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SUMMARY:"Yayoi Kusama: LOVE IS CALLING" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Um ícone da arte contemporânea\, Yayoi Kusama (nascida em 1929\, Matsumoto\, Japão) entrelaça ideias de arte pop\, minimalismo e psicodelia em suas pinturas\, performances\, apresentações em salas de grande dimensão\, instalações esculturais ao ar livre\, obras literárias\, filmes\, designs e intervenções arquitetônicas. LOVE IS CALLING é a maior e mais imersiva e caleidoscópica das Infinity Mirror Rooms da artista. Representando a culminação de suas conquistas artísticas\, ela exemplifica a amplitude de seu vocabulário visual – desde as icônicas bolinhas e esculturas macias até cores brilhantes\, a palavra falada e\, o mais importante\, reflexões infinitas e a ilusão de espaço. A sala espelhada e escurecida é iluminada por formas infláveis parecidas com tentáculos – cobertas pelas características bolinhas da artista – que se estendem do chão ao teto\, mudando gradualmente de cor. À medida que os visitantes atravessam a instalação\, uma gravação de áudio de Kusama recitando um poema de amor em japonês toca continuamente. Escrito pela artista\, o título do poema se traduz como “Residing in a Castle of Shed Tears”. Explorando temas duradouros como a vida e a morte\, o poema expressa de maneira comovente a esperança de Kusama em espalhar uma mensagem universal de amor por meio de sua arte.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Marcela Cantuária no Pérez Art Museum
DESCRIPTION:O trabalho de Marcela Cantuária (1991\, Rio de Janeiro; mora no Rio de Janeiro) retrata frequentemente figuras femininas que navegam fronteiras regionais\, internacionais e sociais. Muitas vezes destacando símbolos do tarô e da astrologia\, assim como temas que refletem o ativismo político e ambiental na América Latina\, ela tece narrativas de esferas sociais\, associações políticas e desejos etéreos. As obras vívidas e coloridas de Cantuária são provas de sua versatilidade e investigações através de vários meios e técnicas\, incluindo pintura\, têxtil e cerâmica. The South American Dream é a primeira exposição individual da artista nos Estados Unidos e apresenta todas as obras recém-comissionadas pelo museu. Nessa instalação de pintura\, Cantuária convida o espectador a considerar a natureza desses sonhos. Explorada dentro das três principais pinturas\, são destaques das obras as narrativas de ativistas críticos e ambientalistas da América do Sul que perseguiram seus sonhos através da resistência e da luta por seus países e terras\, incluindo figuras como Chico Mendes\, Dorothy Stang\, Maria do Espírito Santo da Silva\, Túpac Amaru e Juana Azurduy de Padilla\, entre outras. Enquanto suas pesquisas destacam onde se encontram lutas e injustiças\, suas pinturas apontam para a beleza da luta que muitas vezes persiste nessas histórias; assim\, as pinturas se tornam monumentos para figuras icônicas da América do Sul que\, apesar dos perigos e probabilidades devastadoras\, lutaram por suas visões. Em The South American Dream\, Cantuária eleva e revive essas histórias\, ideais e batalhas\, compartilhando com os espectadores a riqueza dos recursos naturais sul-americanos que tantos lutam para proteger.
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LOCATION:Pérez Art Museum\, 1103 Biscayne Blvd Downtown Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Madeleine Hunt-Ehrlich no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Madeleine Hunt-Ehrlich (nascida em 1987) é uma cineasta e artista cujo trabalho mescla tradições narrativas e documentais para explorar histórias e experiências de mulheres negras nas Américas. A obra narrativa experimental de Hunt-Ehrlich\, intitulada Too Bright to See (Parte I)\, baseia-se em sua extensa pesquisa sobre o legado de Suzanne Roussi-Césaire\, escritora e ativista anticolonialista e feminista da Martinica\, que\, juntamente com seu marido\, Aimé Césaire\, esteve na vanguarda do movimento Négritude durante a primeira metade do século XX. Roussi-Césaire também se tornaria uma importante pensadora surrealista\, influenciando artistas como o pintor Wifredo Lam e o escritor André Breton. No entanto\, apesar de suas contribuições críticas para o pensamento caribenho e o discurso surrealista\, grande parte de seu trabalho foi negligenciado até recentemente. Too Bright to See (Parte I) entrelaça materiais de arquivo com cenas narrativas cinematográficas filmadas com um elenco não convencional e contemporâneo. Inspirando-se nas estéticas caribenhas e nas obras surrealistas\, esta instalação cinematográfica chama a atenção para aspectos inéditos do legado de Roussi-Césaire que estão ausentes do âmbito público\, ao mesmo tempo em que aborda a questão mais ampla do apagamento contínuo das mulheres dos relatos históricos.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Joan Didion: What She Means" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Organizado pelo aclamado escritor e colaborador da revista New Yorker\, Hilton Als\, a exposição apresenta aproximadamente cinquenta artistas\, incluindo Betye Saar\, Vija Celmins\, Felix Gonzalez-Torres\, Maren Hassinger\, Silke Otto-Knapp\, Ana Mendieta e Pat Steir\, entre muitos outros. Os mais de 200 objetos e obras de arte incluem relíquias de família\, pinturas\, efêmeros\, fotografias\, esculturas\, vídeos e cenas de vários filmes para os quais Didion escreveu roteiros. Joan Didion: What She Means segue uma cronologia que aborda a evolução simultaneamente pessoal e distante da voz de Didion como escritora e pioneira do Novo Jornalismo\, com ênfase na subjetividade e crítica do poder. A exposição acompanha de perto sua vida de acordo com os lugares que ela chamou de lar e é organizada em capítulos cronológicos: Sacramento\, Berkeley (1934–1956); Goodbye to All That: New York (1956–1963); The White Album: California\, Hawai‘i (1964–1988); e o capítulo final\, Sentimental Journeys: New York\, Miami\, San Salvador (1988–2021).
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Big World: Alternative Landscapes in the Modern Era" no The Wolfsonian
DESCRIPTION:The Big World\, concentrando-se nas representações da paisagem na coleção do The Wolfsonian\, desafia as expectativas da arte paisagística ao ir além de cenas bucólicas para revelar vistas em transformação da era moderna representadas em pinturas\, artes decorativas e até mesmo em um grande piano. A exposição traça um curso desde o final do século XIX até a primeira metade do século XX\, apresentando a história do crescimento global e das ideias em evolução sobre o mundo ao nosso redor — desde a natureza intocada até sua alteração radical nos centros urbanos e industriais modernos\, até panoramas arruinados pela guerra e pelo desrespeito ambiental.
