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SUMMARY:Mercedes Dorame no Getty Center
DESCRIPTION:O trabalho da artista Mercedes Dorame\, baseada em Los Angeles\, explora como nos posicionamos em relação à terra que habitamos. Para essa nova comissão\, Dorame se voltou para a vista do Getty Center através do Oceano Pacífico em direção a Pimugna\, ou Pimu (Ilha Catalina)\, habitada há muito tempo pelo povo Tongva. Para evocar um olhar de retorno de Pimugna\, sua instalação inclui vistas pintadas da costa e esculturas suspensas de abalones – um molusco ameaçado de extinção e um importante recurso cultural para os povos nativos da Califórnia costeira. \n\n\n\nEste projeto é a primeira Comissão da Rotunda\, uma série de instalações artísticas inspiradas na coleção\, arquitetura e localização do Museu Getty.
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SUMMARY:"MOCA Focus: Eddie Rodolfo Aparicio" no MOCA Geffen
DESCRIPTION:MOCA Focus: Eddie Rodolfo Aparicio é a primeira exposição individual do artista de Los Angeles\, Eddie Rodolfo Aparicio (nascido em 1990\, Los Angeles)\, em um museu. A exposição apresenta obras de arte que datam de 2016 até o presente e estreia três novas esculturas em grande escala encomendadas especialmente para o The Geffen Contemporary at MOCA. \n\n\n\nA prática criativa inovadora de Aparicio é influenciada pelas comunidades salvadorenhas em Los Angeles\, onde ele cresceu\, pelo discurso decolonialista e por uma abordagem da justiça ecológica como uma forma de justiça social. A base da prática de Aparicio é a “não neutralidade total do material”\, que o artista inicialmente percebeu por meio de sua série Caucho (Borracha) (2016-em andamento). MOCA Focus: Eddie Rodolfo Aparicio apresenta uma variedade de obras de Caucho\, nas quais Aparicio molda os troncos de árvores de Los Angeles\, frequentemente a espécie ficus\, que estão destinados a serem removidos\, em borracha – os fluidos internos da Castilla elastica\, uma espécie nativa de El Salvador. As impressões resultantes têm texturas com casca residual\, partículas de escape e marcas de grafite. As moldagens se combinam com colagens de roupas encontradas e objetos efêmeros dos bairros Pico-Union\, Highland Park e Westlake de Los Angeles\, e são enriquecidas com referências pintadas à presença e expressão da diáspora centro-americana na cultura popular e no ambiente construído. Neste conjunto de obras\, Aparicio evoca a história da borracha como uma tecnologia vital pré-hispânica indígena e seu status como material de comércio imperialista\, dando forma às conexões das comunidades imigrantes com a terra e o local. No cerne da prática de Aparicio está o compromisso com o conhecimento cultural e científico das comunidades imigrantes centro-americanas\, frequentemente marginalizadas e até vilipendiadas\, tornando a localização do MOCA no centro de Los Angeles\, o coração da diáspora salvadorenha\, particularmente significativa. \n\n\n\nOrganizada pela curadora Anna Katz\, com a assistência curatorial de Anastasia Kahn\, a exposição marca o relançamento da série MOCA Focus\, que apresenta a primeira exposição individual de um artista em um museu de Los Angeles e foca em novos ou distintos conjuntos de obras.
