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SUMMARY:"Porcelain from Versailles" no Getty Center
DESCRIPTION:Esta exposição reúne dois dos conjuntos de vasos mais extraordinários que pertenceram ao Rei Louis XVI e à Rainha Marie-Antoinette da França durante o final do século XVIII. Os vasos estão entre as maiores realizações da manufatura de porcelana de Sèvres feitas antes da Revolução Francesa\, tornando-se tesouros pessoais da família real na época. Inicialmente\, eles eram mantidos no Palácio de Versalhes\, nos arredores de Paris\, a residência principal da família real\, e são um testemunho das habilidades exemplares dos artistas que participaram de sua criação. Esta exposição reúne os oito vasos que foram separados durante a Revolução\, oferecendo a rara oportunidade de apreciar a habilidade artesanal e o design dos conjuntos.
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SUMMARY:"Mapping an Art World: Los Angeles in the 1970s-80" no MOCA Grand Avenue
DESCRIPTION:Mapping an Art World: Los Angeles in the 1970s-80s revisita as décadas que antecederam a fundação do Museu de Arte Contemporânea (MOCA) em 1979 e a abertura do prédio da Grand Avenue do MOCA em 1986. Através da apresentação de obras da coleção do MOCA\, a exposição tem como objetivo reconsiderar as décadas decisivas dos anos 1970 e 1980 e explorar o espírito de experimentação e colaboração\, bem como a paisagem cultural e social única que contribuiu para estabelecer firmemente Los Angeles como uma das capitais artísticas mais dinâmicas do mundo\, e o MOCA como uma presença duradoura para os artistas da cidade. \n\n\n\nAntes da fundação do primeiro museu dedicado à arte contemporânea da cidade\, Los Angeles abrigava cenas de arte díspares e heterogêneas\, com artistas formando diferentes núcleos e estabelecendo redes sólidas por toda a cidade – de Venice a East LA\, do Instituto de Artes da Califórnia (CalArts) no norte à Galeria Brockman em Leimert Park. Na ausência de um museu de arte contemporânea\, os artistas utilizavam contextos não convencionais\, incluindo a rua\, o estúdio\, a escola de arte e outros espaços públicos para mostrar e apresentar sua arte\, enquanto abraçavam ações performáticas e efêmeras para envolver seu público de maneiras mais imediatas. Ao fazer isso\, os artistas estavam respondendo às possibilidades de uma cena artística em crescimento e à expansão urbana e à paisagem dispersa de LA. \n\n\n\nCom mais de 200 obras de arte e peças de material efêmero arquivado – incluindo obras amadas de Eleanor Antin\, John Baldessari\, Mike Kelley\, Claes Oldenburg e Ed Ruscha\, ao lado de obras menos exibidas e novas aquisições de Carole Caroompas\, Alonzo Davis\, Ilene Segalove e Joey Terrill\, entre outros – Mapeando um Mundo de Arte examina as origens do MOCA como um museu fundado por artistas\, bem como seu compromisso em desenvolver uma coleção de classe mundial. \n\n\n\nMapping an Art World é organizada por Clara Kim\, Chefe de Curadoria e Diretora de Assuntos Curatoriais\, e Rebecca Lowery\, Curadora Associada\, com a colaboração de Emilia Nicholson-Fajardo\, Assistente de Curadoria\, do Museu de Arte Contemporânea\, Los Angeles.
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SUMMARY:Mercedes Dorame no Getty Center
DESCRIPTION:O trabalho da artista Mercedes Dorame\, baseada em Los Angeles\, explora como nos posicionamos em relação à terra que habitamos. Para essa nova comissão\, Dorame se voltou para a vista do Getty Center através do Oceano Pacífico em direção a Pimugna\, ou Pimu (Ilha Catalina)\, habitada há muito tempo pelo povo Tongva. Para evocar um olhar de retorno de Pimugna\, sua instalação inclui vistas pintadas da costa e esculturas suspensas de abalones – um molusco ameaçado de extinção e um importante recurso cultural para os povos nativos da Califórnia costeira. \n\n\n\nEste projeto é a primeira Comissão da Rotunda\, uma série de instalações artísticas inspiradas na coleção\, arquitetura e localização do Museu Getty.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Bahia Reverb: Artists and Place" no Art + Practice
DESCRIPTION:As residências artísticas são uma ferramenta importante para os artistas explorarem práticas orientadas pelo local e vivenciarem de perto lugares e culturas específicas. Bahia Reverb: Artists and Place apresenta o trabalho de dez ex-bolsistas do Instituto Sacatar na Bahia\, Brasil\, todos da América do Norte e de ascendência africana\, com o objetivo de refletir sobre como a Bahia\, um epicentro da diáspora africana\, influenciou suas obras e modificou suas próprias compreensões de si mesmos. \n\n\n\nOs artistas incluem Gerald Cyrus\, Juan Erman Gonzalez\, Mark Steven Greenfield\, Karen Hampton\, Rik Freeman\, Francis Tre Lawrence\, Germaine Ingram\, Sandra Brewster\, Precious Lovell e Tim Whiten. \n\n\n\nBahia Reverb: Artists and Place é organizada pelo Museu Afro-Americano da Califórnia (CAAM) e Art + Practice (A+P). A exposição é curada por Bia Gayotto\, curadora independente\, artista e escritora. A colaboração entre o CAAM e A+P tem duração de cinco anos.
