\, um bairro de Miami que passou de um próspero centro cultural e comercial para negros a uma comunidade desmantelada pela gentrificação\, racismo sistêmico e deslocamento em massa. As figuras nas pinturas de Rawles são residentes da comunidade de Overtown—de crianças a idosos. O foco da exposição está nas histórias e experiências daqueles que vivem neste bairro histórico. Rawles leva sua prática um passo adiante\, fotografando alguns de seus sujeitos em águas naturais pela primeira vez\, na histórica Virginia Key Beach\, que foi uma vez segregada racialmente. Ao fotografar sujeitos negros no oceano pela primeira vez\, Rawles consegue explorar a história do Atlântico como o local do extremamente explorador comércio transatlântico de escravos. A obra final engaja criticamente com o clima entrelaçado com a água de Miami e explora a história da beleza\, opressão e resiliência na comunidade vizinha de Overtown do PAMM.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Every Sound Is a Shape of Time" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Alfredo Jaar\, “I Can’t Go On. I’ll Go On”\, 2016. Imagem: Divulgação\n\n\n\n\nAo longo da história\, a arte tem sido um farol para a humanidade em tempos turbulentos. Neste momento de mudança e ruptura globais dinâmicas\, a arte continua a nos guiar através da incerteza. Esta exposição\, que incorpora a missão e visão do Pérez Art Museum Miami (PAMM)\, nos convida a refletir sobre nossa existência compartilhada e a capacidade inerente de moldar nossa própria realidade. Tomando seu título de uma obra da artista cubana Glenda León\, “Every Sound Is a Shape of Time” explora o humanismo e a beleza\, tirando força da coleção em uma pluralidade de vozes. \nDesde que se tornou uma instituição de colecionamento há 30 anos\, o PAMM tem se concentrado em arte moderna e contemporânea\, com ênfase particular na arte contemporânea. A maioria das obras da coleção foi criada após a Segunda Guerra Mundial\, e mais da metade foi feita nos últimos 50 anos. Esta exposição apresenta 21 obras de 17 artistas diversos\, desde pinturas abstratas até exemplos de conceitualismo baseado em fotografia e texto. A mostra inclui obras de León\, Luis Camnitzer\, Abraham Cruzvillegas\, Helen Frankenthaler\, Alfredo Jaar\, Jennie C. Jones\, Julie Mehretu\, Robert Morris\, Lydia Okumura\, Richard Serra e Lawrence Weiner\, entre outros.
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SUMMARY:"Cecilia Vicuña: Quipu Gut" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Cecilia Vicuña\, “Quipu Gut”\, 2017. Vista da instalação na Documenta 14\, Documenta Halle\, Kassel\, 2017. © 2024 Cecilia Vicuña / Artists Rights Society (ARS)\, Nova York. Cortesia da artista\, Pérez Art Museum Miami e Lehmann Maupins. Foto: Feodora Pallas.\n\n\n\n\nCecilia Vicuña é uma poetisa e artista que cresceu na comuna chilena de La Florida\, no Vale do Maipo. Filha de uma família de artistas e intelectuais\, Vicuña cresceu ouvindo sobre a perseguição e encarceramento de indivíduos que lutavam pela justiça social em um contexto de agendas governamentais cada vez mais conservadoras. Durante sua estadia na Slade School of Fine Art em Londres\, com uma bolsa do British Council\, entre 1972 e 1973\, um golpe de estado liderado pelo general Augusto Pinochet\, comandante-chefe do exército chileno\, deu início a uma ditadura militar de dezessete anos. Isso fez com que Vicuña permanecesse em Londres em um exílio autoimposto\, onde ela exibiu seu trabalho no Institute of Contemporary Arts e publicou seu primeiro livro\, Saborami (1973). Naquele período\, seu foco estava principalmente no ativismo político contra o fascismo e as violações dos direitos humanos no Chile e em outros países. \nEm 1975\, ela retornou à América do Sul para viver em Bogotá\, na Colômbia\, onde iniciou um caminho de redescoberta criativa voltado para a arte e a cultura indígenas. O interesse de Vicuña pelo quipu (“nó” em quechua) foi reacendido nesse período e permanece como uma constante fonte de inspiração. O quipu é uma antiga tecnologia de comunicação andina que usa cordas amarradas para registrar informações\, prática que foi proibida pelos espanhóis durante a colonização da América do Sul. Em 1965\, Vicuña fez a primeira referência ao quipu em seu diário com a frase\, el quipu que no recuerda nada (“o quipu que não lembra nada”). O conhecimento\, a sabedoria e a memória estão incorporados em sua concepção criativa e poética do quipu\, inspirando as iterações subsequentes e manifestações desse antigo dispositivo de comunicação. \nQuipu Gut faz parte de uma grande família de estruturas de quipu vermelho que a artista criou desde Quipu Menstrual em 2006; a cor visa associar as obras ao “sangue das geleiras” destruídas pela mineração. Os quipus vermelhos também refletem sobre água\, sangue e feminilidade\, manifestados como fios poéticos e fluxos de energia. Quipu Gut (2017) é um dos dois quipus comissionados para a documenta 14; foi exibido no documenta Halle em Kassel\, Alemanha; Quipu Womb (2017)\, a segunda obra comissionada\, foi exibida no Museu Nacional de Arte Contemporânea em Atenas. Ambas foram criadas “em homenagem a uma tradição religiosa sincrética que—via o cordão umbilical do simbolismo menstrual—conecta as deusas-mãe andinas com as mitologias marítimas da Grécia antiga. A mitologia se manifesta espiritualmente no que Vicuña descreve como seu “poema no espaço”\, construído com cinquenta grandes fios de lã não fiada\, tingidos de vermelho e amarrados ritmicamente ao longo de quase dez metros de comprimento\, conectando histórias compartilhadas\, práticas indígenas de tecelagem\, ritual e ativismo ambiental.