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SUMMARY:"Paul Pfeiffer: Prologue to the Story of the Birth of Freedom" no MOCA Geffen
DESCRIPTION:Celebrando vinte e cinco anos da prática multidisciplinar do artista Paul Pfeiffer (nascido em 1966\, Honolulu\, Havaí; residente em Nova York)\, Paul Pfeiffer: Prologue to the Story of the Birth of Freedom vai homenagear um artista pioneiro conhecido por seu trabalho incisivo que questiona ideias de espetáculo\, pertencimento e identidade. Inspirado por eventos esportivos televisionados e entretenimento popular\, o trabalho de Pfeiffer desconstrói nossa fascinação e obsessão pela cultura das celebridades\, desvendando como a consciência coletiva é moldada e manipulada por meio de sua habilidosa edição de imagens encontradas. Ao traçar a trajetória global da circulação de imagens\, Pfeiffer demonstra como o desejo\, o heroísmo e a adoração funcionam como parte dos mecanismos da arte\, religião\, política e nacionalismo. Reunindo mais de trinta obras e apresentando uma nova comissão\, Paul Pfeiffer: Prologue to the Story of the Birth of Freedom é a primeira retrospectiva da prática multidisciplinar do artista. \n\n\n\nA apresentação da mostra pelo MOCA será acompanhada por um catálogo monográfico em cores\, co-publicado pelo museu e pela MACK Books\, com novos estudos e análises críticas do trabalho do artista que oferecerão uma visão geral muito necessária do impacto e influência de Pfeiffer até o momento. \n\n\n\nPaul Pfeiffer: Prologue to the Story of the Birth of Freedom é organizado por Clara Kim\, Curadora-Chefe e Diretora de Assuntos Curatoriais\, e Paula Kroll\, Assistente Curatorial\, do Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles.
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SUMMARY:"Imagined Fronts: The Great War and Global Media" no LACMA
DESCRIPTION:Imagined Fronts: The Great War and Global Media explora como o espetáculo midiático em que vivemos teve origem na Primeira Guerra Mundial e no crescente cenário midiático de pôsteres\, fotografia\, cinema\, jornais ilustrados e objetos efêmeros que a tornaram a primeira guerra midiática global. Como a mídia e os artistas imaginaram uma guerra que abrangesse o mundo inteiro? Os combatentes incluíram forças da Austrália\, Canadá\, Ásia\, Oriente Médio e África\, bem como diversos grupos étnicos e raciais americanos e povos indígenas\, incluindo Māori\, Primeiras Nações e “code talkers” Choctaw. Imagined Fronts considerará como a mídia mobilizou as massas\, imaginou o campo de batalha\, facilitou a guerra global e lidou com as consequências. Com cerca de 200 objetos de artistas\, fotógrafos de guerra\, cineastas e soldados de vários continentes\, Imagined Fronts explorará a interação entre a mídia de massa e a imaginação artística.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Groove: Artists and Intaglio Prints\, 1500 to Now" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Esta exposição abrange mais de quinhentos anos de gravuras em intaglio retiradas das extensas coleções do UCLA Grunwald Center for the Graphic Arts no Hammer Museum. O meio de intaglio inclui gravuras\, águas-fortes\, ponta seca\, áquatinta e mezzotinta\, todos os quais envolvem o uso de uma chapa de cobre ou zinco que é incisa\, entintada e impressa. Esses materiais e técnicas permaneceram mais ou menos os mesmos desde o século XV\, com artistas empregando métodos semelhantes para representar uma ampla gama de temas e estilos\, desde as intricadas cenas religiosas e mitológicas do século XVI até as experimentações formais do século XXI. “Groove” inclui mais de oitenta gravuras\, organizadas cronologicamente\, com exemplos importantes de gravura renascentista de Albrecht Dürer e Giorgio Ghisi; águas-fortes importantes do período barroco holandês de Rembrandt van Rijn; gravuras do século XIX e XX de Stanley William Hayter\, Ernst Ludwig Kirchner\, Käthe Kollwitz e Pablo Picasso; e gravuras contemporâneas de Mark Bradford\, Vija Celmins\, Nicole Eisenman\, Toba Khedoori e Martin Puryear.