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LOCATION:Art + Practice Exhibition Space\, 3401 W 43rd Pl South Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The World Made Wondrous" no LACMA
DESCRIPTION:Repleta com mais de 300 objetos\, incluindo pinturas\, gravuras e esculturas\, bem como gemas\, conchas e taxidermia\, World Made Wondrous recria um gabinete fictício de colecionador holandês do século XVII para examinar as histórias políticas e coloniais das práticas de coleta europeias no século XVII. À medida que os europeus montavam seus gabinetes\, eles ordenavam o mundo de maneiras deliberadas\, estabelecendo julgamentos e hierarquias sobre o valor de materiais naturais\, formas de trabalho\, formas de artesanato\, bem como o valor humano\, muitas vezes com consequências graves e mortais. A exposição questionará as agendas subjacentes e estruturas que foram fundamentais para essas coleções – que são precursoras dos museus europeus e americanos atuais\, incluindo o LACMA. \n\n\n\nO visitante será conduzido pela exposição com um guia de áudio digital que inclui comentários de especialistas em diversas áreas\, produzidos especialmente para ampliar as narrativas de cada objeto e seus criadores. A exposição se beneficia das importantes contribuições de quatro artistas contemporâneos: Jennifer Ling Datchuk; Todd Gray; Sithabile Mlotshwa; e Uýra Sodoma; cujas obras\, juntamente com seus comentários no guia de áudio\, fornecem contexto essencial e reflexão sobre as narrativas históricas entrelaçadas na exposição.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Arthur Tress: Rambles\, Dreams\, and Shadows" no Getty Center
DESCRIPTION:Esta é a primeira exposição a traçar a trajetória inicial da carreira de Arthur Tress\, um dos fotógrafos americanos mais inovadores da era pós-guerra. Durante sua primeira década como um emergente profissional no mundo da fotografia de Nova York (1968-78)\, sua prática artística evoluiu da tradição do documentário social para uma abordagem audaciosa e inovadora\, inspirada nos mundos interiores de fantasias\, devaneios e pesadelos.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Sheila Metzner: From Life" no Getty Center
DESCRIPTION:Esta exposição celebra a arte da aclamada fotógrafa americana Sheila Metzner\, que deixou sua marca na história da fotografia do final do século XX nas áreas da moda e natureza morta. O estilo único de Metzner mescla aspectos do Pictorialismo e do Modernismo para criar uma estética que não apenas se destaca na história da fotografia\, mas também se tornou intimamente ligada às melhores tendências da moda\, beleza e artes decorativas da década de 1980.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"MOCA Focus: Eddie Rodolfo Aparicio" no MOCA Geffen
DESCRIPTION:MOCA Focus: Eddie Rodolfo Aparicio é a primeira exposição individual do artista de Los Angeles\, Eddie Rodolfo Aparicio (nascido em 1990\, Los Angeles)\, em um museu. A exposição apresenta obras de arte que datam de 2016 até o presente e estreia três novas esculturas em grande escala encomendadas especialmente para o The Geffen Contemporary at MOCA. \n\n\n\nA prática criativa inovadora de Aparicio é influenciada pelas comunidades salvadorenhas em Los Angeles\, onde ele cresceu\, pelo discurso decolonialista e por uma abordagem da justiça ecológica como uma forma de justiça social. A base da prática de Aparicio é a “não neutralidade total do material”\, que o artista inicialmente percebeu por meio de sua série Caucho (Borracha) (2016-em andamento). MOCA Focus: Eddie Rodolfo Aparicio apresenta uma variedade de obras de Caucho\, nas quais Aparicio molda os troncos de árvores de Los Angeles\, frequentemente a espécie ficus\, que estão destinados a serem removidos\, em borracha – os fluidos internos da Castilla elastica\, uma espécie nativa de El Salvador. As impressões resultantes têm texturas com casca residual\, partículas de escape e marcas de grafite. As moldagens se combinam com colagens de roupas encontradas e objetos efêmeros dos bairros Pico-Union\, Highland Park e Westlake de Los Angeles\, e são enriquecidas com referências pintadas à presença e expressão da diáspora centro-americana na cultura popular e no ambiente construído. Neste conjunto de obras\, Aparicio evoca a história da borracha como uma tecnologia vital pré-hispânica indígena e seu status como material de comércio imperialista\, dando forma às conexões das comunidades imigrantes com a terra e o local. No cerne da prática de Aparicio está o compromisso com o conhecimento cultural e científico das comunidades imigrantes centro-americanas\, frequentemente marginalizadas e até vilipendiadas\, tornando a localização do MOCA no centro de Los Angeles\, o coração da diáspora salvadorenha\, particularmente significativa. \n\n\n\nOrganizada pela curadora Anna Katz\, com a assistência curatorial de Anastasia Kahn\, a exposição marca o relançamento da série MOCA Focus\, que apresenta a primeira exposição individual de um artista em um museu de Los Angeles e foca em novos ou distintos conjuntos de obras.
