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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nam June Paik: The Miami Years" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:A partir de quarta-feira\, 4 de outubro de 2023\, até 16 de agosto de 2024\, o Museu de Arte Bass apresenta “Nam June Paik: Os Anos de Miami”\, uma nova exposição com obras do artista visual coreano-americano que exploram sua conexão com Miami Beach e a comunidade circundante do sul da Flórida. \n\n\n\nNam June Paik (nascido em 1932\, Seul; falecido em 2006\, Miami Beach) foi um pioneiro no desenvolvimento de imagens em movimento eletrônicas e composições digitalizadas como forma de expressão criativa. Creditado por originar o termo “superestrada eletrônica” em 1974\, as obras complexas de Paik demonstraram enorme presciência para a influência e proliferação de mídias digitais como meio artístico\, a expansão global de redes sociais e a crescente interligação entre a vida moderna e a tecnologia. \n\n\n\nOrganizada em torno da recente aquisição de TV Cello (2003) pelo Bass\, “Nam June Paik: Os Anos de Miami” oferece uma análise detalhada da conexão do artista com Miami. A exposição revela a pouco conhecida história da vida do artista em Miami Beach\, explorando as formas inovadoras que ele usou para se comunicar e empregar tecnologias de mídia em seu trabalho. \n\n\n\nNo início da década de 1990\, os visitantes do Aeroporto Internacional de Miami tiveram a oportunidade de encontrar duas instalações esculturais extraordinárias de Paik. WING\, localizada no saguão do Concourse B\, saudava os espectadores com quase 100 monitores de televisão montados em uma estrutura em forma de biplano\, iluminada por um quadro de néon\, pontuada por uma hélice. MIAMI\, em frente às portas de saída da alfândega no saguão do Concourse E\, apresentava 74 monitores dispostos para soletrar M-I-A-M-I em letras maiúsculas. \n\n\n\nEm ambas as obras\, as telas de TV apresentavam um fluxo hipnotizante de imagens icônicas do sul da Flórida\, intercaladas com vislumbres reconhecíveis de todo o mundo: palmeiras\, flamingos\, banhistas na praia\, congestionamentos de tráfego\, templos budistas\, terra derretida\, barcos à vela e moléculas. Milhares de imagens\, juntamente com a forma única de “pintura eletrônica” de Paik\, combinavam-se em uma cacofonia dinâmica diante dos olhos dos viajantes. \n\n\n\nEncomendadas em 1985 pelo Miami-Dade Art in Public Places Trust\, WING e MIAMI foram dedicadas em 29 de novembro de 1990. Embora Paik tenha feito de Miami Beach sua casa até sua morte em 2006\, no final da década de 1990\, WING e MIAMI não estavam mais em exibição pública. \n\n\n\nCom pesquisas originais sobre Paik e o sul da Flórida\, incluindo um relato cronológico da criação e exibição de WING e MIAMI\, “Nam June Paik: Os Anos de Miami” oferecerá novas perspectivas sobre o envolvimento pessoal do aclamado artista com nossa região. \n\n\n\nA exposição também incluirá “Notations”\, performances de artistas contemporâneos cujas práticas se envolvem e ampliam o uso experimental de tecnologia encontrado no trabalho de Nam June Paik. A primeira apresentação de “Notations” contará com o MyFi Studio no “Third Thursdays” no The Bass em 19 de outubro.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/nam-june-paik-the-miami-years-no-the-bass-museum-of-art/
