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SUMMARY:"Charles Ross: Spectrum 14" no Getty Center
DESCRIPTION:Charles Ross em “Solar Spectrum\, Dwan Light Sanctuary”\, United World College\, Montezuma\, NM\, 2023. Foto: Jeremy Frechette.\n\nSpectrum 14 é uma instalação composta por um conjunto calibrado de prismas que projetam um deslumbrante espetáculo de cores luminosas pela rotunda do museu. Faixas de luz espectral atravessam o espaço em relação ao sol\, seguindo um arco ligeiramente diferente no céu a cada dia. Com o tempo\, a obra de Ross muda em resposta à órbita de rotação da Terra\, conectando-nos à experiência pré-moderna de observação e cálculo astronômico que definiu ciclos de dias\, estações e rituais. \nEste projeto foi comissionado para o PST ART como parte da exposição Lumen: The Art and Science of Light. É a segunda “Comissão da Rotunda”\, uma série de instalações artísticas inspiradas pela coleção\, arquitetura e localização do Getty Museum.
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SUMMARY:"Josiah McElheny: Island Universe" no LACMA
DESCRIPTION:Josiah McElheny\, “Island Universe”\, 2008. Los Angeles County Museum of Art\, adquirido com fundos fornecidos por um doador anônimo. © Josiah McElheny\, foto © Todd White Art Photography\, cortesia White Cube\n\n\n\n\nIsland Universe\, de Josiah McElheny\, instalado dramaticamente no centro do Resnick Pavilion\, encarna o conceito de multiverso\, ou múltiplos universos coexistentes. Agora um elemento-chave do pensamento cosmológico contemporâneo\, o conceito de multiverso foi inicialmente proposto na Grécia Antiga e posteriormente explorado no Hinduísmo\, Budismo\, Islamismo e na astronomia do século XVIII. \nMcElheny\, interessado em como a investigação científica é moldada por e impacta o pensamento filosófico\, sociológico e político\, encontra uma conexão clara com as mudanças históricas que pedem o descentralização do conhecimento ocidental e até mesmo do pensamento antropocêntrico. O artista trabalhou em colaboração com o astrofísico David Weinberg no desenvolvimento de Island Universe\, que considera “desenhos do tempo\,” onde “cada haste é uma medida de tempo—cada polegada\, o tempo dobra.” \nUma instalação complementar à próxima exposição do PST ART: Art & Science Collide\, Mapping the Infinite: Cosmologies Across Cultures.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"We Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art" no LACMA
DESCRIPTION:Alfonso Nava Larios\, “Cosmic Tree (Guamuchil)”\, 2023. © Alfonso Nava Larios\, foto © Museum Associates/LACMA\, por Javier Hinojosa.\n\n\n\n\nArtistas mesoamericanos assumiam uma responsabilidade cósmica: ao adornarem superfícies de edifícios\, vasos de barro\, têxteis\, páginas de papel de casca e esculturas com cores\, eles (literalmente) criavam o mundo. O poder da cor emergia da materialidade de seus pigmentos\, das mãos habilidosas que os confeccionavam e das comunidades cujo conhecimento lhes atribuía significado. A cor mapeava a ordem do cosmos\, do tempo e do espaço. Ao manipular e aplicar cores\, os artistas detinham o poder da criação cósmica em suas mãos. \nWe Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art explora a ciência\, a arte e a cosmologia das cores na Mesoamérica. Histórias de colonialismo e industrialização no Ocidente “averso à cor” minimizaram a profunda significância da cor nas Américas Indígenas. A exposição segue duas linhas de investigação interconectadas — análises técnicas e materiais\, e concepções indígenas de arte e imagem — para alcançar a plena riqueza da cor no cerne das visões de mundo mesoamericanas.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Olafur Eliasson: OPEN" no MOCA Geffen
DESCRIPTION:Olafur Eliasson\, “Kaleidoscope for plural perspectives”\, 2024. Foto: Studio Olafur Eliasson. Cortesia do artista; Tanya Bonakdar Gallery © 2024 Olafur Eliasson \nO artista islandês-dinamarquês Olafur Eliasson (nascido em 1967\, Copenhague; vive e trabalha em Berlim) apresenta uma nova instalação site-specific criada para o The Geffen Contemporary at MOCA. Em sintonia com sua trajetória de pesquisa sobre luz e cor\, geometria e consciência ambiental\, a instalação interage de maneira lúdica com as qualidades materiais e imateriais da arquitetura do museu. \nUma série de dispositivos ópticos em grande escala\, projetados especificamente para o MOCA Geffen\, responde tanto à estrutura do edifício quanto à atmosfera em constante mudança de Los Angeles. Os visitantes experimentam um amplo espectro de sensações visuais e espaciais\, que exploram as leis da óptica geométrica para abordar temas como corporeidade\, percepção e participação. \nAtenção: a exposição Olafur Eliasson: OPEN inclui espaços com baixa iluminação em algumas galerias e uma obra com luzes intermitentes. \nA mostra faz parte das mais de 70 exposições e programas apresentados no PST ART: Art & Science Collide\, evento regional organizado pela Getty Initiative que investiga as interseções entre arte e ciência\, no passado e no presente. \nOlafur Eliasson: OPEN é organizada por José Luis Blondet\, curador sênior\, e Rebecca Lowery\, curadora associada\, com Emilia Nicholson-Fajardo\, assistente curatorial\, e Anastasia Kahn\, ex-assistente curatorial\, no The Museum of Contemporary Art\, Los Angeles.