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LOCATION:The Wolfsonian\, 1001 Washington Avenue\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nam June Paik: The Miami Years" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:A partir de quarta-feira\, 4 de outubro de 2023\, até 16 de agosto de 2024\, o Museu de Arte Bass apresenta “Nam June Paik: Os Anos de Miami”\, uma nova exposição com obras do artista visual coreano-americano que exploram sua conexão com Miami Beach e a comunidade circundante do sul da Flórida. \n\n\n\nNam June Paik (nascido em 1932\, Seul; falecido em 2006\, Miami Beach) foi um pioneiro no desenvolvimento de imagens em movimento eletrônicas e composições digitalizadas como forma de expressão criativa. Creditado por originar o termo “superestrada eletrônica” em 1974\, as obras complexas de Paik demonstraram enorme presciência para a influência e proliferação de mídias digitais como meio artístico\, a expansão global de redes sociais e a crescente interligação entre a vida moderna e a tecnologia. \n\n\n\nOrganizada em torno da recente aquisição de TV Cello (2003) pelo Bass\, “Nam June Paik: Os Anos de Miami” oferece uma análise detalhada da conexão do artista com Miami. A exposição revela a pouco conhecida história da vida do artista em Miami Beach\, explorando as formas inovadoras que ele usou para se comunicar e empregar tecnologias de mídia em seu trabalho. \n\n\n\nNo início da década de 1990\, os visitantes do Aeroporto Internacional de Miami tiveram a oportunidade de encontrar duas instalações esculturais extraordinárias de Paik. WING\, localizada no saguão do Concourse B\, saudava os espectadores com quase 100 monitores de televisão montados em uma estrutura em forma de biplano\, iluminada por um quadro de néon\, pontuada por uma hélice. MIAMI\, em frente às portas de saída da alfândega no saguão do Concourse E\, apresentava 74 monitores dispostos para soletrar M-I-A-M-I em letras maiúsculas. \n\n\n\nEm ambas as obras\, as telas de TV apresentavam um fluxo hipnotizante de imagens icônicas do sul da Flórida\, intercaladas com vislumbres reconhecíveis de todo o mundo: palmeiras\, flamingos\, banhistas na praia\, congestionamentos de tráfego\, templos budistas\, terra derretida\, barcos à vela e moléculas. Milhares de imagens\, juntamente com a forma única de “pintura eletrônica” de Paik\, combinavam-se em uma cacofonia dinâmica diante dos olhos dos viajantes. \n\n\n\nEncomendadas em 1985 pelo Miami-Dade Art in Public Places Trust\, WING e MIAMI foram dedicadas em 29 de novembro de 1990. Embora Paik tenha feito de Miami Beach sua casa até sua morte em 2006\, no final da década de 1990\, WING e MIAMI não estavam mais em exibição pública. \n\n\n\nCom pesquisas originais sobre Paik e o sul da Flórida\, incluindo um relato cronológico da criação e exibição de WING e MIAMI\, “Nam June Paik: Os Anos de Miami” oferecerá novas perspectivas sobre o envolvimento pessoal do aclamado artista com nossa região. \n\n\n\nA exposição também incluirá “Notations”\, performances de artistas contemporâneos cujas práticas se envolvem e ampliam o uso experimental de tecnologia encontrado no trabalho de Nam June Paik. A primeira apresentação de “Notations” contará com o MyFi Studio no “Third Thursdays” no The Bass em 19 de outubro.
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LOCATION:The Bass Museum of Art\, 2100 Collins Ave City Center\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Temporada de exposições na The Margulies Collection at the WAREhOUSE
DESCRIPTION:Nesta temporada a Margulies Collection apresentam seis exposições notáveis simultâneas em seu espaço: Motherwell\, Segal\, Stella\, destaca obras fundamentais de três dos mais destacados artistas americanos da segunda metade do século XX; Helen Levitt New York Street Photographer 1930s and 1940 apresenta 176 fotografias dos arquivos da Margulies Collection da mestra fotógrafa de rua Helen Levitt; Mimmo Paladino: Painting and Sculpture uma exposição solo de nove pinturas e esculturas em bronze do artista\, que abrangem de 1990 a 2022; Only Sculpture: Bladen\, Fabro\, Heizer\, Noguchi\, Perlman\, Merz\, Serra\, Tony Smith\, Snelson\, Tucker\, Franz West apresenta nove esculturas de grande porte\, abrangendo o período de 1965 a 2022; New to the Collection é um espaço reservado no Warehouse dedicado ao trabalho de artistas jovens e inovadores recentemente adquiridos na coleção; Danny Lyon: 100 Photographs apresenta 118 obras de Danny Lyon de suas séries mais notáveis e famosas\, incluindo seu trabalho em seis prisões do Texas e seu tempo com motociclistas do meio-oeste americano no final da década de 1960\, respectivamente\, Conversations with the Dead e The Bikeriders.
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LOCATION:The Margulies Collection at the WAREhOUSE\, 591 NW 27th St Wynwood Art District\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"BOUNCE" na Oolite Arts
DESCRIPTION:BOUNCE marca a estreia de Storm Ascher como curadora em Miami\, apresentando uma fusão dinâmica de artistas residentes da Oolite junto a colaboradores internacionais renomados de sua galeria e empreendimentos curatoriais. Esta mostra evocativa gira em torno do catalisador temático BOUNCE\, inspirando uma ampla gama de interpretações dos artistas participantes. \n\n\n\n“A essência fundamental de Bounce impregna a exposição com uma vibração eletrizante\, evocando noções de cinética\, onde objetos estáticos ganham vida em movimento\, ao mesmo tempo em que mergulha profundamente nas implicações culturais profundas que a palavra carrega\, intimamente ligadas à vibrante história multicultural de Miami.” – Storm Ascher
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LOCATION:Oolite Arts\, 924 Lincoln Road\, 2nd Floor\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jamea Richmond-Edwards: Ancient Future" no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Ancient Future apresenta a pesquisa multidimensional de Jamea Richmond-Edwards no afrofuturismo e nas mitologias negras\, exibindo suas vibrantes pinturas\, explorações cinematográficas e instalações imersivas características. A exposição introduz uma obra em vídeo que entrelaça suas experiências com bandas marciais de universidades historicamente negras (HBCU) e apresentações de majorettes\, complementada por uma trilha sonora de seu filho\, um emergente músico de jazz. No centro da exposição está uma pintura monumental que mescla egiptologia e referências bíblicas\, apresentando a guardiã cósmica\, a deusa egípcia Nut. \n\n\n\nPovoada por fantasia e autorretratos\, Ancient Future instiga os espectadores a imaginar um mundo sem opressão\, questionando quem poderíamos nos tornar em tal universo. Para Richmond-Edwards\, esta exposição projeta um futuro luminoso construído sobre a energia de nosso passado e presente.