LOCATION:The Bass Museum of Art\, 2100 Collins Ave City Center\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Social Assembly: Welcome to the Museum" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Haegue Yang\, Coordinates of Speculative Solidarity\, 2019. Foto: Zachary Balber. Imagem: Cortesia The Bass Miami Beach\n\n\n\nO Bass convida você a repensar como interagimos e aprendemos com a arte — e uns com os outros — em um ambiente de museu com nossa mais recente iniciativa Social Assembly: Welcome to the Museum\, em exibição de 3 de dezembro de 2023 a 1 de setembro de 2024. \n\n\n\nEsta exposição multifacetada e programa flexível é realizada na Galeria Harrison do Bass\, coincidindo com a recente descoberta das janelas originais da galeria. Assim como essas janelas restauradas proporcionam vistas amplas para o Collins Park\, permitindo transparência entre espaços internos e externos\, a Social Assembly oferece ao público maiores oportunidades de se reunir de forma informal e mais frequente com a arte. Seja encontrando amigos\, lendo livros\, assistindo vídeos\, tomando café ou ouvindo música — todas maneiras dos visitantes relaxarem\, se refrescarem e se reagruparem — essas atividades de museu reimaginadas já estão em andamento como parte de uma experiência de exposição. \n\n\n\nDentro da Social Assembly\, Exploded View: Coconut (2023)\, uma instalação do artista e designer baseado em Miami\, Emmett Moore\, inclui mesas\, assentos e um bar\, convidando os visitantes a permanecerem e aproveitarem casualmente o museu. A peça de Moore se entrelaça com outras da coleção permanente do Bass\, cada obra selecionada por sua capacidade de equilibrar as características de objeto de arte e mobiliário funcional. O objetivo é oferecer aos visitantes do museu maior autonomia para decidir como desejam se reunir nos espaços do Bass\, em seus próprios termos. \n\n\n\nComo pano de fundo para a cena social da exposição\, as Coordinates of Speculative Solidarity de Haegue Yang consideram as condições e pressões recentes das mudanças climáticas\, visualizando pesquisas meteorológicas e dados climáticos de Miami Beach em um colagem digital do chão ao teto que se estende por quarenta e cinco pés. Este “papel de parede” único abstrai infográficos\, fotos de satélite e diagramas\, refletindo sobre o clima e as circunstâncias relacionadas às mudanças climáticas como um agente de ligação social. Como o trabalho de Yang sugere\, o clima une as pessoas inconscientemente por meio de uma determinação compartilhada de enfrentar um desafio e reagir em solidariedade. \n\n\n\nAo longo do ano\, a Social Assembly mescla arte\, design e arquitetura\, combinando as funções e estéticas de um lounge\, bar de café\, café\, interior doméstico e galeria de arte para explorar as muitas possibilidades de se reunir em torno da arte contemporânea e das ideias que ela inspira. Nesse espírito: Welcome to the Museum.
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SUMMARY:Alejandro Piñeiro Bello no Rubell Museum
DESCRIPTION:O artista nascido em Havana e baseado em Miami\, Piñeiro Bello\, concentra sua prática na diáspora caribenha\, em Cuba\, e nas identidades culturais\, imagens e história das ilhas circundantes. Ele pinta o esplendor místico sociocultural da cultura caribenha usando materiais tradicionais\, como óleo sobre linho cru ou juta\, e trabalha com uma paleta de cores vibrante para criar imagens que capturam a fertilidade da região.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/alejandro-pineiro-bello-no-rubell-museum/
LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Basil Kincaid: Spirit in the Gift" no Rubell Museum
DESCRIPTION:A prática pós-disciplinar de Basil Kincaid\, um artista nascido em St. Louis que divide seu tempo entre os EUA e a África\, examina as relações entre ancestralidade\, lugar e a construção contemporânea do eu. Ao longo de seu trabalho\, Kincaid incorpora quilting\, colagem\, fotografia\, instalação\, performance e o uso de materiais encontrados.