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LOCATION:MOCA Geffen\, 152 North Central Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Taming the Desert" no Fowler Museum at UCLA
DESCRIPTION:Artista(s) não identificado(s) (Nasca Antigo\, costa sul do Peru). Jarro efígie\, 100 AEC–600 EC. Fowler Museum at UCLA\, Doação do Sr. e Sra. Herbert L. Lucas Jr \nTaming the Desert reúne 34 cerâmicas e têxteis das culturas Moche e Nasca\, provenientes das coleções do LACMA e do Fowler Museum da UCLA. As obras apresentam criaturas fantásticas\, ancestrais poderosos e seres mitológicos\, revelando como as sociedades andinas antigas buscavam significado espiritual e auxílio divino em um mundo imprevisível e desafiador. A religião e os rituais foram fundamentais para lidar com as condições extremas da costa desértica do Peru. \nApesar da escassez de recursos\, do isolamento geográfico e da vulnerabilidade climática\, essa região desértica foi palco de importantes avanços civilizatórios\, incluindo a formação de centros urbanos\, assentamentos densos\, redes de comércio\, grandes sistemas de irrigação e agricultura\, além de sofisticadas tradições artesanais. A exposição oferece uma oportunidade rara de observar duas expressões artísticas pré-hispânicas em diálogo e de refletir sobre questões contemporâneas relacionadas a crises climáticas\, escassez de recursos e resiliência humana. \nTaming the Desert é apresentada pelo Fowler Museum da UCLA\, em colaboração com o Los Angeles County Museum of Art (LACMA)\, e tem curadoria de Luis Armando Muro Ynoñán\, ex-bolsista de pós-doutorado do LACMA e atual curador do Field Museum\, em Chicago. \nOs programas educativos são apoiados pela Nissan Foundation.
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LOCATION:Fowler Museum at UCLA\, 308 Charles E Young Dr N\, Los Angeles\, United States
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SUMMARY:"Exploring the Alps" no Getty Center
DESCRIPTION:Giovanni Segantini\, “Study for La Vita” (detalhe)\, 1897. Imagem: Museu Getty\n\nCom picos nevados e formações rochosas que se estendem por oito países\, desde a França e a Suíça no oeste até a Áustria e a Eslovênia no leste\, os Alpes há muito tempo capturam a imaginação dos artistas\, sendo a maior cadeia de montanhas da Europa. Esta exposição focada destaca as diferentes formas pelas quais os artistas do final do século XIX exploraram e representaram os Alpes\, com especial atenção ao pastel monumental de Giovanni Segantini\, Estudo para “La Vita”\, que retrata os picos alpinos que cercavam sua casa no Vale de Engadine\, na Suíça. Os temas incluem as alegrias e as dificuldades de trabalhar ao ar livre e as conexões entre a terra e seus habitantes.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ordinary People: Photorealism and the Work of Art since 1968" no MOCA
DESCRIPTION:Michael Alvarez\, “Look at This Photograph (L-R Primas Locas y El Mike\, Flea\, Go Shorty It’s Your Birthday)”\, 2018. Coleção de Anthony Lepore e Michael Henry Hayden\, cortesia do artista. \nReexaminando o movimento artístico do fotorrealismo no pós-guerra e suas linhagens na arte contemporânea\, Ordinary People: Photorealism and the Work of Art since 1968 apresenta mais de quarenta artistas—principalmente norte-americanos—e abrange do final dos anos 1960 até os dias atuais\, reunindo pinturas\, desenhos e esculturas. Esta exposição coletiva\, de caráter histórico e acadêmico\, revisita a história social do fotorrealismo\, ampliando sua compreensão para além das noções tradicionais de realismo. \nEmbora o fotorrealismo seja frequentemente interpretado como um ponto final—da figuração\, da