Hélio Oiticica no Pérez Art Museum Miami
2022-06-18 11:00 - 2023-06-05 18:00 (America/Sao_Paulo) | Pérez Art Museum Miami, 1103 Biscayne Blvd., Miami, Flórida, Estados Unidos
Hélio Oiticica, um dos artistas mais consagrados do Brasil, é uma figura importante na história da arte do final do século XX. Estendendo-se desde meados da década de 1950 até a morte do artista, a trajetória de sua produção começa com pinturas pequenas, abstrato-geométricas, e termina em ambientes imersivos carregados de sensações e projetos participativos politicamente carregados. Oiticica criou várias instalações penetráveis, nas quais o espectador mergulha em cores dentro de ambientes que evocam e celebram as comunidades das favelas do Rio de Janeiro. Penetrável Macaléia (1978) está entre as últimas variações dessa forma concebida por Oiticica. Dedicada a Jards Macalé, famoso músico que era um querido amigo do artista, o projeto dessa obra foi inspirado em uma festa épica na casa de Macalé, descrita vividamente por Oiticica em suas anotações. Luzes de palco iluminavam os artistas nessa estrutura, cobrindo seus corpos de vermelho, azul e amarelo. Ao entrar na instalação Penetrável Macaléia, as telas de malha vermelha, azul, amarela e branca brincam sutilmente com a percepção, lançando cores cintilantes no mundo exterior e dentro dela. Desmaterializando as laterais do objeto, o efeito se combina com a cativante história por trás da obra para subverter a seriedade pesada e austeridade da arte minimalista e sua forma icônica, o cubo. Com a adição de cascalho e plantas vivas, a obra traz de forma lúdica o “mundo real”, especificamente o Sul Global, para o espaço asséptico da arte. Penetrável Macaléia funciona brilhantemente tanto dentro quanto fora, sempre interagindo com seu entorno e seus participantes, fundindo arte e vida.

"Phraseology" no The Bass
2022-07-30 12:00 - 2023-06-11 17:00 | The Bass Museum of Art, 2100 Collins Ave City Center, Miami, Flórida, Estados Unidos
Apresentando obras da Coleção The Bass e obras emprestadas, a exposição Phraseology explora a linguagem na arte moderna e contemporânea. O termo “phraseology” faz referência à escolha específica de palavras que um comunicador, neste caso o artista, usa para destacar certos temas. Com o surgimento do movimento da Arte Conceitual na década de 1960, muitos artistas começaram a criar obras de arte que valorizavam uma ideia ou conceito em detrimento da obra finalizada. Os artistas queriam redefinir o que a arte poderia ser e os temas que ela abordava, além da estética visual. Em Phraseology, os artistas mesclam forma e ideia criando obras que contêm texto, frases familiares e poesia. Também empregam linguagens possíveis de reconhecer, frases ou slogans que fornecem modos conflitantes de observação para transmitir uma perspectiva nova ou diferente. Ao colocar o texto no papel central de sua prática artística, os artistas utilizam jogos de palavras, ativismo político, subversão da publicidade ou apropriação de forma para revelar, amplificar e questionar histórias e questões contemporâneas. As obras em Phraseology enfatizam o poder pessoal de expressão por meio do discurso cívico durante um período de aumento do ativismo. Como base da comunicação, a linguagem dá voz aos pensamentos internos, conectando os sentimentos de alguém ao mundo exterior. A linguagem constrói textos, livros, discursos, poesia e documentos para facilitar a troca de ideias entre as pessoas, enquanto circula informações por meio de redes sociais e culturais. Ao longo da história, os artistas incluíram palavras, letras e linguagem como elementos em seu trabalho para fazer uma declaração, despertar emoção ou integrar experiências pessoais em sua obra.