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SUMMARY:"Sea Change" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Rick Silva e Nicolas Sassoon\, Signals 4 (still)\, 2023. Cortesia dos artistas\n\n\n\n“Sea Change” no Pérez Art Museum Miami (PAMM) é uma exposição imersiva que reflete sobre as aceleradas mudanças no clima\, cultura e tempo. As obras de arte transitam entre alertas aquáticos\, reflexões poéticas sobre a natureza humana e reinterpretações futurísticas das tecnologias que estão remodelando nossas vidas. Cada obra oferece uma perspectiva única sobre a interconexão entre tecnologia e o mundo natural. \n\n\n\nA playlist inclui seres virtuais multicamadas imaginados por LaTurbo Avedon\, Eva Papamargariti e Fabiola Larios; travessuras interspecies divertidas nas colagens de GIFs animados de Lorna Mills; uma transformação animalística surreal por Cassie McQuater; paisagens generativas hipnotizantes por Alfredo Salazar-Caro\, Harvey Moon\, Rick Silva e Nicolas Sassoon; um arquivo 3D cintilante documentando espécies de plantas aquáticas em perigo por Rodell Warner; e um ambiente imaginado de manguezais sencientes pelo artista baseado em Miami\, Leo Castañeda. \n\n\n\n“Sea Change” entrelaça temas de inteligência artificial\, tecnologia de simulação e identidade para nos ajudar a compreender nossa posição precária diante das iminentes mudanças sísmicas que afetam a sociedade\, cultura e a condição humana. A pesquisa abrange uma variedade diversificada de estilos estéticos e formatos\, incluindo arte generativa\, GIFs animados\, jogos de vídeo\, filmes experimentais em 3D e realidade virtual — um “download” abrangente que ilustra como os artistas se envolvem criticamente com a tecnologia no estúdio.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Spirit in the Land" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Allison Janae Hamilton\, Floridawater II\, 2019 © Allison Janae Hamilton. Cortesia da artista e da Galeria Marianne Boesky\, Nova York e Aspen.\n\n\n\n“Spirit in the Land” é uma exposição de arte contemporânea que examina as urgentes preocupações ecológicas de hoje a partir de uma perspectiva cultural\, demonstrando como nossas identidades e ambientes naturais estão intrinsecamente entrelaçados. Por meio de suas obras\, trinta artistas nos mostram como nossas mais caras tradições culturais estão enraizadas na terra\, como nossa relação com a terra e a água nos molda como indivíduos e comunidades. As obras refletem o potencial restaurador de nossa conexão com a natureza e exemplificam como a biodiversidade e a diversidade cultural são essenciais para nossa sobrevivência. \n\n\n\nEsses artistas exploram as maneiras pelas quais nossos espaços internos espelham os externos em obras que celebram a profunda beleza de nosso mundo e lamentam sua perda\, e com ela\, as histórias desaparecidas de pessoas e lugares. \n\n\n\nComo as batalhas contra as mudanças climáticas são frequentemente mais críticas para comunidades marginalizadas — a justiça ambiental é justiça social e racial — a exposição e o catálogo centralizam as vozes dos artistas que abordam a conscientização ecológica com uma atenção especial às comunidades mais negativamente afetadas. Atuando como guardiões ambientais\, os artistas recuperam e revitalizam nosso entendimento da natureza como um repositório de memória cultural\, um lugar de santuário\, um local de resistência e uma fonte de nutrição espiritual e cura. À medida que a terra e a água proporcionam um senso de pertencimento e comunidade\, a exposição ilustra nossa interdependência com toda a vida na Terra. \n\n\n\n“Spirit in the Land” tem suas raízes na América do Norte\, com ramificações alcançando o Caribe. Enquanto esses artistas investigam ambientes naturais sob estresse\, a exposição apresenta uma crença na possibilidade de transformação e regeneração. Nosso desejo de viver em harmonia com a natureza é\, em última análise\, o que determinará nosso futuro.
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SUMMARY:"Rose Marie Cromwell: A Geological Survey" no ICA Miami