representação e até da pintura ao final dos anos 1960—esta exposição propõe uma nova leitura\, destacando sua continuidade na arte contemporânea. A mostra inclui tanto artistas canônicos quanto nomes menos reconhecidos do fotorrealismo das décadas de 1960 e 1970\, como Robert Bechtle\, Vija Celmins\, Chuck Close\, Richard Estes\, Audrey Flack\, Duane Hanson e Idelle Weber; reconsidera artistas amplamente conhecidos sob a ótica do fotorrealismo\, como John Ahearn e Rigoberto Torres\, Barkley L. Hendricks\, Joan Semmel e Amy Sherald; e investiga como gerações mais jovens respondem a essa tradição\, incluindo Gina Beavers\, Cynthia Daignault\, Sayre Gomez\, Vincent Valdez e Christine Tien Wang. \nOrdinary People analisa as políticas de representação dentro da pintura fotorrealista\, especialmente no contexto do recente crescimento da pintura figurativa e da necessidade de ampliar a diversidade das representações nos museus. A exposição explora a importância do fotorrealismo como um registro da vida cotidiana\, ao mesmo tempo em que desdobra a tensão inerente entre imagens ordinárias e métodos artísticos extraordinários\, abordando questões de trabalho\, valor\, populismo e gosto. Além disso\, investiga como artistas utilizam o fotorrealismo para atrair espectadores com uma estética aparentemente não confrontadora—somente para expor imagens de eventos históricos traumáticos e experiências sociais frequentemente ignoradas ou consideradas difíceis de encarar. Finalmente\, a exposição argumenta que o fotorrealismo é uma ferramenta essencial para refletir criticamente sobre a economia da atenção no século XXI\, marcada pela saturação de imagens. \nA mostra é acompanhada por um catálogo de 256 páginas\, co-publicado pelo MOCA e DelMonico Books.
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LOCATION:MOCA Grand Avenue\, 250 South Grand Avenue Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"MOCA Focus: Ana Segovia" no MOCA
DESCRIPTION:Ana Segovia\, Through Mario’s perspective (detalhe)\, 2024 © Ana Segovia. Imagem cortesia do artista e da kurimanzutto \nNas pinturas de Ana Segovia (nascido em 1991\, Cidade do México; vive na Cidade do México)\, as noções de masculinidade são reinterpretadas através de uma perspectiva queer. Utilizando uma paleta vibrante de cores fluorescentes\, composições ousadas e enquadramentos cinematográficos\, Segovia questiona a construção de identidades nacionais baseadas em arquétipos hipermasculinos—como o charro ou o cowboy—padronizados pelo cinema. Descendente direto de figuras centrais da Era de Ouro do Cinema Mexicano (dos anos 1930 ao final dos anos 1960)\, o artista recorre frequentemente a fotogramas dessa tradição cinematográfica como ponto de partida para suas pinturas. \nEm MOCA Focus: Ana Segovia\, o artista dá continuidade à sua pesquisa nos arquivos cinematográficos\, desta vez voltando-se para o filme I’ve Been Meaning to Tell You (1983)\, de Roger E. Alamos. A obra\, uma variação dos dramas musicais dos anos 1980\, narra a história de amor entre Buck\, um aspirante a artista\, e Mario\, um imigrante indocumentado que trabalha como peão em uma cidade fictícia do sudoeste dos EUA. A exposição apresenta três séries de pinturas baseadas em fotogramas de cenas-chave do filme. Também estão incluídas cópias do roteiro de Alamos e um mural inspirado nos créditos finais do longa\, ambos elementos que sutilmente revelam uma reviravolta inesperada na trama. \nMOCA Focus: Ana Segovia é organizada por José Luis Blondet\, curador sênior\, com Emilia Nicholson-Fajardo\, assistente curatorial\, e Anastasia Kahn\, ex-assistente curatorial\, no The Museum of Contemporary Art\, Los Angeles.