"The Bitter Years" na The Margulies Collection at the WAREhOUSE
2022-10-19 10:00 - 2023-04-29 16:00 | The Margulies Collection at the WAREhOUSE, 591 NW 27th St Wynwood Art District, Miami, Flórida, Estados Unidos
Trazendo imagens realizadas por Jack Delano, Walker Evans, Dorothea Lange, Russell Lee, Carl Mydans, Arthur Rothstein, Ben Shahn John Vachon e Marion Post Wolcott, todos nomes históricos da fotografia norte-americana do início do século 20, a exposição “The Bitter Years” apresenta quase cem fotografias da Farm Security Administration, um projeto patrocinado pelo governo de Franklin Roosevelt dentro do plano de medidas New Deal contra a Grande Depressão. O resultado foi uma coleção de milhares de imagens que formam uma memória coletiva da vida durante o período após a quebra da Bolsa de Valores dos EUA em 1929 e a subsequente depressão econômica. Consideradas como alguns dos melhores exemplos da fotografia americana do século 20, as imagens de estilo documental chamam a atenção para a enorme pobreza e a resistência do povo americano na década de 1930. A exposição apresenta em especial um recorte de fotografias da Margulies Collection realizadas por Dorothea Lange e sua imagem icônica “Mother Migrant” (foto acima), que se tornou um símbolo duradouro da Grande Depressão, e toda a gama de trabalhos de Walker Evans, incluindo seus estudos de arquitetura e Polaroids dos anos 1970. O título da exposição é uma referência à histórica exposição “The Bitter Years”, curadoria de Edward Steichen no MoMA em 1962.

"The Italians" na The Margulies Collection at the WAREhOUSE
2022-10-19 11:00 - 2023-04-29 11:00 | The Margulies Collection at the WAREhOUSE, 591 NW 27th St Wynwood Art District, Miami, Flórida, Estados Unidos
A exposição “The Italians” coloca em cartaz trabalhos significativos selecionados na prestigiosa coleção do empresário e mecenas Martin Z. Margulies. Sua Fundação criou e dirige a Warehouse, espaço expositivo privilegiado de 50 mil pés quadrados que ocupa um armazém desativado e retrofitado para apresentar recortes variados desse acervo artístico. Produzidas em sua maioria no século 21 por artistas italianos com perfis, estéticas, idades e trajetórias diversas, as obras em cartaz em “The Italians” traçam um panorama da atualidade da produção italiana e foram realizadas pelos artistas Massimo Antonaci, Davide Balliano , Marco Bagnoli, Domenico Bianchi, Luca Campigotto, Bertozzi & Casoni, Isabella Ducrot, Domenico Mangano & Marieke Van Rooy, Gian Marco Montesano, Mimmo Paladino, Claudio Parmiggiani, Maurizio Pellegrin, Alessandro Piangiamore, Paola Pivi, Paolo Ventura, Giuseppe Uncini. Um dos fios condutores que conectam esses trabalhos selecionados é um flerte com a geometria, surgido tanto de forma orgânica e imprecisa quanto meticulosamente esquadrinhado. A geometrização pode ser encontrada tanto numa composição minuciosa sobre alabastro, caso de “Dove Porta” (2018, fotografia da obra acima), de Marco Bagnoli, quanto na justaposição de armarinhos de remédios cheios de utensílios e caixas na obra “Composizione nº 8” (2005), de Bertozzi & Casoni.

Josefina Tarafa no Miami Dade College
2022-10-24 10:00 - 2023-03-27 16:00 | Miami Dade College, 11380 NW 27th Ave Miami, Miami, Flórida, Estados Unidos
Durante a década de 1970, a fotógrafa, editora e filantropa Josefina Tarafa (Havana, Cuba, 1907 – Miami, Flórida, 1982) criou um conjunto excepcional de imagens que retratam Miami transformada pela chegada de seus companheiros imigrantes cubanos. A primeira exposição dedicada à fotografia de Tarafa, “Remaking Miami”, inclui trinta gravuras póstumas, feitas a partir de fotografias do arquivo de cerca de cento e cinqüenta imagens originais guardadas atualmente pela Lydia Cabrera Papers na coleção Cuban Heritage das Bibliotecas da Miami University. Em Cuba, durante as décadas de 1940 e 1950, Tarafa trabalhou como documentarista, explorando a identidade nacional ao fotografar a arquitetura dos engenhos de açúcar do século 19 e, na companhia de sua amiga íntima, a antropóloga Lydia Cabera, rituais religiosos afro-cubanos. Exilada, Tarafa continuou sua investigação visual de lo cubano (Cubanness) em Miami. No início dos anos 1970, a comunidade cubana era composta pela maioria dos imigrantes de Miami. As imagens de Tarafa revelam dimensões culturais, econômicas e sociais da então jovem comunidade cubana exilada, enfatizando a relação transformadora entre os imigrantes e seu ambiente. Ela frequentemente se concentrava no visual tão particular de cartazes escritos em espanhol e colocados em espaços públicos, especialmente propagandas para empresas ou prestadores de serviços. Alguns deles mostram nomes de lugares cubanos ou fazem referência a negócios anteriormente existentes em Cuba, implicando uma continuidade entre a ilha e Miami. Combinando observação antropológica aguçada com visão artística, o tour de Tarafa pelas diversas pequenas empresas criadas por imigrantes cubanos mostra o espírito empreendedor dos exilados, que chegaram aos Estados Unidos como refugiados sem dinheiro ou pertences. Sua estratégia visual permite que os cubanos falem por si mesmos, enunciando seus hábitos de consumo, seus gostos e expectativas. Eles definem suas formas de se tornar uma presença étnica na cidade que se tornará seu centro urbano mais importante fora de Cuba, a cidade que eles refazem. “Remaking Miami: Josefina Tarafa’s Photographs of the 1970s tem curadoria de José Antonio Navarrete.

