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SUMMARY:Michel Magerus no ICA
DESCRIPTION:“Progressive Aesthetics” é a primeira retrospectiva do ICA sobre o artista luxemburguês Michel Majerus\, morto precocemente em um acidente de avião aos 37 anos (2002)\, retomando suas obras ricas em interpretações do capitalismo e do imperialismo cultural na arte e na cultura norte-americana. Criadas no limiar do século 21\, as obras de Majerus expõem temas de transformação e são caracterizadas por um fascínio pela velocidade\, tecnologia\, cultura jovem e história da arte\, todas unidas por sua obsessão com o poder da arte e das instituições. A exposição reúne obras de toda a breve\, mas dinâmica e prolífica carreira de Majerus\, destacando sua oportuna reflexão e crítica sobre a onipresença das imagens. “Progressive Aesthetics” começa com obras do início dos anos 1990\, em que Majerus aborda a história do modernismo\, antagonizando movimentos de vanguarda do século 20\, seu poder e limitações. Trazendo as influências da História da Arte no trabalho de Majerus\, a exposição também inclui pinturas abstratas que citam mestres modernos como Willem de Kooning e Frank Stella. Em “Progressive Aesthetics” estão seis obras consideradas das imagens mais conhecidas do artista: apropriações de serigrafias das famosas (e às vezes infames) colaborações entre Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat entre 1984-85. Considerando-se um colaborador desses artistas\, Majerus refaz as imagens\, achatando-as e acrescentando floreios quase mecânicos\, numa reflexão sobre o gênio e a noção de que a maestria produz originalidade. Enquanto morou em Berlim durante sua vida adulta\, Majerus visitou os Estados Unidos várias vezes\, principalmente na residência de um ano em Los Angeles em 2000-01. Seu fascínio pela cultura pop\, a paisagem americana\, o consumismo e a violência são os principais temas da série “L.A. Paintings”\, que inclui as obras “Deutsch Amerikanische Freundschaft” (2001) e “Splash bombs 2” (2002). 
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SUMMARY:Temporada de exposições no Rubell Museum
DESCRIPTION:Partindo dos jovens artistas com os quais a família Rubell travou contato recentemente ou há algum tempo\, o Rubell Museum seleciona nomes para ocupar seu espaço em Miami durante um ano\, difundindo sua produção\, que muitas vezes é comissionada ou já foi adquirida pela instituição. Os escolhidos da temporada 2022-23 são Alexandre Diop (foto)\, Patricia Ayres\, Doron Langberg\, Jared McGriff\, Jo Messer\, Clayton Schiff e Tesfaye Urgessa. Morando em Viena\, o artista franco-senegalês Alexandre Diop (b. 1995\, Paris) usa objetos descartados para criar trabalhos relativos a questões sociopolíticas\, raciais\, culturais e de gênero. Para sua exposição no Rubell Museum\, ele apresenta uma seleção de obras criadas durante sua residência de 3 meses na instituição. “Nos últimos anos\, o museu segue expandindo sua programação para compartilhar tanto novas aquisições e destaques da coleção\, como trabalhos desenvolvidos por seus artistas em residência\, posição mais recentemente ocupada por Alexandre Diop. As mostras desse ano representam uma continuação de nossa missão de destacar uma mistura diversificada de artistas contemporâneos\, ao mesmo tempo em que incentivam o diálogo público”\, disse Jason Rubell. “Os trabalhos em vista incluem tanto peças significativas de artistas com os quais nossa família se engajou durante décadas\, quanto trabalhos emocionantes de artistas com os quais interagimos recentemente durante as visitas aos estúdios\, e com os quais encomendamos corpos de trabalho”. A prática de Patricia Ayres está relacionada a histórias de isolamento\, separação e confinamento. Analisando os mecanismos de controle físico e psicológico\, Ayres cria esculturas antropomórficas\, totêmicas que são envoltas com tiras de elástico\, látex líquido\, acolchoamento e outros materiais\, e incorporam técnicas que mostram a expertise da artista no design de moda. Representando uma nova geração de pintores figurativos\, Doron Langberg cria trabalhos luminosos\, vibrantes e muitas vezes em grande escala que trazem a sensação de intimidade representando a si mesmo\, sua família\, amigos e amantes. As pinturas de Jared McGriff\, baseado em Miami\, misturam o presente do artista com vislumbres reais ou imaginários de sua história familiar através de representações em forma de sonho. As pinturas de Jo Messer tensionam a tradição do retrato nu clássico para explorar os muitos potenciais do gênero\, incluindo o erótico\, a partir de figuras cromáticas quase abstratas de mulheres que se estendem para além das bordas da tela. Clayton Schiff recolhe impressões do inconsciente que distorcem\, deslocam\, ampliam e comprimem experiências acumuladas durante a vigília. Sua iconografia assombrosa evoca simultaneamente a alienação com criaturas fantásticas e paisagens estranhas que têm uma sutileza e leveza brincalhona e mesmo humorística. No trabalho de Tesfaye Urgessa\, há uma reciprocidade muda entre o observador e o observado que muda a dinâmica do poder e as noções de ação e raça\, baseando suas imagens em suas memórias de infância da Etiópia.
