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SUMMARY:"Charles Ross: Spectrum 14" no Getty Center
DESCRIPTION:Charles Ross em “Solar Spectrum\, Dwan Light Sanctuary”\, United World College\, Montezuma\, NM\, 2023. Foto: Jeremy Frechette.\n\nSpectrum 14 é uma instalação composta por um conjunto calibrado de prismas que projetam um deslumbrante espetáculo de cores luminosas pela rotunda do museu. Faixas de luz espectral atravessam o espaço em relação ao sol\, seguindo um arco ligeiramente diferente no céu a cada dia. Com o tempo\, a obra de Ross muda em resposta à órbita de rotação da Terra\, conectando-nos à experiência pré-moderna de observação e cálculo astronômico que definiu ciclos de dias\, estações e rituais. \nEste projeto foi comissionado para o PST ART como parte da exposição Lumen: The Art and Science of Light. É a segunda “Comissão da Rotunda”\, uma série de instalações artísticas inspiradas pela coleção\, arquitetura e localização do Getty Museum.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"We Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art" no LACMA
DESCRIPTION:Alfonso Nava Larios\, “Cosmic Tree (Guamuchil)”\, 2023. © Alfonso Nava Larios\, foto © Museum Associates/LACMA\, por Javier Hinojosa.\n\n\n\n\nArtistas mesoamericanos assumiam uma responsabilidade cósmica: ao adornarem superfícies de edifícios\, vasos de barro\, têxteis\, páginas de papel de casca e esculturas com cores\, eles (literalmente) criavam o mundo. O poder da cor emergia da materialidade de seus pigmentos\, das mãos habilidosas que os confeccionavam e das comunidades cujo conhecimento lhes atribuía significado. A cor mapeava a ordem do cosmos\, do tempo e do espaço. Ao manipular e aplicar cores\, os artistas detinham o poder da criação cósmica em suas mãos. \nWe Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art explora a ciência\, a arte e a cosmologia das cores na Mesoamérica. Histórias de colonialismo e industrialização no Ocidente “averso à cor” minimizaram a profunda significância da cor nas Américas Indígenas. A exposição segue duas linhas de investigação interconectadas — análises técnicas e materiais\, e concepções indígenas de arte e imagem — para alcançar a plena riqueza da cor no cerne das visões de mundo mesoamericanas.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Olafur Eliasson: OPEN" no MOCA Geffen
DESCRIPTION:Olafur Eliasson\, “Kaleidoscope for plural perspectives”\, 2024. Foto: Studio Olafur Eliasson. Cortesia do artista; Tanya Bonakdar Gallery © 2024 Olafur Eliasson \nO artista islandês-dinamarquês Olafur Eliasson (nascido em 1967\, Copenhague; vive e trabalha em Berlim) apresenta uma nova instalação site-specific criada para o The Geffen Contemporary at MOCA. Em sintonia com sua trajetória de pesquisa sobre luz e cor\, geometria e consciência ambiental\, a instalação interage de maneira lúdica com as qualidades materiais e imateriais da arquitetura do museu. \nUma série de dispositivos ópticos em grande escala\, projetados especificamente para o MOCA Geffen\, responde tanto à estrutura do edifício quanto à atmosfera em constante mudança de Los Angeles. Os visitantes experimentam um amplo espectro de sensações visuais e espaciais\, que exploram as leis da óptica geométrica para abordar temas como corporeidade\, percepção e participação. \nAtenção: a exposição Olafur Eliasson: OPEN inclui espaços com baixa iluminação em algumas galerias e uma obra com luzes intermitentes. \nA mostra faz parte das mais de 70 exposições e programas apresentados no PST ART: Art & Science Collide\, evento regional organizado pela Getty Initiative que investiga as interseções entre arte e ciência\, no passado e no presente. \nOlafur Eliasson: OPEN é organizada por José Luis Blondet\, curador sênior\, e Rebecca Lowery\, curadora associada\, com Emilia Nicholson-Fajardo\, assistente curatorial\, e Anastasia Kahn\, ex-assistente curatorial\, no The Museum of Contemporary Art\, Los Angeles.