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SUMMARY:"Dining with the Sultan" no LACMA
DESCRIPTION:O ato de se reunir para compartilhar uma refeição é uma prática compartilhada por todas as culturas. A comida nos define – somos o que comemos. Dining with the Sultan é a primeira exposição a apresentar a arte islâmica no contexto de suas tradições culinárias associadas. Ela incluirá cerca de 250 obras de arte relacionadas à origem\, preparação\, serviço e consumo de alimentos\, provenientes de 30 coleções públicas e privadas nos Estados Unidos\, Europa e Oriente Médio – objetos de qualidade e apelo incontestáveis\, vistos através da lente universal da alta gastronomia. A exposição estimulará não apenas os olhos\, mas também o apetite\, lembrando aos visitantes o prazer comunitário da comida – tanto do seu sabor quanto da sua apresentação. Ela fornecerá informações muito necessárias sobre a vasta classe de objetos de luxo que podem ser amplamente definidos como utensílios de mesa e demonstrará como o discernimento gustativo era uma atividade fundamental nas grandes cortes islâmicas.
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SUMMARY:"Hammer Projects: Vamba Bility" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Vamba Bility é um artista multidisciplinar cujo trabalho ecoa a experiência da diáspora africana. Tendo viajado da Costa do Marfim para a Guiné e depois para os Estados Unidos\, Bility percebe essa forma contestada de viver como um borrão\, embora profundamente íntimo. Em suas mãos\, essa sensibilidade borrada se torna um movimento fluído que se baseia em várias histórias materiais. Ele expressa os movimentos reverberantes de sua existência apoiando-se e entrelaçando meios e materiais como pintura\, têxteis\, objetos encontrados e som. Uma cabaça rachada é costurada. Uma tela rasgada é costurada como um curativo. Uma pintura é apoiada por um tijolo ou dois. Tudo isso é uma forma de marcação que estrutura a paisagem da diáspora como um resíduo material de atmosfera\, de sentimento\, de processo. Bility tece isso por meio de uma poesia compartilhada – um trazer à tona\, uma revelação – que esboça uma arquitetura do que significa ser. \n\n\n\nNo Hammer Museum\, Bility apresenta uma variedade de objetos\, criando um encontro estético que dá vida às suas referências autorreferenciais da vida diaspórica. Ele estrutura a exposição após o movimentado bazar – um espaço dinâmico repleto de sistemas de troca que produzem\, usam e reutilizam materiais comerciais como carretéis de fios\, sacos de nozes de cola\, tábuas de madeira\, correntes de metal e pedaços de tela. As esculturas e pinturas resultantes dialogam com as preocupações materiais de várias práticas avant-garde das décadas de 1960 e 1970\, incluindo as do movimento italiano Arte Povera e as sensibilidades e estratégias do oeste africano de Vohou-Vohou e récupération. Em diferentes graus\, essas formas de criação de objetos intencionalmente achatam as distinções entre materiais locais\, importados\, industriais e naturais. \n\n\n\nA ética horizontal incorporada no processo de marcação de Bility informa como lidamos com tradições de pintura\, formas escultóricas e a arquitetura de catedral da Galeria do Cofre do Hammer. As cabaças de cabaça\, grosseiramente cimentadas nas paredes da galeria\, ecoam a curvatura do ábside semicircular. O carvão carbonizado\, resíduo de madeira queimada\, oferece evidências tangíveis de um ato de pintura. As lavagens de óleo suavemente amortecidas chamam a atenção para os cortes na tela. Essas camadas investigativas de profundidade e textura\, embora parcialmente serendipitadas\, funcionam como um comentário sobre a desobediência das disciplinas de pintura e escultura em busca de uma sintaxe de movimento que busca uma existência desimpedida. Bility inicia esse processo de renomeação por meio de fragmentos que entram e saem do pensamento\, da forma\, da materialidade e da tradição.
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SUMMARY:"Hammer Contemporary Collection: Banu Cennetoğlu" no Hammer Museum
DESCRIPTION:O conteúdo do extenso vídeo de 127 horas de Banu Cennetoğlu (nascida em 1970\, Ankara\, Turquia) tem origem em imagens estáticas e em movimento retiradas dos telefones celulares\, computadores\, câmeras e discos rígidos externos da artista ao longo de um período de doze anos. A montagem dessas imagens representa a totalidade do arquivo visual de Cennetoğlu\, acumulado entre 10 de junho de 2006 – no ano anterior ao nascimento de sua filha – e 21 de março de 2018\, quando a obra foi exibida pela primeira vez. A data de 2006 também marca o início do trabalho contínuo da artista com The List\, uma colaboração com a organização holandesa UNITED for Intercultural Action\, que registra os nomes de refugiados\, requerentes de asilo e migrantes que morreram ao tentar entrar na Europa desde 1993. No seu todo\, as imagens registram a história social do passado recente através da perspectiva da experiência da artista com o mundo.