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LOCATION:MOCA Geffen\, 152 N Central Ave\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Paul Pfeiffer: Prologue to the Story of the Birth of Freedom" no MOCA Geffen
DESCRIPTION:Celebrando vinte e cinco anos da prática multidisciplinar do artista Paul Pfeiffer (nascido em 1966\, Honolulu\, Havaí; residente em Nova York)\, Paul Pfeiffer: Prologue to the Story of the Birth of Freedom vai homenagear um artista pioneiro conhecido por seu trabalho incisivo que questiona ideias de espetáculo\, pertencimento e identidade. Inspirado por eventos esportivos televisionados e entretenimento popular\, o trabalho de Pfeiffer desconstrói nossa fascinação e obsessão pela cultura das celebridades\, desvendando como a consciência coletiva é moldada e manipulada por meio de sua habilidosa edição de imagens encontradas. Ao traçar a trajetória global da circulação de imagens\, Pfeiffer demonstra como o desejo\, o heroísmo e a adoração funcionam como parte dos mecanismos da arte\, religião\, política e nacionalismo. Reunindo mais de trinta obras e apresentando uma nova comissão\, Paul Pfeiffer: Prologue to the Story of the Birth of Freedom é a primeira retrospectiva da prática multidisciplinar do artista. \n\n\n\nA apresentação da mostra pelo MOCA será acompanhada por um catálogo monográfico em cores\, co-publicado pelo museu e pela MACK Books\, com novos estudos e análises críticas do trabalho do artista que oferecerão uma visão geral muito necessária do impacto e influência de Pfeiffer até o momento. \n\n\n\nPaul Pfeiffer: Prologue to the Story of the Birth of Freedom é organizado por Clara Kim\, Curadora-Chefe e Diretora de Assuntos Curatoriais\, e Paula Kroll\, Assistente Curatorial\, do Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles.
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LOCATION:MOCA Geffen\, 152 North Central Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Desire\, Knowledge\, and Hope (with Smog)" no The Broad
DESCRIPTION:O The Broad tem o prazer de anunciar Desire\, Knowledge\, and Hope (with Smog)\, uma exposição inteiramente composta por obras da coleção do The Broad\, apresentando trabalhos de artistas baseados em Los Angeles. Retirando seu título de uma obra de John Baldessari\, a exposição inclui reflexões sobre Los Angeles como uma cidade em constante transformação e sobre questões sociais que se estendem muito além dela. A exposição estará em exibição nas galerias do primeiro andar do museu até 7 de abril de 2024\, e reúne o trabalho de 21 artistas de diferentes gerações que foram criados na área de Los Angeles\, como Doug Aitken e Lari Pittman\, ou que se mudaram para a cidade\, incluindo Catherine Opie e Mike Kelley. Desire\, Knowledge\, and Hope (with Smog) é possível em parte graças ao generoso apoio do East West Bank\, Parceiro Principal do The Broad há seis anos. \n\n\n\nOrganizada pelo Curador do The Broad\, Ed Schad\, e pela Assistente Curatorial\, Jennifer Vanegas Rocha\, a exposição apresentará vários artistas que são novas adições à coleção do The Broad\, incluindo Njideka Akunyili Crosby\, Sayre Gomez e Joe Ray. Ela oferece aos visitantes a oportunidade de descobrir como a coleção do museu continua a evoluir\, acolhendo novas vozes e apoiando alguns dos artistas mais ambiciosos que trabalham em Los Angeles.