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SUMMARY:"Juan Francisco Elso: Por América" no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Juan Francisco Elso: Por América oferece uma retrospectiva cativante da breve\, mas significativa\, carreira do falecido artista cubano. A exposição apresenta mais de 70 obras de Juan Francisco Elso e um grupo multigeracional de artistas como Glenn Ligon e Belkis Ayón\, além de introduzir novas comissões de Tiona Nekkia McClodden e Reynier Leyva Novo. “Por América” apresenta a maior retrospectiva da carreira de Elso até o momento\, mostrando a evolução de sua prática\, desde suas experimentações com novos materiais até a incorporação de tradições indígenas\, crenças afro-caribenhas e perspectivas pós-coloniais. \n\n\n\nArtistas nesta exposição incluem: \n\n\n\nBelkis Ayón. José Bedia. Ricardo Brey. Tania Bruguera. María Magdalena Campos-Pons. Luis Camnitzer. Los Carpinteros (Alexandre Arrechea\, Marco Castillo e Dagoberto Rodriguez). Albert Chong. Papo Colo (Francisco Colón Quintero). Maria de los Angeles Rodriguez Jiménez. Jimmie Durham. Melvin Edwards. Carlos Estevez. Scherezade García. Silvia Gruner. Karlo Andrei Ibarra. Graciela Iturbide. Magali Lara. Reynier Leyva Novo. Kcho (Alexis Leyva Machado). Glenn Ligon. Rogelio López Marin (GORY). Ana Mendieta. Lorraine O’Grady. Marta María Pérez Bravo. Gustavo Pérez-Monzón. Michael Richards. Alison Saar. Leandro Soto. Renée Stout. Gerardo Suter. Ruben Torres Llorca. Tiona Nekkia McClodden.
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SUMMARY:"To Weave the Sky: Textile Abstractions" no El Espacio 23
DESCRIPTION:To Weave the Sky: Textile Abstractions da Coleção Jorge M. Pérez celebra inúmeras obras têxteis da coleção Pérez – muitas das quais nunca foram exibidas publicamente antes – e utiliza essas aquisições como pontos focais para estruturar diálogos criativos com obras apresentadas em outras mídias. Apresentando trabalhos de mais de 100 artistas intergeracionais de todo o mundo\, To Weave the Sky é inspirado nos laços tradicionais do tecer com a abstração e geometria\, paisagem e orgânico\, tato e intimidade\, e cosmologias e rituais indígenas. Curada por Tobias Ostrander em estreita colaboração com os curadores da Coleção Pérez\, Patricia M. Hanna e Anelys Alvarez\, a exposição tenta desvendar a fascinação contemporânea com o meio – um que historicamente foi marginalizado para o gênero de artesanato dentro do contexto da arte ocidental.
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SUMMARY:"Charles Gaines: 1992–2023" no ICA Miami
DESCRIPTION:Reconhecido como um pioneiro da arte conceitual\, Gaines esteve na vanguarda da introdução de linguagem e sistemas na produção artística por décadas. Ele é amplamente conhecido por seu uso de mecanismos de tradução para converter imagens e documentos em estruturas numéricas\, notação musical e outros sistemas de sinalização. A exposição do ICA Miami destaca uma mudança fundamental na prática de Gaines durante a segunda metade de sua carreira\, na qual seu trabalho adquire uma dimensão política e social ainda maior\, incorporando materiais ricos em significado cultural preexistente. Entre esses materiais estão o manifesto dos Panteras Negras\, bem como textos de Franz Kafka e Frantz Fanon\, que foram canalizados pelo artista em obras formais e conceituais complexas. Essa abordagem radical permitiu a Gaines abordar as questões de raça e política de identidade de maneiras inovadoras que vão além da representação. Simultaneamente\, Gaines começou a combinar diferentes mídias\, incluindo vídeo e som\, em suas obras. \n\n\n\nA exposição do ICA Miami reúne\, pela primeira vez\, diversas obras monumentais e séries que demonstram a evolução da abordagem de Gaines ao combinar uma variedade de materiais – eletrônicos\, madeira\, acrílico\, fotografias – e transformá-los em uma linguagem visual distinta. Entre elas está uma peça monumental que está sendo recriada por Gaines pela primeira vez em vinte anos: Greenhouse (2003–2023) é uma enorme estrutura escultural de aproximadamente 3\,6 por 4\,8 metros em que condições atmosféricas simuladas associadas às mudanças climáticas são conflacionadas com visualizações de dados de mudanças de temperatura registradas em todo o mundo desde o século XV até o presente. Outra obra em grande escala\, Falling Rock (2000–2023)\, é uma escultura em que um pedaço de granito de 65 libras cai de maneira aleatória e súbita\, criando resultados inesperados para o espectador a cada vez. O artista está recriando essas obras importantes especificamente para a exposição do ICA Miami.