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SUMMARY:"DRIVE" de Jason Rhoades na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Jason Rhoades com o Caprice\, observando o Aeroporto Internacional de Los Angeles\, 1996 © The Estate of Jason Rhoades\n\n\n\nPara Jason Rhoades\, o carro representava não apenas um veículo de busca artística\, mas também uma escultura pronta e um ídolo americano. A partir de 27 de fevereiro\, a Hauser & Wirth Los Angeles dedicará uma galeria inteira em sua localização no Downtown Arts District a uma exploração ao longo de um ano da arte de Rhoades através do tema dos carros e da cultura automobilística. Conhecido pela imaginação e ambição impulsionadoras de seu trabalho\, assim como\, às vezes\, por sua provocação imprudente e materialidade avassaladora\, Rhoades (1965–2006) era um construtor de mundos para quem a criação de esculturas e de narrativas estava entrelaçada. Suas instalações em escala épica o tornaram uma força no mundo da arte internacional nos anos 1990\, enquanto ele estava baseado em Los Angeles. DRIVE se desdobrará ao longo de uma série de iterações temáticas\, uma exposição em constante mudança das esculturas\, desenhos\, vídeos e múltiplos de Rhoades—enriquecida por materiais de arquivo\, programas públicos e perspectivas contemporâneas.
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LOCATION:Hauser & Wirth Downtown Los Angeles\, 901 E 3rd St\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Camille Claudel no Getty Center
DESCRIPTION:Camille Claudel\, The Waltz (Allioli) (detalhe)\, por volta de 1900. Coleção privada. Foto: Museu Yves Brayer\n\n\n\nCelebrada por sua genialidade em uma época em que escultoras mulheres eram raras\, Camille Claudel (1864–1943) foi uma das artistas mais ousadas e visionárias do final do século XIX. Embora seja lembrada hoje por sua história de vida dramática — seu relacionamento apaixonado com o artista Auguste Rodin e seus 30 anos de internação em uma instituição psiquiátrica — sua arte permanece pouco conhecida fora da França. Com cerca de 60 esculturas\, esta grande exposição busca reavaliar o trabalho de Claudel e afirmar seu legado dentro de uma genealogia mais complexa do Modernismo.
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SUMMARY:"ED RUSCHA / NOW THEN" no LACMA
DESCRIPTION:ED RUSCHA\, Norms\, La Cienega\, on Fire\, 1964. Cortesia Broad Art Foundation © ED RUSCHA. Foto: Paul Ruscha\n\n\n\nEd Ruscha tem consistentemente refletido a sociedade americana ao transformar algumas de suas características definidoras — da cultura do consumismo e entretenimento popular até a paisagem urbana em constante mudança — no próprio tema de sua arte. Em 1956\, Ruscha deixou Oklahoma City para estudar arte comercial em Los Angeles\, onde se inspirou na paisagem arquitetônica da cidade — estacionamentos\, ruas urbanas e prédios de apartamentos — e na linguagem coloquial. \n\n\n\nComo sua primeira retrospectiva abrangente em mais de 20 anos\, ED RUSCHA / NOW THEN traça os métodos de Ruscha e seus temas familiares ao longo de sua carreira e destaca as muitas contribuições notáveis que ele fez muito além dos limites do mundo da arte. A exposição inclui seus primeiros trabalhos produzidos enquanto viajava pela Europa\, suas instalações — como a Sala de Chocolate e o Curso do Império apresentados na Bienal de Veneza em 1970 e 2005\, respectivamente — e sua incessante documentação fotográfica das ruas de Los Angeles a partir de 1965.
