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SUMMARY:Hélio Oiticica no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Hélio Oiticica\, um dos artistas mais consagrados do Brasil\, é uma figura importante na história da arte do final do século XX. Estendendo-se desde meados da década de 1950 até a morte do artista\, a trajetória de sua produção começa com pinturas pequenas\, abstrato-geométricas\, e termina em ambientes imersivos carregados de sensações e projetos participativos politicamente carregados. Oiticica criou várias instalações penetráveis\, nas quais o espectador mergulha em cores dentro de ambientes que evocam e celebram as comunidades das favelas do Rio de Janeiro. Penetrável Macaléia (1978) está entre as últimas variações dessa forma concebida por Oiticica. Dedicada a Jards Macalé\, famoso músico que era um querido amigo do artista\, o projeto dessa obra foi inspirado em uma festa épica na casa de Macalé\, descrita vividamente por Oiticica em suas anotações. Luzes de palco iluminavam os artistas nessa estrutura\, cobrindo seus corpos de vermelho\, azul e amarelo. Ao entrar na instalação Penetrável Macaléia\, as telas de malha vermelha\, azul\, amarela e branca brincam sutilmente com a percepção\, lançando cores cintilantes no mundo exterior e dentro dela. Desmaterializando as laterais do objeto\, o efeito se combina com a cativante história por trás da obra para subverter a seriedade pesada e austeridade da arte minimalista e sua forma icônica\, o cubo. Com a adição de cascalho e plantas vivas\, a obra traz de forma lúdica o “mundo real”\, especificamente o Sul Global\, para o espaço asséptico da arte. Penetrável Macaléia funciona brilhantemente tanto dentro quanto fora\, sempre interagindo com seu entorno e seus participantes\, fundindo arte e vida.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Phraseology" no The Bass
DESCRIPTION:Apresentando obras da Coleção The Bass e obras emprestadas\, a exposição Phraseology explora a linguagem na arte moderna e contemporânea. O termo “phraseology” faz referência à escolha específica de palavras que um comunicador\, neste caso o artista\, usa para destacar certos temas. Com o surgimento do movimento da Arte Conceitual na década de 1960\, muitos artistas começaram a criar obras de arte que valorizavam uma ideia ou conceito em detrimento da obra finalizada. Os artistas queriam redefinir o que a arte poderia ser e os temas que ela abordava\, além da estética visual. Em Phraseology\, os artistas mesclam forma e ideia criando obras que contêm texto\, frases familiares e poesia. Também empregam linguagens possíveis de reconhecer\, frases ou slogans que fornecem modos conflitantes de observação para transmitir uma perspectiva nova ou diferente. Ao colocar o texto no papel central de sua prática artística\, os artistas utilizam jogos de palavras\, ativismo político\, subversão da publicidade ou apropriação de forma para revelar\, amplificar e questionar histórias e questões contemporâneas. As obras em Phraseology enfatizam o poder pessoal de expressão por meio do discurso cívico durante um período de aumento do ativismo. Como base da comunicação\, a linguagem dá voz aos pensamentos internos\, conectando os sentimentos de alguém ao mundo exterior. A linguagem constrói textos\, livros\, discursos\, poesia e documentos para facilitar a troca de ideias entre as pessoas\, enquanto circula informações por meio de redes sociais e culturais. Ao longo da história\, os artistas incluíram palavras\, letras e linguagem como elementos em seu trabalho para fazer uma declaração\, despertar emoção ou integrar experiências pessoais em sua obra.
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LOCATION:The Bass Museum of Art\, 2100 Collins Ave City Center\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"You know who you are" no El Espacio 23
DESCRIPTION:A coletiva “You know who you are” apresenta as aquisições recentes de Arte Cubana da Jorge M. Pérez Collection. Após uma significativa doação de arte contemporânea cubana do colecionador ao Pérez Art Museum Miami em 2016\, essa exposição destaca obras adquiridas desde 2017 como parte de uma investigação em andamento que enfoca a arte cubana e da diáspora cubana. Em vez de um levantamento histórico da arte cubana\, a exposição temática reúne mais de cem artistas de diferentes gerações que compartilham experiências coletivas\, mas que ainda assim adotam uma abordagem muito pessoal em sua prática. A mostra é uma declaração de confiança e resistência. No contexto da arte e da cultura cubanas\, conhecer a si mesmo\, ter voz e defender suas crenças é um ato de rebeldia. A história fragmentada da arte cubana tem sido submetida a leituras políticas\, à dicotomia entre o interior e o exterior da ilha e a sua diáspora. Tem sido marcada pela omissão intencional\, pelo esquecimento histórico de artistas talentosos cujo exílio forçado ou voluntário os extraiu do continuum histórico da nação. Também é definida por gerações de cubanos que nem sequer nasceram na ilha. Em meio a uma jornada percorrida por tantos dramas coletivos\, essa exposição se concentra na jornada pessoal de cada artista para encontrar seu lugar. Artistas ao longo da exibição revisitam o passado e o presente de Cuba\, questionando a História\, desconstruindo hierarquias\, refletindo sobre noções de representação\, raça\, gênero\, diversidade e direitos humanos\, enquanto outros recuperam uma conexão com a ilha\, referenciando sua fisicalidade ou seu lugar na memória coletiva. A curadoria de “You know who you are” é de Anelys Alvarez e Patricia Hanna\, ambas do El Espacio 23. Entre os artistas\, figuram nomes que abrangem diversos períodos da arte cubana\, como o coletivo Los Carpinteros\, Tania Bruguera\, Gustavo Acosta\, Carlos Garaicoa\, Wifredo Lam e Iván Capote\, entre muitos outros.