DESCRIPTION:Rose Marie Cromwell\, Rearview\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nO ICA Miami apresenta “Rose Marie Cromwell: A Geological Survey”\, a primeira exposição individual da artista em um museu\, destacando seu trabalho mais recente de 2022-23\, no qual ela aplica sua própria interpretação à tradicional arte da fotografia de paisagem. Uma reflexão pessoal sobre identidade\, maturação e relações familiares\, a série de fotografias acompanha a artista\, sua mãe e sua filha jovem em uma jornada pelo Oeste Americano. Juxtapondo esse empreendimento profundamente pessoal com preocupações sociais e ecológicas mais amplas\, as fotografias visualmente impactantes e emocionantes confrontam a história complexa da região e o legado carregado das representações artísticas da paisagem. \n\n\n\nRose Marie Cromwell (n. 1983\, Sacramento; baseada em Miami) é uma artista de foto e vídeo cujo trabalho explora os efeitos da globalização no local\, bem como o espaço tênue entre o político e o espiritual. Seu primeiro livro\, El Libro Supremo de la Suerte\, foi publicado em 2018 pela TIS books e recebeu o Prêmio Light Work Photobook e foi nomeado um dos 25 Melhores Fotolivros de 2018 pela revista TIME. Em 2021\, ela publicou dois livros\, Eclipse (TIS books) e A More Fluid Atmosphere (Pomegranate Press). Ela teve exposições individuais na DiabloRosso e Antítesis\, ambas na Cidade do Panamá\, Panamá; Institute 193\, Lexington\, Kentucky; e Filter Photo\, Chicago. Seu trabalho também foi exibido na Aperture Foundation\, Nova York; High Museum\, Atlanta; PRIZM Art Fair\, Miami; TILT Institute for the Contemporary Image\, Filadélfia; e o Silver Eye Center for Photography\, Pittsburgh; entre muitos outros. Cromwell é beneficiária de uma bolsa Fulbright e uma bolsa Getty Reportage\, foi artista residente no Light Work e artista residente na Oolite Arts em Miami. \n\n\n\n“Rose Marie Cromwell: A Geological Survey” é organizada pelo Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro Art + Research da Fundação Knight no ICA Miami\, e Amanda Morgan\, Curadora Assistente\, Exposições e Publicações.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Manuel Mathieu no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Manuel Mathieu | MOCA North Miami\n\n\n\nEm sua primeira exposição individual em uma grande instituição dos Estados Unidos\, Manuel Mathieu apresenta suas vibrantes pinturas que fundem de maneira fluida a abstração com a figuração. As obras de Mathieu servem como reflexões sobre nossas vidas entrelaçadas\, onde as fronteiras entre passado e presente\, ou o pessoal e o político\, muitas vezes se confundem. Compartilhando memórias que retratam cenas cotidianas\, Mathieu também interroga a complexa história de sua terra natal\, o Haiti\, em suas telas. Ao desenterrar os traumas da violência estatal\, ele aborda questões que permanecem urgentes hoje como têm sido ao longo da história haitiana. \n\n\n\nApresentando uma constelação de obras – incluindo pinturas\, desenhos e cerâmicas – a exposição\, que teve origem na The Power Plant Contemporary Art Gallery em Toronto\, Ontário\, lança luz sobre a relação do Haiti com o mundo. Posicionado nas linhas de falha das crises políticas e ambientais modernas\, o Haiti é o epítome de um anseio global por libertação e resistência de base contra explorações imperialistas e capitalistas. No seu núcleo\, esta exposição é um exame das repercussões duradouras da revolta pioneira do Haiti\, que começou em 1791 para desafiar a escravidão e o colonialismo. Isso\, e sua busca por autodeterminação\, envolveram a nação nas intrigas da Guerra Fria nas últimas décadas. \n\n\n\nAlgumas pinturas trazem de volta à consciência contemporânea incidentes angustiantes\, sugerindo as atrocidades cometidas pelas ditaduras impiedosas do Haiti. Mathieu nos lembra que comemorar as tragédias do passado não recai apenas sobre os ombros das comunidades locais ou da diáspora de uma nação\, mas é parte de nossa responsabilidade coletiva. Suas obras sugerem um entendimento distinto da história do Haiti – uma história definida por correntes globais\, que ocasionalmente colidem\, resultando em episódios frenéticos de violência em massa. Mathieu\, portanto\, propõe que as dinâmicas do mundo podem se manifestar em um lugar\, como o Haiti. Sublinhando vínculos e lutas comuns que nos unem apesar das fronteiras nacionais\, ele nos convida a entrar em um mundo descoberto sob outros céus.