"You know who you are" no El Espacio 23
2022-10-27 10:00 - 2023-07-29 17:00 | El Espacio 23, 2270 NW 23rd St Allapattah, Miami, Flórida, Estados Unidos
A coletiva “You know who you are” apresenta as aquisições recentes de Arte Cubana da Jorge M. Pérez Collection. Após uma significativa doação de arte contemporânea cubana do colecionador ao Pérez Art Museum Miami em 2016, essa exposição destaca obras adquiridas desde 2017 como parte de uma investigação em andamento que enfoca a arte cubana e da diáspora cubana. Em vez de um levantamento histórico da arte cubana, a exposição temática reúne mais de cem artistas de diferentes gerações que compartilham experiências coletivas, mas que ainda assim adotam uma abordagem muito pessoal em sua prática. A mostra é uma declaração de confiança e resistência. No contexto da arte e da cultura cubanas, conhecer a si mesmo, ter voz e defender suas crenças é um ato de rebeldia. A história fragmentada da arte cubana tem sido submetida a leituras políticas, à dicotomia entre o interior e o exterior da ilha e a sua diáspora. Tem sido marcada pela omissão intencional, pelo esquecimento histórico de artistas talentosos cujo exílio forçado ou voluntário os extraiu do continuum histórico da nação. Também é definida por gerações de cubanos que nem sequer nasceram na ilha. Em meio a uma jornada percorrida por tantos dramas coletivos, essa exposição se concentra na jornada pessoal de cada artista para encontrar seu lugar. Artistas ao longo da exibição revisitam o passado e o presente de Cuba, questionando a História, desconstruindo hierarquias, refletindo sobre noções de representação, raça, gênero, diversidade e direitos humanos, enquanto outros recuperam uma conexão com a ilha, referenciando sua fisicalidade ou seu lugar na memória coletiva. A curadoria de “You know who you are” é de Anelys Alvarez e Patricia Hanna, ambas do El Espacio 23. Entre os artistas, figuram nomes que abrangem diversos períodos da arte cubana, como o coletivo Los Carpinteros, Tania Bruguera, Gustavo Acosta, Carlos Garaicoa, Wifredo Lam e Iván Capote, entre muitos outros.

Jacob Lawrence no Lowe Art Museum
2022-11-10 10:00 - 2023-02-26 16:00 | Lowe Art Museum, 1301 Stanford Dr Riviera, Coral Gables, Flórida, Estados Unidos
Quinta série narrativa de Jacob Lawrence, “The Legend of John Brown” documenta momentos-chave na vida desse abolicionista branco. Nas vinte e duas serigrafias, Lawrence ilustra a devoção de Brown à emancipação da população negra norte-americana, sua incursão em Harper’s Ferry (Virgínia, 1859), bem como seu posterior julgamento e execução. Jacob Armstead Lawrence (7 de setembro de 1917 – 9 de junho de 2000) foi um pintor americano conhecido por retratar temas da História e da vida contemporânea afro-americanas. Lawrence chamava seu estilo de “cubismo dinâmico”, embora ele mesmo citasse como principal influência não a arte francesa, mas as formas e cores do Harlem. Deu vida à experiência afro-americana usando tons de preto e marrom justapostos a cores vivas. Também foi professor por 16 anos na Universidade de Washington. Lawrence está entre os pintores afro-americanos mais conhecidos do século 20, famoso por suas ilustrações modernistas da vida cotidiana, bem como narrativas da história e de figuras históricas afro-americanas. Aos 23 anos de idade, ganhou reconhecimento nacional com sua série de 60 painéis “The Migration Series”, que retrata a Grande Migração dos afro-americanos do Sul rural para o Norte urbano. A série foi adquirida conjuntamente pela Phillips Collection em Washington, D.C., e pelo Museum of Modern Art (MoMA) em NY. As obras de Lawrence estão nas coleções permanentes de numerosos museus, incluindo o Philadelphia Museum of Art, o Whitney Museum, The Metropolitan Museum of Art e Brooklyn Museum. Sua pintura “The Builders” (1947) faz parte das obras da Casa Branca.