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LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Yayoi Kusama: LOVE IS CALLING" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Um ícone da arte contemporânea\, Yayoi Kusama (nascida em 1929\, Matsumoto\, Japão) entrelaça ideias de arte pop\, minimalismo e psicodelia em suas pinturas\, performances\, apresentações em salas de grande dimensão\, instalações esculturais ao ar livre\, obras literárias\, filmes\, designs e intervenções arquitetônicas. LOVE IS CALLING é a maior e mais imersiva e caleidoscópica das Infinity Mirror Rooms da artista. Representando a culminação de suas conquistas artísticas\, ela exemplifica a amplitude de seu vocabulário visual – desde as icônicas bolinhas e esculturas macias até cores brilhantes\, a palavra falada e\, o mais importante\, reflexões infinitas e a ilusão de espaço. A sala espelhada e escurecida é iluminada por formas infláveis parecidas com tentáculos – cobertas pelas características bolinhas da artista – que se estendem do chão ao teto\, mudando gradualmente de cor. À medida que os visitantes atravessam a instalação\, uma gravação de áudio de Kusama recitando um poema de amor em japonês toca continuamente. Escrito pela artista\, o título do poema se traduz como “Residing in a Castle of Shed Tears”. Explorando temas duradouros como a vida e a morte\, o poema expressa de maneira comovente a esperança de Kusama em espalhar uma mensagem universal de amor por meio de sua arte.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Marcela Cantuária no Pérez Art Museum
DESCRIPTION:O trabalho de Marcela Cantuária (1991\, Rio de Janeiro; mora no Rio de Janeiro) retrata frequentemente figuras femininas que navegam fronteiras regionais\, internacionais e sociais. Muitas vezes destacando símbolos do tarô e da astrologia\, assim como temas que refletem o ativismo político e ambiental na América Latina\, ela tece narrativas de esferas sociais\, associações políticas e desejos etéreos. As obras vívidas e coloridas de Cantuária são provas de sua versatilidade e investigações através de vários meios e técnicas\, incluindo pintura\, têxtil e cerâmica. The South American Dream é a primeira exposição individual da artista nos Estados Unidos e apresenta todas as obras recém-comissionadas pelo museu. Nessa instalação de pintura\, Cantuária convida o espectador a considerar a natureza desses sonhos. Explorada dentro das três principais pinturas\, são destaques das obras as narrativas de ativistas críticos e ambientalistas da América do Sul que perseguiram seus sonhos através da resistência e da luta por seus países e terras\, incluindo figuras como Chico Mendes\, Dorothy Stang\, Maria do Espírito Santo da Silva\, Túpac Amaru e Juana Azurduy de Padilla\, entre outras. Enquanto suas pesquisas destacam onde se encontram lutas e injustiças\, suas pinturas apontam para a beleza da luta que muitas vezes persiste nessas histórias; assim\, as pinturas se tornam monumentos para figuras icônicas da América do Sul que\, apesar dos perigos e probabilidades devastadoras\, lutaram por suas visões. Em The South American Dream\, Cantuária eleva e revive essas histórias\, ideais e batalhas\, compartilhando com os espectadores a riqueza dos recursos naturais sul-americanos que tantos lutam para proteger.