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SUMMARY:"Digital Witness: Revolutions in Design\, Photography\, and Film" no LACMA
DESCRIPTION:April Greiman\, Pacific Wave\, 1987. Los Angeles County Museum of Art\, aquisição com fundos fornecidos pelo Decorative Arts and Design Council Acquisition Fund e pelo Ralph M. Parsons Fund. © April Greiman\, foto © Museum Associates/LACMA.\n\n\n\n\nNas últimas quatro décadas\, softwares de edição de imagem transformaram radicalmente nosso mundo visual. A facilidade com que imagens e textos podem ser gerados e alterados digitalmente possibilitou novas formas de experimentação criativa\, ao mesmo tempo em que gerou debates filosóficos sobre a própria natureza da representação. Digital Witness: Revolutions in Design\, Photography\, and Film examina o impacto das ferramentas de manipulação digital dos anos 1980 até o presente\, avaliando pela primeira vez os desenvolvimentos simultâneos e os debates nos campos da fotografia\, design gráfico e efeitos visuais. Com mais de 150 obras\, a exposição traça o surgimento de estratégias estéticas digitais distintas\, relações com o realismo e novos modos de narrativa. Os quase 200 artistas\, designers e criadores em Digital Witness iluminam a cultura visual contemporânea\, em que ferramentas de edição digital estão mais acessíveis do que nunca. \nParalelamente à exposição\, o Hoffmitz Milken Center for Typography\, do ArtCenter College of Design\, apresentará Digital Witness: Algorithmic Spaces for Typography and Language\, de 13 de novembro de 2024 a 27 de abril de 2025. \n 
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SUMMARY:"Imagining Black Diasporas" no LACMA
DESCRIPTION:Arielle Bobb-Willis\, Nova Jersey\, 2019\, Los Angeles County Museum of Art\, Fundo Ralph M. Parsons\, foto © Museum Associates/LACMA.\n\n\n\n\nImagining Black Diasporas: 21st-Century Art and Poetics encontra conexões estéticas entre 60 artistas que atuam na África\, Europa e Américas. A exposição e seu catálogo estão entre os primeiros a examinar quase um quarto de século de produção de artistas negros. O projeto apresenta novas aquisições para o LACMA e amplia o cânone das exposições panafricanas\, historicamente focado no Atlântico Negro\, ao destacar artistas que atuam na orla do Pacífico. Cerca de 70 obras de pintura\, escultura\, fotografia\, obras em papel e mídias temporais são organizadas em quatro temas: fala e silêncio\, movimento e transformação\, imaginação e representação. Poetas contemporâneos contribuíram com trabalhos originais para o catálogo\, estendendo o uso histórico da poesia no discurso panafricano. A definição geral de diáspora como deslocamento de suas origens exclui toda a criatividade que o termo carrega. As pessoas reinventam sua herança por meio de expressões artísticas\, transformando a diáspora de um movimento regional em uma fonte de imaginação. Por meio de uma análise das escolhas estéticas de artistas negros\, Imagining Black Diasporas revela suas percepções sobre a existência.
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SUMMARY:"Alice Coltrane\, Monument Eternal" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Alice Coltraine – Imagem de @hammer_museum\, via Instagram \nA exposição Alice Coltrane\, Monument Eternal é inspirada na vida e no legado da musicista de jazz\, líder espiritual e mãe Alice Coltrane (nascida em 1937\, Detroit). O título faz referência ao seu livro Monument Eternal (1977)\, no qual ela refletiu sobre sua recente descoberta espiritual\, a perda de seu marido\, o saxofonista John Coltrane\, e o caminho para a cura e o autoconhecimento. \nA exposição reúne obras de artistas contemporâneos americanos ao lado de documentos do arquivo pessoal de Coltrane. Com uma ampla variedade de mídias—incluindo vídeo\, instalação\, performance e escultura—além de correspondências manuscritas\, gravações de áudio inéditas e registros audiovisuais raros\, Alice Coltrane\, Monument Eternal explora temas como transcendência espiritual\, inovação sonora e intimidade arquitetônica\, celebrando a produção cultural e a prática de Coltrane. \nA mostra faz parte da iniciativa The Year of Alice e é realizada em parceria com a John & Alice Coltrane Home.
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LOCATION:Hammer Museum\, 10899 Wilshire Blvd Westwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"HEAD FOR THE HILLS!" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Nairy Baghramian\, “Scruff of the Neck (AP)”\, 2016 – Divulgação / Hammer Museum \nHEAD FOR THE HILLS! reúne diversas aquisições recentes e reflete o compromisso do Hammer Museum em colecionar obras de artistas locais e internacionais em uma ampla variedade de mídias. O título da exposição faz referência a uma obra de 1974 do artista John Knight—um slideshow de textos publicitários retirados do suplemento imobiliário do Los Angeles Times. A mostra destaca trabalhos que exploram o cotidiano\, o pessoal e o banal como meios de acessar questões universais.
