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SUMMARY:"Afro-Atlantic Histories" no LACMA
DESCRIPTION:As Histórias Afro-Atlânticas traçam o comércio transatlântico de escravos e seus legados na diáspora africana. Através de uma série de diálogos ao longo do tempo\, a exposição apresenta obras de arte produzidas na África\, Europa e Américas nos últimos quatro séculos para reexaminar\, uma perspectiva global\, as Histórias e histórias de escravidão\, resiliência e a luta pela libertação. A exposição é organizada em seis conjuntos temáticos de obras: Mapas e Margens\, Escravos e Emancipações\, Vidas Cotidianas\, Ritos e Ritmos\, Retratos e Resistências e Ativismo. Cada seção considera o impacto crítico da diáspora africana refletido em obras de arte históricas e contemporâneas. Histórias Afro-Atlânticas foi concebida e exibida primeiramente no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP) e no Instituto Tomie Ohtake\, em 2018. Entre as instituições nos EUA pelas quais a mostra passou estão o Museum of Fine Arts de Houston\, a National Gallery of Art e o  Dallas Museum of Art. Essa é a única exibição na Costa Oeste. A mostra apresenta uma seleção de trabalhos produzidos entre os séculos 16 a 21\, em torno dos “fluxos e refluxos” entre a África\, as Américas\, o Caribe\, e também a Europa\, para usar a famosa expressão do etnólogo\, fotógrafo e babalaô franco-baiano Pierre Verger. O Brasil é um território central nas histórias afro-atlânticas\, pois recebeu aproximadamente 46% dos cerca de 11 milhões de africanos e africanas que desembarcaram compulsoriamente neste lado do Atlântico\, ao longo de mais de 300 anos. Também foi o último país a abolir a escravidão mercantil com a Lei Áurea de 1888\, que perversamente não previu um projeto de integração social\, perpetuando até hoje desigualdades econômicas\, políticas e raciais. Por outro lado\, o protagonismo brasileiro nessas histórias fez com que aqui se desenvolvesse uma rica e profunda presença das culturas africanas.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Helen Cammock no Art + Practice Exhibition Space
DESCRIPTION:Helen Cammock: I Will Keep My Soul é a primeira exposição da artista britânica Helen Cammock nos Estados Unidos. Nela\, a vencedora do Turner Prize apresenta filmes\, poesias\, performances\, documentos de arquivo e livros enraizados na história social\, na geografia e na comunidade de Nova Orleans\, um lugar que ela visitou pela primeira vez em janeiro de 2022. A individual é a reunião de encontros e observações\, figuradas em texto e imagem\, a partir de suas experiências na cidade. Cammock reúne vozes contemporâneas e históricas – que vão desde arquivistas\, artistas\, escritores e músicos aos protagonistas do movimento de direitos civis – e acrescenta suas próprias experiências através da poesia\, da cerâmica e do som de seu trompete\, um instrumento que ela começou a praticar em Nova Orleans. Incluindo materiais extraídos do arquivo do Centro de Pesquisa Amistad\, em Nova Orleans\, as obras de Cammock em I Will Keep My Soul são expostas em paralelo à história da artista Elizabeth Catlett em sua luta por autonomia criativa e apoio durante o comissionamento recebido por ela em 1976 para a escultura de Louis Armstrong no Parque Armstrong de Nova Orleans. O longo processo de Catlett\, revelado através de cartas e trocas de experiências\, atua como um espelho tanto para o passado quanto para o presente\, perguntando como ser artista e ativista – e livre. “Helen Cammock é uma investigadora contumaz das identidades da diáspora\, e essa é a primeira vez que ela volta sua atenção para os Estados Unidos”\, diz Cameron Shaw\, diretor executivo do California African American Museum (CAAM). “É particularmente significativo situar seu trabalho internacionalmente aclamado em Leimert Park\, um dos nexos mais vivos e importantes das culturas da diáspora negra de Los Angeles”. Cammock vive em Londres. Ela observa e interage com Nova Orleans como uma forasteira\, mas\, como muitos visitantes\, desenvolveu na cidade norte-americana um sentimento de pertença. “Tenho uma sensação de ternura por um lugar onde posso caminhar pela rua e me sentir ao mesmo tempo vista e invisível”\, diz a artista. “Estar em Nova Orleans sempre esteve inextricavelmente ligado a pertencer a Nova Orleans”\, diz Andrea Andersson\, co-curadora da exposição e diretora do Rivers Institute for Contemporary Art & Thought em Nova Orleans. “A resposta à pergunta\, ‘Forasteiro?’ tem sido frequentemente confundida com ou reduzida a uma escolha entre binários: pertencente ou forasteiro\, francês ou americano\, negro ou branco. O que separa Nova Orleans do resto do mundo é sua absoluta impossibilidade de existir à parte do tecido maior do qual ela vem”. Helen Cammock: I Will Keep My Soul é organizada pelo Rivers Institute for Contemporary Art & Thought (Rivers) e pelo California African American Museum (CAAM) e apresentada no Art + Practice (A+P)\, com curadoria de Jordan Amirkhani e Andrea Andersson\, Rivers\, em parceria com Essence Harden (CAAM)\, como parte da colaboração multianual entre Rivers e CAAM. A CAAM na A+P é uma colaboração de cinco anos.
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LOCATION:Art + Practice Exhibition Space\, 3401 W 43rd Pl South Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Porcelain from Versailles" no Getty Center
DESCRIPTION:Esta exposição reúne dois dos conjuntos de vasos mais extraordinários que pertenceram ao Rei Louis XVI e à Rainha Marie-Antoinette da França durante o final do século XVIII. Os vasos estão entre as maiores realizações da manufatura de porcelana de Sèvres feitas antes da Revolução Francesa\, tornando-se tesouros pessoais da família real na época. Inicialmente\, eles eram mantidos no Palácio de Versalhes\, nos arredores de Paris\, a residência principal da família real\, e são um testemunho das habilidades exemplares dos artistas que participaram de sua criação. Esta exposição reúne os oito vasos que foram separados durante a Revolução\, oferecendo a rara oportunidade de apreciar a habilidade artesanal e o design dos conjuntos.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr Brentwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Pastel Portraits no Getty Center
DESCRIPTION:Artistas na Europa do século XVIII apreciavam a conveniência e versatilidade dos pastéis para fazer retratos\, que variavam de semelhanças diretas a representações imaginárias. No entanto\, as convenções sociais da época significavam que os homens tinham mais chances de comissionar retratos de si mesmos para exibição pública\, enquanto as representações das mulheres tendiam a retratar musas ou figuras alegóricas. Esta instalação focada\, principalmente da coleção do Museu\, apresenta pastéis de duas das mais importantes artistas mulheres da Europa do século XVIII\, Adélaïde Labille-Guiard e Rosalba Carriera. A exposição convida os visitantes a considerar: quem ganha um retrato e quem decide como ele é?
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr Brentwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Together in Time" no Hammer Museum
DESCRIPTION:Apresentada em conjunto com a inauguração da expansão do prédio do Hammer\, esta exposição é a maior apresentação da Coleção Contemporânea do Hammer na história do museu. Ocupando praticamente todos os espaços da galeria\, Together in Time destaca aquisições desde 2005 – ano em que o Hammer começou a colecionar arte contemporânea. A exposição inclui obras em uma ampla variedade de mídias de artistas baseados em Los Angeles e internacionais. Organizada em torno de uma sequência de instalações distintas que destacam diferentes grupos de artistas\, a exposição representa as tendências e sensibilidades que estão na vanguarda da arte contemporânea. Together in Time oferece insights sobre as prioridades da coleção do museu em um momento de visão e foco renovados. O Hammer aprofundou suas aquisições e cresceu como instituição ao mesmo tempo em que Los Angeles se tornou um centro cultural e artístico por si só. Com a obra mais antiga da exposição datando de 1951\, esta exposição faz um balanço das ideias e dos artistas que passaram pela cidade e contribuíram para sua esfera de influência cada vez maior na ampla rede da arte global. Bruce Conner\, Noah Davis\, Njideka Akunyili\, Mike Kelley\, Robert Overby\, Mary Kelly\, Mario Ayala\, Brandon D. Landers e Lee Mullican são alguns dos artistas\, entre muito outros\, que compõem a exposição.
