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SUMMARY:"Pressing Politics" no LACMA
DESCRIPTION:A exposição coletiva Pressing Politics: Revolutionary Graphics from Mexico and Germany explora os temas e as estratégias visuais compartilhados por dois momentos paradigmáticos da gravura política do século 20: o renascimento do grafismo do Expressionismo Alemão em resposta ao fim da 1ª Guerra Mundial\, em 1918\, e a formação do Taller de Gráfica Popular na Cidade do México no final da década de 1930. Embora enraizados em contextos sociais e históricos distintos\, os movimentos de ambos os países responderam às suas respectivas convulsões na sociedade\, na política e na imprensa para se comunicar em termos visuais vigorosos com o público de massa. Examinando pontos de intercâmbio diretos e indiretos\, a mostra Pressing Politics considera os precedentes iconográficos do imaginário político dos artistas envolvidos em cada um desses movimentos a partir de uma ampla gama de trabalhos impressos que eles produziram e das condições que deram origem a sua arte. Com obras vindas principalmente da coleção do LACMA\, a exposição ressalta o poder duradouro da imagem impressa e destaca as contribuições de artistas mexicanos e alemães para uma iconografia global do grafismo político. 
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Anselm Kiefer na Gagosian at Marciano Art Foundation
DESCRIPTION:Simultaneamente em cartaz em NY e Los Angeles\, a individual “Exodus” apresenta novos trabalhos do consagrado pintor alemão Anselm Kiefer. As pinturas em grande escala empregam uma ampla gama de materiais\, incluindo tinta\, terracota\, tecido\, corda\, arame\, objetos encontrados\, sedimentos de eletrólise e metal – incluindo cobre e folha de ouro. Misturando detritos e materiais nobres\, os trabalhos se revestem do gesto do artista\, de sensação metamórfica e de simbolismo alquímico. A abordagem sincrética de Kiefer quanto aos materiais estende-se à sua compreensão da história\, literatura e mitologia como forças que formam o presente. No novo conjunto de trabalhos\, estão incorporadas inscrições em hebraico do livro do Êxodo\, com referências temáticas de sua narrativa misturada com diversas outras fontes. Cheias de cruzamentos simbólicos entre povos\, lugares e épocas\, as pinturas são alegorias metafísicas que meditam sobre perda e libertação\, despossessão e regresso ao lar. Em Nova York\, figuram pinturas de edifícios monumentais e de ruínas. Seu simbolismo arquitetônico é permeado por temas encontrados no Êxodo e desenvolvidos por escritores que há muito inspiram Kiefer\, entre eles Paul Celan e E.T.A. Hoffmann. “Danaë” (2016-21) é a peça central da expografia\, fundindo uma representação do vasto interior do Aeroporto de Tempelhof em Berlim com o antigo mito grego de Zeus transfigurado em uma chuva de ouro\, levando ao uso proeminente de folha de ouro na pintura. O local foi construído em uma área pertencente aos Templários na Idade Média\, inaugurado como um complexo aeroportuário em 1923\, e\, cooptado pelo Terceiro Reich\, desempenhou um papel crucial na ponte aérea de Berlim durante a Guerra Fria.Não à toa\, a instalação desativada foi recentemente utilizada para fornecer abrigo temporário para refugiados\, conectando-a com os temas do Êxodo. Nas obras expostas na Gagosian da Marciano Art Foundation\, em Los Angeles\, Kiefer aprofunda temas de perda\, história e redenção. “Exodus” (2012-21) é demarcado em sua metade inferior com uma massa de tinta e palha afixada na tela\, e\, acima desse turbilhão em círculos concêntricos\, há uma composição dinâmica centrada em aglomerados de formas que envolvem uma bicicleta. A ligação entre o terrestre e o celeste se realiza na escada entre as duas esferas em “En Sof” (2020-22)\, e a “Wolkensäule” (Coluna de Nuvens) (2009-21). Uma escultura suspensa de um navio da marinha moderna sucumbe à destruição pelos soldados do faraó na narrativa da separação do Mar Vermelho encontrada no Êxodo e recontada no título de “And with the blast of thy nostrils the waters were gathered together\, the floods stood upright as a heap” (2020). Um catálogo ilustrado acompanha a exposição. A apresentação na Fundação de Arte Marciano inclui também uma seleção de publicações da Gagosian sobre o artista e uma sala de leitura com monografias sobre Kiefer em uma seleção de livros raros.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/anselm-kiefer-na-gagosian-at-marciano-art-foundation/
LOCATION:Marciano Art Foundation\, 4357 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Afro-Atlantic Histories" no LACMA