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LOCATION:El Espacio 23\, 2270 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"A Fine Line" no Lowe Art Museum
DESCRIPTION:As obras apresentadas nesta exposição demonstram como os processos de marcação e demarcação linear – sejam eles esculturais\, gestuais\, líricos\, conceituais ou geométricos – formam um fio temático que percorre a coleção de Arte Moderna e Contemporânea da Fundação Berkowitz Contemporary. Elas também instigam os espectadores a considerar as formas pelas quais os artistas\, trabalhando em vários movimentos estilísticos importantes ao longo dos últimos sessenta anos\, têm usado a linha para expressar uma vasta gama de significados por meio de uma ampla variedade de formas\, padrões e texturas. Esta exposição foi curada pela Curadora de Coleções e Exposições do Lowe\, Caitlin Swindell\, e organizada pelo Museu de Arte Lowe.
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LOCATION:Lowe Art Museum\, 1301 Stanford Dr Riviera\, Coral Gables\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Michel Magerus no ICA
DESCRIPTION:“Progressive Aesthetics” é a primeira retrospectiva do ICA sobre o artista luxemburguês Michel Majerus\, morto precocemente em um acidente de avião aos 37 anos (2002)\, retomando suas obras ricas em interpretações do capitalismo e do imperialismo cultural na arte e na cultura norte-americana. Criadas no limiar do século 21\, as obras de Majerus expõem temas de transformação e são caracterizadas por um fascínio pela velocidade\, tecnologia\, cultura jovem e história da arte\, todas unidas por sua obsessão com o poder da arte e das instituições. A exposição reúne obras de toda a breve\, mas dinâmica e prolífica carreira de Majerus\, destacando sua oportuna reflexão e crítica sobre a onipresença das imagens. “Progressive Aesthetics” começa com obras do início dos anos 1990\, em que Majerus aborda a história do modernismo\, antagonizando movimentos de vanguarda do século 20\, seu poder e limitações. Trazendo as influências da História da Arte no trabalho de Majerus\, a exposição também inclui pinturas abstratas que citam mestres modernos como Willem de Kooning e Frank Stella. Em “Progressive Aesthetics” estão seis obras consideradas das imagens mais conhecidas do artista: apropriações de serigrafias das famosas (e às vezes infames) colaborações entre Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat entre 1984-85. Considerando-se um colaborador desses artistas\, Majerus refaz as imagens\, achatando-as e acrescentando floreios quase mecânicos\, numa reflexão sobre o gênio e a noção de que a maestria produz originalidade. Enquanto morou em Berlim durante sua vida adulta\, Majerus visitou os Estados Unidos várias vezes\, principalmente na residência de um ano em Los Angeles em 2000-01. Seu fascínio pela cultura pop\, a paisagem americana\, o consumismo e a violência são os principais temas da série “L.A. Paintings”\, que inclui as obras “Deutsch Amerikanische Freundschaft” (2001) e “Splash bombs 2” (2002). 