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LOCATION:MOCA North Miami\, 770 NE 125th street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Zilia Sánchez: Topologías / Topologies" no ICA Miami
DESCRIPTION:Zilia Sanchez\, Eros\, 1976/1998. © Zilia Sanchez. Cortesia da Galerie Lelong & Co.\, Nova York.\n\n\n\nO Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, apresenta uma grande retrospectiva das obras de Zilia Sánchez\, abrangendo de 1950 a 1996. \n\n\n\nDe abril a outubro de 2024\, o Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, apresentará uma pesquisa abrangente das obras da artista Zilia Sánchez (n. 1926\, Havana; vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico). Uma voz singular no modernismo latino-americano pós-guerra e na abstração geométrica\, a prática artística dinâmica de Sánchez engloba uma ampla gama de estilos e temas. Abrangendo mais de sete décadas\, suas obras são produto de experimentação contínua. \n\n\n\nSánchez é mais conhecida por suas icônicas pinturas em telas moldadas. Esticadas sobre construções de madeira\, essas obras assemelham-se a formas corporais enquanto mantêm qualidades abstratas. Por meio dessas obras\, a artista explorou preocupações formalistas enquanto lidava sutilmente com questões sociais significativas — noções de gênero\, feminismo e formação de identidade\, entre outras. Além dessas pinturas em tela esticada\, a exposição também inclui um número significativo de trabalhos anteriores de Sánchez\, como suas pinturas abstratas em tons vivos e formas geométricas criadas na década de 1950 enquanto vivia em Cuba. \n\n\n\nEm Havana\, Sánchez fez parte de um grupo de pintores que buscava deixar para trás a pintura figurativa\, que havia dominado gerações anteriores. Em seu lugar\, eles mobilizaram a abstração\, como uma proposta antiestabelecimento e como uma inovação formal. Esses foram anos turbulentos em Cuba\, à medida que a ditadura repressiva foi estabelecida\, e uma jovem geração de estudantes\, artistas e líderes cívicos resistiu. Nesse ambiente\, Sánchez começou a desenvolver propostas formais cada vez mais complexas e a testar novas linguagens abstratas. Paralelamente às suas abstrações\, Sánchez desenvolveu sua série “Afrocubanos” de pinturas que retratam figuras estilizadas abstratas e aludem a práticas rituais e efígies religiosas. Esta exposição reúne pela primeira vez um robusto grupo dessas obras\, ampliando a compreensão do escopo expansivo e da amplitude da prática de Sánchez. \n\n\n\nA artista deixou Cuba em 1960\, um ano após Fidel Castro chegar ao poder\, e se estabeleceu em Nova York\, onde se tornou uma membro ativa da cena cultural de artistas e escritores emigrantes. Ela trabalhou como designer gráfica e como cenógrafa de teatro\, enquanto continuava a desenvolver e exibir suas pinturas. Experimentando com materiais não tradicionais\, como serragem\, resina e cera\, Sánchez criou uma série de pinturas em mídia mista que se relacionam com os quatro elementos\, incluindo “Agua” (1961) e “Tierra” (1968)\, junto com temas mais abstratos como “Ecuación” (Equação\, 1963) e “Sucesión” (Sucessão\, 1966). \n\n\n\nEm 1966\, Sánchez mudou-se para Madrid\, auxiliada por uma bolsa de estudos da Fundação CINTAS\, para estudar conservação e restauração. Ela começou a desenvolver o estilo que viria a caracterizar sua prática. Telas tridimensionais com formas sensuais\, suas pinturas desse período combinam abstração geométrica com conotações sociais\, biográficas\, emocionais e eróticas\, como sugerem obras com títulos referenciando “Eros” e “Amazonas”. Desde 1971\, Sánchez vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico. As obras que ela criou lá são marcadas por um abraço enfático da forma feminina\, desafiando as convenções rígidas e racionais do modernismo europeu com uma abordagem sensorial e feminista da abstração geométrica. \n\n\n\nA exposição “Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” abrange aproximadamente trinta obras da artista produzidas entre 1950 e 1996. A retrospectiva será acompanhada por um catálogo de exposição ricamente ilustrado\, apresentando novas fotografias\, ensaios acadêmicos sobre a artista e materiais de arquivo. \n\n\n\nZilia Sánchez (n. 1926\, Havana; vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico) tem sido exibida internacionalmente desde a década de 1950. Mais recentemente\, exposições individuais foram realizadas no Artist Space\, Nova York (2013); a Phillips Collection\, Washington\, D.C.\, que viajou para o Museo de Arte Ponce\, San Juan\, e El Museo del Barrio\, Nova York (todos em 2019). O trabalho de Sánchez foi destaque em exposições coletivas seminais\, incluindo “Mulheres Radicais: Arte Latino-Americana\, 1960-1985\,” no Brooklyn Museum\, Brooklyn\, Nova York\, bem como na exposição principal “Viva Arte Viva” da Bienal de Veneza de 2017. Atualmente está em exibição em “Estrangeiros em Todo Lugar” na Bienal de Veneza de 2024. O trabalho de Sánchez está presente em coleções de museus incluindo a Tate\, Londres; Museu de Arte Moderna\, Nova York; Centre Pompidou\, Paris; Museu de Arte de Porto Rico\, San Juan; Museu de Arte Latino-Americano em Buenos Aires\, Argentina; Museu Nacional de Belas Artes em Havana\, Cuba. \n\n\n\n“Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” é organizada pelo ICA Miami e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro de Arte + Pesquisa da instituição\, e Stephanie Seidel\, Curadora Monica e Blake Grossman.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years" no ICA Miami
