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SUMMARY:"Charles Ross: Spectrum 14" no Getty Center
DESCRIPTION:Charles Ross em “Solar Spectrum\, Dwan Light Sanctuary”\, United World College\, Montezuma\, NM\, 2023. Foto: Jeremy Frechette.\n\nSpectrum 14 é uma instalação composta por um conjunto calibrado de prismas que projetam um deslumbrante espetáculo de cores luminosas pela rotunda do museu. Faixas de luz espectral atravessam o espaço em relação ao sol\, seguindo um arco ligeiramente diferente no céu a cada dia. Com o tempo\, a obra de Ross muda em resposta à órbita de rotação da Terra\, conectando-nos à experiência pré-moderna de observação e cálculo astronômico que definiu ciclos de dias\, estações e rituais. \nEste projeto foi comissionado para o PST ART como parte da exposição Lumen: The Art and Science of Light. É a segunda “Comissão da Rotunda”\, uma série de instalações artísticas inspiradas pela coleção\, arquitetura e localização do Getty Museum.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"We Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art" no LACMA
DESCRIPTION:Alfonso Nava Larios\, “Cosmic Tree (Guamuchil)”\, 2023. © Alfonso Nava Larios\, foto © Museum Associates/LACMA\, por Javier Hinojosa.\n\n\n\n\nArtistas mesoamericanos assumiam uma responsabilidade cósmica: ao adornarem superfícies de edifícios\, vasos de barro\, têxteis\, páginas de papel de casca e esculturas com cores\, eles (literalmente) criavam o mundo. O poder da cor emergia da materialidade de seus pigmentos\, das mãos habilidosas que os confeccionavam e das comunidades cujo conhecimento lhes atribuía significado. A cor mapeava a ordem do cosmos\, do tempo e do espaço. Ao manipular e aplicar cores\, os artistas detinham o poder da criação cósmica em suas mãos. \nWe Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art explora a ciência\, a arte e a cosmologia das cores na Mesoamérica. Histórias de colonialismo e industrialização no Ocidente “averso à cor” minimizaram a profunda significância da cor nas Américas Indígenas. A exposição segue duas linhas de investigação interconectadas — análises técnicas e materiais\, e concepções indígenas de arte e imagem — para alcançar a plena riqueza da cor no cerne das visões de mundo mesoamericanas.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"HEAD FOR THE HILLS!" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Nairy Baghramian\, “Scruff of the Neck (AP)”\, 2016 – Divulgação / Hammer Museum \nHEAD FOR THE HILLS! reúne diversas aquisições recentes e reflete o compromisso do Hammer Museum em colecionar obras de artistas locais e internacionais em uma ampla variedade de mídias. O título da exposição faz referência a uma obra de 1974 do artista John Knight—um slideshow de textos publicitários retirados do suplemento imobiliário do Los Angeles Times. A mostra destaca trabalhos que exploram o cotidiano\, o pessoal e o banal como meios de acessar questões universais.