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LOCATION:ICA\, 61 NE 41st St Miami Design District\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Temporada de exposições no Rubell Museum
DESCRIPTION:Partindo dos jovens artistas com os quais a família Rubell travou contato recentemente ou há algum tempo\, o Rubell Museum seleciona nomes para ocupar seu espaço em Miami durante um ano\, difundindo sua produção\, que muitas vezes é comissionada ou já foi adquirida pela instituição. Os escolhidos da temporada 2022-23 são Alexandre Diop (foto)\, Patricia Ayres\, Doron Langberg\, Jared McGriff\, Jo Messer\, Clayton Schiff e Tesfaye Urgessa. Morando em Viena\, o artista franco-senegalês Alexandre Diop (b. 1995\, Paris) usa objetos descartados para criar trabalhos relativos a questões sociopolíticas\, raciais\, culturais e de gênero. Para sua exposição no Rubell Museum\, ele apresenta uma seleção de obras criadas durante sua residência de 3 meses na instituição. “Nos últimos anos\, o museu segue expandindo sua programação para compartilhar tanto novas aquisições e destaques da coleção\, como trabalhos desenvolvidos por seus artistas em residência\, posição mais recentemente ocupada por Alexandre Diop. As mostras desse ano representam uma continuação de nossa missão de destacar uma mistura diversificada de artistas contemporâneos\, ao mesmo tempo em que incentivam o diálogo público”\, disse Jason Rubell. “Os trabalhos em vista incluem tanto peças significativas de artistas com os quais nossa família se engajou durante décadas\, quanto trabalhos emocionantes de artistas com os quais interagimos recentemente durante as visitas aos estúdios\, e com os quais encomendamos corpos de trabalho”. A prática de Patricia Ayres está relacionada a histórias de isolamento\, separação e confinamento. Analisando os mecanismos de controle físico e psicológico\, Ayres cria esculturas antropomórficas\, totêmicas que são envoltas com tiras de elástico\, látex líquido\, acolchoamento e outros materiais\, e incorporam técnicas que mostram a expertise da artista no design de moda. Representando uma nova geração de pintores figurativos\, Doron Langberg cria trabalhos luminosos\, vibrantes e muitas vezes em grande escala que trazem a sensação de intimidade representando a si mesmo\, sua família\, amigos e amantes. As pinturas de Jared McGriff\, baseado em Miami\, misturam o presente do artista com vislumbres reais ou imaginários de sua história familiar através de representações em forma de sonho. As pinturas de Jo Messer tensionam a tradição do retrato nu clássico para explorar os muitos potenciais do gênero\, incluindo o erótico\, a partir de figuras cromáticas quase abstratas de mulheres que se estendem para além das bordas da tela. Clayton Schiff recolhe impressões do inconsciente que distorcem\, deslocam\, ampliam e comprimem experiências acumuladas durante a vigília. Sua iconografia assombrosa evoca simultaneamente a alienação com criaturas fantásticas e paisagens estranhas que têm uma sutileza e leveza brincalhona e mesmo humorística. No trabalho de Tesfaye Urgessa\, há uma reciprocidade muda entre o observador e o observado que muda a dinâmica do poder e as noções de ação e raça\, baseando suas imagens em suas memórias de infância da Etiópia.
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LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Roberto Lugo no The Wolfsonian
DESCRIPTION:Para o artista e ativista Roberto Lugo\, o passado está sempre presente. Ele explora a história da cerâmica para criar obras de arte com urgência contemporânea\, transformando formas luxuosas de porcelana – frequentemente utilizadas para marcar grandes eventos ou memorializar monarquias e líderes políticos – em agentes de mudança e perturbação. No Wolfsonian\, Lugo busca na importante coleção de cerâmicas europeias e americanas dos séculos XIX e XX do museu\, produzir novas obras inspiradas nesses objetos\, porém retratando as histórias\, experiências e heróis das comunidades negras e pardas\, tão frequentemente ignoradas pelos registros históricos. Na parte externa do museu\, Lugo traz seu estilo e abordagem característicos para as histórias ainda pouco exploradas de Miami\, projetando um mural que comemora as raízes caribenhas da cidade ao mesmo tempo em que entrelaça sua própria história familiar. Conectando a instalação na galeria à rua e a coleção do Wolfsonian às vidas dos habitantes de Miami atualmente\, Lugo convida os visitantes a refletirem sobre a intersecção de raça\, política e memória no mundo construído ao seu redor.
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LOCATION:The Wolfsonian\, 1001 Washington Avenue\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Leandro Erlich no Pérez Art Museum
DESCRIPTION:A exposição “Leandro Erlich: Liminal” é a primeira panorâmica do artista na América do Norte. Selecionada e organizada pelo curador convidado Dan Cameron\, de Nova York\, a exposição apresentará dezesseis obras que abrangem mais de duas décadas da produção de Erlich. Ocupando todas as galerias especiais de exposição da PAMM\, a exposição foi projetada para sugerir uma linha narrativa contínua\, conduzindo os espectadores por uma série de instalações que fazem o espectador duvidar de sua própria percepção sensorial dos espaços ao seu redor. Desde o final dos anos 1990\, Erlich (1973\, Buenos Aires\, vive em Buenos Aires) criou um conjunto de esculturas e instalações “site specific” em que uma aparência arquitetônica cotidiana é na verdade uma armadilha perceptiva\, levando o espectador incauto a um paradoxo visual que desafia sistematicamente leis e atributos do mundo material. No universo paralelo de Erlich\, escadas levam a lugar nenhum\, elevadores não param em nenhum destino\, espectadores passivos tornam-se participantes ativos\, nuvens assumem características físicas e a solidez dos espaços construídos é na verdade uma ilusão ótica fugaz. “Liminal” foi concebida como uma sequência de espaços acessados no decorrer de um dia comum: elevador\, metrô\, sala de aula\, salão de cabeleireiro\, calçada\, piscina\, lavanderia\, e até uma janela da qual pode-se ver as janelas dos vizinhos. Cada espaço é construído como uma simulação precisa do lugar a que se refere\, de modo que é uma surpresa para o espectador que um lugar tão comum esconda qualidades tão extraordinárias. O título da exposição refere-se a uma zona de transição localizada no limiar de outro espaço\, sugerindo esse cruzamento de fronteira\, entrando em um novo destino ou estado de existência\, sensação reforçada na obra de Erlich. Pairar no “Liminar” (limiar\, em português) de uma experiência é como estar preso entre uma realidade anterior que foi deixada para trás e uma nova realidade acenando a curta distância\, mas sempre um pouco além de nosso alcance. A seleção de obras de “Leandro Erlich: Liminal” é do curador independente Dan Cameron. A mostra esteve em cartaz entre 2019 e 2020 no Malba (Buenos Aires).