DESCRIPTION:George Condo\, Am I Human?\, 2022. © George Condo. Cortesia do artista e Hauser & Wirth. Foto: Thomas Barratt.\n\n\n\nPor ocasião de seu décimo aniversário\, o ICA Miami apresenta “Toward the Celestial”\, uma seleção de obras de sua coleção permanente que destaca o desenvolvimento programático do museu\, bem como comissões recentes e obras anteriormente não exibidas. A exposição é organizada tematicamente e percorre desde imagens microscópicas até macroscópicas para explorar a dimensão do tempo e as ordens de escala. O título da exposição alude à bandeira Universo Celestial (1988) de Betye Saar\, que foi destaque na pesquisa da artista em 2021 e tem feito parte das instalações da artista ao longo de várias décadas\, sugerindo tanto uma presença iminente quanto o registro do tempo através de estruturas ideológicas alternativas. \n\n\n\n“Toward the Celestial: ICA Miami’s Collection at 10 Years” é organizada pelo ICA Miami\, e curada por Alex Gartenfeld\, Diretor Artístico Irma e Norman Braman; Gean Moreno\, Diretor da Fundação Knight do Centro de Arte e Pesquisa do ICA Miami; e Stephanie Seidel\, Curadora Monica & Blake Grossman.
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SUMMARY:"Huguette Caland: Outside the Line" no ICA Miami
DESCRIPTION:Huguette Caland\, Bribes de corps (detalhe)\, 1973. Cortesia do espólio do artista.\n\n\n\nO ICA Miami tem o orgulho de apresentar “Huguette Caland: Outside the Line”\, a primeira exposição individual das obras da artista libanesa Huguette Caland em um museu americano. Figura provocativa na arte abstrata\, Caland (1931–2019) foi recentemente reconhecida por suas pinturas figurativas e abstratas que representam o corpo em linhas sutis e explosões de cor que são simultaneamente íntimas\, eróticas e ousadas. Esta exposição reúne pinturas da série da artista “Bribes de corps” (Partes do Corpo\, 1973–76) e obras associadas\, refletindo sua preocupação com o corpo e a experimentação formal em desenho e pintura abstrata. Caland frequentemente usava seu próprio corpo como ponto de partida; essas obras focam no corpo como artesanato e caricatura\, expressando suas formas sutis através do humor\, expressão sexual e invenção formal. \n\n\n\nNascida em Beirute\, filha do primeiro presidente de um Líbano independente\, Caland cresceu em um ambiente cosmopolita e político. Até a Guerra Civil Libanesa em 1975\, a cena artística de Beirute era de grande liberdade e experimentação. Participante ativa desse meio\, Caland criou desenhos\, pinturas e caftãs que construíram a base para sua investigação da forma feminina. Em 1970\, Caland mudou-se para Paris para prosseguir com sua prática artística; foi lá que ela aprofundou o poder expressivo e erótico da linha e da cor em seu trabalho\, criando a série “Bribes de corps”\, que centraliza o corpo e suas expressões eróticas. Enfatizando o corpo através de close-ups que\, por vezes\, o tornam irreconhecível\, as obras de Caland são simultaneamente minimalistas e audaciosamente referenciais. \n\n\n\nEnquanto suas obras anteriores exploravam a relação entre figuração e abstração\, “Bribes de corps” estabeleceu Caland como uma figura chave no discurso mais amplo do Expressionismo Abstrato e da pintura de Campo de Cor. As obras também assumem uma corrente autobiográfica. Transformando as curvas e orifícios do corpo em abstrações que dobram como paisagens ou formas não humanas\, Caland subverteu as representações idealizadas da forma feminina e desafiou os métodos interpretativos dos espectadores. Esta série reflete o profundo investimento de Caland na visibilidade e celebração da forma feminina\, enquanto também expressa uma aguda consciência das maneiras como o corpo é submetido a forças políticas e violentas. \n\n\n\nAs obras de Caland podem ser encontradas em coleções ao redor do mundo\, incluindo o Los Angeles County Museum of Art (LACMA); Hammer Museum\, Los Angeles; British Museum\, Londres; Tate\, Reino Unido; Museu de Arte Moderna\, Nova York; Metropolitan Museum of Art\, Nova York; San Diego Museum of Art; Museum of Fine Arts\, Houston; Centre Pompidou\, Paris; Bibliothèque nationale de France\, Paris; Fonds national d’art contemporain\, Paris; Barjeel Art Foundation\, Sharjah\, Emirados Árabes Unidos; Sharjah Art Foundation; e a Ramzi and Saeda Dalloul Art Foundation\, Beirute. \n\n\n\n“Huguette Caland: Outside the Line (1970–84)” é organizada pelo ICA Miami e curada por Donna Honarpisheh\, Curadora Associada.