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LOCATION:Hammer Museum\, 10899 Wilshire Blvd Westwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Zheng Chongbin: Golden State" no LACMA
DESCRIPTION:Zheng Chongbin\, “Golden State”\, 2024\, cortesia do artista\, © Zheng Chongbin\, foto: Zhang Hong.\n\n\n\n\nAo longo das últimas quatro décadas\, o artista Zheng Chongbin (n. 1961)\, nascido em Xangai e radicado no Condado de Marin\, desenvolveu uma prática singular que dialoga com os conceitos e a estética do movimento Light and Space\, além da tradição da pintura com tinta da Ásia Oriental. Formado tanto em pintura figurativa chinesa tradicional quanto em arte de instalação e performance\, Zheng sintetiza essas práticas aparentemente distintas em técnicas inéditas de pintura e vídeo que se tornaram sua marca registrada. Zheng Chongbin: Golden State é uma apresentação concisa que reúne duas instalações de vídeo\, além de obras pintadas e impressas. Por meio de formas abstratas e visões distorcidas das paisagens naturais da Califórnia\, Zheng explora água\, luz e movimento em suas obras características.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Line\, Form\, Qi" no LACMA
DESCRIPTION:Wei Ligang\, “Elephant”\, 2011\, Los Angeles County Museum of Art\, presente prometido da Fondation INK\, © Wei Ligang\, foto de Maurice Aeschimann\, Genebra\, cortesia da Fondation INK\n\n\n\n\nUma análise das inovações na arte caligráfica\, Line\, Form\, Qi: Calligraphic Art from the Fondation INK Collection destaca obras experimentais de arte caligráfica moderna e contemporânea criadas por artistas como Yahon Chang\, Fung Ming Chip\, Gu Wenda\, Inoue Yūichi\, Lee In\, Henri Michaux\, Nguyễn Quang Thắng\, Qiu Zhijie\, Tong Yangtze\, Wang Dongling\, Wei Ligang e Xu Bing. As obras em exibição revelam a evolução do pictograma\, explorações da relação entre conteúdo e forma\, o desenvolvimento de novos estilos de escrita e a abstração da palavra escrita. A mostra é acompanhada por um catálogo acadêmico e marca a segunda exposição de uma série de mostras da Coleção Fondation INK\, composta por 400 obras de arte contemporânea no espírito da tinta\, prometida ao LACMA em 2018.
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SUMMARY:"Substrate" de Nancy Baker Cahill no LACMA
DESCRIPTION:Nancy Baker Cahill\, “Substrate”\, 2025\, realidade aumentada interativa\, comissionada pelo Art + Technology Lab do Los Angeles County Museum of Art.\n\n\n\n\nUma experiência monumental de realidade aumentada interativa\, Substrate\, de Nancy Baker Cahill\, convida o espectador a refletir sobre as conexões entre organizações dedicadas à produção de conhecimento\, ao contribuir com suas próprias descrições de artefatos culturalmente significativos. Inspirando-se em imagens e exemplos de redes encontradas na natureza\, Baker Cahill retrata o LACMA\, a Biblioteca Central da Biblioteca Pública de Los Angeles e o sistema de faculdades comunitárias da Califórnia como árvores abstratas interligadas\, com sistemas de raízes e redes de micélio que produzem nutrientes essenciais para a saúde e o bem-estar humanos. A obra tem como base o projeto homônimo anterior da artista\, apoiado pelo Art + Technology Lab do LACMA\, que utilizou conceitos futuristas de cidadania e pensamento sistêmico para demonstrar o potencial de colaborações entre polos cívicos locais.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jeffrey Gibson: the space in which to place me" no The Broad
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Jeffrey Gibson: the space in which to place me no The Broad”\, Los Angeles. Foto de Joshua White/JWPictures.com\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nJeffrey Gibson: the space in which to place me é uma exposição especial caleidoscópica\, repleta de cores vibrantes\, bordados intricados\, esculturas monumentais e narrativas potentes — tudo refletindo a visão radical do artista para um futuro em que todas as pessoas sejam vistas\, aceitas e amadas. A mostra chega ao The Broad diretamente da 60ª Bienal de Veneza (2024)\, uma das mais prestigiadas exposições de arte visual do mundo\, onde Gibson fez história como o primeiro artista indígena a representar os Estados Unidos com uma mostra individual no Pavilhão Americano. \nA prática de Gibson celebra indivíduos e comunidades que mantiveram sua dignidade e tradições em circunstâncias extremas\, com foco na resiliência presente nos legados de criadores indígenas. Ele justapõe uma variedade de textos — de documentos legais fundacionais a citações de ativistas dos direitos civis e letras de músicas pop —\, combinando histórias americanas\, indígenas e LGBTQIA+ com referências a subculturas populares\, literatura e tradições artísticas globais.