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LOCATION:The Broad\, 221 S. Grand Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"War Stories: World War I Print Portfolios by German Artists" no LACMA
DESCRIPTION:A Primeira Guerra Mundial\, apelidada de “Grande Guerra” por sua escala humana e geográfica sem precedentes\, foi travada em ambos os lados por exércitos de milhões de soldados-cidadãos\, incluindo muitos artistas. Alguns se tornaram artistas oficiais de guerra; outros serviram na linha de frente e fizeram da guerra o tema de sua arte. Para os artistas alemães\, o portfólio de gravuras era um dos formatos mais populares para representar a guerra e suas consequências. Os artistas usaram a estrutura sequencial do portfólio para contar histórias de forma cinematográfica por meio de uma série de imagens\, e à medida que se distanciavam do campo de batalha\, isso lhes permitia explorar narrativas complexas e lidar com o trauma de suas experiências de guerra. War Stories apresenta seleções de oito portfólios de gravuras sobre a guerra\, incluindo obras icônicas de Käthe Kollwitz\, Otto Dix e George Grosz. É uma instalação complementar à exposição Imagined Fronts: The Great War and Global Media.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Imagined Fronts: The Great War and Global Media" no LACMA
DESCRIPTION:Imagined Fronts: The Great War and Global Media explora como o espetáculo midiático em que vivemos teve origem na Primeira Guerra Mundial e no crescente cenário midiático de pôsteres\, fotografia\, cinema\, jornais ilustrados e objetos efêmeros que a tornaram a primeira guerra midiática global. Como a mídia e os artistas imaginaram uma guerra que abrangesse o mundo inteiro? Os combatentes incluíram forças da Austrália\, Canadá\, Ásia\, Oriente Médio e África\, bem como diversos grupos étnicos e raciais americanos e povos indígenas\, incluindo Māori\, Primeiras Nações e “code talkers” Choctaw. Imagined Fronts considerará como a mídia mobilizou as massas\, imaginou o campo de batalha\, facilitou a guerra global e lidou com as consequências. Com cerca de 200 objetos de artistas\, fotógrafos de guerra\, cineastas e soldados de vários continentes\, Imagined Fronts explorará a interação entre a mídia de massa e a imaginação artística.
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SUMMARY:"Groove: Artists and Intaglio Prints\, 1500 to Now" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Esta exposição abrange mais de quinhentos anos de gravuras em intaglio retiradas das extensas coleções do UCLA Grunwald Center for the Graphic Arts no Hammer Museum. O meio de intaglio inclui gravuras\, águas-fortes\, ponta seca\, áquatinta e mezzotinta\, todos os quais envolvem o uso de uma chapa de cobre ou zinco que é incisa\, entintada e impressa. Esses materiais e técnicas permaneceram mais ou menos os mesmos desde o século XV\, com artistas empregando métodos semelhantes para representar uma ampla gama de temas e estilos\, desde as intricadas cenas religiosas e mitológicas do século XVI até as experimentações formais do século XXI. “Groove” inclui mais de oitenta gravuras\, organizadas cronologicamente\, com exemplos importantes de gravura renascentista de Albrecht Dürer e Giorgio Ghisi; águas-fortes importantes do período barroco holandês de Rembrandt van Rijn; gravuras do século XIX e XX de Stanley William Hayter\, Ernst Ludwig Kirchner\, Käthe Kollwitz e Pablo Picasso; e gravuras contemporâneas de Mark Bradford\, Vija Celmins\, Nicole Eisenman\, Toba Khedoori e Martin Puryear.
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SUMMARY:"Dining with the Sultan" no LACMA
DESCRIPTION:O ato de se reunir para compartilhar uma refeição é uma prática compartilhada por todas as culturas. A comida nos define – somos o que comemos. Dining with the Sultan é a primeira exposição a apresentar a arte islâmica no contexto de suas tradições culinárias associadas. Ela incluirá cerca de 250 obras de arte relacionadas à origem\, preparação\, serviço e consumo de alimentos\, provenientes de 30 coleções públicas e privadas nos Estados Unidos\, Europa e Oriente Médio – objetos de qualidade e apelo incontestáveis\, vistos através da lente universal da alta gastronomia. A exposição estimulará não apenas os olhos\, mas também o apetite\, lembrando aos visitantes o prazer comunitário da comida – tanto do seu sabor quanto da sua apresentação. Ela fornecerá informações muito necessárias sobre a vasta classe de objetos de luxo que podem ser amplamente definidos como utensílios de mesa e demonstrará como o discernimento gustativo era uma atividade fundamental nas grandes cortes islâmicas.