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SUMMARY:Tau Lewis no ICA Miami
DESCRIPTION:Usando tecidos e objetos encontrados\, herdados e de segunda mão\, Lewis contempla as histórias afetivas de seus materiais. Durante esses processos de transformação\, histórias e vozes díspares são resgatadas das fibras; em massa\, elas impregnam as formas de Lewis com potência e vida. \n\n\n\nA nova escultura da artista\, intitulada The cure will be completed in my body\, silence your spirit to let me reach you\, my skin will secrete angels and you will have forgotten and forgiven all (2023)\, evoca um mundo mítico de sua própria criação. Lewis cria em iterações\, concebendo suas séries de trabalhos de forma semelhante a capítulos espalhados por diferentes volumes. A mais recente exploração da Saint Mozelle de Lewis — que ela descreve como uma divindade tutelar — forma o centro da instalação e transborda com flores que se transformam e outras pequenas formas de vida. Os materiais\, incluindo joias encontradas\, retalhos de couro\, peles de tambor\, dentes e outros talismãs\, carregam atributos únicos e mistérios além do que o olho pode ver\, assim como o espírito de Mozelle em si. \n\n\n\nTau Lewis (n. 1993\, Toronto) teve exposições individuais recentes em 52 Walker\, Nova York (2022); Galeria Nacional do Canadá\, Ottawa (2021); e Oakville Galleries\, Ontário (2020). Seu trabalho foi destaque em exposições de prestígio\, incluindo a Bienal de Veneza: “O Leite dos Sonhos” (2022). O trabalho de Lewis está presente em coleções do Metropolitan Museum of Art\, Coleção da Biblioteca\, Nova York; Galeria Nacional do Canadá\, Ottawa; Instituto de Arte Contemporânea\, Miami; Hammer Museum\, Los Angeles; entre muitos outros. Lewis vive e trabalha no Brooklyn. \n\n\n\nInaugurado em 2019\, o Prêmio Ezratti Family de Escultura é concedido pelo ICA Miami a um artista vivo em reconhecimento às suas contribuições excepcionais na escultura e apoia a criação de uma nova comissão. Construindo sobre a história do museu de encomendar e apresentar novas obras\, o prêmio reflete o compromisso contínuo do ICA Miami em promover a experimentação na prática artística e fornecer uma plataforma internacional para vozes influentes na arte contemporânea. Recipientes anteriores do Prêmio Ezratti de Escultura incluem Chakaia Booker\, Damián Ortega e Robert Grosvenor.
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SUMMARY:"In Spiritual Light" na Mindy Solomon Gallery
DESCRIPTION:A exposição coletiva In Spiritual Light explora a essência da criação e a força que impulsiona os artistas a criar. Inspirada na ideia de uma paz interior\, descrita por Black Elk\, que surge quando percebemos nossa conexão com o universo e o Grande Espírito\, a mostra reflete sobre o desenvolvimento humano na criação de imagens\, desde os primeiros rabiscos até a simbologia mais complexa. O artista\, ao ver o mundo através de uma lente esotérica\, busca capturar a energia única de momentos no tempo de maneira permanente. A compulsão para criar é apresentada como um ato divino\, elevando nossa posição no universo e promovendo diálogos entre diversas populações em busca de respostas sobre o significado da existência.
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SUMMARY:"Social Assembly: Welcome to the Museum" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Haegue Yang\, Coordinates of Speculative Solidarity\, 2019. Foto: Zachary Balber. Imagem: Cortesia The Bass Miami Beach\n\n\n\nO Bass convida você a repensar como interagimos e aprendemos com a arte — e uns com os outros — em um ambiente de museu com nossa mais recente iniciativa Social Assembly: Welcome to the Museum\, em exibição de 3 de dezembro de 2023 a 1 de setembro de 2024. \n\n\n\nEsta exposição multifacetada e programa flexível é realizada na Galeria Harrison do Bass\, coincidindo com a recente descoberta das janelas originais da galeria. Assim como essas janelas restauradas proporcionam vistas amplas para o Collins Park\, permitindo transparência entre espaços internos e externos\, a Social Assembly oferece ao público maiores oportunidades de se reunir de forma informal e mais frequente com a arte. Seja encontrando amigos\, lendo livros\, assistindo vídeos\, tomando café ou ouvindo música — todas maneiras dos visitantes relaxarem\, se refrescarem e se reagruparem — essas atividades de museu reimaginadas já estão em andamento como parte de uma experiência de exposição. \n\n\n\nDentro da Social Assembly\, Exploded View: Coconut (2023)\, uma instalação do artista e designer baseado em Miami\, Emmett Moore\, inclui mesas\, assentos e um bar\, convidando os visitantes a permanecerem e aproveitarem casualmente o museu. A peça de Moore se entrelaça com outras da coleção permanente do Bass\, cada obra selecionada por sua capacidade de equilibrar as características de objeto de arte e mobiliário funcional. O objetivo é oferecer aos visitantes do museu maior autonomia para decidir como desejam se reunir nos espaços do Bass\, em seus próprios termos. \n\n\n\nComo pano de fundo para a cena social da exposição\, as Coordinates of Speculative Solidarity de Haegue Yang consideram as condições e pressões recentes das mudanças climáticas\, visualizando pesquisas meteorológicas e dados climáticos de Miami Beach em um colagem digital do chão ao teto que se estende por quarenta e cinco pés. Este “papel de parede” único abstrai infográficos\, fotos de satélite e diagramas\, refletindo sobre o clima e as circunstâncias relacionadas às mudanças climáticas como um agente de ligação social. Como o trabalho de Yang sugere\, o clima une as pessoas inconscientemente por meio de uma determinação compartilhada de enfrentar um desafio e reagir em solidariedade. \n\n\n\nAo longo do ano\, a Social Assembly mescla arte\, design e arquitetura\, combinando as funções e estéticas de um lounge\, bar de café\, café\, interior doméstico e galeria de arte para explorar as muitas possibilidades de se reunir em torno da arte contemporânea e das ideias que ela inspira. Nesse espírito: Welcome to the Museum.
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SUMMARY:Alejandro Piñeiro Bello no Rubell Museum
DESCRIPTION:O artista nascido em Havana e baseado em Miami\, Piñeiro Bello\, concentra sua prática na diáspora caribenha\, em Cuba\, e nas identidades culturais\, imagens e história das ilhas circundantes. Ele pinta o esplendor místico sociocultural da cultura caribenha usando materiais tradicionais\, como óleo sobre linho cru ou juta\, e trabalha com uma paleta de cores vibrante para criar imagens que capturam a fertilidade da região.
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LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Basil Kincaid: Spirit in the Gift" no Rubell Museum
DESCRIPTION:A prática pós-disciplinar de Basil Kincaid\, um artista nascido em St. Louis que divide seu tempo entre os EUA e a África\, examina as relações entre ancestralidade\, lugar e a construção contemporânea do eu. Ao longo de seu trabalho\, Kincaid incorpora quilting\, colagem\, fotografia\, instalação\, performance e o uso de materiais encontrados.