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LOCATION:Pérez Art Museum\, 1103 Biscayne Blvd Downtown Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Madeleine Hunt-Ehrlich no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Madeleine Hunt-Ehrlich (nascida em 1987) é uma cineasta e artista cujo trabalho mescla tradições narrativas e documentais para explorar histórias e experiências de mulheres negras nas Américas. A obra narrativa experimental de Hunt-Ehrlich\, intitulada Too Bright to See (Parte I)\, baseia-se em sua extensa pesquisa sobre o legado de Suzanne Roussi-Césaire\, escritora e ativista anticolonialista e feminista da Martinica\, que\, juntamente com seu marido\, Aimé Césaire\, esteve na vanguarda do movimento Négritude durante a primeira metade do século XX. Roussi-Césaire também se tornaria uma importante pensadora surrealista\, influenciando artistas como o pintor Wifredo Lam e o escritor André Breton. No entanto\, apesar de suas contribuições críticas para o pensamento caribenho e o discurso surrealista\, grande parte de seu trabalho foi negligenciado até recentemente. Too Bright to See (Parte I) entrelaça materiais de arquivo com cenas narrativas cinematográficas filmadas com um elenco não convencional e contemporâneo. Inspirando-se nas estéticas caribenhas e nas obras surrealistas\, esta instalação cinematográfica chama a atenção para aspectos inéditos do legado de Roussi-Césaire que estão ausentes do âmbito público\, ao mesmo tempo em que aborda a questão mais ampla do apagamento contínuo das mulheres dos relatos históricos.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Avery Singer no ICA Miami
DESCRIPTION:Uma artista líder de sua geração\, Avery Singer utiliza ferramentas inovadoras para criar pinturas icônicas e complexas que interpretam as realidades sociais e tecnológicas contemporâneas. As pinturas em grande escala da artista retratam mundos que surgem a partir de renderizações digitais e ganham forma por meio de técnicas de aerografia manual e digital\, máscaras líquidas e sólidas\, e processos complexos de camadas. O trabalho de Singer frequentemente dialoga com movimentos modernistas e de vanguarda para ressaltar o potencial radical da pintura. As obras nesta exposição fazem referência à obra Nude Descending a Staircase (No. 2)\, 1912\, de Marcel Duchamp\, através da qual Singer explora questões de forma\, memória e a sensação de queda. Ao lado dessas obras\, Singer estreia um novo conjunto de trabalhos no ICA Miami\, que reflete sobre identidades online e offline. Essas novas pinturas apresentam um trio de figuras que a artista adquiriu de fornecedores comerciais como Sketchfab e Quixel\, criando uma narrativa por meio de softwares de animação e design\, incluindo Daz 3D e Cinema 4D. Singer ambienta um casal – Unity Bachelor e Priya Prasad – em Nova York\, em 2001\, um período e lugar de amadurecimento para a artista. Sua história de amor ficcionalizada é marcada pelo trauma coletivo do 11 de setembro de 2001\, quando Priya desaparece\, enquanto uma terceira figura\, um estudante de arte bêbado\, que ao longo da carreira de Singer tem sido uma espécie de autorretrato\, perambula pelo Lower Manhattan.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Living and Made" instalação pública de Philip Lique
DESCRIPTION:The Windows Project é uma colaboração entre o The Bass Art Museum e a Bakehouse Art Complex. Living and Made é uma instalação pública de 28 metros de comprimento\, criada pelo artista Philip Lique\, que explora as relações intrínsecas entre materiais e o ato intencional e improvisado de “fazer”. Referenciando e repensando elementos de vitrines de lojas\, cenários teatrais e arranjos tradicionais de natureza-morta\, Living and Made é uma combinação de esculturas\, papéis de parede\, pinturas\, objetos prontos\, produtos da Walgreens e plantas de cactos vivas. A exibição maximalista de Lique considera como seres vivos e objetos fabricados se regeneram para formar extensões de si mesmos\, criando algo completamente novo e inesperado no processo. A instalação serve tanto como um ambiente prático para a propagação e crescimento de cactos\, quanto como um espaço para Lique experimentar a criação de peças únicas\, com componentes individuais provenientes e recuperados de seus trabalhos anteriores. Living and Made trata do impulso artístico de se adaptar e revisar\, conectando a evolução de ideias com o aumento gradual (e potencialmente inevitável) da quantidade (e qualidade) de objetos. Uma série limitada de “relatórios de condição” em NFTs (tokens não fungíveis) consistirá em varreduras 3D de 360 graus de estruturas selecionadas\, servindo como um registro do estado físico original da exposição. Após meses de exposição contínua ao sol e ao calor da Flórida\, que alimentará o crescimento de novos ramos de cactos ao mesmo tempo em que causará o desbotamento incremental e a deterioração da obra de arte\, os NFTs serão um testemunho de como a instalação mudou e evoluiu ao longo do tempo. Living and Made busca proporcionar um ponto de entrada para testemunhar o ciclo de vida de elementos naturais e manufaturados\, incentivando investigação e envolvimento público repetidos.