DESCRIPTION:As Histórias Afro-Atlânticas traçam o comércio transatlântico de escravos e seus legados na diáspora africana. Através de uma série de diálogos ao longo do tempo\, a exposição apresenta obras de arte produzidas na África\, Europa e Américas nos últimos quatro séculos para reexaminar\, uma perspectiva global\, as Histórias e histórias de escravidão\, resiliência e a luta pela libertação. A exposição é organizada em seis conjuntos temáticos de obras: Mapas e Margens\, Escravos e Emancipações\, Vidas Cotidianas\, Ritos e Ritmos\, Retratos e Resistências e Ativismo. Cada seção considera o impacto crítico da diáspora africana refletido em obras de arte históricas e contemporâneas. Histórias Afro-Atlânticas foi concebida e exibida primeiramente no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP) e no Instituto Tomie Ohtake\, em 2018. Entre as instituições nos EUA pelas quais a mostra passou estão o Museum of Fine Arts de Houston\, a National Gallery of Art e o  Dallas Museum of Art. Essa é a única exibição na Costa Oeste. A mostra apresenta uma seleção de trabalhos produzidos entre os séculos 16 a 21\, em torno dos “fluxos e refluxos” entre a África\, as Américas\, o Caribe\, e também a Europa\, para usar a famosa expressão do etnólogo\, fotógrafo e babalaô franco-baiano Pierre Verger. O Brasil é um território central nas histórias afro-atlânticas\, pois recebeu aproximadamente 46% dos cerca de 11 milhões de africanos e africanas que desembarcaram compulsoriamente neste lado do Atlântico\, ao longo de mais de 300 anos. Também foi o último país a abolir a escravidão mercantil com a Lei Áurea de 1888\, que perversamente não previu um projeto de integração social\, perpetuando até hoje desigualdades econômicas\, políticas e raciais. Por outro lado\, o protagonismo brasileiro nessas histórias fez com que aqui se desenvolvesse uma rica e profunda presença das culturas africanas.
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SUMMARY:Helen Cammock no Art + Practice Exhibition Space
DESCRIPTION:Helen Cammock: I Will Keep My Soul é a primeira exposição da artista britânica Helen Cammock nos Estados Unidos. Nela\, a vencedora do Turner Prize apresenta filmes\, poesias\, performances\, documentos de arquivo e livros enraizados na história social\, na geografia e na comunidade de Nova Orleans\, um lugar que ela visitou pela primeira vez em janeiro de 2022. A individual é a reunião de encontros e observações\, figuradas em texto e imagem\, a partir de suas experiências na cidade. Cammock reúne vozes contemporâneas e históricas – que vão desde arquivistas\, artistas\, escritores e músicos aos protagonistas do movimento de direitos civis – e acrescenta suas próprias experiências através da poesia\, da cerâmica e do som de seu trompete\, um instrumento que ela começou a praticar em Nova Orleans. Incluindo materiais extraídos do arquivo do Centro de Pesquisa Amistad\, em Nova Orleans\, as obras de Cammock em I Will Keep My Soul são expostas em paralelo à história da artista Elizabeth Catlett em sua luta por autonomia criativa e apoio durante o comissionamento recebido por ela em 1976 para a escultura de Louis Armstrong no Parque Armstrong de Nova Orleans. O longo processo de Catlett\, revelado através de cartas e trocas de experiências\, atua como um espelho tanto para o passado quanto para o presente\, perguntando como ser artista e ativista – e livre. “Helen Cammock é uma investigadora contumaz das identidades da diáspora\, e essa é a primeira vez que ela volta sua atenção para os Estados Unidos”\, diz Cameron Shaw\, diretor executivo do California African American Museum (CAAM). “É particularmente significativo situar seu trabalho internacionalmente aclamado em Leimert Park\, um dos nexos mais vivos e importantes das culturas da diáspora negra de Los Angeles”. Cammock vive em Londres. Ela observa e interage com Nova Orleans como uma forasteira\, mas\, como muitos visitantes\, desenvolveu na cidade norte-americana um sentimento de pertença. “Tenho uma sensação de ternura por um lugar onde posso caminhar pela rua e me sentir ao mesmo tempo vista e invisível”\, diz a artista. “Estar em Nova Orleans sempre esteve inextricavelmente ligado a pertencer a Nova Orleans”\, diz Andrea Andersson\, co-curadora da exposição e diretora do Rivers Institute for Contemporary Art & Thought em Nova Orleans. “A resposta à pergunta\, ‘Forasteiro?’ tem sido frequentemente confundida com ou reduzida a uma escolha entre binários: pertencente ou forasteiro\, francês ou americano\, negro ou branco. O que separa Nova Orleans do resto do mundo é sua absoluta impossibilidade de existir à parte do tecido maior do qual ela vem”. Helen Cammock: I Will Keep My Soul é organizada pelo Rivers Institute for Contemporary Art & Thought (Rivers) e pelo California African American Museum (CAAM) e apresentada no Art + Practice (A+P)\, com curadoria de Jordan Amirkhani e Andrea Andersson\, Rivers\, em parceria com Essence Harden (CAAM)\, como parte da colaboração multianual entre Rivers e CAAM. A CAAM na A+P é uma colaboração de cinco anos.