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LOCATION:Pérez Art Museum\, 1103 Biscayne Blvd Downtown Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Rafael Domenech no Locust Projects
DESCRIPTION:Convidado para assumir o novo espaço antes da construção de galerias dedicadas\, o artista cubano-americano Rafael Domenech\, imaginou Assembling beneath a desire for sabotage\, um ambiente arquitetônico massivo que cria uma configuração semelhante a um pavilhão ativado por uma sequência de eventos. A intervenção arquitetônica de Domenech na Locust Projects tem a intenção de redefinir a experiência da exposição como uma máquina ativa de produção e diálogo\, em vez de um espaço de armazenamento para visualização passiva. Para Assembling\, Domenech reaproveita imagens de seu arquivo de Miami juntamente com um composto de textos para criar um espaço que permite a acessibilidade – o reconhecimento de um espaço arquitetônico em estado de transformação. Os participantes podem percorrer os cômodos de fluxo livre e sobrepor suas próprias experiências e ideias ao participar de várias ativações. As ativações\, concebidas como uma série de “capítulos” informados pela história de Domenech de trabalhar com livros de artistas e formatos experimentais de publicação\, irão pontuar a duração da exposição\, evoluindo através da participação ativa da comunidade. As ativações incluem: uma conversa sobre processo artístico realizada durante a construção da estrutura com Talia Heiman\, assistente curatorial da 58ª Carnegie International; uma Fábrica Social\, convidando os participantes a construir colaborativamente luminárias a serem instaladas na exposição; um Jardim de Esculturas dentro do pavilhão\, apresentando obras de artistas nacionais e locais; e o Jantar Beneficente do 25º Aniversário\, no qual o artista criou uma experiência de jantar interativa que é um “Gesamtkunstwerk”\, ou uma obra de arte em si.
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LOCATION:Locust Projects\, 297 NE 67th St\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Yayoi Kusama: LOVE IS CALLING" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Um ícone da arte contemporânea\, Yayoi Kusama (nascida em 1929\, Matsumoto\, Japão) entrelaça ideias de arte pop\, minimalismo e psicodelia em suas pinturas\, performances\, apresentações em salas de grande dimensão\, instalações esculturais ao ar livre\, obras literárias\, filmes\, designs e intervenções arquitetônicas. LOVE IS CALLING é a maior e mais imersiva e caleidoscópica das Infinity Mirror Rooms da artista. Representando a culminação de suas conquistas artísticas\, ela exemplifica a amplitude de seu vocabulário visual – desde as icônicas bolinhas e esculturas macias até cores brilhantes\, a palavra falada e\, o mais importante\, reflexões infinitas e a ilusão de espaço. A sala espelhada e escurecida é iluminada por formas infláveis parecidas com tentáculos – cobertas pelas características bolinhas da artista – que se estendem do chão ao teto\, mudando gradualmente de cor. À medida que os visitantes atravessam a instalação\, uma gravação de áudio de Kusama recitando um poema de amor em japonês toca continuamente. Escrito pela artista\, o título do poema se traduz como “Residing in a Castle of Shed Tears”. Explorando temas duradouros como a vida e a morte\, o poema expressa de maneira comovente a esperança de Kusama em espalhar uma mensagem universal de amor por meio de sua arte.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Roberto Matta na Pace Gallery
DESCRIPTION:A exposição do pintor surrealista Roberto Matta conta com cinco pinturas criadas pelo artista entre as décadas de 1970 e 1990. Nascido em Santiago\, Chile\, em 1911\, Matta se tornaria um membro influente do movimento surrealista\, associando-se a figuras como André Breton na década de 1940. O interesse inicial de Matta em dar forma visual ao que ele chamava de “morfologias psicológicas” foi transformado pela Segunda Guerra Mundial\, pela Guerra Fria e pelo golpe de Augusto Pinochet em 1973\, no Chile. Esses eventos e suas consequências catalisaram Matta a adotar uma abordagem mais política orientada à pintura. O artista disse uma vez: “Acredito que\, antes de tudo\, precisamos de uma imagem da sociedade\, uma imagem da economia\, para nos ajudar a ver onde estamos. Assim como precisamos nos referir a mapas para nos localizar no espaço\, temos que encontrar uma maneira de retratar nossa posição na história.” A apresentação das obras de meio e fim da carreira de Matta em Palm Beach\, pela Pace\, lançará luz sobre seu estilo maduro. Através de sua visão única e imaginativa\, o artista explorou grandes questões relacionadas às origens da consciência humana\, ao curso da história humana e à composição de vastos universos desconhecidos além da Terra. Frequentemente citado como uma influência crítica no desenvolvimento da New York School\, Matta combinou figuração e abstração para explorar temas espirituais e fantasiosos relacionados à interioridade humana e paisagens cósmicas. As pinturas incluídas nesta exposição refletem sua habilidade em iluminar cenas bidimensionais com um senso de movimento dinâmico e profundidade ilimitada.