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SUMMARY:"Katie Stout: Olympia" na Nina Johnson Gallery
DESCRIPTION:Nina Johnson apresenta Olympia\, uma exposição individual com obras completamente novas da artista e designer baseada em Nova York\, Katie Stout\, que será inaugurada em 4 de dezembro na Front Gallery. A exposição é a quarta mostra individual de Stout na galeria e a mais ambiciosa até o momento\, marcando uma nova era para a artista. Inspiradas por desenvolvimentos pessoais em sua vida – incluindo a mudança da artista de Nova York para o campo no estado de Nova York e o nascimento de sua primeira filha\, Olympia – as obras na exposição englobam peças de bronze\, vidro e cerâmica produzidas em uma escala sem precedentes\, juntamente com uma série de aquarelas inéditas. \n\n\n\nStout é conhecida por sua estética singular\, frequentemente caracterizada por padrões florais ousados e povoada por figuras femininas em tamanho real de argila segurando abajures sobre suas cabeças. Seu trabalho como artista e designer navega entre o utilitário e o abstrato\, investigando de maneira irônica temas de forma\, função e o que é tradicionalmente considerado feminino. Em Olympia\, os espectadores podem esperar ver uma mudança nos personagens em destaque: criaturas frequentemente encontradas no norte do estado de Nova York\, como sapos\, e cães revigorados com referências a venenos e poder naturais\, fertilidade e maternidade\, potencial e sorte. \n\n\n\nEsta exposição enfatiza a forma do recipiente\, apresentando estruturas coloridas que misturam metal\, resina e papel machê em uma exploração que a artista iniciou enquanto estava grávida\, vendo a si mesma como um recipiente para outra vida. Os vasos e jarros em exibição são acompanhados por móveis funcionais\, incluindo luminárias de cães e candelabros. Muitas obras em exibição utilizam uma nova técnica na qual a artista se baseia em móveis de vime da era vitoriana como ponto de partida para cerâmicas e\, em seguida\, queima a peça inteira para construir uma réplica fantasmagórica do objeto original. \n\n\n\nDestaque na exposição são 20 novas aquarelas\, uma inspiração de longa data na prática de Katie (nunca exibidas anteriormente)\, muitas das quais fazem referência direta a obras esculturais na exposição.
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LOCATION:Nina Johnson Gallery\, 6315 NW 2nd Ave\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Yasue Maetake: Three-Legged Idols" na Nina Johnson Gallery
DESCRIPTION:Nina Johnson apresenta Three-Legged Idols\, uma exposição individual de novas esculturas em técnicas mistas da artista Yasue Maetake\, com base em Nova York\, que será inaugurada em 4 de dezembro na Exhibition Library. A exposição destaca a habilidade de Maetake em fundir vários materiais\, incluindo ossos de animais\, conchas\, coral\, resina\, metal e vidro\, para criar formas abstratas que evocam elementos arquetípicos antigos e estéticas futuristas. \n\n\n\nCom Three-Legged Idols\, a artista explora a arte funcional e o propósito fundamental de um tripé – desde seu uso em civilizações antigas como elementos decorativos e troféus\, até sua evolução para ferramentas modernas\, como telescópios e câmeras estacionárias. Evitando a consistência de materiais e\, em vez disso\, destacando uma forma de armadura\, a exposição adentra um território artístico inexplorado\, com Maetake explorando mais profundamente do que nunca os limites das intricadas questões físicas e técnicas. Ao enfatizar a postura da estrutura\, Maetake retrata um espaço liminar – o purgatório entre o estilo de vida sedentário da humanidade e a conexão física com a Terra – e seu anseio simultâneo pelo celestial e um futuro especulativo. \n\n\n\nIncorporando um ponto de vista animista\, as obras em Three-Legged Idols se manifestam como peças abstratas elegantemente projetadas\, inspiradas em mitos\, no mundo natural\, nas experiências humanas e nas estéticas e tradições japonesas tradicionais. Os títulos das obras\, que estão em inglês e japonês\, alinham-se verbalmente com as associações visuais e linguísticas inspiradas nas peças feitas pela artista. Para a maior obra da mostra\, Primordial Soup – uma formação semelhante a uma pedra com 1\,52 metros de altura composta de ossos de animais\, fósseis\, vidro do mar e quartzo – a artista busca em suas memórias mais profundas para ilustrar formas de vida primordiais convergindo em um lago derretido. Outra peça\, 神楽 [kagura]\, expressa uma figura de corpo cercada por uma forma semelhante a uma cobra feita de madeira entalhada. Ao contrário de outras peças na mostra\, a armadura de tripé desta obra mantém a superfície bruta da árvore\, indicando a montagem de algo com aparência áspera. Outra peça intitulada 鍾乳洞[shōsnyūdō] é inspirada em O-mikuji\, uma prática customária japonesa que utiliza tiras de papel dobradas amarradas em pinheiros para criar um santuário. A obra é enfatizada verticalmente e usa alumínio para criar o efeito de blocos de gelo suavemente tombando ao longo de linhas eretas.