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SUMMARY:"Tau Lewis: Spirit Level" na David Zwirner
DESCRIPTION:Tau Lewis – Divulgação / David Zwirner \nA David Zwirner apresenta Spirit Level\, exposição individual de Tau Lewis (n. 1993) no espaço da galeria em Los Angeles\, localizado na 616 N Western Avenue. A mostra reúne cinco esculturas monumentais e uma colcha circular\, que estrearam na exposição individual da artista no Institute of Contemporary Art\, Boston (2024–2025)\, com curadoria de Jeffrey De Blois. \nAs obras de Spirit Level surgiram em um período de profunda perda para Lewis. Na concepção dessas figuras antropomórficas\, a artista desenvolveu identidades e narrativas que remetem aos passados ancestrais\, às semelhanças espirituais e culturais e às existências em múltiplos planos. Criadas a partir de objetos encontrados e herdados\, cada escultura incorpora o período de transição em que foram feitas\, refletindo também o estado liminar de um objeto material à medida que ele muda de mãos e assume novas formas. \nInspirando-se nas faces do Mar do Caribe\, na música techno e dub\, na literatura e nos estudos sobre religião e espiritualidade\, Lewis expande sua construção de mundos\, criando figuras que reaparecem ao longo de sua prática e que se conectam por aquilo que a artista chama de seu “DNA material”. No espaço amplo da galeria\, essas esculturas imponentes se reúnem em uma presença silenciosa e majestosa\, engajadas em um diálogo espiritual silencioso.
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LOCATION:David Zwirner LA\, 606-616 N Western Avenue\, Los Angeles\, Califórnia
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:"Lisa Yuskavage" na David Zwirner
DESCRIPTION:Vista da exposição “Lisa Yuskavage”\, David Zwirner\, Los Angeles\, 2025 – Divulgação / David Zwirner \nA David Zwirner apresenta uma exposição de novas pinturas de Lisa Yuskavage\, em exibição no espaço da galeria em Los Angeles\, localizado na 606 N Western Avenue. Esta é a nona exposição individual da artista com a galeria e sua primeira em Los Angeles em trinta anos. A mostra antecipa a primeira apresentação abrangente de seus desenhos em museu\, que será realizada no The Morgan Library & Museum\, em Nova York\, em junho de 2025\, reunindo trabalhos sobre papel desde o início dos anos 1990 até o presente\, muitos dos quais nunca foram exibidos antes. \nReconhecida como uma das artistas mais originais e influentes das últimas três décadas\, Yuskavage cria obras que reafirmam a singularidade da pintura como meio\, ao mesmo tempo em que desafiam as concepções convencionais de gênero e de percepção artística. A exposição em Los Angeles apresenta pinturas em grandes e pequenos formatos\, todas ambientadas em um ateliê ficcional\, onde os espaços representados se tornam palcos para a interação entre os personagens e suas múltiplas características.
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LOCATION:David Zwirner LA\, 606-616 N Western Avenue\, Los Angeles\, Califórnia
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SUMMARY:"María Magdalena Campos-Pons: Behold" no Getty Center
DESCRIPTION:María Magdalena Campos-Pons\, “The Calling” (detalhe)\, 2003. Coleção de Jonathan e Barbara Lee. Cortesia de e © María Magdalena Campos-Pons \nNascida em Cuba\, María Magdalena Campos-Pons cria fotografias vívidas\, aquarelas\, instalações e performances que exploram os impactos culturais e pessoais da migração e da memória. Sua obra reflete as histórias globais do trabalho e suas consequências para sua família ao longo da escravização\, do trabalho servil e da maternidade\, enfatizando resiliência e respeito por seus ancestrais nigerianos e chineses. \nEsta retrospectiva\, que abrange 35 anos de produção artística e ativismo\, evidencia as conexões entre as pessoas e seus ambientes\, oferecendo uma experiência abrangente\, sensorial e profundamente analítica. \nEsta exposição é apresentada em inglês e espanhol. Esta exhibición se presenta en inglés y en español.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:"David Hammons: Concerto in Black and Blue" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:David Hammons\, “Concerto in Black and Blue” (2002–03)\, © 2025 David Hammons / ARS\, Nova York. Cortesia de David Hammons. Foto: Linda Goode Bryant \nDavid Hammons sempre soube jogar com o invisível. Concerto in Black and Blue\, que volta a ser exibida mais de duas décadas depois de sua estreia\, não é apenas uma instalação\, mas uma experiência que coloca o visitante diante do desconhecido. De 18 de fevereiro a 1º de junho de 2025\, a Hauser & Wirth em Los Angeles receberá essa obra que\, à primeira vista\, parece um gesto mínimo: um espaço escuro\, onde o único guia são pequenos feixes de luz azul que os próprios visitantes carregam. \nMas Hammons nunca faz apenas o óbvio. Ele trabalha com a ausência\, com o que escapa do olhar. Dentro dessa escuridão\, cada um precisa encontrar seu caminho\, sem saber exatamente o que há ao redor – uma sensação que carrega camadas de significado\, especialmente quando pensamos na história negra nos Estados Unidos\, no que foi apagado\, no que não se quer ver. Concerto in Black and Blue não dá respostas\, apenas convida quem entra a lidar com o desconhecido.