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LOCATION:Pace Gallery Palm Beach\, Royal Poinciana Plaza\, 340 Royal Poinciana Way Suite\, Palm Beach\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Marcela Cantuária no Pérez Art Museum
DESCRIPTION:O trabalho de Marcela Cantuária (1991\, Rio de Janeiro; mora no Rio de Janeiro) retrata frequentemente figuras femininas que navegam fronteiras regionais\, internacionais e sociais. Muitas vezes destacando símbolos do tarô e da astrologia\, assim como temas que refletem o ativismo político e ambiental na América Latina\, ela tece narrativas de esferas sociais\, associações políticas e desejos etéreos. As obras vívidas e coloridas de Cantuária são provas de sua versatilidade e investigações através de vários meios e técnicas\, incluindo pintura\, têxtil e cerâmica. The South American Dream é a primeira exposição individual da artista nos Estados Unidos e apresenta todas as obras recém-comissionadas pelo museu. Nessa instalação de pintura\, Cantuária convida o espectador a considerar a natureza desses sonhos. Explorada dentro das três principais pinturas\, são destaques das obras as narrativas de ativistas críticos e ambientalistas da América do Sul que perseguiram seus sonhos através da resistência e da luta por seus países e terras\, incluindo figuras como Chico Mendes\, Dorothy Stang\, Maria do Espírito Santo da Silva\, Túpac Amaru e Juana Azurduy de Padilla\, entre outras. Enquanto suas pesquisas destacam onde se encontram lutas e injustiças\, suas pinturas apontam para a beleza da luta que muitas vezes persiste nessas histórias; assim\, as pinturas se tornam monumentos para figuras icônicas da América do Sul que\, apesar dos perigos e probabilidades devastadoras\, lutaram por suas visões. Em The South American Dream\, Cantuária eleva e revive essas histórias\, ideais e batalhas\, compartilhando com os espectadores a riqueza dos recursos naturais sul-americanos que tantos lutam para proteger.
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LOCATION:Pérez Art Museum\, 1103 Biscayne Blvd Downtown Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Denzil Forrester no ICA Miami
DESCRIPTION:Denzil Forrester: We Culture reúne vinte pinturas e cerca de uma dúzia de desenhos dos primeiros sete anos de produção do artista\, de 1978 a 1985. Um dos principais pintores britânicos e caribenhos das últimas décadas\, Forrester se tornou uma influência importante para uma geração de artistas mais jovens. Chegando a Londres aos onze anos\, Forrester cresceu ao lado da crescente presença da cultura rastafári na Inglaterra\, enquanto a música dub reggae se enraizava durante o final da década de 1960 e na década de 1970. Esta exposição inclui pinturas que retratam os clubes onde Forrester passava suas noites fazendo esboços que ele usaria como referência para criar pinturas grandes e audaciosamente coloridas em seu estúdio no dia seguinte. Além dessas pinturas vibrantes\, a exposição também apresenta obras relacionadas à morte de Winston Rose em 1981. Amigo e vizinho de Forrester no East End de Londres\, Rose morreu em circunstâncias inexplicáveis enquanto estava sob custódia policial. Se a vida noturna do reggae e do dub captura um lado da experiência negra britânica na época\, as desigualdades sociais e uma relação tensa com as instituições estatais refletem o outro lado.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Madeleine Hunt-Ehrlich no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Madeleine Hunt-Ehrlich (nascida em 1987) é uma cineasta e artista cujo trabalho mescla tradições narrativas e documentais para explorar histórias e experiências de mulheres negras nas Américas. A obra narrativa experimental de Hunt-Ehrlich\, intitulada Too Bright to See (Parte I)\, baseia-se em sua extensa pesquisa sobre o legado de Suzanne Roussi-Césaire\, escritora e ativista anticolonialista e feminista da Martinica\, que\, juntamente com seu marido\, Aimé Césaire\, esteve na vanguarda do movimento Négritude durante a primeira metade do século XX. Roussi-Césaire também se tornaria uma importante pensadora surrealista\, influenciando artistas como o pintor Wifredo Lam e o escritor André Breton. No entanto\, apesar de suas contribuições críticas para o pensamento caribenho e o discurso surrealista\, grande parte de seu trabalho foi negligenciado até recentemente. Too Bright to See (Parte I) entrelaça materiais de arquivo com cenas narrativas cinematográficas filmadas com um elenco não convencional e contemporâneo. Inspirando-se nas estéticas caribenhas e nas obras surrealistas\, esta instalação cinematográfica chama a atenção para aspectos inéditos do legado de Roussi-Césaire que estão ausentes do âmbito público\, ao mesmo tempo em que aborda a questão mais ampla do apagamento contínuo das mulheres dos relatos históricos.