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LOCATION:The Broad\, 221 S. Grand Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Artemisia's Strong Women: Rescuing a Masterpiece" no Getty Center
DESCRIPTION:Artemisia Gentileschi\, “Hercules and Omphale” (detalhe)\, cerca de 1635–1637. Coleções do Palácio Sursock\, Beirute\, Líbano. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEm 2020\, uma enorme explosão no porto de Beirute devastou a cidade. Entre os escombros\, foi encontrado um quadro até então desconhecido de Artemisia Gentileschi\, a mais célebre pintora da Itália no século XVII. Retratando uma cena do mito grego de Hércules\, a pintura\, gravemente danificada\, foi enviada ao Getty para um tratamento de conservação aprofundado. Em uma instalação focada em seu processo de restauração\, a obra recuperada é apresentada ao lado de outros quatro quadros de Gentileschi\, que destacam seu interesse especial pelas donne forti (mulheres fortes) das tradições clássica e bíblica. \nEsta exposição é apresentada em inglês e espanhol.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"$3 Bill: Evidence of Queer Lives" no Getty Center
DESCRIPTION:Naima Green\, “Assemblage with Pur·suit” (detalhe)\, 2019 © Naima Green; e Front Line of Freedom San Francisco: Queer as a Three Dollar Bill\, ca. 1981\, Ken Wood. Obras da coleção do Getty Research Institute. Texto\, design\, foto © 2025 J. Paul Getty Trust \n$3 Bill celebra as contribuições de artistas LGBTQ+ no último século. De pioneiros que investigaram questões de identidade sexual e de gênero na primeira metade do século XX\, passando pelos movimentos de libertação e pelos horrores da epidemia de HIV/AIDS\, até a compreensão atual\, mais inclusiva e ampla\, sobre gênero\, $3 Bill apresenta uma jornada de resiliência\, orgulho e beleza. \nNesta exposição\, reconhecemos abertamente\, em nossos textos de parede\, a história complexa da palavra “queer” e falamos sobre sua ressignificação pela comunidade LGBTQ+. Nesse contexto\, ela não é pejorativa\, mas uma palavra de inclusão e empoderamento. Além disso\, “queer” é um termo neutro em relação ao gênero e abrange pessoas que ficam de fora dos identificadores LGBT (como intersexo). \nUsamos essa palavra com intencionalidade\, consciência e respeito. \nEsta exposição é apresentada em inglês e espanhol.
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SUMMARY:"Queer Lens: A History of Photography" no Getty Center
DESCRIPTION:Ativistas Gays na Primeira Parada do Orgulho Gay\, Christopher Street\, Nova York (detalhe)\, 1970\, 2021\, Arthur Tress. Getty Museum. Doação de David Knaus. © Arthur Tress Archive LLC \nDesde meados do século XIX\, a fotografia tem servido como uma ferramenta poderosa para examinar conceitos de gênero\, sexualidade e autoexpressão. A imediaticidade e a acessibilidade do meio desempenharam um papel transformador na proliferação gradual de imagens homossociais\, homoeróticas e homossexuais. Apesar de períodos de intensa homofobia\, quando muitas fotografias que retratavam a vida queer foram suprimidas ou destruídas\, esta exposição reúne uma variedade de evidências para explorar o papel profundo da fotografia na construção e afirmação do vibrante tecido da comunidade LGBTQ+. \nNa exposição Queer Lens\, reconhecemos abertamente\, em nossos textos de parede\, a história complexa da palavra “queer” e falamos sobre sua ressignificação pela comunidade LGBTQ+. Nesse contexto\, ela não é pejorativa\, mas uma palavra de inclusão e empoderamento. Além disso\, “queer” é um termo neutro em relação ao gênero e abrange pessoas que ficam de fora dos identificadores LGBT (como intersexo). \nUsamos essa palavra com intencionalidade\, consciência e respeito. \nEsta exposição é apresentada em inglês e espanhol. \n 
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