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LOCATION:Hauser & Wirth Downtown Los Angeles\, 901 E 3rd St\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Bleed\, Part II" de George Rouy na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:George Rouy\, “III”\, 2025 © George Rouy. Foto: Damian Griffiths \nNeste mês de fevereiro\, a Hauser & Wirth Downtown Los Angeles apresenta The Bleed\, Part II\, a primeira exposição individual do artista britânico George Rouy nos Estados Unidos com a galeria. Dando continuidade à sua recente apresentação em Londres\, este “segundo capítulo” traz novas obras que expandem sua investigação sobre massa humana\, multiplicidade e movimento. \nCaracterizadas por um dinamismo marcante\, as pinturas de Rouy capturam experiências essenciais da vida contemporânea—desejo e inquietação\, a vontade de conexão frustrada pela alienação—para explorar os extremos emocionais em uma era globalizada e impulsionada pela tecnologia.
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LOCATION:Hauser & Wirth Downtown Los Angeles\, 901 E 3rd St\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Earthshaker" no Del Vaz Projects
DESCRIPTION:P. Staff\, “Weed Killer” (still)\, 2017. Cortesia de P. Staff e da Commonwealth and Council. \nEarthshaker é uma exposição\, publicação e série de programas públicos organizados pela Del Vaz Projects\, reunindo obras de Ana Mendieta (1948–1985)\, Derek Jarman (1942–1994) e P. Staff (n. 1987). Apesar de pertencerem a diferentes gerações\, geografias e práticas artísticas\, esses três artistas compartilham um gesto subversivo fundamental: seus trabalhos costuram corpos dissidentes ao ambiente natural e químico como um ato de resistência contra definições\, controle ou expulsão por sistemas autoritários. \nPor meio de camuflagem\, colagem\, poesia e manipulação cromática—processos análogos à metamorfose\, sublimação e transmutação—essas práticas desafiam distinções fixas entre corpo e terra. Ao imbuir o orgânico com o alquímico\, os artistas dissolvem as fronteiras que tradicionalmente distinguem o humano do natural\, desestabilizando linguagem\, matéria e paisagem para situar o espectador em um campo de forças irreconciliáveis. \nAna Mendieta\, cuja carreira breve e inovadora transitou entre desenho\, filme\, fotografia\, escultura e instalação\, explorou uma ampla gama de materiais para investigar a experiência do deslocamento\, da perda e da ancestralidade. Forçada a deixar Cuba aos doze anos e viver nos Estados Unidos como exilada política\, Mendieta utilizou imagens do próprio corpo e\, posteriormente\, de figuras mais universais para se integrar à paisagem em sua série Siluetas. As imagens expostas\, produzidas entre 1978 e 1980\, registram silhuetas camufladas quase imperceptivelmente em leitos de pedra cobertos de musgo\, margens lamacentas de rios e florestas densas de Iowa\, onde a artista viveu e estudou. Em trabalhos como Untitled: Silueta Series (1978)\, Mendieta delineou um corpo com pólvora branca em um campo aberto\, ateando fogo até que a silhueta fosse completamente iluminada. Quando a fumaça se dissipou\, restou apenas uma cicatriz carbonizada no solo—um vestígio efêmero da fusão entre corpo e terra. Ainda que suas ações tenham sido registradas em fotografia e vídeo\, a verdadeira obra de Mendieta era a identificação total e irreversível com a natureza. \nDerek Jarman\, cineasta visionário\, escritor\, pintor\, designer e ativista pelos direitos das pessoas com HIV/AIDS\, foi uma figura central da contracultura britânica dos anos 1970 e 80\, contestando a política conservadora de Margaret Thatcher por meio de representações vibrantes e explícitas da vida queer. Em 1986\, após ser diagnosticado com HIV\, Jarman comprou um chalé de pescadores abandonado em Dungeness\, Kent\, onde cultivou um jardim exuberante em meio à aridez do terreno\, próximo a uma usina nuclear. Entre 1986 e 1993\, ele criou as Black Paintings\, telas cobertas de piche e colagens de objetos simbólicos—seringas\, sementes\, pregos de caixão\, bíblias\, preservativos\, balas de revólver\, bússolas\, rosários e pedaços de vidro quebrado com inscrições poéticas—transformadas em relicários melancólicos e místicos. Esses trabalhos evocam os espelhos de obsidiana de John Dee\, usados para comunicação com entidades espirituais e associados ao processo alquímico de melanosis\, em que a matéria negra era refinada para criar a pedra filosofal. Mais tarde\, nos Slogan Paintings\, Jarman adotou um tom mais combativo\, gravando frases provocativas e jogos de palavras diretamente na tinta densa\, muitas vezes com as mãos nuas. Criado em 1992\, Acid Rain associa ironicamente