Charles White no Lowe Art Museum
2022-11-10 10:00 - 2023-02-26 16:00 | Lowe Art Museum, 1301 Stanford Dr Riviera, Coral Gables, Flórida, Estados Unidos
A individual “Charles White: A Little Higher” apresenta quase cinquenta obras do artista precursor da arte de inspiração afro-americana, todas vindas da Primas Family Collection. Mais conhecido por seus desenhos e pinturas meticulosos de pessoas afro-americanas, as “imagens de dignidade” de White nos convidam a contemplar a humanidade e a auto-estima de seus personagens, ao mesmo tempo em que reconhecem os efeitos nefastos do racismo sistêmico. Charles Wilbert White, Jr. (2 de abril de 1918 – 3 de outubro de 1979) foi um artista americano conhecido pela crônica de assuntos afro-americanos em pinturas, desenhos, litografias e murais. O compromisso constante de White em representar a crônica dos triunfos e lutas de sua comunidade, o consolidou como um dos artistas mais conhecidos da História da Arte dos EUA. Após sua morte em 1979, o trabalho de White foi incluído nas coleções permanentes do Art Institute of Chicago, Los Angeles County Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, The Whitney Museum of American Art, The Newark Museum, e o Santa Barbara Museum of Art. A obra mais famosa de White é “The Contribution of the Negro to American Democracy”, mural na Hampton University. Em 2018, ano de seu centenário de nascimento, a primeira grande exposição retrospectiva de sua obra foi organizada pelo Art Institute of Chicago e pelo Museum of Modern Art.

Didier William no Moca North Miami
2022-11-11 10:00 - 2023-04-16 17:00 | Moca North Miami, 770 NE 125th St North Miami, Miami, Flórida, Estados Unidos
Didier William: Nou Kite Tout Sa Dèyè é a maior exposição individual da carreira de Didier William. Traduzida como “We’ve Left That All Behind” (Deixamos tudo para trás), a mostra apresenta um olhar profundo sobre a carreira e a memória do artista nascido em Port-au-Prince (Haiti) em 1983 e criado em North Miami, onde a exposição está em cartaz, no Museum of Contemporary Art de North Miami. Com curadoria de Erica Moiah James, Ph.D., a exposição apresenta mais de quarenta obras realizadas em vários suportes, incluindo algumas de suas mais recentes pinturas. Complementando o trabalho pictórico, e fazendo referência à estreita relação da pintura e da gravura na prática de William, figuram na mostra novos desenhos e livros de artista. A individual também apresenta a primeira escultura monumental de William: um corpo de madeira de 12 pés de altura, que faz referência a uma coluna religiosa presente nos rituais religiosos haitianos. Em uma mistura de reflexões pessoais, anedotas biográficas e momentos históricos, algumas das obras apresentadas na mostra recontextualizam uma série de iconografias e conceitos da História da Arte, despojando-os de suas verdades “conhecidas” e transformando cada um deles em algo inteiramente novo. Com esse procedimento, William recupera de forma lúdica e sem desculpas a autonomia sobre um registro fragmentado da história, engajando sua conexão pessoal com a complexidade das narrativas dos imigrantes para criar oportunidades de investigação e redenção. Didier William (Port-au-Prince, Haiti, 1983) recebeu seu BFA em pintura no The Maryland Institute College of Art e um MFA em Pintura e Gravura na Yale School of Art. Seu trabalho solo foi exposto na Galeria M+B, Galeria James Fuentes e Galeria Altman Siegel. Suas exposições coletivas incluem o Museu de Arte do Bronx, o Museu de Arte Latino-americana, o Museu da Academia de Belas Artes da Pensilvânia, e o Museu de Arte Americana de Pontes de Cristal. William foi o ganhador em 2020 da Joan Mitchell Foundation Painters & Sculptors Grant, e em 2021 da Pew Fellow do The Pew Center for Arts and Heritage. Ele lecionou em várias instituições, incluindo Yale School of Art, Vassar College, Columbia University, University of Pennsylvania e SUNY Purchase. Atualmente, é professor assistente na Universidade Rutgers. Didier William vive e trabalha na Filadélfia.