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SUMMARY:"Masters of Self-Taught Art" na Nina Johnson Gallery
DESCRIPTION:Nina Johnson tem o prazer de apresentar Masters of Self-Taught Art\, uma exposição coletiva com mais de sessenta objetos extraordinários dos últimos cem anos\, com curadoria do revolucionário negociante de arte John Ollman. Inaugurando em 4 de dezembro na Upstairs Gallery\, a exposição inclui desenhos\, pinturas e esculturas – muitas das quais não foram expostas em Miami – criadas por artistas amplamente considerados “mestres” do gênero autodidata americano. Entre os artistas participantes estão Peter Attie Besharo\, David Butler\, Dorothy F. Foster\, Lee Godie\, William Hawkins\, Frank Jones\, Elijah Pierce e Eugene Von Bruenchenhein\, e Joseph Yoakum\, entre outros. \n\n\n\nComo artista e negociante\, John Ollman possui uma extensa expertise em arte além do mainstream\, incluindo arte folclórica\, africana\, oceânica\, pré-colombiana e nativa americana\, juntamente com a vanguarda europeia e americana. Sua galeria baseada na Filadélfia\, Fleisher Ollman\, é uma fonte global de arte autodidata\, desempenhando um papel definidor na formação desse campo e contribuindo significativamente para a formação de importantes coleções de arte públicas e privadas. Ao trabalhar para ampliar a visão do que significa a arte autodidata no espaço contemporâneo\, ele também exibiu trabalhos de artistas vivos de programas de estúdio para pessoas com deficiência de desenvolvimento na área de Filadélfia. \n\n\n\nDispostas estilo salão na galeria\, as obras em Masters of Self-Taught Art são selecionadas por sua importância histórica\, incluindo peças da era pré-Segunda Guerra Mundial. A exposição destaca artistas seminais no campo – muitos dos quais foram objeto de recentes exposições em museus e foram incluídos na inovadora exposição de Lynne Cook\, Outliers and American Vanguard Art\, na National Gallery of Art em Washington\, DC. \n\n\n\nEntre os artistas em destaque estão Bill Traylor\, nascido como escravizado em 1853; William Edmondson\, o primeiro afro-americano a expor em um grande museu em 1937 no MoMA; e conclui com artistas mais recentemente descobertos\, como Felipe Jesus Consalvos\, um artista cubano conhecido por colagens habilmente elaboradas que foram encontradas duas décadas após sua morte. Apresentações adicionais de destaque incluem obras de James Castle (1899-1977)\, Martín Ramírez (1895-1963) e Joseph Yoakum (1890-1972). \n\n\n\nNascido surdo e acreditava-se que nunca aprendeu a ler\, escrever ou sinalizar\, James Castle criava livros\, construções e desenhos na fazenda de seus pais em Idaho. Conhecido por suas paisagens e interiores profundos desenhados principalmente com fuligem misturada à saliva do artista em papel\, Castle também encontrava inspiração em imagens da cultura popular\, como desenhos animados\, anúncios impressos e detritos de consumo. \n\n\n\nOs desenhos intricados do artista mexicano Martín Ramírez estão entre as maiores realizações da arte vernacular americana\, mesclando iconografia religiosa em espaços surreais para evocar a paisagem de sua terra natal\, bem como temas de pobreza\, alienação e memória. Em 1925\, Ramírez emigrou para os Estados Unidos e foi preso por razões ainda não esclarecidas. Pouco depois\, foi diagnosticado com esquizofrenia catatônica e foi internado no Hospital Estadual DeWitt\, onde criou as 450 obras que compõem seu corpo conhecido de trabalho. \n\n\n\nReconhecido por suas paisagens fantasiosas e ricas\, Joseph Yoakum iniciou a maioria de suas obras conhecidas durante a última década de sua vida. Baseando-se em memórias antigas\, Yoakum reflete sobre o tempo gasto quando jovem viajando em circos\, como soldado no Exército dos Estados Unidos durante a Primeira Guerra Mundial\, como andarilho ferroviário\, e como clandestino e estivador na Ásia e Austrália.
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SUMMARY:"My Bones To Blossom" de Barnaby Whitfield no Spinello Projects
DESCRIPTION:A Spinello Projects apresenta My Bones To Blossom\, a estreia da exposição individual na galeria pelo pintor baseado no Brooklyn\, Barnaby Whitfield. \n\n\n\nMy Bones To Blossom é profundamente informada pela sabedoria e prática de Barnaby Whitfield em permacultura\, o estudo de sistemas autossustentáveis que integram o ecossistema e a agricultura para a geração de recursos abundantes. Ele utiliza as ideias de permacultura social para construir mundos por meio da pintura\, criando espaços para que a comunidade queer e a natureza coexistam e se representem\, trocando significado e verdade entre si. Whitfield utiliza a história e o naturalismo para infundir significado no uso sutil de simbolismo em sua pintura. \n\n\n\nVestido com uma inquietação histérica sob a aparência de pintura de gênero\, o mundo cuidadosamente construído de Whitfield é habitado por fazendeiros regenerativos queer\, corajosamente corpulentos\, cujas práticas sustentáveis e sistemas de jardinagem em circuito fechado criam autonomia em relação ao mundo exterior. Neste mundo\, Whitfield é um personagem pintando ao ar livre\, onde o falo é uma paisagem expansiva\, a fruta Paw Paw é moeda e os dióspiros bletted (derivado do francês poire blette\, que significa ‘pêra muito madura’) podem\, em sua plenitude\, atuar como uma metáfora para corpos gays levados a extremos de alegria\, exploração e aceitação – assim como o processo de amolecer frutas carnudas pode ir além do amadurecimento para apodrecer e se tornar doce. Esta será a primeira exposição individual de Whitfield em sua cidade natal\, Miami.
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SUMMARY:"Do You Remember? — Feeling\, Queerness\, Exile" de Giorgio Celin no Spinello Projects
DESCRIPTION:A Spinello Projects apresenta Do You Remember? — Feeling\, Queerness\, Exile\, a estreia da exposição individual na galeria pelo artista com base em Barcelona\, Giorgio Celin. \n\n\n\nDo You Remember? — Feeling\, Queerness\, Exile é uma continuação da trajetória de Celin ao interpretar o queer através da figura do migrante. Celin transmuta para a pintura a realidade fenomenológica de ser queer\, utilizando o arquétipo do migrante como uma variante de queeridade\, sobrepondo e expondo a mistura de sentimentos dentro da identidade nacional e cultural\, bem como nas relações familiares e românticas. \n\n\n\nO título faz uma leve referência ao ato de se apaixonar e ao rompimento de um relacionamento. Por outro lado\, captura a sensação de perda sentida por pessoas que deixam seus países de origem\, seja voluntariamente ou à força. Essa perda muitas vezes é romantizada nos corações e mentes de exilados e imigrantes\, criando uma fantasia nostálgica sobre o lugar que deixaram. É esse sentimento que Celin habilmente destaca em suas pinturas\, seja de forma evidente através de imagens de amantes e amigos ou através dos menores detalhes que preenchem as histórias dessas pinturas. O processo de lembrar está entrelaçado com o processo de Celin\, à medida que ele se baseia em suas próprias experiências como um imigrante gay para criar esse conjunto de obras. As pinturas de Celin retratam pessoas lânguidas\, fluidas e belas\, que parecem distantes e ansiando. Esses sujeitos compartilham espaço\, seus corpos e sensações de inquietação pós-colonial. Eles buscam pertencer\, encontrando-se nas casas noturnas e quartos que povoam as cidades.