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LOCATION:Walgreens Storefront\, 23rd Street and Collins Avenue\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Hudinilson Jr.\, Aglaé Bassens e Claire Tabouret no ICA Miami
DESCRIPTION:Hudinilson Jr. é um dos artistas brasileiros mais significativos de sua geração. A primeira exposição de seu trabalho em um museu nos Estados Unidos\, Hudinilson Jr.: Tension Zone é uma visão introdutória de uma figura que está se tornando cada vez mais uma referência importante para artistas mais jovens\, tanto por sua produção artística quanto por sua atitude contra o “establishment” e sua participação em coletivos experimentais\, oficinas\, intervenções públicas e exposições. Vivendo sua juventude durante o período mais repressivo da ditadura militar no Brasil\, Hudinilson Jr. constantemente se colocou nas margens sociais e artísticas\, tornando sua vida indistinguível de sua prática artística de maneiras que ainda ressoam até hoje. Aglaé Bassens apresenta Emptiful\, exposição individual da artista. Com uma prática profundamente enraizada na observação e análise crítica\, Bassens cria vislumbres saudosos e meditativos da vida cotidiana. Sedutoras e comoventes\, as enigmáticas obras de Bassens frequentemente exploram questões de tensão espacial\, materialidade e intimidade. Em 2022\, o ICA Miami adquiriu uma das principais obras da artista\, Remote (2021)\, para sua coleção permanente. Claire Tabouret: Au Bois d’Amour apresenta novas obras da pintora francesa\, cuja prática examina representações complexas de identidade e sexualidade\, nuances da intimidade humana e a passagem nostálgica do tempo. Em duas galerias do térreo do ICA Miami\, Tabouret exibe sua experimentação com formato e técnica\, apresentando várias de suas pinturas Fluff\, um conjunto de monotipias e um tapete único projetado pela artista.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Lonnie Holley e The South Florida Cultural Consortium no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Duas exposições\, curadas por Adeze Wilford\, são destaque no Museum of Contemporary Art North Miami. Lonnie Holley: If You Really Knew é a primeira e mais abrangente exposição do artista e músico Lonnie Holley\, nascido em Birmingham\, Alabama\, no sul dos Estados Unidos. A exposição oferece uma visão íntima e focada da carreira prolífica de Holley\, abrangendo décadas de seu trabalho. Apresentando 70 obras\, a mostra inclui esculturas fundamentais em “pedra-sabão”\, novos trabalhos em papel e pinturas em tecido que retratam rostos. A influência de Holley na arte do sul é destacada ao longo da exposição\, com obras de um grupo de artistas que ele apoiou\, incluindo Purvis Young\, Thornton Dial\, Mary T. Smith e Hawkins Bowling.  Lonnie Holley: If You Really Knew oferece uma experiência instigante e emocionalmente impactante\, convidando os visitantes a refletirem sobre os temas e inspirações do artista. Já a exposição coletiva do The South Florida Cultural Consortium\, reúne um grupo de 12 artistas que trabalham em diversas mídias\, incluindo escultura\, filme e instalações específicas do local. Essa conversa intergeracional oferece insights sobre a vibrante e diversa cena artística do sul da Flórida\, destacando o pulso criativo da comunidade. Os artistas em destaque incluem Farley Aguilar\, Gabino A. Castelán\, Nereida Garcia-Ferraz\, Moira Holohan\, Francesco Lo Castro\, Tory Mata\, Beatriz Monteavaro\, Ema Ri\, Asser Saint-Val\, Carin Wagner\, Carrington Ware e Addison Wolff. Os visitantes podem esperar se envolver com as obras dos artistas\, cada um com suas perspectivas e estilos únicos\, criando uma atmosfera de descoberta.