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SUMMARY:"Autobahn"de Thomas Trum na The Hole LA
DESCRIPTION:A The Hole tem o prazer de anunciar Autobahn\, nossa segunda exposição individual do artista holandês Thomas Trum. Nesta mostra\, Trum explora a abstração dentro de um conjunto autoimposto de restrições\, focando na linha e na cor em diferentes tamanhos e mídias. \n\n\n\nCom Autobahn\, Trum continua sua prática multidisciplinar de desenho\, pintura\, design de móveis\, murais e instalações públicas. Em cada corpo de trabalho\, ele traz um novo conjunto de estratégias para gesto\, desenho e timing. Nesta exposição\, vemos mais restrição\, mais economia\, mais ênfase dramática por marca: o rastro da máquina\, como as trilhas de um carro\, é claro e confiante. Sua mais recente série de obras “Duotone” em papel avança ainda mais\, proporcionando um close nas linhas dentro das linhas. \n\n\n\nIntrigado por equipamentos industriais de grande porte\, como máquinas agrícolas\, que operam em uma escala e potência significativas em um padrão rítmico\, Trum experimenta diferentes estruturas de automação para descobrir continuamente novas maneiras de criar. As extensas preparações contrastam com a execução da obra final\, que às vezes leva apenas alguns minutos. Essas pinturas e obras em papel são interações entre o ser humano e a ferramenta\, como uma coreografia\, aplicando o pigmento na superfície da melhor maneira possível. Você pode ver a fisicalidade em suas obras; um movimento capturado em cores. \n\n\n\nTrum possui um profundo entendimento das qualidades materiais do pigmento: a pesquisa de materiais e técnicas está no cerne de seu trabalho. Ele frequentemente desenvolve ferramentas não convencionais\, incluindo canetas gigantes e máquinas de pulverização personalizadas. Suas obras em tela são aplicadas com um grande rodo artesanal e tinta especial controlada meticulosamente pela mão e pelo corpo do artista. Seus desenhos são igualmente precisos\, desenhados cuidadosamente com uma caneta gigante. Um processo mais tolerante\, seus murais de parede exigem que ele empurre cuidadosamente um pulverizador de tinta personalizado com um grande braço rotativo distribuindo um gradiente colorido de laços hipnóticos.
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SUMMARY:"Sam Gilliam: The Last Five Years" na David Kordansky Gallery
DESCRIPTION:A David Kordansky Gallery em Los Angeles e a Pace Gallery em Nova York apresentam Sam Gilliam: The Last Five Years\, uma exposição em duas partes de pinturas criadas por Gilliam entre 2018 e 2022. A apresentação da David Kordansky Gallery\, em exibição em todos os três espaços de sua localização em Los Angeles de 13 de janeiro a 3 de março de 2024\, apresenta obras da série Drape de Gilliam\, bem como uma seleção de aquarelas. A apresentação da Pace\, que esteve em exibição em Nova York até 28 de outubro de 2023\, focou nas telas com bordas chanfradas do artista. Ambas as apresentações também incluem as pinturas em formato de tondo de Gilliam\, um formato que ele explorou profundamente no capítulo final de sua carreira. Em ambos os locais\, a exposição é composta principalmente por obras que nunca foram exibidas publicamente. Ela é acompanhada por um catálogo produzido em conjunto pela Pace Publishing e pela David Kordansky Gallery\, apresentando um novo ensaio crítico da curadora e historiadora de arte Lowery Stokes Sims. \n\n\n\nSam Gilliam: The Last Five Years está impregnado com o senso de descoberta que acompanhou cada fase da longa carreira de Gilliam e que parecia aumentar no final de sua vida\, à medida que encontrava novas possibilidades em algumas de suas vocabulários formais mais duradouros. Também documenta a maneira abrangente pela qual Gilliam avaliou sua própria produção artística\, de modo que cada adição ao seu corpo de trabalho não apenas ampliou sua gama\, mas serviu como uma reavaliação e reconsideração de tudo o que veio antes.
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SUMMARY:"SMALL V01CE" na Honor Fraser
DESCRIPTION:A exposição SMALL V01CE provoca reflexões sobre a evolução da inteligência humana e a ascensão da inteligência artificial generativa. Ela questiona como essas novas tecnologias afetarão tanto os seres humanos quanto as máquinas à luz da evolução. A mostra explora as implicações dessas mudanças na criatividade\, na arte e no desenvolvimento de novas formas de inteligência artificial\, levantando questões sobre o papel do instinto e da intuição na produção de arte e como as máquinas podem desenvolver suas próprias formas desses aspectos humanos. Além disso\, a SMALL V01CE questiona as bases da inteligência\, a interação entre máquinas e seres vivos não humanos e os motivos por trás desses experimentos em um contexto social complexo.