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LOCATION:Hammer Museum\, 10899 Wilshire Blvd Westwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Rita McBride no Hammer Museum
DESCRIPTION:Para sua instalação inaugural na galeria mais recente do museu\, que anteriormente era ocupada por um banco e ainda possui um cofre com porta de aço\, o Hammer Museum apresenta Particulates de Rita McBride\, concebida pela primeira vez em 2016 e realizada aqui em sua terceira iteração. Composta por feixes de laser de alta intensidade\, moléculas de água e partículas de poeira no ar\, a obra provoca uma reconsideração de elementos fundamentais da escultura\, como massa\, escala\, verticalidade e superfície. Estendendo-se pelo antigo espaço comercial no canto da torre de escritórios que abriga o museu\, Particulates é uma estrutura de parábola hiperbólica rotacionada\, que é ao mesmo tempo ótica e efêmera. Reconstruída para a galeria do Hammer\, a instalação inclui vários elementos criados para o espaço ou em resposta a ele. A grande parede preta que recebe os lasers faz referência aos elementos arquitetônicos pretos do cofre bancário da década de 1960. A coloração nas janelas imita a estética corporativa das torres de escritórios e edifícios residenciais ao longo do corredor Wilshire e permite que os lasers sejam visíveis o tempo todo\, tanto de dentro quanto de fora. Barreiras de orientação de fibra de carbono fabricadas\, formam uma guarda escultural que convida os espectadores a pausarem enquanto percorrem a escultura e contemplam sua forma à medida que se materializa em tempo real. McBride vive e trabalha em Dusseldorf\, Alemanha\, e Los Alamos\, Califórnia. Desde 1987\, ela tem criado obras que exploram formas arquitetônicas e esculturais em objetos de pequena escala e grandes comissões públicas. A forma de Particulates é uma estrutura multi-hélice hiperboloide\, efêmera e visível quando a poeira ambiente e as moléculas de água encontram o feixe de laser. McBride começou a explorar essa forma nos anos 1990\, com obras públicas imponentes como Mae West (2011)\, uma escultura de aproximadamente 51 metros de altura na cidade de Munique-Bogenhausen.
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LOCATION:Hammer Museum\, 10899 Wilshire Blvd Westwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Light\, Space\, Surface: Selections from LACMA’s Collection" no LACMA
DESCRIPTION:Light\, Space\, Surface: Selections from LACMA’s Collection explora a arte da Luz e do Espaço\, bem como obras relacionadas com superfícies altamente polidas frequentemente referidas como “finish fetish”. Nos anos 1960 e 1970\, vários artistas do sul da Califórnia começaram a criar obras que investigam fenômenos perceptivos: como compreendemos forma\, volume\, presença e ausência através da luz\, vista diretamente por outros materiais\, refletida ou refratada. Muitos utilizaram materiais industriais recém-desenvolvidos\, incluindo acrílico em folhas\, fibra de vidro e resina de poliéster\, em seus trabalhos. “Light\, Space\, Surface” utiliza a rica coleção do LACMA desses materiais\, revelando a vivacidade e diversidade desse aspecto da história da arte americana. A exposição apresenta obras de Peter Alexander\, Larry Bell\, Billy Al Bengston\, Judy Chicago\, Ron Cooper\, Mary Corse\, Ronald Davis\, Laddie John Dill\, Fred Eversley\, Robert Irwin\, Craig Kauffman\, John McCracken\, Helen Pashgian\, Roland Reiss\, Roy Thurston e Hap Tivey.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Women Defining Women in Contemporary Art of the Middle East and Beyond" no LACMA