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LOCATION:MOCA North Miami\, 770 NE 125th street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Joan Didion: What She Means" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Organizado pelo aclamado escritor e colaborador da revista New Yorker\, Hilton Als\, a exposição apresenta aproximadamente cinquenta artistas\, incluindo Betye Saar\, Vija Celmins\, Felix Gonzalez-Torres\, Maren Hassinger\, Silke Otto-Knapp\, Ana Mendieta e Pat Steir\, entre muitos outros. Os mais de 200 objetos e obras de arte incluem relíquias de família\, pinturas\, efêmeros\, fotografias\, esculturas\, vídeos e cenas de vários filmes para os quais Didion escreveu roteiros. Joan Didion: What She Means segue uma cronologia que aborda a evolução simultaneamente pessoal e distante da voz de Didion como escritora e pioneira do Novo Jornalismo\, com ênfase na subjetividade e crítica do poder. A exposição acompanha de perto sua vida de acordo com os lugares que ela chamou de lar e é organizada em capítulos cronológicos: Sacramento\, Berkeley (1934–1956); Goodbye to All That: New York (1956–1963); The White Album: California\, Hawai‘i (1964–1988); e o capítulo final\, Sentimental Journeys: New York\, Miami\, San Salvador (1988–2021).
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Big World: Alternative Landscapes in the Modern Era" no The Wolfsonian
DESCRIPTION:The Big World\, concentrando-se nas representações da paisagem na coleção do The Wolfsonian\, desafia as expectativas da arte paisagística ao ir além de cenas bucólicas para revelar vistas em transformação da era moderna representadas em pinturas\, artes decorativas e até mesmo em um grande piano. A exposição traça um curso desde o final do século XIX até a primeira metade do século XX\, apresentando a história do crescimento global e das ideias em evolução sobre o mundo ao nosso redor — desde a natureza intocada até sua alteração radical nos centros urbanos e industriais modernos\, até panoramas arruinados pela guerra e pelo desrespeito ambiental.
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LOCATION:The Wolfsonian\, 1001 Washington Avenue\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"O cio da terra | Ócio da terra" na Fundacion Pablo Atchugarry Miami
DESCRIPTION:Apesar das semelhanças semânticas entre “ócio” e “cio”\, duas palavras em português\, elas têm significados diametralmente opostos. Associados à dimensão materna da Terra\, as diferenças que as definem qualificam todas as formas de vida governadas por ciclos de fertilidade e pausa. Uma vez que “cio” é o equivalente que complementa e define “ócio”\, desconsiderar a integração de ambos equivaleria a separar o nascimento da morte e ambos do ressurgimento\, como exemplificado pelas sementes que precisam “morrer para crescer”\, conforme Gilberto Gil canta em sua música “Drão” (1982)\, dedicada aos ciclos de crescimento do afeto. A música popular brasileira está na raiz da exposição-laboratório “O cio da terra | Ócio da terra”\, onde artistas e agricultores de diferentes gerações têm trabalhado juntos para combater o avanço de soluções que devastam a biodiversidade. O cerne deste projeto está nos versos da música da qual ele tira seu título\, escrita e composta por Milton Nascimento e Chico Buarque. De fato\, “acariciar a terra | conhecer os desejos da terra” pluraliza como o duo natureza-cultura se relaciona\, ecoando a ideia de que satisfazer a Terra envolve se envolver com seus desejos\, o que equivale a cuidar das várias formas de vida que nascem\, morrem e renascem dentro dela.