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LOCATION:MOCA Geffen\, 152 North Central Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Taming the Desert" no Fowler Museum at UCLA
DESCRIPTION:Artista(s) não identificado(s) (Nasca Antigo\, costa sul do Peru). Jarro efígie\, 100 AEC–600 EC. Fowler Museum at UCLA\, Doação do Sr. e Sra. Herbert L. Lucas Jr \nTaming the Desert reúne 34 cerâmicas e têxteis das culturas Moche e Nasca\, provenientes das coleções do LACMA e do Fowler Museum da UCLA. As obras apresentam criaturas fantásticas\, ancestrais poderosos e seres mitológicos\, revelando como as sociedades andinas antigas buscavam significado espiritual e auxílio divino em um mundo imprevisível e desafiador. A religião e os rituais foram fundamentais para lidar com as condições extremas da costa desértica do Peru. \nApesar da escassez de recursos\, do isolamento geográfico e da vulnerabilidade climática\, essa região desértica foi palco de importantes avanços civilizatórios\, incluindo a formação de centros urbanos\, assentamentos densos\, redes de comércio\, grandes sistemas de irrigação e agricultura\, além de sofisticadas tradições artesanais. A exposição oferece uma oportunidade rara de observar duas expressões artísticas pré-hispânicas em diálogo e de refletir sobre questões contemporâneas relacionadas a crises climáticas\, escassez de recursos e resiliência humana. \nTaming the Desert é apresentada pelo Fowler Museum da UCLA\, em colaboração com o Los Angeles County Museum of Art (LACMA)\, e tem curadoria de Luis Armando Muro Ynoñán\, ex-bolsista de pós-doutorado do LACMA e atual curador do Field Museum\, em Chicago. \nOs programas educativos são apoiados pela Nissan Foundation.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/taming-the-desert-no-fowler-museum-at-ucla/
LOCATION:Fowler Museum at UCLA\, 308 Charles E Young Dr N\, Los Angeles\, United States
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SUMMARY:"Digital Witness: Revolutions in Design\, Photography\, and Film" no LACMA
DESCRIPTION:April Greiman\, Pacific Wave\, 1987. Los Angeles County Museum of Art\, aquisição com fundos fornecidos pelo Decorative Arts and Design Council Acquisition Fund e pelo Ralph M. Parsons Fund. © April Greiman\, foto © Museum Associates/LACMA.\n\n\n\n\nNas últimas quatro décadas\, softwares de edição de imagem transformaram radicalmente nosso mundo visual. A facilidade com que imagens e textos podem ser gerados e alterados digitalmente possibilitou novas formas de experimentação criativa\, ao mesmo tempo em que gerou debates filosóficos sobre a própria natureza da representação. Digital Witness: Revolutions in Design\, Photography\, and Film examina o impacto das ferramentas de manipulação digital dos anos 1980 até o presente\, avaliando pela primeira vez os desenvolvimentos simultâneos e os debates nos campos da fotografia\, design gráfico e efeitos visuais. Com mais de 150 obras\, a exposição traça o surgimento de estratégias estéticas digitais distintas\, relações com o realismo e novos modos de narrativa. Os quase 200 artistas\, designers e criadores em Digital Witness iluminam a cultura visual contemporânea\, em que ferramentas de edição digital estão mais acessíveis do que nunca. \nParalelamente à exposição\, o Hoffmitz Milken Center for Typography\, do ArtCenter College of Design\, apresentará Digital Witness: Algorithmic Spaces for Typography and Language\, de 13 de novembro de 2024 a 27 de abril de 2025. \n 
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Imagining Black Diasporas" no LACMA
DESCRIPTION:Arielle Bobb-Willis\, Nova Jersey\, 2019\, Los Angeles County Museum of Art\, Fundo Ralph M. Parsons\, foto © Museum Associates/LACMA.\n\n\n\n\nImagining Black Diasporas: 21st-Century Art and Poetics encontra conexões estéticas entre 60 artistas que atuam na África\, Europa e Américas. A exposição e seu catálogo estão entre os primeiros a examinar quase um quarto de século de produção de artistas negros. O projeto apresenta novas aquisições para o LACMA e amplia o cânone das exposições panafricanas\, historicamente focado no Atlântico Negro\, ao destacar artistas que atuam na orla do Pacífico. Cerca de 70 obras de pintura\, escultura\, fotografia\, obras em papel e mídias temporais são organizadas em quatro temas: fala e silêncio\, movimento e transformação\, imaginação e representação. Poetas contemporâneos contribuíram com trabalhos originais para o catálogo\, estendendo o uso histórico da poesia no discurso panafricano. A definição geral de diáspora como deslocamento de suas origens exclui toda a criatividade que o termo carrega. As pessoas reinventam sua herança por meio de expressões artísticas\, transformando a diáspora de um movimento regional em uma fonte de imaginação. Por meio de uma análise das escolhas estéticas de artistas negros\, Imagining Black Diasporas revela suas percepções sobre a existência.