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LOCATION:Art + Practice Exhibition Space\, 3401 W 43rd Pl South Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Porcelain from Versailles" no Getty Center
DESCRIPTION:Esta exposição reúne dois dos conjuntos de vasos mais extraordinários que pertenceram ao Rei Louis XVI e à Rainha Marie-Antoinette da França durante o final do século XVIII. Os vasos estão entre as maiores realizações da manufatura de porcelana de Sèvres feitas antes da Revolução Francesa\, tornando-se tesouros pessoais da família real na época. Inicialmente\, eles eram mantidos no Palácio de Versalhes\, nos arredores de Paris\, a residência principal da família real\, e são um testemunho das habilidades exemplares dos artistas que participaram de sua criação. Esta exposição reúne os oito vasos que foram separados durante a Revolução\, oferecendo a rara oportunidade de apreciar a habilidade artesanal e o design dos conjuntos.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr Brentwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Pastel Portraits no Getty Center
DESCRIPTION:Artistas na Europa do século XVIII apreciavam a conveniência e versatilidade dos pastéis para fazer retratos\, que variavam de semelhanças diretas a representações imaginárias. No entanto\, as convenções sociais da época significavam que os homens tinham mais chances de comissionar retratos de si mesmos para exibição pública\, enquanto as representações das mulheres tendiam a retratar musas ou figuras alegóricas. Esta instalação focada\, principalmente da coleção do Museu\, apresenta pastéis de duas das mais importantes artistas mulheres da Europa do século XVIII\, Adélaïde Labille-Guiard e Rosalba Carriera. A exposição convida os visitantes a considerar: quem ganha um retrato e quem decide como ele é?
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr Brentwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Together in Time" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Apresentada em conjunto com a inauguração da expansão do prédio do Hammer\, esta exposição é a maior apresentação da Coleção Contemporânea do Hammer na história do museu. Ocupando praticamente todos os espaços da galeria\, Together in Time destaca aquisições desde 2005 – ano em que o Hammer começou a colecionar arte contemporânea. A exposição inclui obras em uma ampla variedade de mídias de artistas baseados em Los Angeles e internacionais. Organizada em torno de uma sequência de instalações distintas que destacam diferentes grupos de artistas\, a exposição representa as tendências e sensibilidades que estão na vanguarda da arte contemporânea. Together in Time oferece insights sobre as prioridades da coleção do museu em um momento de visão e foco renovados. O Hammer aprofundou suas aquisições e cresceu como instituição ao mesmo tempo em que Los Angeles se tornou um centro cultural e artístico por si só. Com a obra mais antiga da exposição datando de 1951\, esta exposição faz um balanço das ideias e dos artistas que passaram pela cidade e contribuíram para sua esfera de influência cada vez maior na ampla rede da arte global. Bruce Conner\, Noah Davis\, Njideka Akunyili\, Mike Kelley\, Robert Overby\, Mary Kelly\, Mario Ayala\, Brandon D. Landers e Lee Mullican são alguns dos artistas\, entre muito outros\, que compõem a exposição.
