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SUMMARY:"Charles Ross: Spectrum 14" no Getty Center
DESCRIPTION:Charles Ross em “Solar Spectrum\, Dwan Light Sanctuary”\, United World College\, Montezuma\, NM\, 2023. Foto: Jeremy Frechette.\n\nSpectrum 14 é uma instalação composta por um conjunto calibrado de prismas que projetam um deslumbrante espetáculo de cores luminosas pela rotunda do museu. Faixas de luz espectral atravessam o espaço em relação ao sol\, seguindo um arco ligeiramente diferente no céu a cada dia. Com o tempo\, a obra de Ross muda em resposta à órbita de rotação da Terra\, conectando-nos à experiência pré-moderna de observação e cálculo astronômico que definiu ciclos de dias\, estações e rituais. \nEste projeto foi comissionado para o PST ART como parte da exposição Lumen: The Art and Science of Light. É a segunda “Comissão da Rotunda”\, uma série de instalações artísticas inspiradas pela coleção\, arquitetura e localização do Getty Museum.
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SUMMARY:"Sensing the Future: Experiments in Art and Technology (E.A.T.)" no Getty Center
DESCRIPTION:Pepsi-Cola Pavilion\, 1970\, fotografia de Harry Shunk e János Kender. Instituto de Pesquisa Getty\, 2014.R.20. Doação da Roy Lichtenstein Foundation. Floats: © Robert Breer/Kate Flax/gb agency\, Paris. Sistema de neblina: © Fujiko Nakaya. Cortesia de Experiments in Art and Technology. Light Towers: © Forrest Myers\, Light Frame (1968–70). © J. Paul Getty Trust.\n\nEsta exposição imersiva narra a história de uma colaboração única entre artistas e engenheiros no meio do século XX. Ela explora os primórdios da organização Experiments in Art and Technology (E.A.T.) e destaca dois de seus projetos mais marcantes: 9 Evenings: Theatre and Engineering e o icônico Pepsi-Cola Pavilion na Exposição Mundial de 1970 em Osaka\, Japão\, ambos com integrações pioneiras de teatro\, dança\, tecnologia e arte interativa e multimídia. \nNota: Demonstrações da obra Cone Pyramid (Heart Beats Dust) de Jean Dupuy ocorrem às terças e quintas-feiras\, das 15h30 às 16h30\, e aos sábados\, das 16h às 17h.
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SUMMARY:"Josiah McElheny: Island Universe" no LACMA
DESCRIPTION:Josiah McElheny\, “Island Universe”\, 2008. Los Angeles County Museum of Art\, adquirido com fundos fornecidos por um doador anônimo. © Josiah McElheny\, foto © Todd White Art Photography\, cortesia White Cube\n\n\n\n\nIsland Universe\, de Josiah McElheny\, instalado dramaticamente no centro do Resnick Pavilion\, encarna o conceito de multiverso\, ou múltiplos universos coexistentes. Agora um elemento-chave do pensamento cosmológico contemporâneo\, o conceito de multiverso foi inicialmente proposto na Grécia Antiga e posteriormente explorado no Hinduísmo\, Budismo\, Islamismo e na astronomia do século XVIII. \nMcElheny\, interessado em como a investigação científica é moldada por e impacta o pensamento filosófico\, sociológico e político\, encontra uma conexão clara com as mudanças históricas que pedem o descentralização do conhecimento ocidental e até mesmo do pensamento antropocêntrico. O artista trabalhou em colaboração com o astrofísico David Weinberg no desenvolvimento de Island Universe\, que considera “desenhos do tempo\,” onde “cada haste é uma medida de tempo—cada polegada\, o tempo dobra.” \nUma instalação complementar à próxima exposição do PST ART: Art & Science Collide\, Mapping the Infinite: Cosmologies Across Cultures.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"We Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art" no LACMA
DESCRIPTION:Alfonso Nava Larios\, “Cosmic Tree (Guamuchil)”\, 2023. © Alfonso Nava Larios\, foto © Museum Associates/LACMA\, por Javier Hinojosa.\n\n\n\n\nArtistas mesoamericanos assumiam uma responsabilidade cósmica: ao adornarem superfícies de edifícios\, vasos de barro\, têxteis\, páginas de papel de casca e esculturas com cores\, eles (literalmente) criavam o mundo. O poder da cor emergia da materialidade de seus pigmentos\, das mãos habilidosas que os confeccionavam e das comunidades cujo conhecimento lhes atribuía significado. A cor mapeava a ordem do cosmos\, do tempo e do espaço. Ao manipular e aplicar cores\, os artistas detinham o poder da criação cósmica em suas mãos. \nWe Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art explora a ciência\, a arte e a cosmologia das cores na Mesoamérica. Histórias de colonialismo e industrialização no Ocidente “averso à cor” minimizaram a profunda significância da cor nas Américas Indígenas. A exposição segue duas linhas de investigação interconectadas — análises técnicas e materiais\, e concepções indígenas de arte e imagem — para alcançar a plena riqueza da cor no cerne das visões de mundo mesoamericanas.