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SUMMARY:"A Crack in My Cosmic Egg" de Sébastien Léon na Praz-Delavallade LA
DESCRIPTION:A Praz-Delavallade Los Angeles tem o prazer de apresentar A Crack in My Cosmic Egg\, a primeira exposição individual da galeria com o artista Sébastien Léon. A exposição será inaugurada em 13 de janeiro e ficará em cartaz até 15 de fevereiro de 2024. \n\n\n\nSébastien Léon nasceu na cidade onde da Vinci faleceu. O grande polímata estava em Amboise\, na França\, a pedido do rei Francisco I\, atuando como pintor da corte e engenheiro do exército real. Isso não é apenas interessante\, mas relevante\, porque o jovem Sébastien era um visitante frequente do museu das invenções de da Vinci – a maior reivindicação de fama da cidade\, além de ser também o local de nascimento do mágico e criador de autômatos teatrais Robert Houdin. Tudo isso para dizer que Léon tem falado a linguagem do surrealismo por muito tempo\, predisposto como estava a aceitar a magia não apenas como real\, mas como um modo de vida. Mais tarde\, quando chegou a hora de se tornar um artista\, como tantos outros no caminho do novo pensamento e questionamento espiritual\, ele se encontrou em Los Angeles. \n\n\n\nEm uma nova exposição centrada nos desenhos impossíveis de seu livro Psychodessins (Hat & Beard Press)\, Léon combina o longo trabalho de suas viagens interiores com manifestações físicas das percepções que descobriu – e ainda está descobrindo – no campo da psique. Em uma ampla série de obras em mídia mista sobre papel\, Léon tem canalizado o processo de desenho automático popular entre André Masson e outros surrealistas de Paris – em si uma expressão do fascínio da época pelo campo nascente da psicanálise e da auto-realização oferecida por figuras como Carl Jung e Otto Rank.
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LOCATION:Praz-Delavallade Los Angeles\, 6150 Wilshire Blvd\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Long Story Short" no MOCA Grand Avenue
DESCRIPTION:Long Story Short apresenta obras de arte que datam dos anos 1940 até os dias atuais\, selecionadas a partir da coleção em constante crescimento do MOCA\, que inclui mais de 7.500 objetos e é reconhecida mundialmente. A exposição demonstra as inúmeras maneiras pelas quais artistas contemporâneos abordaram questões estéticas\, políticas e filosóficas nos últimos setenta e cinco anos\, seja inovando em novas formas de arte abstrata\, comemorando amores e perdas\, repensando as convenções da retratística ou desafiando o status secundário da arte popular. Ao exibir obras amplamente reconhecidas como marcos da coleção do museu junto com peças menos conhecidas\, aquisições recentes e obras que nunca foram exibidas anteriormente no MOCA\, Long Story Short nos lembra que a história da arte e a história de forma mais ampla são feitas no presente. \n\n\n\nLong Story Short é organizada por Anna Katz\, Curadora\, com a colaboração de Paula Kroll e Emilia Nicholson-Fajardo\, Assistentes de Curadoria\, do Museu de Arte Contemporânea\, Los Angeles.
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LOCATION:MOCA Grand Avenue\, 250 South Grand Avenue Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Solanaceae" de Marina Perez Simão na Pace Gallery
DESCRIPTION:Em exibição de 20 de janeiro a 2 de março de 2024\, a mostra\, intitulada Solanaceae\, reunirá cerca de 15 telas de vários tamanhos\, incluindo panoramas monumentais\, criados pela artista no último ano. Solanacea marcará a primeira apresentação individual de Simão em Los Angeles e\, mais amplamente\, na costa oeste dos Estados Unidos\, e a exposição coincidirá com a edição de 2024 da Frieze LA. Ela será acompanhada por um novo catálogo da Pace Publishing\, apresentando um prefácio da Diretora Curatorial da galeria\, Kimberly Drew\, bem como um ensaio original da Assistente Curadora do Museu de Arte da SCAD\, Brittany Richmond. \n\n\n\nTrabalhando com pintura a óleo\, aquarela e gravura\, Simão é conhecida por suas composições vibrantes e líricas que exploram paisagens tanto interiores quanto exteriores. Através de sua prática\, ela constrói jornadas visuais em direção a reinos semi-abstratos e muitas vezes desconhecidos\, compostos por formas orgânicas e ondulantes. Imbuídas de visões e memórias\, as paisagens oníricas de Simão refletem seu profundo e duradouro interesse no poder da abstração para transmitir ideias\, conceitos e sentimentos que transcendem a linguagem.