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SUMMARY:"Xican-a.o.x. Body" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Patssi Valdez\, “Hot Pink” (still)\, 1980-1983. Cortesia da artista e American Federation of Arts\n\n\n\n\nXican-a.o.x. Body é a primeira grande exposição a mostrar o trabalho de artistas que destacam o corpo como um local de agência política e imaginação\, investigação artística\, descolonização e formas alternativas de comunidade. O título da exposição é baseado no termo “Chicano”\, tradicionalmente definido como uma identidade étnica para os mexicanos-americanos que abraçam sua ancestralidade indígena. A exposição surge no cruzamento das práticas artísticas experimentais datando dos anos-chave do Movimento Chicano nas décadas de 1960 e 1970 e abraça o trabalho de artistas que se identificam de várias maneiras — incluindo mexicanos-americanos\, Chicana/o\, Xicanx\, indígenas\, Latinx\, negros\, pardos e queer. \nO framework curatorial de Xican-a.o.x. Body se baseia na ideia de “Brown Commons”\, um termo cunhado pelo escritor José Esteban Muñoz. Segundo a definição de Muñoz\, “Brownness” (a condição de ser pardo) é articulada como um sentimento e experiência de pessoas que existem em um “entre-lugar” e\, portanto\, são lidas como o Outro. Outro framework importante surge da ideia de Xicanisma\, um termo concebido pela escritora e poeta Anna Castillo para definir um tipo de feminismo Chicana socioeconomicamente e culturalmente específico. Xican-a.o.x. Body apresenta obras conceituais\, experimentais e pioneiras do final dos anos 1960 até o presente\, utilizando uma ampla gama de mídias — de poesia e cerâmica a pintura\, fotografia\, escultura\, filme\, performance e desenhos — que iluminam nossa compreensão da arte e cultura Xicanx. \nOs artistas de Xican-a.o.x. Body incluem Laura Aguilar\, Celia Álvarez Muñoz\, Asco (Harry Gamboa Jr.\, Gronk\, Willie Herrón III\, e Patssi Valdez\, 1972–82)\, Mario Ayala\, Judith F. Baca\, Alice Bag\, Julia Barbosa Landois\, Ariana Brown\, Nao Bustamante\, William Camargo\, Barbara Carrasco\, Charlie Cartwright (Good Time Charlie)\, Mel Casas\, Isabel Castro\, Yreina D. Cervántez\, Enrique Chagoya\, Artemisa Clark\, Liz Cohen\, Adriana Corral\, Camilo Cruz\, Cyclona\, Ms. Vaginal Davis\, Albert De Alba Sr.\, Sandra de la Loza\, Natalie Diaz com Mohammed Hammad\, Alex Donis\, Frances Salomé España\, rafa esparza\, Justin Favela\, Christina Fernandez\, Diane Gamboa\, Maria Gaspar\, Jay Lynn Gomez\, Ken Gonzales-Day\, Alfonso Gonzalez Jr.\, Fabian Guerrero\, Ester Hernandez\, Sebastian Hernández\, Celia Herrera Rodríguez\, Salomón Huerta\, Luis Jiménez\, Alma López\, Yolanda López\, Richard A. Lou\, James Luna\, Narsiso Martinez\, Patrick Martinez\, Delilah Montoya\, Malaquias Montoya\, Chuco Moreno\, Gabriela Muñoz\, Marcos Raya\, Sandy Rodriguez\, Gabriela Ruiz\, Sylvia Salazar Simpson\, Shizu Saldamando\, Teddy Sandoval\, Tamara Santibañez\, The Q-Sides (Vero Majano\, Amy Martinez\, e Kari Orvik)\, Walter Thompson-Hernández\, John Valadez\, Patssi Valdez\, Linda Vallejo\, Ricardo Valverde\, Kathy Vargas e José Villalobos.