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SUMMARY:"Olafur Eliasson: OPEN" no MOCA Geffen
DESCRIPTION:Olafur Eliasson\, “Kaleidoscope for plural perspectives”\, 2024. Foto: Studio Olafur Eliasson. Cortesia do artista; Tanya Bonakdar Gallery © 2024 Olafur Eliasson \nO artista islandês-dinamarquês Olafur Eliasson (nascido em 1967\, Copenhague; vive e trabalha em Berlim) apresenta uma nova instalação site-specific criada para o The Geffen Contemporary at MOCA. Em sintonia com sua trajetória de pesquisa sobre luz e cor\, geometria e consciência ambiental\, a instalação interage de maneira lúdica com as qualidades materiais e imateriais da arquitetura do museu. \nUma série de dispositivos ópticos em grande escala\, projetados especificamente para o MOCA Geffen\, responde tanto à estrutura do edifício quanto à atmosfera em constante mudança de Los Angeles. Os visitantes experimentam um amplo espectro de sensações visuais e espaciais\, que exploram as leis da óptica geométrica para abordar temas como corporeidade\, percepção e participação. \nAtenção: a exposição Olafur Eliasson: OPEN inclui espaços com baixa iluminação em algumas galerias e uma obra com luzes intermitentes. \nA mostra faz parte das mais de 70 exposições e programas apresentados no PST ART: Art & Science Collide\, evento regional organizado pela Getty Initiative que investiga as interseções entre arte e ciência\, no passado e no presente. \nOlafur Eliasson: OPEN é organizada por José Luis Blondet\, curador sênior\, e Rebecca Lowery\, curadora associada\, com Emilia Nicholson-Fajardo\, assistente curatorial\, e Anastasia Kahn\, ex-assistente curatorial\, no The Museum of Contemporary Art\, Los Angeles.
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LOCATION:MOCA Geffen\, 152 North Central Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mapping the Infinite: Cosmologies Across Cultures" no LACMA
DESCRIPTION:“Bowl with Courtly and Astrological Motifs”\, Irã Central ou do Norte\, final do século 12–início do século 13. Metropolitan Museum of Art\, Nova York. Aquisição: Rogers Fund e doação da The Schiff Foundation\, 1957.\n\n\n\n\nMapping the Infinite: Cosmologies Across Cultures\, criada em colaboração com cientistas dos Observatórios Carnegie e do Observatório Griffith\, apresenta um conjunto de obras raras e visualmente deslumbrantes de diferentes culturas e períodos históricos. A exposição explora as diversas tentativas humanas de explicar as origens\, mecânicas e significados do universo. Quase todas as culturas antigas viam os céus como um espelho da estrutura e dos processos cósmicos\, e as medições do tempo eram diretamente influenciadas pelos movimentos dos corpos celestes. \nConforme as religiões evoluíram\, culturas conceberam e representaram divindades cósmicas e conceitos de tempo e espaço por meio de obras de arte e arquitetura sagrada. Mapping the Infinite ilumina essa história das cosmologias ao redor do mundo\, da Idade da Pedra aos dias atuais\, incluindo regiões como Europa Neolítica\, Mesopotâmia\, Grécia\, Roma\, Sul e Sudeste Asiático\, Ásia Oriental\, Oriente Médio Islâmico\, Américas Indígenas\, Norte da Europa e Estados Unidos.
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SUMMARY:"Taming the Desert" no Fowler Museum at UCLA
DESCRIPTION:Artista(s) não identificado(s) (Nasca Antigo\, costa sul do Peru). Jarro efígie\, 100 AEC–600 EC. Fowler Museum at UCLA\, Doação do Sr. e Sra. Herbert L. Lucas Jr \nTaming the Desert reúne 34 cerâmicas e têxteis das culturas Moche e Nasca\, provenientes das coleções do LACMA e do Fowler Museum da UCLA. As obras apresentam criaturas fantásticas\, ancestrais poderosos e seres mitológicos\, revelando como as sociedades andinas antigas buscavam significado espiritual e auxílio divino em um mundo imprevisível e desafiador. A religião e os rituais foram fundamentais para lidar com as condições extremas da costa desértica do Peru. \nApesar da escassez de recursos\, do isolamento geográfico e da vulnerabilidade climática\, essa região desértica foi palco de importantes avanços civilizatórios\, incluindo a formação de centros urbanos\, assentamentos densos\, redes de comércio\, grandes sistemas de irrigação e agricultura\, além de sofisticadas tradições artesanais. A exposição oferece uma oportunidade rara de observar duas expressões artísticas pré-hispânicas em diálogo e de refletir sobre questões contemporâneas relacionadas a crises climáticas\, escassez de recursos e resiliência humana. \nTaming the Desert é apresentada pelo Fowler Museum da UCLA\, em colaboração com o Los Angeles County Museum of Art (LACMA)\, e tem curadoria de Luis Armando Muro Ynoñán\, ex-bolsista de pós-doutorado do LACMA e atual curador do Field Museum\, em Chicago. \nOs programas educativos são apoiados pela Nissan Foundation.