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LOCATION:Hammer Museum\, 10899 Wilshire Blvd Westwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Rita McBride no Hammer Museum
DESCRIPTION:Para sua instalação inaugural na galeria mais recente do museu\, que anteriormente era ocupada por um banco e ainda possui um cofre com porta de aço\, o Hammer Museum apresenta Particulates de Rita McBride\, concebida pela primeira vez em 2016 e realizada aqui em sua terceira iteração. Composta por feixes de laser de alta intensidade\, moléculas de água e partículas de poeira no ar\, a obra provoca uma reconsideração de elementos fundamentais da escultura\, como massa\, escala\, verticalidade e superfície. Estendendo-se pelo antigo espaço comercial no canto da torre de escritórios que abriga o museu\, Particulates é uma estrutura de parábola hiperbólica rotacionada\, que é ao mesmo tempo ótica e efêmera. Reconstruída para a galeria do Hammer\, a instalação inclui vários elementos criados para o espaço ou em resposta a ele. A grande parede preta que recebe os lasers faz referência aos elementos arquitetônicos pretos do cofre bancário da década de 1960. A coloração nas janelas imita a estética corporativa das torres de escritórios e edifícios residenciais ao longo do corredor Wilshire e permite que os lasers sejam visíveis o tempo todo\, tanto de dentro quanto de fora. Barreiras de orientação de fibra de carbono fabricadas\, formam uma guarda escultural que convida os espectadores a pausarem enquanto percorrem a escultura e contemplam sua forma à medida que se materializa em tempo real. McBride vive e trabalha em Dusseldorf\, Alemanha\, e Los Alamos\, Califórnia. Desde 1987\, ela tem criado obras que exploram formas arquitetônicas e esculturais em objetos de pequena escala e grandes comissões públicas. A forma de Particulates é uma estrutura multi-hélice hiperboloide\, efêmera e visível quando a poeira ambiente e as moléculas de água encontram o feixe de laser. McBride começou a explorar essa forma nos anos 1990\, com obras públicas imponentes como Mae West (2011)\, uma escultura de aproximadamente 51 metros de altura na cidade de Munique-Bogenhausen.
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LOCATION:Hammer Museum\, 10899 Wilshire Blvd Westwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Light\, Space\, Surface: Selections from LACMA’s Collection" no LACMA
DESCRIPTION:Light\, Space\, Surface: Selections from LACMA’s Collection explora a arte da Luz e do Espaço\, bem como obras relacionadas com superfícies altamente polidas frequentemente referidas como “finish fetish”. Nos anos 1960 e 1970\, vários artistas do sul da Califórnia começaram a criar obras que investigam fenômenos perceptivos: como compreendemos forma\, volume\, presença e ausência através da luz\, vista diretamente por outros materiais\, refletida ou refratada. Muitos utilizaram materiais industriais recém-desenvolvidos\, incluindo acrílico em folhas\, fibra de vidro e resina de poliéster\, em seus trabalhos. “Light\, Space\, Surface” utiliza a rica coleção do LACMA desses materiais\, revelando a vivacidade e diversidade desse aspecto da história da arte americana. A exposição apresenta obras de Peter Alexander\, Larry Bell\, Billy Al Bengston\, Judy Chicago\, Ron Cooper\, Mary Corse\, Ronald Davis\, Laddie John Dill\, Fred Eversley\, Robert Irwin\, Craig Kauffman\, John McCracken\, Helen Pashgian\, Roland Reiss\, Roy Thurston e Hap Tivey.
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SUMMARY:Dawoud Bey & Carrie Mae Weems no Getty Center
DESCRIPTION:Dawoud Bey (nascido em 1953) cria fotografias que se concentram em indivíduos\, comunidades e histórias americanas importantes\, mas muitas vezes negligenciadas. Suas imagens cuidadosamente compostas\, transmitem a dignidade e a preciosa vida interior de seus sujeitos. Carrie Mae Weems (nascida em 1953) ganhou reconhecimento na década de 1980 por explorar identidade\, gênero\, raça\, poder e história\, temas que ainda alimentam sua arte. Ao longo de sua carreira\, Weems tem se voltado cada vez mais para a fotografia encenada e o uso de texto para intensificar ainda mais a intensidade emocional de seu trabalho. Quando Bey e Weems se conheceram em 1976\, ambos estavam comprometidos em usar a fotografia para registrar sua própria presença no mundo e criar representações da vida negra\, do tipo raramente vistas na época. Em suas fotos dos anos 1970 e 1980\, cada um documentou a agitação e a movimentação da experiência cotidiana\, bem como momentos tranquilos de reflexão. Como jovens artistas\, eles experimentaram uma variedade de estilos fotográficos e de impressão para moldar o impacto de suas fotografias.