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LOCATION:Spinello Projects\, 2930 NW 7 Ave.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hernan Bas: The Conceptualists" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:O The Bass anuncia Hernan Bas: The Conceptualists\, em exibição a partir de 4 de dezembro de 2023 até 5 de maio de 2024\, uma exposição de pinturas que exploram a arte conceitual como um domínio permissivo para o comportamento criativo e um espaço convidativo para a queerness. \n\n\n\nHernan Bas: The Conceptualists apresenta 35 pinturas\, muitas delas nunca antes expostas em museus\, incluindo a maior tela do artista até o momento\, medindo cerca de 2\,7 por 6\,4 metros. \n\n\n\nEm suas pinturas\, desenhos e instalações\, o artista baseado em Miami\, Hernan Bas (nascido em 1978)\, cria cenas intricadamente detalhadas que convidam os espectadores a decifrar um número surpreendente de referências visuais. Suas obras frequentemente envolvem um único homem ou grupo de figuras masculinas em momentos de estase\, em introspecção aparente ou repouso absoluto. Toda ação que cerca o personagem parece suspensa para o estudo cuidadoso do artista e dos espectadores. \n\n\n\nExplorando fontes literárias\, como a decadência estética e o erotismo queer de escritores do século XIX como Oscar Wilde e Joris-Karl Huysmans\, Bas incorpora pistas visuais em uma variedade de narrativas. Desde poesia\, religião\, mitologia e literatura até as histórias da luta gay\, cultura jovem\, mídia noticiosa e televisão\, as vinhetas detalhadas de Bas fazem referências simbólicas às peculiaridades das identidades culturais. \n\n\n\nEnquanto trabalhos anteriores mostram personagens masculinos vinculados a histórias específicas\, cada pintura em The Conceptualists retrata um protagonista único profundamente envolvido em um passatempo obsessivo e idiossincrático. Os personagens de Bas exercem livremente atividades únicas que dão sustento e significado às suas vidas: esculpir objetos que seguram gelo\, fabricar memoriais de beira de estrada para caronas\, mascar chiclete a cada hora do dia\, ou dourar as folhas de plantas moribundas\, entre outros idílios pessoais. \n\n\n\nAs representações detalhadas de Bas fundamentam comportamentos excêntricos sob a generosa categorização da “arte conceitual”. Essas narrativas são queer\, onde a queerness refere-se não necessariamente à orientação sexual\, mas a um pilar da arte conceitual – uma permissividade incompreensível e um espaço libertador para uma sociedade fundamentada na conformidade.
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SUMMARY:"Anne Duk Hee Jordan: I will always weather with you" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:Anne Duk Hee Jordan\, I will always weather with you\, 2023. Encomendado por The Bass\, cortesia da artista e de alexander levy.\n\n\n\nO Bass anuncia Anne Duk Hee Jordan: I will always weather with you\, que abrirá em 4 de dezembro de 2023 e estará em exibição até 23 de junho de 2024\, uma nova exposição multisensorial em grande escala que usa a tecnologia para examinar a perseverança da vida na Terra diante dos crescentes desafios das mudanças climáticas. \n\n\n\nNascida na Coreia e baseada em Berlim\, a artista Anne Duk Hee Jordan (nascida em 1978) utiliza vídeos\, instalações\, som e objetos cinéticos para criar ambientes envolventes que atraem os visitantes para um diálogo com fenômenos naturais\, tecnologia e arte. I will always weather with you no The Bass é a primeira exposição individual de Jordan nos Estados Unidos. \n\n\n\nAs exposições de construção de mundos imersivos de Jordan combinam humor e brincadeira para explorar a maneira como as máquinas são retratadas na cultura popular\, na mídia\, na televisão e na ficção científica. Ela justapõe percepções românticas de dispositivos com lembretes agudos do efeito adverso da tecnologia na natureza e seu impacto na conexão da humanidade com o planeta Terra. \n\n\n\n“Eu sempre estarei com você” é uma cena multisensorial que corresponde às muitas características do clima. O emaranhado complexo entre natureza e tecnologia tem uma ressonância particular no sul da Flórida e em Miami Beach\, comunidades que experimentam eventos relacionados a tempestades com frequência\, poder e impacto crescentes. \n\n\n\nA exposição será composta por três zonas — ou atmosferas — análogas à experiência terrestre de terra\, água e ar. Entre projeções de vídeo de correntes oceânicas e dados meteorológicos\, os visitantes “entrarão” no clima. Paredes espelhadas criam um ambiente visualmente instável\, refletindo infinitamente cenários para vídeo\, escultura\, som e robótica. Esculturas cinéticas chamativas — “bichos robóticos” — cantam\, dançam e perturbam com rajadas de vento simuladas\, som e neblina. Folhas de radicchio feitas de vidro reciclado e “Teapot” (um personagem que encarna a intensidade crescente de uma tempestade\, de brisa suave a tempestade estrondosa) também têm papéis de apoio na instalação multidimensional. \n\n\n\nI will always weather with you apresenta uma encarnação atmosférica completa do poder e da autoridade do clima. A exposição lembra os espectadores da perseverança inabalável da existência humana e não humana na Terra — organismos vivos inextricavelmente ligados e influenciados por nossas ecologias climáticas radicalmente alteradas. \n\n\n\nAnne Duk Hee Jordan: I will always weather with you faz parte da temporada de 60º aniversário do The Bass de compartilhar arte contemporânea poderosa que excita\, desafia e educa o público\, trazendo novas perspectivas ao contexto cultural diversificado de Miami Beach.