"A Fine Line" no Lowe Art Museum
2022-11-18 10:00 - 2023-09-24 16:00 | Lowe Art Museum, 1301 Stanford Dr Riviera, Coral Gables, Flórida, Estados Unidos
As obras apresentadas nesta exposição demonstram como os processos de marcação e demarcação linear – sejam eles esculturais, gestuais, líricos, conceituais ou geométricos – formam um fio temático que percorre a coleção de Arte Moderna e Contemporânea da Fundação Berkowitz Contemporary. Elas também instigam os espectadores a considerar as formas pelas quais os artistas, trabalhando em vários movimentos estilísticos importantes ao longo dos últimos sessenta anos, têm usado a linha para expressar uma vasta gama de significados por meio de uma ampla variedade de formas, padrões e texturas. Esta exposição foi curada pela Curadora de Coleções e Exposições do Lowe, Caitlin Swindell, e organizada pelo Museu de Arte Lowe.

"El fin de la imaginación" no The Bass Museum of Art
2022-11-27 12:00 - 2023-05-14 17:00 | The Bass Museum of Art, 2100 Collins Ave City Center, Miami, Flórida, Estados Unidos
A exposição “El fin de la imaginación” compreende instalações e esculturas site specific pelo artista argentino Adrián Villar Rojas, e apresentações recentemente contextualizadas de obras de barro de seu arquivo. A instalação inclui duas esculturas da artista argentina Mariana Telleria, que se une a ele com duas obras que desafiam noções contemporâneas de monumentos e memoriais. A exposição convida os espectadores a serem exploradores do imprevisível microcosmo, enquanto refletem sobre questões existenciais relacionadas à temporalidade da humanidade e à efemeridade da natureza. Adrián Villar Rojas (Rosário, Argentina,1980) concebe projetos de longo prazo, produzidos coletivamente e em colaboração, que ocupam ambientes de grande escala e locais específicos, tanto imponentes como frágeis, deixando escassos vestígios de sua passagem pelo mundo devido à materialidade temporária e integração parasitária. Dentro de sua pesquisa e construção do mundo, que mistura escultura, desenho, vídeo, literatura e traços performativos, o artista explora as condições de uma humanidade em risco, à beira da extinção ou já extinta, sobre a qual ele traça os limites pluriespecíficos de um tempo pós-antropoceno dobrado sobre si mesmo. Em “El fin de la imaginación”, uma instalação comissionada para o The Bass Museum of Art, Villar Rojas se pergunta como a Lua, Marte, ou qualquer outra paisagem extraterrestre trazida até nós pela conquista interplanetária afetará nossa monumentalidade passada, presente e futura e sua memorialização. O que acontecerá quando nossas ficções terrestres, aquelas que consolidam nações e identidades, viajarem para o espaço? Será que as histórias dos deuses greco-latinos, dos impérios europeus, dos conquistadores espanhóis, ou mesmo dos próprios Estados Unidos, sobreviverão como as conhecemos, como as moldamos em livros, museus, hinos e monumentos, ou sofrerão mutações com a mudança radical do contexto? E o que acontecerá com as novas histórias que virão, aquelas necessárias para construir as primeiras comunas que habitarão os planetas? Como será ou como se comportará a ficção política nesta viagem espaço-temporal ampliada que está por vir? Como evoluirão ou mudarão as histórias passadas e futuras? Elas perderão seu significado “original” e funcionarão à medida que a colonização espacial for passando por séculos e territórios? Assim como os monumentos para os invasores das Américas: Cristóvão Colombo, Hernán Cortez, Francisco Pizarro mudaram seu significado social de homenagem para rejeição, e sua função simbólica de glorificação de uma descoberta para testemunho de um genocídio? Chegará esse dia em que veremos os oprimidos do futuro se levantarem contra as histórias oficiais, ocupando e ressignificando os monumentos da conquista espacial da humanidade?