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SUMMARY:"Carl Craig: Party/After-Party" no MOCA Geffen
DESCRIPTION:O ambiente imersivo “Party/After-Party” de Carl Craig\, DJ e produtor de techno sediado em Detroit\, é uma experiência sonora e somática visceral que evolui a cada nova iteração. Inspirado na carreira de 30 anos de Craig como DJ em turnê internacional\, “Party/After-Party” guia os visitantes sonoramente por uma noite de clube\, do ponto de vista do DJ. Começando nos momentos antes da chegada da multidão e do DJ tocar sozinho\, atingindo seu clímax pulsante no auge da festa e finalmente deslizando para a abraço melancólico da after-party\, a obra evoca o êxtase coletivo e a desolação encontrados apenas em uma pista de dança de clube. Originalmente encomendado pela Dia Art Foundation\, esse manifesto sonoro responde diretamente à arquitetura do The Geffen Contemporary at MOCA e reivindica o antigo local de fabricação e depósito policial como um espaço para agência e experimentação radical. Ao entrar\, os visitantes são envolvidos pela paisagem sonora de Craig\, que presta homenagem aos pioneiros negros do techno e da música eletrônica. À medida que se movem pelo ambiente\, batidas de techno preenchem o espaço\, a escuridão interrompida intermitentemente por faixas de neon\, antes que as claraboias acima inundem tudo com luz natural\, sinalizando o pico do ciclo e a transição para o “amanhecer”. Embora “Party/After-Party” tenha sido concebido antes da pandemia de COVID-19\, o contexto dos últimos três anos torna impossível entrar no espaço sem desejar o calor e o grave pulsante de clubes como o icônico Berghain\, em Berlim\, onde Craig se apresentou\, ao mesmo tempo em que reconhece a perda coletiva de experiências comunitárias. As batidas constroem e desaparecem\, evoluindo levemente a cada evolução de 30 minutos\, de modo que nenhuma delas é igual\, e em alguns momentos incorporam referências ao zumbido nos ouvidos de Craig\, um subproduto de uma vida inteira de música alta. “Party/After-Party” é o convite de Craig para seu mundo pessoal e os espaços que ele molda através do som.
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SUMMARY:Ron Nagle na Matthew Marks Gallery
DESCRIPTION:Intitulada Fast of Words\, a nova exposição de Ron Nagle inclui dezoito novas esculturas e um grupo de desenhos relacionados. As esculturas\, cada uma com dimensões não maiores que seis polegadas e meia em qualquer direção\, são feitas à mão no estúdio do artista em San Francisco\, utilizando uma combinação de meios tradicionais\, como porcelana e cerâmica\, e materiais mais contemporâneos\, como poliuretano catalisado e resina epóxi. Nagle falou da “imediatez” do barro\, enquanto os críticos têm observado a riqueza de “efeitos fascinantes” oferecidos por seus materiais menos convencionais. A cor é tão importante quanto a forma para Nagle\, que frequentemente descreveu suas esculturas como pinturas tridimensionais. Como naturezas-mortas ou cenários em miniatura\, as obras evocam tanto paisagens quanto interiores. Os títulos de Nagle\, frequentemente cheios de jogos de palavras humorísticos\, também contribuem para esse sentido de mistério. Exemplos como Class Clone (2022) e Code-Blooded (2022) oferecem pontos de entrada divertidos para a observação. Notcholism (2022)\, um trocadilho que destaca a construção física da forma\, faz parte de uma nova série inspirada na arquitetura brutalista\, a mais recente fonte de inspiração de Nagle. Outras referências citadas por Nagle como inspiração para seu trabalho incluem a filosofia estética japonesa do shibui\, os carros hot-rod de San Francisco dos anos 1960 e as pinturas de Morandi e Guston.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ron-nagle-na-matthew-marks-gallery/
LOCATION:Matthew Marks Gallery LA\, 1062 North Orange Grove\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:Wangari Mathenge na Roberts Projects