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SUMMARY:"Waterbirds: Migratory Sound Flow" de Tania Candiani no Locust Projects
DESCRIPTION:Locust Projects apresenta Waterbirds: Migratory Sound Flow\, da artista mexicana Tania Candiani. Interessada em linguagem\, som e no pós-vida de tecnologias obsoletas\, Tania Candiani criou dispositivos que traduzem imagens\, formas e palavras em sons e música\, reutilizando teares\, teclados\, máquinas de escrever e outros dispositivos mecânicos antigos para criar instrumentos de vento\, cordas ou percussão. Ela vê esses objetos como interfaces entre “a alma da máquina” e outros tipos de sensibilidades\, incluindo humano\, animal e não-humano\, e muitas vezes faz referência a conhecimentos e histórias ancestrais. \n\n\n\nPara a artista\, esses dispositivos estão em algum lugar entre ficção científica\, tecnologia a vapor da era vitoriana e as mais recentes tecnologias de inteligência artificial e processamento de palavras. \n\n\n\nWaterbirds: Migratory Sound Flow\, originalmente comissionada para a 23ª Bienal de Sydney e com curadoria de José Roca\, é um “rio” suspenso feito com galhos de árvores coletados em uma margem de rio no México\, muitos dos quais também são nativos do sul da Flórida. \n\n\n\nReferido pela artista como um “grande sistema circulatório”\, o percurso dessas aves conecta centenas de corpos d’água mapeados em uma instalação que consiste em uma rede de som\, ar e água. O sistema utiliza reproduções artesanais de aerofones tradicionais pré-hispânicos (ocarinas de argila\, conchas\, flautas de madeira) e\, na Locust Projects\, inclui gravações de campo de aves aquáticas no sul da Flórida para criar um canto contínuo e em constante mudança. \n\n\n\nA enorme forma orgânica suspensa será reimaginada para responder à arquitetura da Locust Projects e refletir os cursos d’água e as espécies de aves aquáticas migratórias dos Everglades e do sul da Flórida. \n\n\n\n“A instalação Waterbirds de Candiani combina poeticamente natureza e tecnologia para refletir sobre migração\, linguagem e ecossistemas entrelaçados por meio do canto dos pássaros”\, disse Lorie Mertes\, diretora executiva da Locust Projects. “Com o sul da Flórida\, especialmente os Everglades\, servindo como uma importante parada na Atlantic Flyway para aves migratórias\, o trabalho de Tania é comoventemente relevante aqui e fornece uma representação visual massiva do caminho das aves.” O projeto explora a ideia de territórios itinerantes por meio do som e da travessia de corpos d’água vivos ligados pelo movimento das aves: cursos d’água que se assemelham a um sistema sanguíneo ou neuronal para refletir metaforicamente sobre migração\, linguagem das aves e ecossistemas. \n\n\n\nVeja outras obras de Tania Candiani em destaque em To Weave the Sky: Textile Abstractions from the Jorge M. Pérez Collection em El Espacio 23 de novembro de 2023 a outubro de 2024. \n\n\n\nO trabalho de Tania também estará em exposição na Art Basel representada pela Galeria Vermelho e pelo Instituto De Visión.
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SUMMARY:"Cornelius Tulloch: Poetics of Place" no Locust Projects
DESCRIPTION:A exposição Poetics of Place é uma instalação imersiva e específica para o local\, ambientada nas ruínas de uma varanda de uma casa em Miami. Ela aborda o futuro distópico resultante da gentrificação climática na cidade\, levantando questões sobre o destino das culturas não preservadas diante dos novos desenvolvimentos. O espaço serve como uma memória cultural de Miami\, explorando histórias sub-representadas e experiências das comunidades locais\, especialmente as comunidades negras em um estágio vulnerável da história. O artista busca dar visibilidade a essas narrativas por meio de projeções\, vídeos e intervenções arquitetônicas\, destacando a importância da identidade cultural no ambiente construído. A exposição é uma homenagem à Miami do passado e um apelo para proteger o futuro das comunidades vulneráveis.
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SUMMARY:"Sasha Gordon: Surrogate Self" no ICA Miami
DESCRIPTION:O ICA Miami apresenta a primeira exposição individual em museu para a artista sediada em Nova York\, Sasha Gordon. As pinturas e desenhos surrealistas criados por Gordon exploram as complexidades da experiência corporal com detalhes deslumbrantes e hiper-realistas. \n\n\n\nFrequentemente se retratando\, Gordon possui uma consciência aguçada dos temas históricos da arte\, como retratos e autorretratos\, bem como das políticas de representação. Ela aborda essas categorias com inventividade\, humor e uma habilidade única para tornar a fantasia real. \n\n\n\nAs imagens de Gordon exploram uma ampla gama de possibilidades emocionais\, enquanto investigam a rica pluralidade de sua identidade como mulher queer asiática-americana. Ao retratar intimidade\, empoderamento\, vulnerabilidade e a forma feminina\, seu trabalho aborda criticamente questões de autoimagem\, preconceito racial\, relacionamentos interpessoais e os impactos psicológicos associados\, ao mesmo tempo em que exibe desconforto. \n\n\n\nEm sua obra mais recente\, incluindo novas pinturas apresentadas no ICA Miami\, Gordon se retrata em um estado de transformação. Ao se tornar animal\, fenômeno botânico e geológico\, Gordon representa o processo de objetificação dos corpos\, enquanto explora experiências pessoais de alienação\, desafiando tabus e padrões de representação. Através desses avatares\, ela retrata a marginalização de corpos humanos não convencionais e examina suas próprias experiências de alienação\, questionando a lógica de certas normas sociais limitantes.
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SUMMARY:"Ahmed Morsi in New York: Elegy of the Sea" no ICA Miami
DESCRIPTION:Uma figura importante no modernismo egípcio e no cânone da arte contemporânea\, o pintor\, poeta e crítico Ahmed Morsi começou a ser reconhecido recentemente no Ocidente. Ahmed Morsi in New York: Elegy of the Sea reúne várias pinturas de 1983 a 2012 que o artista fez em Nova York\, onde ele ainda reside. Morsi amadureceu na década de 1940 e fez parte da Escola de Alexandria\, um movimento cultural fundamental que colocou a cidade egípcia no mapa como uma metrópole emergente no Mediterrâneo no pós-guerra. Quando Morsi chegou a Nova York em 1974\, suas pinturas se transformaram\, adotando uma paisagem lírica azul e solene que evocava sua terra natal à beira-mar\, a cidade portuária de Alexandria. \n\n\n\nNeste corpo distintivo de trabalho\, Morsi cria paisagens surreais e fantásticas habitadas por figuras recorrentes\, reais e imaginárias: peixes fora d’água\, sujeitos andróginos\, cavalos mitológicos\, relógios do tamanho humano e imagens dentro de imagens. Este vocabulário surrealista emerge da experiência de deslocamento de Morsi\, das memórias da cidade e do mar em Alexandria\, e da experiência simultânea de aglomeração e solidão ao viver na diáspora. \n\n\n\nAs cenas marítimas universais de Morsi representam mares múltiplos\, bem como sentimentos de falta de lugar\, repetição e perda. Seu corpo estético reflete uma prática surrealista única egípcia que une o visual e o textual\, onde pintura e poesia estão intimamente conectadas. Elas também refletem concretamente a perda de uma Alexandria que já existiu\, as histórias e memórias que o artista carrega\, e as condições políticas que moldam a vida moderna e contemporânea. O mar de Morsi é um portal para sonhos e um modo de vislumbrar o mundo: elegíaco\, mitológico e sobrenatural. Entrar em contato com Morsi em Nova York é encontrar a influência do mar sobre o material da cidade\, ou\, como Morsi reflete em sua poesia: “O mar secou? / Uma pergunta voltava para mim repetidamente / enquanto eu arrastava meu navio derrotado sobre pedras de asfalto.”
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