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LOCATION:Fundacion Pablo Atchugarry Miami\, 5520 NE 4th Ave\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Nam June Paik: The Miami Years" no The Bass Museum of Art
DESCRIPTION:A partir de quarta-feira\, 4 de outubro de 2023\, até 16 de agosto de 2024\, o Museu de Arte Bass apresenta “Nam June Paik: Os Anos de Miami”\, uma nova exposição com obras do artista visual coreano-americano que exploram sua conexão com Miami Beach e a comunidade circundante do sul da Flórida. \n\n\n\nNam June Paik (nascido em 1932\, Seul; falecido em 2006\, Miami Beach) foi um pioneiro no desenvolvimento de imagens em movimento eletrônicas e composições digitalizadas como forma de expressão criativa. Creditado por originar o termo “superestrada eletrônica” em 1974\, as obras complexas de Paik demonstraram enorme presciência para a influência e proliferação de mídias digitais como meio artístico\, a expansão global de redes sociais e a crescente interligação entre a vida moderna e a tecnologia. \n\n\n\nOrganizada em torno da recente aquisição de TV Cello (2003) pelo Bass\, “Nam June Paik: Os Anos de Miami” oferece uma análise detalhada da conexão do artista com Miami. A exposição revela a pouco conhecida história da vida do artista em Miami Beach\, explorando as formas inovadoras que ele usou para se comunicar e empregar tecnologias de mídia em seu trabalho. \n\n\n\nNo início da década de 1990\, os visitantes do Aeroporto Internacional de Miami tiveram a oportunidade de encontrar duas instalações esculturais extraordinárias de Paik. WING\, localizada no saguão do Concourse B\, saudava os espectadores com quase 100 monitores de televisão montados em uma estrutura em forma de biplano\, iluminada por um quadro de néon\, pontuada por uma hélice. MIAMI\, em frente às portas de saída da alfândega no saguão do Concourse E\, apresentava 74 monitores dispostos para soletrar M-I-A-M-I em letras maiúsculas. \n\n\n\nEm ambas as obras\, as telas de TV apresentavam um fluxo hipnotizante de imagens icônicas do sul da Flórida\, intercaladas com vislumbres reconhecíveis de todo o mundo: palmeiras\, flamingos\, banhistas na praia\, congestionamentos de tráfego\, templos budistas\, terra derretida\, barcos à vela e moléculas. Milhares de imagens\, juntamente com a forma única de “pintura eletrônica” de Paik\, combinavam-se em uma cacofonia dinâmica diante dos olhos dos viajantes. \n\n\n\nEncomendadas em 1985 pelo Miami-Dade Art in Public Places Trust\, WING e MIAMI foram dedicadas em 29 de novembro de 1990. Embora Paik tenha feito de Miami Beach sua casa até sua morte em 2006\, no final da década de 1990\, WING e MIAMI não estavam mais em exibição pública. \n\n\n\nCom pesquisas originais sobre Paik e o sul da Flórida\, incluindo um relato cronológico da criação e exibição de WING e MIAMI\, “Nam June Paik: Os Anos de Miami” oferecerá novas perspectivas sobre o envolvimento pessoal do aclamado artista com nossa região. \n\n\n\nA exposição também incluirá “Notations”\, performances de artistas contemporâneos cujas práticas se envolvem e ampliam o uso experimental de tecnologia encontrado no trabalho de Nam June Paik. A primeira apresentação de “Notations” contará com o MyFi Studio no “Third Thursdays” no The Bass em 19 de outubro.