DESCRIPTION:Roberts Projects apresenta Tidal Wave of Colour\, o mais novo conjunto de obras da artista Wangari Mathenge. Essa série\, a primeira grande exposição individual de Mathenge nos Estados Unidos\, é composta por nove pinturas que variam do íntimo ao imersivo. O título se inspira no ícone dos direitos civis Malcolm X\, que usou a frase para capturar o espírito do pós-Segunda Guerra Mundial de revolução global; entre 1945 e 1955\, ideias de libertação e independência permearam o mundo; como resultado\, África\, Ásia e América Latina se revoltaram em busca da descolonização. Em sua jornada para se tornar uma artista\, Mathenge descobriu que ela mesma estava no meio de sua própria revolução. Ao reimaginar a si mesma ao longo desse novo conjunto de obras\, Mathenge reinterpretou obras icônicas gravadas profundamente na história da arte e\, ao retrabalhar a familiaridade do cânone\, Mathenge se inclina para os elementos transcendentais de sua prática artística\, resgatando um poder silencioso que ecoa. Tidal Wave of Colour é uma homenagem à arte e aos artistas que serviram de inspiração para Mathenge em seu desenvolvimento como artista\, desde ideias individuais até movimentos maiores. É como se fosse uma estudante aprendendo uma enciclopédia abrangente de obras\, vista através das lentes de raça\, classe e geografia\, que ela se conectou com a arte de maneira mais profunda\, mais real. Embora o estudo de indivíduos que contribuíram para os avanços da arte seja fundamental\, à medida que a sociedade evolui\, é importante que o cânone da história da arte seja reavaliado e\, portanto\, revisado.
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LOCATION:Roberts Projects\, 442 South La Brea Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:"Women Defining Women in Contemporary Art of the Middle East and Beyond" no LACMA
DESCRIPTION:Esta exposição apresenta 75 obras de artistas mulheres que nasceram ou vivem em sociedades que podem ser amplamente caracterizadas como islâmicas. Frequentemente percebidas como sem voz e invisíveis\, elas não o são. Cada uma\, por meio de sua visão única\, está moldando não apenas sua própria definição de si mesma\, mas também ajudando a redefinir e empoderar mulheres em todos os lugares e desafiar estereótipos ainda persistentes. Suas produções retratam uma variedade de imagens criativas e muitas vezes ideologicamente concebidas sobre as mulheres\, testemunhando o rápido desenvolvimento político e as frequentes transformações sociais que ocorrem em terras que se estendem da África ao Oeste e Centro da Ásia\, bem como em comunidades diaspóricas. Suas narrativas poderosas estão incorporadas em suas obras\, expressando preocupações tanto pessoais quanto universais. Ao longo das gerações e trabalhando em diferentes mídias\, as artistas compartilham um senso comum de identidade não exclusivamente “do Oriente Médio”\, mas certamente feminino\, o que fica evidente em seu trabalho.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:Tim Walker no Getty Center
DESCRIPTION:Em 2016\, o Victoria and Albert Museum (V&A)\, o maior museu do mundo de artes aplicadas e decorativas\, em Londres\, convidou o aclamado fotógrafo de moda internacional\, Tim Walker\, a explorar sua vasta e eclética coleção. Walker selecionou uma variedade de “coisas maravilhosas”\, objetos de arte e design que serviram de inspiração para a série de nove sessões fotográficas que compõem esta exposição. Seguindo o mesmo espírito\, o Getty Museum convidou Walker para explorar sua coleção e embarcar em uma décima sessão fotográfica. Fotografias inspiradas pelas duas pinturas escolhidas por Walker estão em exibição aqui pela primeira vez. Esta exposição presta homenagem à contribuição ilustre de Walker para a criação de imagens\, ao mesmo tempo em que destaca o trabalho de seus colaboradores criativos: cenógrafos\, estilistas\, artistas de cabelo e maquiagem\, modelos e musas. Tim Walker nasceu na Inglaterra em 1970 e começou a tirar fotos quando ainda era jovem. Um ano trabalhando no Cecil Beaton Archive\, na Biblioteca Condé Nast em Londres\, o levou a estudar fotografia no Exeter College of Art. Após se formar em 1994\, Walker começou sua carreira como assistente fotográfico freelancer em Londres e depois se mudou para a cidade de Nova York para trabalhar com o fotógrafo de moda Richard Avedon. Walker fez sua primeira sessão fotográfica para a British Vogue aos vinte e cinco anos e tem fotografado para revistas desde então.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr Brentwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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