Michel Magerus no ICA
2022-11-28 08:00 - 2023-12-03 17:00 | ICA, 61 NE 41st St Miami Design District, Miami, Flórida, Estados Unidos
“Progressive Aesthetics” é a primeira retrospectiva do ICA sobre o artista luxemburguês Michel Majerus, morto precocemente em um acidente de avião aos 37 anos (2002), retomando suas obras ricas em interpretações do capitalismo e do imperialismo cultural na arte e na cultura norte-americana. Criadas no limiar do século 21, as obras de Majerus expõem temas de transformação e são caracterizadas por um fascínio pela velocidade, tecnologia, cultura jovem e história da arte, todas unidas por sua obsessão com o poder da arte e das instituições. A exposição reúne obras de toda a breve, mas dinâmica e prolífica carreira de Majerus, destacando sua oportuna reflexão e crítica sobre a onipresença das imagens. “Progressive Aesthetics” começa com obras do início dos anos 1990, em que Majerus aborda a história do modernismo, antagonizando movimentos de vanguarda do século 20, seu poder e limitações. Trazendo as influências da História da Arte no trabalho de Majerus, a exposição também inclui pinturas abstratas que citam mestres modernos como Willem de Kooning e Frank Stella. Em “Progressive Aesthetics” estão seis obras consideradas das imagens mais conhecidas do artista: apropriações de serigrafias das famosas (e às vezes infames) colaborações entre Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat entre 1984-85. Considerando-se um colaborador desses artistas, Majerus refaz as imagens, achatando-as e acrescentando floreios quase mecânicos, numa reflexão sobre o gênio e a noção de que a maestria produz originalidade. Enquanto morou em Berlim durante sua vida adulta, Majerus visitou os Estados Unidos várias vezes, principalmente na residência de um ano em Los Angeles em 2000-01. Seu fascínio pela cultura pop, a paisagem americana, o consumismo e a violência são os principais temas da série “L.A. Paintings”, que inclui as obras “Deutsch Amerikanische Freundschaft” (2001) e “Splash bombs 2” (2002).

Hervé Télémaque no ICA
2022-11-28 08:00 - 2023-04-30 17:00 | ICA, 61 NE 41st St Miami Design District, Miami, Flórida, Estados Unidos
“Hervé Télémaque: 1959-1964” reúne mais de uma dezena de quadros dos primeiros cinco anos de produção do artista haitiano, trazendo um olhar profundo e definitivo sobre as primeiras obras da obra de Télémaque. Um dos pintores proeminentes do pós-guerra, com uma produção artística que expandiu uma figuração estilizada desde a pop art até assemblages, Télémaque figura em diversos estilos da vanguarda que derivou na arte contemporânea. A mostra do ICA examina o início de sua prática, explorando um período de turbulência artística e existencial para o artista. Em 1957, quando François Duvalier chegou ao poder no Haiti e o expressionismo abstrato estava em seus anos de declínio, Télémaque mudou-se de sua cidade natal, Porto Príncipe, para Nova York com o objetivo de se tornar um pintor abstrato. O que ele encontrou nos EUA, além de artistas com quem dialogar, como o pintor Julian Levi, foi uma sociedade profundamente segregada, que racializou seu corpo de uma forma que ele não havia experimentado no Haiti. Essa nova e difícil realidade social começou a ser registrada nas primeiras pinturas abstratas como “Toussaint L’Ouverture en New York” (1960) e “Othello” (1960), o que era inevitável. Mas o desejo do pintor abstrato pela “não-referencialidade” voltou às nuances e problemas da vida cotidiana, com a sexualidade ganhando espaço no trabalho do artista. Em 1961, Télémaque migrou para Paris, onde fez amizade com uma série de artistas surrealistas e latino-americanos, como Wifredo Lam. Em 1962, ele havia lentamente evoluído sua linguagem gestual abstrata para uma abstração politizada e grotesca. Números agregados e distorcidos, muitas vezes representados como bocas gigantes ou corpos sem cabeça, registram o impacto da situação social que ele viveu nos EUA, articulando a crítica ao colonialismo conduzida por Télémaque quando se identificou com a radicalização da política caribenha a partir do final dos anos 1950 e durante a década seguinte. Pinturas como “No Title (The Ugly American)” (1962/64) e “My Darling Clementine” (1963) são críticas mordazes às incursões físicas e ideológicas americanas no que, na época, era chamado Terceiro Mundo, enquanto “Portrait de famille” (1962/63) satiriza valores burgueses. Nesse período, Télémaque também se envolveria com artistas como Öyvind Fahlström e Bernard Rancillac, reunidos sob a rubrica de Figuração Narrativa a fim de revigorar uma cena cultural francesa estagnada com o informalismo abstrato. Em 1964, os sinais de uma nova linguagem visual começam a aparecer na obra de Télémaque, aproximando-o da pop art. Enquanto mantinha um olhar crítico sobre as tendências colonialistas vigentes na sociedade francesa, Télémaque começou a desenvolver uma linguagem visual mais hermética e fria, que caracterizaria cada vez mais seu trabalho no final dos anos 1960 e ao longo dos anos 1970, culminando este período inicial tanto de migração quanto de profunda experimentação com as linguagens visuais. Hervé Télémaque (1937, Porto Príncipe, Haiti) mudou-se para Nova York em 1957 e participou da Art Students League of New York até 1960. Mudou-se para Paris em 1961, onde vive desde então. O artista foi tema de uma retrospectiva no Centre Pompidou, em Paris (2015) e de uma exposição panorâmica nas Serpentine Galleries, em Londres (2021). Sua obra figura em várias coleções de museus como o MoMA (NY), Centre Pompidou, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, e o Musée d’Art Moderne et Contemporain (Saint-Étienne).