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LOCATION:Fowler Museum at UCLA\, 308 Charles E Young Dr N\, Los Angeles\, United States
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SUMMARY:"Exploring the Alps" no Getty Center
DESCRIPTION:Giovanni Segantini\, “Study for La Vita” (detalhe)\, 1897. Imagem: Museu Getty\n\nCom picos nevados e formações rochosas que se estendem por oito países\, desde a França e a Suíça no oeste até a Áustria e a Eslovênia no leste\, os Alpes há muito tempo capturam a imaginação dos artistas\, sendo a maior cadeia de montanhas da Europa. Esta exposição focada destaca as diferentes formas pelas quais os artistas do final do século XIX exploraram e representaram os Alpes\, com especial atenção ao pastel monumental de Giovanni Segantini\, Estudo para “La Vita”\, que retrata os picos alpinos que cercavam sua casa no Vale de Engadine\, na Suíça. Os temas incluem as alegrias e as dificuldades de trabalhar ao ar livre e as conexões entre a terra e seus habitantes.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ordinary People: Photorealism and the Work of Art since 1968" no MOCA
DESCRIPTION:Michael Alvarez\, “Look at This Photograph (L-R Primas Locas y El Mike\, Flea\, Go Shorty It’s Your Birthday)”\, 2018. Coleção de Anthony Lepore e Michael Henry Hayden\, cortesia do artista. \nReexaminando o movimento artístico do fotorrealismo no pós-guerra e suas linhagens na arte contemporânea\, Ordinary People: Photorealism and the Work of Art since 1968 apresenta mais de quarenta artistas—principalmente norte-americanos—e abrange do final dos anos 1960 até os dias atuais\, reunindo pinturas\, desenhos e esculturas. Esta exposição coletiva\, de caráter histórico e acadêmico\, revisita a história social do fotorrealismo\, ampliando sua compreensão para além das noções tradicionais de realismo. \nEmbora o fotorrealismo seja frequentemente interpretado como um ponto final—da figuração\, da representação e até da pintura ao final dos anos 1960—esta exposição propõe uma nova leitura\, destacando sua continuidade na arte contemporânea. A mostra inclui tanto artistas canônicos quanto nomes menos reconhecidos do fotorrealismo das décadas de 1960 e 1970\, como Robert Bechtle\, Vija Celmins\, Chuck Close\, Richard Estes\, Audrey Flack\, Duane Hanson e Idelle Weber; reconsidera artistas amplamente conhecidos sob a ótica do fotorrealismo\, como John Ahearn e Rigoberto Torres\, Barkley L. Hendricks\, Joan Semmel e Amy Sherald; e investiga como gerações mais jovens respondem a essa tradição\, incluindo Gina Beavers\, Cynthia Daignault\, Sayre Gomez\, Vincent Valdez e Christine Tien Wang. \nOrdinary People analisa as políticas de representação dentro da pintura fotorrealista\, especialmente no contexto do recente crescimento da pintura figurativa e da necessidade de ampliar a diversidade das representações nos museus. A exposição explora a importância do fotorrealismo como um registro da vida cotidiana\, ao mesmo tempo em que desdobra a tensão inerente entre imagens ordinárias e métodos artísticos extraordinários\, abordando questões de trabalho\, valor\, populismo e gosto. Além disso\, investiga como artistas utilizam o fotorrealismo para atrair espectadores com uma estética aparentemente não confrontadora—somente para expor imagens de eventos históricos traumáticos e experiências sociais frequentemente ignoradas ou consideradas difíceis de encarar. Finalmente\, a exposição argumenta que o fotorrealismo é uma ferramenta essencial para refletir criticamente sobre a economia da atenção no século XXI\, marcada pela saturação de imagens. \nA mostra é acompanhada por um catálogo de 256 páginas\, co-publicado pelo MOCA e DelMonico Books.