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SUMMARY:"Nineteenth-Century Photography Now" no Getty Center
DESCRIPTION:Herbaria (detalhe)\, 2021\, da série Pileups\, Stephanie Syjuco. Museu Getty. © Stephanie Syjuco\n\n\n\nAs fotografias mais antigas — frequentemente associadas a imagens pequenas\, desbotadas e em tons sépia — podem parecer pertencer a uma era passada\, mas muitas das convenções estabelecidas durante os primeiros anos da fotografia persistem até hoje. Organizada em torno de cinco temas que remontam aos primórdios do meio\, esta exposição explora fotografias do século XIX através do trabalho de vinte e um artistas contemporâneos. Essas interações entre as primeiras décadas do meio e o mais recente convidam-nos a reimaginar a fotografia do século XIX enquanto exploramos suas complexidades.
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SUMMARY:"Carolee Schneemann" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Vista da instalação. Divulgação Lisson Gallery\n\n\n\n\nA Lisson Gallery apresenta sua primeira exposição com Carolee Schneemann (1939–2019)\, uma das artistas mais ousadas e influentes do século XX e início do XXI\, cujo espólio é representado pela galeria desde outubro de 2024. Esta mostra inaugural marca também a primeira individual da artista em Los Angeles. Conhecida por sua prática radical e multidisciplinar\, que se estendeu por seis décadas\, Schneemann desafiou convenções sociais e artísticas ao utilizar o próprio corpo e uma ampla variedade de mídias para abordar questões de sexualidade\, gênero\, política e guerra. \nA exposição concentra-se em uma fase específica da carreira de Schneemann\, cerca de vinte anos após seu início\, e tem como eixo central uma instalação multimídia única originada de um sonho que a artista teve durante uma visita a Los Angeles no verão de 1985. No sonho\, Schneemann viu formas arredondadas\, semelhantes a rochas\, flutuando ao longe e que lhe lembravam as Ninfeias de Monet. A obra resultante\, Video Rocks (1987)\, apresentada pela primeira vez em sua totalidade na Lisson\, é composta por 180 discos — cada um com tamanho e formato semelhantes a uma placa de esterco de vaca — dispostos no chão formando uma elevação rasa. Na extremidade dessa formação\, cinco monitores de vídeo alinhados exibem cenas filmadas em sequência que aludem à paisagem escultórica anterior\, com imagens de pessoas e animais atravessando os “blocos”. Desenvolvida a partir das investigações autorreferenciais sobre corpo e narrativa pessoal que Schneemann já realizava em filmes como Fuses (1965)\, Plumb Line (1968–71) e Kitch’s Last Meal (1973–76)\, Video Rocks marca um ponto de inflexão em sua prática. A obra\, imersiva e multifacetada\, foi exibida pela última vez nos EUA há quase trinta anos\, na mostra Carolee Schneemann: Up to and Including Her Limits\, no New Museum\, em Nova York. \nA instalação é acompanhada por uma série de desenhos que Schneemann criou paralelamente para registrar as imagens e possíveis configurações de Video Rocks — esboços expressivos feitos com tinta\, giz de cera e marcador\, que revelam os processos da artista. Entre essas obras está uma pintura de 9\,6 metros de largura\, com formas florais em tons de rosa e amarelo\, instalada horizontalmente em uma das paredes laterais — uma referência direta às Ninfeias que apareceram em seu sonho. Todo o conjunto exposto é emoldurado por cinco hastes acrílicas de luz suspensas do teto\, que iluminam as “rochas” abaixo e acrescentam uma camada de lirismo a esse espaço de “sonho/visão”\, como a própria artista o descreveu. \nA mostra também inclui obras da Lebanon Series (1981–1999)\, como Souvenir of…Tyre…Sidon…Damour (for Bruce McP.) (1982)\, uma pintura tátil e colada que mistura imagens pessoais e políticas para abordar a violência da Guerra Civil Libanesa e suas consequências. Já The Dust Paintings (1983–86)\, também parte dessa série\, são composições abstratas que incorporam placas de circuito\, imagens serigrafadas\, pregos\, partículas de vidro\, cinzas e outros materiais. Essas obras refletem o longo envolvimento de Schneemann com temas políticos e atrocidades históricas\, como em seu filme de protesto Viet-Flakes (1965)\, estabelecendo conexões com seus primeiros experimentos com pintura e colagem nas décadas de 1950 e 1960. As superfícies de papel artesanal de The Dust Paintings são densamente trabalhadas com tinta\, cordão\, pigmentos vegetais e vidro. \nSe Video Rocks representou uma tentativa inicial de Schneemann de fundir vídeo e escultura\, The Dust Paintings mostram outro momento em que ela buscou integrar e subverter os meios artísticos tradicionais. Assim como seus primeiros trabalhos visavam romper com formas estáticas\, essas obras mais recentes revelam sua persistente dedicação a uma prática artística dinâmica e em constante transformação.