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Avery Singer no ICA Miami
DESCRIPTION:Uma artista líder de sua geração\, Avery Singer utiliza ferramentas inovadoras para criar pinturas icônicas e complexas que interpretam as realidades sociais e tecnológicas contemporâneas. As pinturas em grande escala da artista retratam mundos que surgem a partir de renderizações digitais e ganham forma por meio de técnicas de aerografia manual e digital\, máscaras líquidas e sólidas\, e processos complexos de camadas. O trabalho de Singer frequentemente dialoga com movimentos modernistas e de vanguarda para ressaltar o potencial radical da pintura. As obras nesta exposição fazem referência à obra Nude Descending a Staircase (No. 2)\, 1912\, de Marcel Duchamp\, através da qual Singer explora questões de forma\, memória e a sensação de queda. Ao lado dessas obras\, Singer estreia um novo conjunto de trabalhos no ICA Miami\, que reflete sobre identidades online e offline. Essas novas pinturas apresentam um trio de figuras que a artista adquiriu de fornecedores comerciais como Sketchfab e Quixel\, criando uma narrativa por meio de softwares de animação e design\, incluindo Daz 3D e Cinema 4D. Singer ambienta um casal – Unity Bachelor e Priya Prasad – em Nova York\, em 2001\, um período e lugar de amadurecimento para a artista. Sua história de amor ficcionalizada é marcada pelo trauma coletivo do 11 de setembro de 2001\, quando Priya desaparece\, enquanto uma terceira figura\, um estudante de arte bêbado\, que ao longo da carreira de Singer tem sido uma espécie de autorretrato\, perambula pelo Lower Manhattan.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Living and Made" instalação pública de Philip Lique
DESCRIPTION:The Windows Project é uma colaboração entre o The Bass Art Museum e a Bakehouse Art Complex. Living and Made é uma instalação pública de 28 metros de comprimento\, criada pelo artista Philip Lique\, que explora as relações intrínsecas entre materiais e o ato intencional e improvisado de “fazer”. Referenciando e repensando elementos de vitrines de lojas\, cenários teatrais e arranjos tradicionais de natureza-morta\, Living and Made é uma combinação de esculturas\, papéis de parede\, pinturas\, objetos prontos\, produtos da Walgreens e plantas de cactos vivas. A exibição maximalista de Lique considera como seres vivos e objetos fabricados se regeneram para formar extensões de si mesmos\, criando algo completamente novo e inesperado no processo. A instalação serve tanto como um ambiente prático para a propagação e crescimento de cactos\, quanto como um espaço para Lique experimentar a criação de peças únicas\, com componentes individuais provenientes e recuperados de seus trabalhos anteriores. Living and Made trata do impulso artístico de se adaptar e revisar\, conectando a evolução de ideias com o aumento gradual (e potencialmente inevitável) da quantidade (e qualidade) de objetos. Uma série limitada de “relatórios de condição” em NFTs (tokens não fungíveis) consistirá em varreduras 3D de 360 graus de estruturas selecionadas\, servindo como um registro do estado físico original da exposição. Após meses de exposição contínua ao sol e ao calor da Flórida\, que alimentará o crescimento de novos ramos de cactos ao mesmo tempo em que causará o desbotamento incremental e a deterioração da obra de arte\, os NFTs serão um testemunho de como a instalação mudou e evoluiu ao longo do tempo. Living and Made busca proporcionar um ponto de entrada para testemunhar o ciclo de vida de elementos naturais e manufaturados\, incentivando investigação e envolvimento público repetidos.