Temporada de exposições no Rubell Museum
2022-11-28 08:00 - 2023-11-12 17:00 | Rubell Museum, 1100 NW 23rd St Allapattah, Miami, Flórida, Estados Unidos
Partindo dos jovens artistas com os quais a família Rubell travou contato recentemente ou há algum tempo, o Rubell Museum seleciona nomes para ocupar seu espaço em Miami durante um ano, difundindo sua produção, que muitas vezes é comissionada ou já foi adquirida pela instituição. Os escolhidos da temporada 2022-23 são Alexandre Diop (foto), Patricia Ayres, Doron Langberg, Jared McGriff, Jo Messer, Clayton Schiff e Tesfaye Urgessa. Morando em Viena, o artista franco-senegalês Alexandre Diop (b. 1995, Paris) usa objetos descartados para criar trabalhos relativos a questões sociopolíticas, raciais, culturais e de gênero. Para sua exposição no Rubell Museum, ele apresenta uma seleção de obras criadas durante sua residência de 3 meses na instituição. “Nos últimos anos, o museu segue expandindo sua programação para compartilhar tanto novas aquisições e destaques da coleção, como trabalhos desenvolvidos por seus artistas em residência, posição mais recentemente ocupada por Alexandre Diop. As mostras desse ano representam uma continuação de nossa missão de destacar uma mistura diversificada de artistas contemporâneos, ao mesmo tempo em que incentivam o diálogo público”, disse Jason Rubell. “Os trabalhos em vista incluem tanto peças significativas de artistas com os quais nossa família se engajou durante décadas, quanto trabalhos emocionantes de artistas com os quais interagimos recentemente durante as visitas aos estúdios, e com os quais encomendamos corpos de trabalho”. A prática de Patricia Ayres está relacionada a histórias de isolamento, separação e confinamento. Analisando os mecanismos de controle físico e psicológico, Ayres cria esculturas antropomórficas, totêmicas que são envoltas com tiras de elástico, látex líquido, acolchoamento e outros materiais, e incorporam técnicas que mostram a expertise da artista no design de moda. Representando uma nova geração de pintores figurativos, Doron Langberg cria trabalhos luminosos, vibrantes e muitas vezes em grande escala que trazem a sensação de intimidade representando a si mesmo, sua família, amigos e amantes. As pinturas de Jared McGriff, baseado em Miami, misturam o presente do artista com vislumbres reais ou imaginários de sua história familiar através de representações em forma de sonho. As pinturas de Jo Messer tensionam a tradição do retrato nu clássico para explorar os muitos potenciais do gênero, incluindo o erótico, a partir de figuras cromáticas quase abstratas de mulheres que se estendem para além das bordas da tela. Clayton Schiff recolhe impressões do inconsciente que distorcem, deslocam, ampliam e comprimem experiências acumuladas durante a vigília. Sua iconografia assombrosa evoca simultaneamente a alienação com criaturas fantásticas e paisagens estranhas que têm uma sutileza e leveza brincalhona e mesmo humorística. No trabalho de Tesfaye Urgessa, há uma reciprocidade muda entre o observador e o observado que muda a dinâmica do poder e as noções de ação e raça, baseando suas imagens em suas memórias de infância da Etiópia.