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LOCATION:Pace Gallery LA\, 1201 South La Brea Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hammer Projects: Vamba Bility" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Vamba Bility é um artista multidisciplinar cujo trabalho ecoa a experiência da diáspora africana. Tendo viajado da Costa do Marfim para a Guiné e depois para os Estados Unidos\, Bility percebe essa forma contestada de viver como um borrão\, embora profundamente íntimo. Em suas mãos\, essa sensibilidade borrada se torna um movimento fluído que se baseia em várias histórias materiais. Ele expressa os movimentos reverberantes de sua existência apoiando-se e entrelaçando meios e materiais como pintura\, têxteis\, objetos encontrados e som. Uma cabaça rachada é costurada. Uma tela rasgada é costurada como um curativo. Uma pintura é apoiada por um tijolo ou dois. Tudo isso é uma forma de marcação que estrutura a paisagem da diáspora como um resíduo material de atmosfera\, de sentimento\, de processo. Bility tece isso por meio de uma poesia compartilhada – um trazer à tona\, uma revelação – que esboça uma arquitetura do que significa ser. \n\n\n\nNo Hammer Museum\, Bility apresenta uma variedade de objetos\, criando um encontro estético que dá vida às suas referências autorreferenciais da vida diaspórica. Ele estrutura a exposição após o movimentado bazar – um espaço dinâmico repleto de sistemas de troca que produzem\, usam e reutilizam materiais comerciais como carretéis de fios\, sacos de nozes de cola\, tábuas de madeira\, correntes de metal e pedaços de tela. As esculturas e pinturas resultantes dialogam com as preocupações materiais de várias práticas avant-garde das décadas de 1960 e 1970\, incluindo as do movimento italiano Arte Povera e as sensibilidades e estratégias do oeste africano de Vohou-Vohou e récupération. Em diferentes graus\, essas formas de criação de objetos intencionalmente achatam as distinções entre materiais locais\, importados\, industriais e naturais. \n\n\n\nA ética horizontal incorporada no processo de marcação de Bility informa como lidamos com tradições de pintura\, formas escultóricas e a arquitetura de catedral da Galeria do Cofre do Hammer. As cabaças de cabaça\, grosseiramente cimentadas nas paredes da galeria\, ecoam a curvatura do ábside semicircular. O carvão carbonizado\, resíduo de madeira queimada\, oferece evidências tangíveis de um ato de pintura. As lavagens de óleo suavemente amortecidas chamam a atenção para os cortes na tela. Essas camadas investigativas de profundidade e textura\, embora parcialmente serendipitadas\, funcionam como um comentário sobre a desobediência das disciplinas de pintura e escultura em busca de uma sintaxe de movimento que busca uma existência desimpedida. Bility inicia esse processo de renomeação por meio de fragmentos que entram e saem do pensamento\, da forma\, da materialidade e da tradição.
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SUMMARY:"Conserving Eden: Adão e Eva de Cranach do Museu Norton Simon" no Getty Center
DESCRIPTION:Pintando em um estilo distintamente envolvente\, o artista alemão Lucas Cranach\, o Velho (1472-1553)\, interpretou temas bíblicos com insight e elegância humorística. Suas marcantes representações de Adão e Eva sob a Árvore do Conhecimento estão entre os destaques do Museu de Arte Norton Simon em Pasadena\, Califórnia. Essas cativantes pinturas em tamanho real estão sendo apresentadas pela primeira vez no Getty após um tratamento de conservação de vários anos e um estudo técnico.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Joan Brown na Matthew Marks Gallery
DESCRIPTION:A exposição na galeria Matthew Marks\, em Los Angeles\, apresenta nove pinturas e uma escultura criadas entre 1972 e 1983 pela artista Joan Brown (1938–1990). As obras\, em grande escala e vibrantes em cores\, refletem suas experiências pessoais\, incluindo retratos de família\, amigos\, animais de estimação e cenas de suas viagens reais e imaginárias. Brown explorou aspectos essenciais da vida e suas pinturas são veículos para expressar suas reflexões sobre a condição humana. A exposição destaca seu uso de auto-retratos\, frequentemente contextualizados com referências à história da arte e culturas antigas. As pinturas de Brown oferecem uma visão caleidoscópica de sua vida e suas admirações\, com as imagens servindo como expressões de maravilhamento pessoal.