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SUMMARY:"Calida Rawles: Away with the Tides" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Calida Rawles\, Impact\, 2024. Cortesia da artista e Lehmann Maupin. Foto: Marten Elder\n\n\n\n\nCalida Rawles imagina a água como um espaço de cura para os negros e reimagina a comunidade afro-americana além das histórias que já conhecemos\, como parte da história coletiva dos Estados Unidos. Fundindo hiper-realismo\, abstração poética e os simbolismos culturais e históricos da água\, Rawles cria retratos únicos de corpos negros submersos em e interagindo com corpos d’água brilhantes e misteriosos. A água\, que é uma espécie de personagem dentro das pinturas\, funciona como um elemento que significa tanto a cura física e espiritual\, quanto o trauma histórico e a exclusão racial. Para sua primeira apresentação solo em museu\, Rawles cria uma ponte entre seu estilo característico e uma história da história de Miami que muitas vezes é ignorada e obscurecida. \nRawles se aprofunda na experiência particular das pessoas negras em Overtown\, um bairro de Miami que passou de um próspero centro cultural e comercial para negros a uma comunidade desmantelada pela gentrificação\, racismo sistêmico e deslocamento em massa. As figuras nas pinturas de Rawles são residentes da comunidade de Overtown—de crianças a idosos. O foco da exposição está nas histórias e experiências daqueles que vivem neste bairro histórico. Rawles leva sua prática um passo adiante\, fotografando alguns de seus sujeitos em águas naturais pela primeira vez\, na histórica Virginia Key Beach\, que foi uma vez segregada racialmente. Ao fotografar sujeitos negros no oceano pela primeira vez\, Rawles consegue explorar a história do Atlântico como o local do extremamente explorador comércio transatlântico de escravos. A obra final engaja criticamente com o clima entrelaçado com a água de Miami e explora a história da beleza\, opressão e resiliência na comunidade vizinha de Overtown do PAMM.
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SUMMARY:"Every Sound Is a Shape of Time" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Alfredo Jaar\, “I Can’t Go On. I’ll Go On”\, 2016. Imagem: Divulgação\n\n\n\n\nAo longo da história\, a arte tem sido um farol para a humanidade em tempos turbulentos. Neste momento de mudança e ruptura globais dinâmicas\, a arte continua a nos guiar através da incerteza. Esta exposição\, que incorpora a missão e visão do Pérez Art Museum Miami (PAMM)\, nos convida a refletir sobre nossa existência compartilhada e a capacidade inerente de moldar nossa própria realidade. Tomando seu título de uma obra da artista cubana Glenda León\, “Every Sound Is a Shape of Time” explora o humanismo e a beleza\, tirando força da coleção em uma pluralidade de vozes. \nDesde que se tornou uma instituição de colecionamento há 30 anos\, o PAMM tem se concentrado em arte moderna e contemporânea\, com ênfase particular na arte contemporânea. A maioria das obras da coleção foi criada após a Segunda Guerra Mundial\, e mais da metade foi feita nos últimos 50 anos. Esta exposição apresenta 21 obras de 17 artistas diversos\, desde pinturas abstratas até exemplos de conceitualismo baseado em fotografia e texto. A mostra inclui obras de León\, Luis Camnitzer\, Abraham Cruzvillegas\, Helen Frankenthaler\, Alfredo Jaar\, Jennie C. Jones\, Julie Mehretu\, Robert Morris\, Lydia Okumura\, Richard Serra e Lawrence Weiner\, entre outros.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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