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LOCATION:Walgreens Storefront\, 23rd Street and Collins Avenue\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Hudinilson Jr.\, Aglaé Bassens e Claire Tabouret no ICA Miami
DESCRIPTION:Hudinilson Jr. é um dos artistas brasileiros mais significativos de sua geração. A primeira exposição de seu trabalho em um museu nos Estados Unidos\, Hudinilson Jr.: Tension Zone é uma visão introdutória de uma figura que está se tornando cada vez mais uma referência importante para artistas mais jovens\, tanto por sua produção artística quanto por sua atitude contra o “establishment” e sua participação em coletivos experimentais\, oficinas\, intervenções públicas e exposições. Vivendo sua juventude durante o período mais repressivo da ditadura militar no Brasil\, Hudinilson Jr. constantemente se colocou nas margens sociais e artísticas\, tornando sua vida indistinguível de sua prática artística de maneiras que ainda ressoam até hoje. Aglaé Bassens apresenta Emptiful\, exposição individual da artista. Com uma prática profundamente enraizada na observação e análise crítica\, Bassens cria vislumbres saudosos e meditativos da vida cotidiana. Sedutoras e comoventes\, as enigmáticas obras de Bassens frequentemente exploram questões de tensão espacial\, materialidade e intimidade. Em 2022\, o ICA Miami adquiriu uma das principais obras da artista\, Remote (2021)\, para sua coleção permanente. Claire Tabouret: Au Bois d’Amour apresenta novas obras da pintora francesa\, cuja prática examina representações complexas de identidade e sexualidade\, nuances da intimidade humana e a passagem nostálgica do tempo. Em duas galerias do térreo do ICA Miami\, Tabouret exibe sua experimentação com formato e técnica\, apresentando várias de suas pinturas Fluff\, um conjunto de monotipias e um tapete único projetado pela artista.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/hudinilson-jr-aglae-bassens-e-claire-tabouret-no-ica-miami/
LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Lonnie Holley e The South Florida Cultural Consortium no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Duas exposições\, curadas por Adeze Wilford\, são destaque no Museum of Contemporary Art North Miami. Lonnie Holley: If You Really Knew é a primeira e mais abrangente exposição do artista e músico Lonnie Holley\, nascido em Birmingham\, Alabama\, no sul dos Estados Unidos. A exposição oferece uma visão íntima e focada da carreira prolífica de Holley\, abrangendo décadas de seu trabalho. Apresentando 70 obras\, a mostra inclui esculturas fundamentais em “pedra-sabão”\, novos trabalhos em papel e pinturas em tecido que retratam rostos. A influência de Holley na arte do sul é destacada ao longo da exposição\, com obras de um grupo de artistas que ele apoiou\, incluindo Purvis Young\, Thornton Dial\, Mary T. Smith e Hawkins Bowling.  Lonnie Holley: If You Really Knew oferece uma experiência instigante e emocionalmente impactante\, convidando os visitantes a refletirem sobre os temas e inspirações do artista. Já a exposição coletiva do The South Florida Cultural Consortium\, reúne um grupo de 12 artistas que trabalham em diversas mídias\, incluindo escultura\, filme e instalações específicas do local. Essa conversa intergeracional oferece insights sobre a vibrante e diversa cena artística do sul da Flórida\, destacando o pulso criativo da comunidade. Os artistas em destaque incluem Farley Aguilar\, Gabino A. Castelán\, Nereida Garcia-Ferraz\, Moira Holohan\, Francesco Lo Castro\, Tory Mata\, Beatriz Monteavaro\, Ema Ri\, Asser Saint-Val\, Carin Wagner\, Carrington Ware e Addison Wolff. Os visitantes podem esperar se envolver com as obras dos artistas\, cada um com suas perspectivas e estilos únicos\, criando uma atmosfera de descoberta.
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LOCATION:MOCA North Miami\, 770 NE 125th street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Bernadette Despujols e Elizabeth Tremante no Spinello Projects
DESCRIPTION:Bernadette Despujols e Elizabeth Tremante apresentam a exposição Women & Sculpture. A mostra reúne as obras dessas duas artistas que examinam a objetificação das mulheres e da figura feminina dentro do cânone da história da arte. O trabalho de Elizabeth Tremante expõe\, de forma humorística\, pontos cegos dolorosos na história da arte que reforçam o sexismo\, as sutis dinâmicas de poder e os preconceitos na cultura contemporânea. As pinturas narrativas de Tremante criticam a maneira como as mulheres têm sido tradicionalmente retratadas como objetos\, reformulando as mulheres como criadoras e consumidoras de arte. O trabalho de Tremante é aditivo\, emprestando experiências da vida real das mulheres e meninas em sua vida\, representando mulheres reais que ela encontrou em museus e galerias de arte\, além de misturar essas experiências com obras de arte históricas que sangram e projetam fluidos corporais. Todas as suas pinturas selecionadas nesta exposição\, que foram apresentadas anteriormente na EXPO Chicago deste ano\, apresentam estátuas de mulheres sem membros ou em queda\, desde a Antiguidade Clássica\, passando por Auguste Rodin\, Constantin Brancusi e Lynda Benglis. Espelhando as estátuas amputadas de Tremante\, Despujols cria torsos femininos de concreto sem cabeça e sem membros\, com suas aberturas inacessíveis\, usando bonecas infláveis como moldes em sua série contínua de esculturas chamada Love Dolls. Em uma série anterior de nus figurativos\, Despujols expõe a exploração das mulheres em duas pinturas que usam imagens encontradas de mulheres inconscientes da pornografia da internet. Despujols pinta essas mulheres para usurpar o olhar do homem que pode ter tirado as fotos de referência originais. O trabalho de ambas as artistas subverte ativamente o olhar masculino\, minando a sociedade dominada pelos homens que reduz as mulheres a objetos sexuais\, por meio do uso da história\, da ironia e do contexto (ou a falta dele).