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SUMMARY:"HEAD FOR THE HILLS!" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Nairy Baghramian\, “Scruff of the Neck (AP)”\, 2016 – Divulgação / Hammer Museum \nHEAD FOR THE HILLS! reúne diversas aquisições recentes e reflete o compromisso do Hammer Museum em colecionar obras de artistas locais e internacionais em uma ampla variedade de mídias. O título da exposição faz referência a uma obra de 1974 do artista John Knight—um slideshow de textos publicitários retirados do suplemento imobiliário do Los Angeles Times. A mostra destaca trabalhos que exploram o cotidiano\, o pessoal e o banal como meios de acessar questões universais.
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LOCATION:Hammer Museum\, 10899 Wilshire Blvd Westwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"David Hammons: Concerto in Black and Blue" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:David Hammons\, “Concerto in Black and Blue” (2002–03)\, © 2025 David Hammons / ARS\, Nova York. Cortesia de David Hammons. Foto: Linda Goode Bryant \nDavid Hammons sempre soube jogar com o invisível. Concerto in Black and Blue\, que volta a ser exibida mais de duas décadas depois de sua estreia\, não é apenas uma instalação\, mas uma experiência que coloca o visitante diante do desconhecido. De 18 de fevereiro a 1º de junho de 2025\, a Hauser & Wirth em Los Angeles receberá essa obra que\, à primeira vista\, parece um gesto mínimo: um espaço escuro\, onde o único guia são pequenos feixes de luz azul que os próprios visitantes carregam. \nMas Hammons nunca faz apenas o óbvio. Ele trabalha com a ausência\, com o que escapa do olhar. Dentro dessa escuridão\, cada um precisa encontrar seu caminho\, sem saber exatamente o que há ao redor – uma sensação que carrega camadas de significado\, especialmente quando pensamos na história negra nos Estados Unidos\, no que foi apagado\, no que não se quer ver. Concerto in Black and Blue não dá respostas\, apenas convida quem entra a lidar com o desconhecido.
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LOCATION:Hauser & Wirth Downtown Los Angeles\, 901 E 3rd St\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Bleed\, Part II" de George Rouy na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:George Rouy\, “III”\, 2025 © George Rouy. Foto: Damian Griffiths \nNeste mês de fevereiro\, a Hauser & Wirth Downtown Los Angeles apresenta The Bleed\, Part II\, a primeira exposição individual do artista britânico George Rouy nos Estados Unidos com a galeria. Dando continuidade à sua recente apresentação em Londres\, este “segundo capítulo” traz novas obras que expandem sua investigação sobre massa humana\, multiplicidade e movimento. \nCaracterizadas por um dinamismo marcante\, as pinturas de Rouy capturam experiências essenciais da vida contemporânea—desejo e inquietação\, a vontade de conexão frustrada pela alienação—para explorar os extremos emocionais em uma era globalizada e impulsionada pela tecnologia.
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LOCATION:Hauser & Wirth Downtown Los Angeles\, 901 E 3rd St\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Zheng Chongbin: Golden State" no LACMA
DESCRIPTION:Zheng Chongbin\, “Golden State”\, 2024\, cortesia do artista\, © Zheng Chongbin\, foto: Zhang Hong.\n\n\n\n\nAo longo das últimas quatro décadas\, o artista Zheng Chongbin (n. 1961)\, nascido em Xangai e radicado no Condado de Marin\, desenvolveu uma prática singular que dialoga com os conceitos e a estética do movimento Light and Space\, além da tradição da pintura com tinta da Ásia Oriental. Formado tanto em pintura figurativa chinesa tradicional quanto em arte de instalação e performance\, Zheng sintetiza essas práticas aparentemente distintas em técnicas inéditas de pintura e vídeo que se tornaram sua marca registrada. Zheng Chongbin: Golden State é uma apresentação concisa que reúne duas instalações de vídeo\, além de obras pintadas e impressas. Por meio de formas abstratas e visões distorcidas das paisagens naturais da Califórnia\, Zheng explora água\, luz e movimento em suas obras características.