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LOCATION:Lisson Gallery Los Angeles\, 1037 N. Sycamore Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:"Reverberations" no MOCA Grand Avenue
DESCRIPTION:Rachel Harrison\, Hot Topic Two\, 2022 © Rachel Harrison. Imagem cortesia de Regen Projects\, Los Angeles e Greene Naftali\, Nova York. Foto de Joshua White/JWPictures.com.\n\n\n\nA Coleção do MOCA\, agora com quase 8.000 obras de arte que abrangem o meio do século XX até o presente\, é internacionalmente renomada por sua profundidade e excelência em mídia\, estilo e história da arte. Destacando áreas de força única\, estas galerias da Coleção se orientam em torno de apresentações de obras de um único artista\, como Robert Rauschenberg e Mark Rothko\, e reúnem aquisições-chave feitas pelo museu ao longo de seus 44 anos de história\, incluindo muitas seleções das Coleções Panza\, Schreiber\, Weisman e Parsons\, que são fundamentais. \n\n\n\nGalerias dedicadas à abstração\, Pop e trabalho conceitual das décadas de 1950 e 1960 são acompanhadas por aquisições recentes de Nairy Baghramian\, Isa Genzken e Rachel Harrison\, enquanto pinturas figurativas de Michael Armitage\, Jennifer Packer e Henry Taylor se juntam a obras canônicas de Alice Neel\, George Segal e outros. Também em exibição estão apresentações de “The Americans” de Robert Frank em sua totalidade e a instalação Import-Export Funk Office (1993) de Renée Green. \n\n\n\nReverberations é organizada por Bennett Simpson\, Curador Sênior\, com Emilia Nicholson-Fajardo\, Assistente Curatorial\, do Museu de Arte Contemporânea\, Los Angeles.
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LOCATION:MOCA Grand Avenue\, 250 South Grand Avenue Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Eberhard Havekost na Roberts Projects
DESCRIPTION:Eberhard Havekost\, Transformers\, B14\, 2014\n\n\n\nRoberts Projects tem o prazer de apresentar uma pesquisa de pinturas de 1998 a 2015 do artista alemão Eberhard Havekost\, cujo trabalho explorou os paralelos entre ideias sistemáticas de perfeição e os modos de construção de imagem ideal. Trabalhando a partir de sua própria coleção de fotos e vídeos\, Havekost usou um computador para alterar as imagens originais: os tons se distorceram sutilmente\, enquanto as formas foram esticadas e distorcidas imperceptivelmente. Essas modificações foram posteriormente traduzidas através do processo manual de pintura de Havekost. A imagem final não era de precisão fotográfica\, mas sim uma série de momentos transitórios que capturam uma percepção abstrata. Os ‘erros’ intencionais fazem a imagem parecer mais natural e visualmente agradável\, enquanto a distorção atenuada transforma uma instância de banalidade em uma de beleza harmoniosa.
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LOCATION:Roberts Projects\, 442 South La Brea Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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