o envenenamento ambiental causado por gases de efeito estufa à devastação da epidemia de AIDS\, que deixava marcas físicas e sociais igualmente indeléveis. \nNa interseção entre filme\, instalação e poesia\, P. Staff emprega mídia experimental e ambientes construídos para examinar temas que vão da biopolítica à astrologia\, dança e cuidados paliativos. Seu trabalho investiga como corpos—especialmente os de pessoas queer\, trans e com deficiência—são interpretados\, regulados e disciplinados dentro de sociedades violentas e hipercontroladas. Criadas para a instalação On Venus (2019)\, as peças Compensation e On Living\, Still II consistem em barris de aço corroídos lentamente por ácido lático\, derramado por tubos pressurizados espalhados pelo espaço expositivo. Essa degradação lenta espelha a maneira como organismos vivos absorvem os impactos ambientais até atingirem um ponto de colapso. Já em To Live a Good Life VI (2022)\, Staff preserva uma impressão fluorescente—uma fotografia manipulada de um corpo envolto em um ritual não identificado—dentro de uma resina translúcida\, onde também estão encapsulados cabelo\, cinzas\, insetos mortos e enxofre\, criando um arquivo corporal alquímico. Sua obra mais recente\, In Ekstase (2023)\, projeta um poema em cinco ventiladores holográficos\, criando uma composição pulsante e estroboscópica que distorce a percepção e provoca um estado de êxtase visual e sensorial. \nO que aproxima Mendieta\, Jarman e Staff é a maneira como absorvem\, refletem e refratam o ambiente ao seu redor—seja ele volcânico\, nuclear ou tóxico—ao mesmo tempo em que exploram suas implicações físicas e metafísicas. Transformados por calor\, fumaça\, fogo e ácido\, seus trabalhos revelam o corpo e a terra como espaços em perpétua mutação\, dissolução e recomposição. \nEarthshaker é tanto uma exposição quanto um mapa\, traçando novas conexões entre o corpo e o mundo alquímico. O mapa começa em nós e aponta para um futuro incerto. Aqui\, a arte não é apenas uma representação do tema\, mas uma experiência vivida—um campo de resistência\, experimentação química e possibilidades emergentes em um planeta envenenado por si mesmo. \nVisitação apenas com agendamento.
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LOCATION:Del Vaz Projects\, 259 19th Street\, Los Angeles\, United States
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SUMMARY:"Magic Echoes: Brazil Diasporas' Vibrant Encounters with Ancestrality" na M+B
DESCRIPTION:Luciano Maia\, Sem título da série Onironauta\, 2024. Copyright do Artista \nM+B apresenta Magic Echoes: Brazil Diasporas’ Vibrant Encounters with Ancestrality\, uma exposição coletiva com obras de doze artistas brasileiros: Amadeo Luciano Lorenzato\, Arorá\, Chen Kong Fang\, Chico da Silva\, Gustavo Caboco\, Hiram Latorre\, Lia D Castro\, Lu Ferreira\, Lucas Almeida\, Luciano Maia\, Mateus Moreira e Thiago Molon. A mostra será inaugurada na sexta-feira\, 21 de fevereiro\, com uma recepção de abertura na galeria das 18h às 20h. \nO Brasil é um país de muitos. Muitas origens e tradições\, múltiplas histórias\, culturas e crenças\, povos diversos espalhados por distintos territórios\, convivendo em espaços de pertencimento e desigualdade. A narrativa histórica sugere um processo de suposta conformidade dessa diversidade polifônica. Segundo discursos tradicionais que remontam ao período colonial\, as distintas etnias e culturas deslocadas teriam se combinado de maneira uniforme\, produzindo identidades pacificadas\, cujas diferenças se uniriam ‘organicariamente’ sob uma única ideia de ‘brasilidade’. Esse processo\, alienante e opressor\, ignora o genocídio sofrido pelos povos indígenas e seus descendentes\, assim como minimiza a desumanização imposta aos povos africanos por meio da escravidão. No entanto\, a barbárie colonial\, ao tentar afastar indivíduos de suas memórias e tradições ancestrais\, encontrou constante resistência entre os povos negros e indígenas no Brasil. Suas produções culturais e simbólicas transcenderam distâncias e seguem fortalecendo identidades diaspóricas no país. \nAo longo dos últimos dois séculos\, novas dinâmicas e fluxos transnacionais foram incorporados ao Brasil. Transformações críticas nas relações culturais\, sociais e econômicas—tanto em nível local quanto global—se cruzaram com as ondas migratórias e os êxodos internos entre áreas rurais e urbanas\, perpetuando a estrutura de desigualdade já consolidada pela colonização. Esses fenômenos seguem alterando as formas e os espaços onde identidades difusas ecoam\, produzindo colisões que exigem novas sensibilidades e articulações\, capazes de aliviar as pressões das memórias não reivindicadas\, do