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SUMMARY:"Prelude to the Sun" de Sandra Cinto na Tanya Bonakdar Gallery
DESCRIPTION:Vista da exposição “Prelude to the Sun” de Sandra Cinto na Tanya Bonakdar Gallery – Crédito: Divulgação Tanya Bonakdar Gallery\n\n\n\n\nA Tanya Bonakdar Gallery apresenta Prelude to the Sun\, exposição individual de novos trabalhos de Sandra Cinto em Los Angeles\, em cartaz até 2 de julho de 2025. Esta é a décima primeira mostra da artista com a galeria e sua segunda na filial de Los Angeles. \nHá mais de três décadas\, Sandra Cinto investiga o potencial do desenho para criar imagens intricadas e ambientes imersivos\, utilizando a linha como gesto para desconstruir as fronteiras físicas e conceituais entre pintura\, escultura\, fotografia e instalação. Para Prelude to the Sun\, Cinto desenvolveu um grande desenho mural curvo\, envolvendo o espectador em um céu dourado. O sol\, elemento recorrente e inspirador para a artista\, aparece não apenas como símbolo de calor e vida\, mas também como marcador do tempo. Motivos delicadamente repetidos — estrelas\, ondas\, penhascos\, pontes e balanços — compõem um vocabulário visual rico que constrói uma paisagem lírica\, suspensa entre fantasia e realidade. Em toda a sua produção\, especialmente nas instalações\, Cinto desafia os limites do desenho e o utiliza como um poderoso meio de conexão. As paredes douradas da galeria conduzem o espectador por uma jornada através do cosmos. \nUtilizando telas redondas e ovais\, Cinto explora o ciclo do amanhecer ao anoitecer em uma nova série de pinturas. Em uma paleta de azul e dourado\, as transições tonais ao longo da exposição evoluem da luz para a escuridão e vice-versa. Remetendo a janelas de avião ou escotilhas\, essas obras parecem mirar além da borda da Terra\, em direção ao sol. Cinto transforma os espaços expositivos em uma espécie de nave cósmica a partir da qual é possível testemunhar o próprio tempo\, convidando o público a uma jornada meditativa — como se estivesse olhando pela janela durante um voo. Conjuntamente\, as obras oferecem uma representação da energia cósmica do universo e uma reflexão poética sobre a passagem do tempo: de ontem para hoje\, de hoje para o amanhã.
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LOCATION:Tanya Bonakdar Gallery\, 1010 N Highland Ave\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Line\, Form\, Qi" no LACMA
DESCRIPTION:Wei Ligang\, “Elephant”\, 2011\, Los Angeles County Museum of Art\, presente prometido da Fondation INK\, © Wei Ligang\, foto de Maurice Aeschimann\, Genebra\, cortesia da Fondation INK\n\n\n\n\nUma análise das inovações na arte caligráfica\, Line\, Form\, Qi: Calligraphic Art from the Fondation INK Collection destaca obras experimentais de arte caligráfica moderna e contemporânea criadas por artistas como Yahon Chang\, Fung Ming Chip\, Gu Wenda\, Inoue Yūichi\, Lee In\, Henri Michaux\, Nguyễn Quang Thắng\, Qiu Zhijie\, Tong Yangtze\, Wang Dongling\, Wei Ligang e Xu Bing. As obras em exibição revelam a evolução do pictograma\, explorações da relação entre conteúdo e forma\, o desenvolvimento de novos estilos de escrita e a abstração da palavra escrita. A mostra é acompanhada por um catálogo acadêmico e marca a segunda exposição de uma série de mostras da Coleção Fondation INK\, composta por 400 obras de arte contemporânea no espírito da tinta\, prometida ao LACMA em 2018.
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SUMMARY:"Substrate" de Nancy Baker Cahill no LACMA
DESCRIPTION:Nancy Baker Cahill\, “Substrate”\, 2025\, realidade aumentada interativa\, comissionada pelo Art + Technology Lab do Los Angeles County Museum of Art.\n\n\n\n\nUma experiência monumental de realidade aumentada interativa\, Substrate\, de Nancy Baker Cahill\, convida o espectador a refletir sobre as conexões entre organizações dedicadas à produção de conhecimento\, ao contribuir com suas próprias descrições de artefatos culturalmente significativos. Inspirando-se em imagens e exemplos de redes encontradas na natureza\, Baker Cahill retrata o LACMA\, a Biblioteca Central da Biblioteca Pública de Los Angeles e o sistema de faculdades comunitárias da Califórnia como árvores abstratas interligadas\, com sistemas de raízes e redes de micélio que produzem nutrientes essenciais para a saúde e o bem-estar humanos. A obra tem como base o projeto homônimo anterior da artista\, apoiado pelo Art + Technology Lab do LACMA\, que utilizou conceitos futuristas de cidadania e pensamento sistêmico para demonstrar o potencial de colaborações entre polos cívicos locais.
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