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SUMMARY:"MOCA Focus: Ana Segovia" no MOCA
DESCRIPTION:Ana Segovia\, Through Mario’s perspective (detalhe)\, 2024 © Ana Segovia. Imagem cortesia do artista e da kurimanzutto \nNas pinturas de Ana Segovia (nascido em 1991\, Cidade do México; vive na Cidade do México)\, as noções de masculinidade são reinterpretadas através de uma perspectiva queer. Utilizando uma paleta vibrante de cores fluorescentes\, composições ousadas e enquadramentos cinematográficos\, Segovia questiona a construção de identidades nacionais baseadas em arquétipos hipermasculinos—como o charro ou o cowboy—padronizados pelo cinema. Descendente direto de figuras centrais da Era de Ouro do Cinema Mexicano (dos anos 1930 ao final dos anos 1960)\, o artista recorre frequentemente a fotogramas dessa tradição cinematográfica como ponto de partida para suas pinturas. \nEm MOCA Focus: Ana Segovia\, o artista dá continuidade à sua pesquisa nos arquivos cinematográficos\, desta vez voltando-se para o filme I’ve Been Meaning to Tell You (1983)\, de Roger E. Alamos. A obra\, uma variação dos dramas musicais dos anos 1980\, narra a história de amor entre Buck\, um aspirante a artista\, e Mario\, um imigrante indocumentado que trabalha como peão em uma cidade fictícia do sudoeste dos EUA. A exposição apresenta três séries de pinturas baseadas em fotogramas de cenas-chave do filme. Também estão incluídas cópias do roteiro de Alamos e um mural inspirado nos créditos finais do longa\, ambos elementos que sutilmente revelam uma reviravolta inesperada na trama. \nMOCA Focus: Ana Segovia é organizada por José Luis Blondet\, curador sênior\, com Emilia Nicholson-Fajardo\, assistente curatorial\, e Anastasia Kahn\, ex-assistente curatorial\, no The Museum of Contemporary Art\, Los Angeles.
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SUMMARY:"Digital Witness: Revolutions in Design\, Photography\, and Film" no LACMA
DESCRIPTION:April Greiman\, Pacific Wave\, 1987. Los Angeles County Museum of Art\, aquisição com fundos fornecidos pelo Decorative Arts and Design Council Acquisition Fund e pelo Ralph M. Parsons Fund. © April Greiman\, foto © Museum Associates/LACMA.\n\n\n\n\nNas últimas quatro décadas\, softwares de edição de imagem transformaram radicalmente nosso mundo visual. A facilidade com que imagens e textos podem ser gerados e alterados digitalmente possibilitou novas formas de experimentação criativa\, ao mesmo tempo em que gerou debates filosóficos sobre a própria natureza da representação. Digital Witness: Revolutions in Design\, Photography\, and Film examina o impacto das ferramentas de manipulação digital dos anos 1980 até o presente\, avaliando pela primeira vez os desenvolvimentos simultâneos e os debates nos campos da fotografia\, design gráfico e efeitos visuais. Com mais de 150 obras\, a exposição traça o surgimento de estratégias estéticas digitais distintas\, relações com o realismo e novos modos de narrativa. Os quase 200 artistas\, designers e criadores em Digital Witness iluminam a cultura visual contemporânea\, em que ferramentas de edição digital estão mais acessíveis do que nunca. \nParalelamente à exposição\, o Hoffmitz Milken Center for Typography\, do ArtCenter College of Design\, apresentará Digital Witness: Algorithmic Spaces for Typography and Language\, de 13 de novembro de 2024 a 27 de abril de 2025. \n 
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SUMMARY:"Imagining Black Diasporas" no LACMA
DESCRIPTION:Arielle Bobb-Willis\, Nova Jersey\, 2019\, Los Angeles County Museum of Art\, Fundo Ralph M. Parsons\, foto © Museum Associates/LACMA.\n\n\n\n\nImagining Black Diasporas: 21st-Century Art and Poetics encontra conexões estéticas entre 60 artistas que atuam na África\, Europa e Américas. A exposição e seu catálogo estão entre os primeiros a examinar quase um quarto de século de produção de artistas negros. O projeto apresenta novas aquisições para o LACMA e amplia o cânone das exposições panafricanas\, historicamente focado no Atlântico Negro\, ao destacar artistas que atuam na orla do Pacífico. Cerca de 70 obras de pintura\, escultura\, fotografia\, obras em papel e mídias temporais são organizadas em quatro temas: fala e silêncio\, movimento e transformação\, imaginação e representação. Poetas contemporâneos contribuíram com trabalhos originais para o catálogo\, estendendo o uso histórico da poesia no discurso panafricano. A definição geral de diáspora como deslocamento de suas origens exclui toda a criatividade que o termo carrega. As pessoas reinventam sua herança por meio de expressões artísticas\, transformando a diáspora de um movimento regional em uma fonte de imaginação. Por meio de uma análise das escolhas estéticas de artistas negros\, Imagining Black Diasporas revela suas percepções sobre a existência.
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