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LOCATION:Matthew Marks Gallery LA\, 1062 North Orange Grove\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Synonym" de Justin Williams na Roberts Projects
DESCRIPTION:A Roberts Projects tem o prazer de apresentar Synonym\, a primeira exposição individual de Justin Williams na galeria. Criadas em seu estúdio em Santa Fé\, Novo México\, as pinturas de Williams florescem a partir de um intrincado e autobiográfico sistema radicular que se enrola\, desenha veias e fragmentos através de meditações sobre sua infância em Melbourne\, Austrália\, bem como suas conexões ancestrais com Alexandria\, Egito\, e visões evocadas pela paisagem surreal do Sudoeste Americano. Pintadas com uma paleta suavemente desgastada que inclui tijolo\, índigo\, ocre\, jade\, ardósia\, ferrugem\, lilás\, osso e terracota\, Williams compõe cenas de encontros – reais e imaginários – em que amigos\, parentes\, estranhos\, amantes\, animais e fantasmas se misturam; como artista\, Williams se transforma em um topógrafo da memória em uma odisséia de encontros. \n\n\n\nObservar uma das pinturas de Williams é ser convidado para uma história que começou antes de chegarmos e continuará depois que partirmos\, despertando a curiosidade pelo contexto alusivo de seus personagens. Quem são esses personagens reunidos em uma cozinha esperando que uma cafeteira ferva? Onde está o campo em que esse homem se reclina no meio de flores amarelas enquanto uma mulher toca violão e ambos contemplam um pôr do sol banhado pela lua? Em que circunstâncias um homem\, uma cabra e uma lata de gasolina convergem no quintal além de uma casa vermelha? Nascidos de recordações e fantasias coladas\, essas figuras tomam forma à medida que Williams obscurece e escava camadas de estágios anteriores da pintura – um palimpsesto translúcido no qual a composição gradualmente suaviza e se desgasta\, dando lugar a figuras emergentes\, dinâmicas e detalhes. \n\n\n\nAtravés desse enfoque místico da retratação\, Williams mal disfarça as idiossincrasias e mitologias de pessoas íntimas a ele e seus ancestrais. Traçando migrações entre o oculto e o revelado\, ele confia suas telas em proteger uma vida sagrada e interior enquanto oferece vislumbres de relacionamentos afins e familiares. Seus personagens não precisam explicar quem são\, de onde vêm ou por que estão ali\, mas fica claro nos olhos de cada pessoa que ele retrata que eles são portadores de histórias\, emoções e anseios texturizados. Transcendendo linhas do tempo sequenciais e geografias com cada tela\, Williams preserva o continuum do maravilhamento interpessoal que o impulsiona ao longo de sua vida particular e preciosa.
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SUMMARY:"Hammer Contemporary Collection: Banu Cennetoğlu" no Hammer Museum
DESCRIPTION:O conteúdo do extenso vídeo de 127 horas de Banu Cennetoğlu (nascida em 1970\, Ankara\, Turquia) tem origem em imagens estáticas e em movimento retiradas dos telefones celulares\, computadores\, câmeras e discos rígidos externos da artista ao longo de um período de doze anos. A montagem dessas imagens representa a totalidade do arquivo visual de Cennetoğlu\, acumulado entre 10 de junho de 2006 – no ano anterior ao nascimento de sua filha – e 21 de março de 2018\, quando a obra foi exibida pela primeira vez. A data de 2006 também marca o início do trabalho contínuo da artista com The List\, uma colaboração com a organização holandesa UNITED for Intercultural Action\, que registra os nomes de refugiados\, requerentes de asilo e migrantes que morreram ao tentar entrar na Europa desde 1993. No seu todo\, as imagens registram a história social do passado recente através da perspectiva da experiência da artista com o mundo.
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SUMMARY:"Drawing on Blue" no Getty Center
DESCRIPTION:O papel azul tem sido um material popular entre os artistas desde o século XV. Feito a partir de trapos azuis moldados em folhas\, esse material simples\, que exigia conhecimento especializado para ser produzido\, teve um impacto profundo na produção artística da Europa moderna. Como um tom intermediário\, o material permitia que os artistas modelassem facilmente formas em luz e sombra\, além de ser adequado para trabalhar com gizes coloridos. Através de uma nova análise técnica das obras de arte na coleção do Getty\, esta exposição oferece uma visão fresca das propriedades físicas do papel azul e sua contribuição única para a prática artística dos séculos XV ao XVIII.
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SUMMARY:"Rodney Graham: Paintings and Lightboxes" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Para sua primeira exposição individual em Los Angeles em duas décadas\, a Lisson Gallery apresenta uma seleção de dois importantes conjuntos de obras do conceitualista pop canadense Rodney Graham. Esta também é a primeira exposição do artista com a galeria desde o seu falecimento no final de 2022\, examinando especificamente algumas das pinturas e caixas de luz em que ele estava trabalhando nos últimos anos de sua vida. Enquanto essas obras bidimensionais alternam entre fotografias monumentais retroiluminadas e pinturas abstratas texturizadas\, elas também fazem referência a uma infinidade de interesses mais amplos de Graham\, incluindo cinema\, literatura\, música\, comédia e história da arte. Os aparentemente opostos meios de pintura e fotografia em caixas de luz também são unidos pelos cuidadosos processos de encenação e colagem de tantos elementos e influências diversos em imagens singularmente memoráveis e surreais. Graham empregou essas técnicas gêmeas de construção narrativa e de mundo ao longo de sua longa e variada prática\, seja criando uma de suas muitas personas fictícias – por meio de vastas produções envolvendo múltiplos adereços e cenários elaborados – ou ao construir novas pinturas cubistas a partir de exemplos mais antigos\, fazendo colagens com esses fragmentos e depois transferindo-os para a tela.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/rodney-graham-paintings-and-lightboxes-na-lisson-gallery/
LOCATION:Lisson Gallery Los Angeles\, 1037 N. Sycamore Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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