Roberto Lugo no The Wolfsonian
2022-11-28 10:00 - 2023-08-27 18:00 | The Wolfsonian, 1001 Washington Avenue, Miami, Flórida, Estados Unidos
Para o artista e ativista Roberto Lugo, o passado está sempre presente. Ele explora a história da cerâmica para criar obras de arte com urgência contemporânea, transformando formas luxuosas de porcelana – frequentemente utilizadas para marcar grandes eventos ou memorializar monarquias e líderes políticos – em agentes de mudança e perturbação. No Wolfsonian, Lugo busca na importante coleção de cerâmicas europeias e americanas dos séculos XIX e XX do museu, produzir novas obras inspiradas nesses objetos, porém retratando as histórias, experiências e heróis das comunidades negras e pardas, tão frequentemente ignoradas pelos registros históricos. Na parte externa do museu, Lugo traz seu estilo e abordagem característicos para as histórias ainda pouco exploradas de Miami, projetando um mural que comemora as raízes caribenhas da cidade ao mesmo tempo em que entrelaça sua própria história familiar. Conectando a instalação na galeria à rua e a coleção do Wolfsonian às vidas dos habitantes de Miami atualmente, Lugo convida os visitantes a refletirem sobre a intersecção de raça, política e memória no mundo construído ao seu redor.

Leandro Erlich no Pérez Art Museum
2022-11-29 08:00 - 2023-09-04 17:00 | Pérez Art Museum, 1103 Biscayne Blvd Downtown Miami, Flórida, Estados Unidos
A exposição “Leandro Erlich: Liminal” é a primeira panorâmica do artista na América do Norte. Selecionada e organizada pelo curador convidado Dan Cameron, de Nova York, a exposição apresentará dezesseis obras que abrangem mais de duas décadas da produção de Erlich. Ocupando todas as galerias especiais de exposição da PAMM, a exposição foi projetada para sugerir uma linha narrativa contínua, conduzindo os espectadores por uma série de instalações que fazem o espectador duvidar de sua própria percepção sensorial dos espaços ao seu redor. Desde o final dos anos 1990, Erlich (1973, Buenos Aires, vive em Buenos Aires) criou um conjunto de esculturas e instalações “site specific” em que uma aparência arquitetônica cotidiana é na verdade uma armadilha perceptiva, levando o espectador incauto a um paradoxo visual que desafia sistematicamente leis e atributos do mundo material. No universo paralelo de Erlich, escadas levam a lugar nenhum, elevadores não param em nenhum destino, espectadores passivos tornam-se participantes ativos, nuvens assumem características físicas e a solidez dos espaços construídos é na verdade uma ilusão ótica fugaz. “Liminal” foi concebida como uma sequência de espaços acessados no decorrer de um dia comum: elevador, metrô, sala de aula, salão de cabeleireiro, calçada, piscina, lavanderia, e até uma janela da qual pode-se ver as janelas dos vizinhos. Cada espaço é construído como uma simulação precisa do lugar a que se refere, de modo que é uma surpresa para o espectador que um lugar tão comum esconda qualidades tão extraordinárias. O título da exposição refere-se a uma zona de transição localizada no limiar de outro espaço, sugerindo esse cruzamento de fronteira, entrando em um novo destino ou estado de existência, sensação reforçada na obra de Erlich. Pairar no “Liminar” (limiar, em português) de uma experiência é como estar preso entre uma realidade anterior que foi deixada para trás e uma nova realidade acenando a curta distância, mas sempre um pouco além de nosso alcance. A seleção de obras de “Leandro Erlich: Liminal” é do curador independente Dan Cameron. A mostra esteve em cartaz entre 2019 e 2020 no Malba (Buenos Aires).