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LOCATION:Spinello Projects\, 2930 NW 7 Ave.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Alejandra Moros no Spinello Projects
DESCRIPTION:Tip of the Tongue\, Bridge of the Nose é a primeira exposição individual em Miami da artista Alejandra Moros. Esta mostra apresenta uma coleção de pinturas que exploram a intimidade do retrato através de closes extremos do corpo humano e de seus adornos. Em Tip of the Tongue\, Bridge of the Nose\, Moros usa a pintura para documentar as pessoas mais próximas em sua vida\, apresentando-as de uma forma que desafia a percepção da realidade do espectador\, obrigando-os a questionar o que estão vendo. As obras de Moros são uma mistura de hiper-realismo\, abstração\, surrealismo e retrato. Ela manipula a tinta a óleo em pinturas monocromáticas ricas em detalhes e dedicadas ao cuidado com as pessoas que ela retrata. Através da fragmentação e dissociação\, as obras mergulham na ambiguidade da forma humana e nas sensações associadas à textura\, ao toque e à visão. O trabalho de Moros se concentra em detalhes microscópicos\, aproximando-se dos elementos mais minúsculos do corpo\, como poros da pele\, rugas\, impressões digitais e jóias desgastadas\, criando uma sensação de intimidade estranha e sobrenatural e\, por contraste\, de distanciamento. A abordagem analítica de Moros na pintura dissecar uma experiência visual que evoca uma sensação de tensão. Moros deseja criar a impressão de que o espectador sabe algo que não consegue comunicar completamente – a sensação de que “está na ponta da língua”. As imagens que Moros cria comunicam a tensão que está presente em nossos corpos e mentes\, as qualidades inerentes da percepção e da imaginação\, e a ambiguidade que reside no eu e nos relacionamentos.
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LOCATION:Spinello Projects\, 2930 NW 7 Ave.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Grant Czuj e "Saint Valentine" na Nina Johnson Gallery
DESCRIPTION:Welcome home\, son\, nova individual com obras inéditas e existentes do artista polonês-americano Grant Czuj e curadoria de Michael Sherman. A mostra aborda as histórias familiares do artista e suas investigações estéticas sobre alienação. Trabalhando com vários objetos e materiais\, Czuj constrói um processo indexical da pintura para imitar as táticas de administração e reabilitação dentro do sistema prisional e a repressão nos sistemas de classe\, trazendo tanto aspectos tradicionais no processo de pintura quanto respostas emotivas do espectador. Welcome home\, son apresenta onze pinturas de várias séries de Czuj\, incluindo as séries Left-Overs e Administrator\, que incorporam uma variedade de meios\, como madeira\, fronhas\, impressões a jato de tinta\, esmalte\, tinta látex\, borracha\, flanela e fios\, entre outros. Czuj também introduz uma nova série intitulada Home. Já em Saint Valentine\, uma exposição coletiva\, são apresentadas novas obras de Francesca DiMattio\, Elsa Hansen Oldham\, Anna Betbeze e Katie Stout. A mostra reúne quatro artistas e suas relações compartilhadas com vários meios tradicionalmente associados à domesticidade\, incorporando elementos de aspereza\, sujeira\, violência e fisicalidade. O conceito de Saint Valentine refere-se tanto à natureza agressiva de um Valentine (o coração perfurado\, o martírio) quanto às suas qualidades açucaradas (romance excessivo\, presentes exorbitantes). Em sua prática\, Francesca DiMattio adota uma abordagem em camadas e não hierárquica para criar pinturas e esculturas de cerâmica. Manipulando imagens de várias fontes\, DiMattio funde abstração e representação sem adotar completamente um estilo específico. Conhecida por suas obras de fibra bordadas\, Elsa Hansen Oldham cria delicados bordados cruzados com figuras públicas e religiosas provocativas. Uma forma antiga de decoração impregnada de significado histórico\, Oldham revitaliza a prática e conecta culturas usando o bordado como meio de comunicação. Anna Betbeze une visão e tato para criar uma experiência singular. Abandonando a tela e recorrendo à lã como meio\, a artista tingi\, corta\, queima e apara suas superfícies texturizadas\, transformando-as em grandes e luxuosos painéis de parede. Katie Stout completa a exposição com a apresentação de novas e importantes obras.
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LOCATION:Nina Johnson Gallery\, 6315 NW 2nd Ave\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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