desejo de pertencimento inatingido e das identidades diaspóricas em busca de ancestralidade. \nSe\, como afirma o filósofo Jacques Rancière\, é no campo da estética que a batalha “pelas promessas de emancipação e pelas ilusões e desilusões da história” avança\, a pintura contemporânea brasileira nos apresenta representações vibrantes de uma reconciliação misteriosa entre o deslumbramento da imagem e a relatividade do real. Ao recuperar memórias de passados complexos e dolorosos\, engaja-se criticamente no discurso da diáspora\, oferecendo formas essenciais de representação que desafiam uma negociação linear das diferenças identitárias\, indo além das afirmações figurativas já estabelecidas. \nAtravés das obras de artistas de diferentes origens e identidades geográficas e raciais\, cujos espaços pictóricos reverberam com uma ressonância mágica de formas atemporais\, paisagens e elementos transformados em estranhos familiares\, Magic Echoes: Brazil Diasporas’ Vibrant Encounters with Ancestrality propõe um espaço de cura\, reflexão crítica e reimaginação simbólica dos legados diaspóricos\, buscando compreender as contradições do passado e as diferenças em constante mutação no presente. \nNa exposição\, o quarteto formado por Chen Kong Fang e Amadeo Lorenzato—representantes da tradição figurativa das vanguardas modernistas—e Lia D Castro e Hiram Latorre—artistas contemporâneos que revisitam criticamente as qualidades modernistas—apresenta diferentes abordagens à pintura brasileira na representação de interioridades profundas\, nas quais figuras e formas fazem os vazios se moverem e\, em seguida\, se deterem. Essas obras sugerem que o encontro entre diásporas e ancestralidades não é apenas dialético\, mas também meditativo. Através de representações essenciais e composições assimétricas que expressam equilíbrios tensos\, os trabalhos desse grupo refletem sobre a importância dos espaços vazios na investigação do que configura a realidade desse encontro. Assim\, o tratamento meditativo revela os aspectos misteriosos de tudo aquilo que se considera normal. \nAs pinturas de Thiago Molon\, Gustavo Caboco\, Chico da Silva e Lu Ferreira também entram em diálogo na mostra. Esses artistas recorrem a repertórios visuais e simbólicos distintos para produzir abstrações complexas\, carregadas de fragmentos e imanências que não consolidam os encontros entre diáspora e ancestralidade\, mas reinventam suas sensibilidades. A textura ruidosa das composições de Molon complementa a profusão cromática de Caboco\, da Silva e Ferreira. Os estilos figurativos de Molon\, Caboco e da Silva estão intimamente ligados à tradição visual dos primeiros povos diaspóricos do Brasil—os indígenas e africanos—mas não se limitam à continuidade de uma única tradição. Já as imagens de Ferreira evocam processos emocionais de fragmentação e reformulação na reivindicação de ancestralidades\, sem a pretensão de alcançar origens ou significados definitivos. \nMateus Moreira\, Lucas Almeida e Luciano Maia lidam com a subjetividade de representações essencialmente universais. Assim como o grupo composto por Fang\, Lorenzato\, D Castro e Latorre\, exploram interioridades imaginadas\, mas trilhando caminhos mais experimentais para a negociação das identidades. Seja na reinterpretação de mitos e folclores\, como no caso de Maia\, na fusão de materiais e referências interdisciplinares\, como em Almeida\, ou na projeção imagética de melancolias existenciais\, como em Moreira\, suas pinturas oferecem narrativas relacionais de cura e empoderamento para múltiplos olhares e identidades. \nAssim como em diversos países das Américas\, muitas das diásporas brasileiras foram guiadas pela lua. Niveladas pelo mar e pelas ondas que ecoam de continentes distantes\, ou orientadas pelo brilho noturno e pelas estrelas\, as rotas desses deslocamentos coletivos carregam um processo conflituoso de perdas e dores\, segredos e sonhos\, que atravessa gerações em busca de ressignificação. Não é por acaso que a lua\, ou formas análogas a ela\, aparece em algumas das pinturas da exposição; a lua que vemos hoje é a mesma que nossos ancestrais contemplaram em suas travessias\, viagens e fugas. O impulso de reencontrar uma ancestralidade diaspórica—anterior ao trauma e independente dele—é o mesmo que confia na magia da lua para mover as marés que atravessam tempos e espaços\, alheias à humanidade. Observar o brilho encantado da lua torna possível tecer o mundo inteiro e reunir os olhares dispersos pela história\, revividos na memória e voltados para ela\, na busca por aquilo que jamais poderá ser plenamente conhecido. \n— Gabriela Gotoda
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