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LOCATION:The Bass Museum of Art\, 2100 Collins Ave City Center\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
CATEGORIES:Miami
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SUMMARY:Temporada de exposições na The Margulies Collection at the WAREhOUSE
DESCRIPTION:Nesta temporada a Margulies Collection apresentam seis exposições notáveis simultâneas em seu espaço: Motherwell\, Segal\, Stella\, destaca obras fundamentais de três dos mais destacados artistas americanos da segunda metade do século XX; Helen Levitt New York Street Photographer 1930s and 1940 apresenta 176 fotografias dos arquivos da Margulies Collection da mestra fotógrafa de rua Helen Levitt; Mimmo Paladino: Painting and Sculpture uma exposição solo de nove pinturas e esculturas em bronze do artista\, que abrangem de 1990 a 2022; Only Sculpture: Bladen\, Fabro\, Heizer\, Noguchi\, Perlman\, Merz\, Serra\, Tony Smith\, Snelson\, Tucker\, Franz West apresenta nove esculturas de grande porte\, abrangendo o período de 1965 a 2022; New to the Collection é um espaço reservado no Warehouse dedicado ao trabalho de artistas jovens e inovadores recentemente adquiridos na coleção; Danny Lyon: 100 Photographs apresenta 118 obras de Danny Lyon de suas séries mais notáveis e famosas\, incluindo seu trabalho em seis prisões do Texas e seu tempo com motociclistas do meio-oeste americano no final da década de 1960\, respectivamente\, Conversations with the Dead e The Bikeriders.
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LOCATION:The Margulies Collection at the WAREhOUSE\, 591 NW 27th St Wynwood Art District\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"BOUNCE" na Oolite Arts
DESCRIPTION:BOUNCE marca a estreia de Storm Ascher como curadora em Miami\, apresentando uma fusão dinâmica de artistas residentes da Oolite junto a colaboradores internacionais renomados de sua galeria e empreendimentos curatoriais. Esta mostra evocativa gira em torno do catalisador temático BOUNCE\, inspirando uma ampla gama de interpretações dos artistas participantes. \n\n\n\n“A essência fundamental de Bounce impregna a exposição com uma vibração eletrizante\, evocando noções de cinética\, onde objetos estáticos ganham vida em movimento\, ao mesmo tempo em que mergulha profundamente nas implicações culturais profundas que a palavra carrega\, intimamente ligadas à vibrante história multicultural de Miami.” – Storm Ascher
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LOCATION:Oolite Arts\, 924 Lincoln Road\, 2nd Floor\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Três exposições na Mindy Solomon Gallery
DESCRIPTION:A Mindy Solomon Gallery apresenta três exposições simultâneas em seu espaço: a segunda exposição individual da artista Caroline Larsen em Miami\, a artista se inspira nas paisagens da Califórnia e do Arizona\, infundindo a mesma abordagem hiperpigmentada em suas obras mais recentes; Lanise Howard\, baseada em Los Angeles\, também apresenta sua segunda exposição individual. Continuando sua investigação da experiência humana\, Howard concentra-se no processo de vida e em como nos movemos de um reino espiritual para o próximo; já na exposição individual inaugural da artista argentina Ornella Pocetti\, a artista cria uma mistura inspirada na ficção pulp\, explorando mitologia de nova femme fatale e expandindo os limites da narrativa contemporânea. Paisagens fictícias emergem\, apresentando seres com características femininas e não binárias.
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LOCATION:Mindy Solomon Gallery\, 848 NW 22 Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jamea Richmond-Edwards: Ancient Future" no MOCA North Miami
DESCRIPTION:Ancient Future apresenta a pesquisa multidimensional de Jamea Richmond-Edwards no afrofuturismo e nas mitologias negras\, exibindo suas vibrantes pinturas\, explorações cinematográficas e instalações imersivas características. A exposição introduz uma obra em vídeo que entrelaça suas experiências com bandas marciais de universidades historicamente negras (HBCU) e apresentações de majorettes\, complementada por uma trilha sonora de seu filho\, um emergente músico de jazz. No centro da exposição está uma pintura monumental que mescla egiptologia e referências bíblicas\, apresentando a guardiã cósmica\, a deusa egípcia Nut. \n\n\n\nPovoada por fantasia e autorretratos\, Ancient Future instiga os espectadores a imaginar um mundo sem opressão\, questionando quem poderíamos nos tornar em tal universo. Para Richmond-Edwards\, esta exposição projeta um futuro luminoso construído sobre a energia de nosso passado e presente.
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LOCATION:MOCA North Miami\, 770 NE 125th street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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