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SUMMARY:"Ulla von Brandenburg: In Dialogue" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Obra de Ulla von Brandenburg. Via thebass.org\nO Bass Museum of Art anuncia uma nova exposição como parte da temporada de outono 2024-2025\, Ulla von Brandenburg: In Dialogue\, em exibição de 4 de setembro de 2024 a 6 de julho de 2025. \n\nUlla von Brandenburg\, artista nascida na Alemanha e radicada em Paris\, trabalha com momentos idiossincráticos e figuras negligenciadas das histórias da arte e da cultura. Suas exposições e projetos abordam uma ampla gama de temas\, incluindo ocultismo\, psicanálise\, arquitetura modernista e cinema de Hollywood\, trazendo-os para contextos contemporâneos. \nUlla von Brandenburg: In Dialogue é uma apresentação do trabalho de von Brandenburg\, emparelhado com o mural de cerâmica recentemente adquirido pelo Bass da artista libanesa-americana Etel Adnan (1925–2021). Figura proeminente da arte visual e literatura contemporâneas árabe-americanas\, Adnan criou campos geométricos ricos em cores em suas pinturas e desenhos\, alguns traduzidos em murais e tapeçarias de grande escala que refletem o interesse duradouro da artista pela arquitetura e pelo ambiente construído. Comparativamente\, a prática multifacetada de von Brandenburg combina filmes\, têxteis\, desenhos\, aquarelas e sons em cenários imersivos de exposições onde as diferentes formas de arte se harmonizam em um todo coeso (ou Gesamtkunstwerk). \nUlla von Brandenburg: In Dialogue explora esse engajamento intergeracional com a abstração geométrica—sua interação entre círculos\, quadrados e triângulos—evidente tanto no mural de Adnan quanto na prática de von Brandenburg\, e apresentada ao lado da rica história da artista franco-ucraniana Sonia Delaunay. Aqui\, o mural abstrato lírico de Adnan (Untitled\, 2023)\, com 14 × 21 pés\, serve como protagonista e pano de fundo teatral na cenografia da exposição de von Brandenburg. As obras se entrelaçam através da linguagem da abstração e dos interesses compartilhados das artistas no ambiente social e espacial.
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LOCATION:The Bass Museum of Art\, 2100 Collins Ave City Center\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Antonia Wright: State of Labor" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Antonia Wright. “Hang-her”\, 2022. Cortesia da artista e Spinello Projects\n\n\n\n\nAtravés de uma prática multidisciplinar que envolve vídeo\, performance\, fotografia\, escultura\, som e luz\, Antonia Wright (nascida em 1979\, Miami; reside em Miami) responde a extremos de emoção\, controle e violência no contexto dos sistemas de poder na sociedade. State of Labor é uma composição de arte sonora generativa — uma forma de música ou som que se cria a partir de um conjunto inicial de elementos musicais definidos pelo compositor e/ou por um sistema — que utiliza a sonificação de dados para protestar contra as mudanças nas leis sobre o acesso a abortos seguros e legais. Este trabalho foi criado em resposta à decisão de 2022 da Suprema Corte dos Estados Unidos de reverter Roe v. Wade\, declarando que o direito constitucional ao aborto não existe mais. Como resultado\, os abortos se tornaram ilegais em vários estados\, que desde então implementaram proibições parciais ou completas do procedimento\, uma condição que afeta desproporcionalmente pessoas de cor de baixa renda e minorias que são mais vulneráveis às novas leis\, tendo que viajar distâncias maiores para obter cuidados com aborto\, procurar procedimentos inseguros ou serem forçadas a levar gravidezes indesejadas ou perigosas até o termo. State of Labor sonifica dados relacionados a esses problemas\, incluindo o aumento da distância que uma pessoa terá que percorrer à medida que sua gravidez indesejada avança. Em parceria com parteiras\, Wright coletou os sons que as pessoas fazem durante o trabalho de parto ativo\, incluindo gravações de sua própria experiência de parto domiciliar em 2015. \nO código foi programado para que\, quando um ponto de dado no algoritmo atinge a distância média de direção de ida que uma pessoa precisa percorrer para receber cuidados reprodutivos\, os sons mais suaves que uma pessoa grávida faz entre as contrações durante o parto sejam tocados. Em seguida\, quando essa distância média de direção de ida aumenta como resultado das proibições estaduais ao aborto\, a instalação sonora toca os sons poderosos\, crus e guturais que acompanham uma contração. Os dados para o algoritmo foram obtidos pelo Guttmacher Institute\, uma organização líder em pesquisa e políticas sobre saúde sexual e reprodutiva e direitos em todo o mundo. Os sons são tão pessoais quanto os efeitos reais da decisão da Suprema Corte. Wright\, mãe de dois filhos\, espera galvanizar aqueles que acreditam na autodeterminação dos seres humanos sobre seus próprios corpos e contra a paternidade compulsória.
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