DESCRIPTION:Esta exposição apresenta 75 obras de artistas mulheres que nasceram ou vivem em sociedades que podem ser amplamente caracterizadas como islâmicas. Frequentemente percebidas como sem voz e invisíveis\, elas não o são. Cada uma\, por meio de sua visão única\, está moldando não apenas sua própria definição de si mesma\, mas também ajudando a redefinir e empoderar mulheres em todos os lugares e desafiar estereótipos ainda persistentes. Suas produções retratam uma variedade de imagens criativas e muitas vezes ideologicamente concebidas sobre as mulheres\, testemunhando o rápido desenvolvimento político e as frequentes transformações sociais que ocorrem em terras que se estendem da África ao Oeste e Centro da Ásia\, bem como em comunidades diaspóricas. Suas narrativas poderosas estão incorporadas em suas obras\, expressando preocupações tanto pessoais quanto universais. Ao longo das gerações e trabalhando em diferentes mídias\, as artistas compartilham um senso comum de identidade não exclusivamente “do Oriente Médio”\, mas certamente feminino\, o que fica evidente em seu trabalho.
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SUMMARY:Tim Walker no Getty Center
DESCRIPTION:Em 2016\, o Victoria and Albert Museum (V&A)\, o maior museu do mundo de artes aplicadas e decorativas\, em Londres\, convidou o aclamado fotógrafo de moda internacional\, Tim Walker\, a explorar sua vasta e eclética coleção. Walker selecionou uma variedade de “coisas maravilhosas”\, objetos de arte e design que serviram de inspiração para a série de nove sessões fotográficas que compõem esta exposição. Seguindo o mesmo espírito\, o Getty Museum convidou Walker para explorar sua coleção e embarcar em uma décima sessão fotográfica. Fotografias inspiradas pelas duas pinturas escolhidas por Walker estão em exibição aqui pela primeira vez. Esta exposição presta homenagem à contribuição ilustre de Walker para a criação de imagens\, ao mesmo tempo em que destaca o trabalho de seus colaboradores criativos: cenógrafos\, estilistas\, artistas de cabelo e maquiagem\, modelos e musas. Tim Walker nasceu na Inglaterra em 1970 e começou a tirar fotos quando ainda era jovem. Um ano trabalhando no Cecil Beaton Archive\, na Biblioteca Condé Nast em Londres\, o levou a estudar fotografia no Exeter College of Art. Após se formar em 1994\, Walker começou sua carreira como assistente fotográfico freelancer em Londres e depois se mudou para a cidade de Nova York para trabalhar com o fotógrafo de moda Richard Avedon. Walker fez sua primeira sessão fotográfica para a British Vogue aos vinte e cinco anos e tem fotografado para revistas desde então.
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SUMMARY:"Beyond the Light" no Getty Center
DESCRIPTION:Durante uma era marcada por derrota militar\, colapso financeiro e desintegração nacional\, artistas do século XIX na Dinamarca estudaram intensamente a si mesmos e sua cultura para retratar um senso de pertencimento e deslocamento. Com desenhos\, esboços a óleo e pinturas\, esta exposição é a primeira a esclarecer como os artistas dinamarqueses retrataram a extensão e os limites de sua nação.
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SUMMARY:Thomas J Price na Hauser & Wirth Los Angeles
DESCRIPTION:A prática multidisciplinar de Thomas J Price amplia a visibilidade dos corpos marginalizados e desafia nossas atitudes preconcebidas em relação ao poder e ao valor. Beyond Measure marca a primeira exposição individual abrangente do artista britânico nos EUA\, após sua aclamada apresentação pública Witness (2022) com o Studio Museum no Harlem\, NY. Apresentando uma série completamente nova de esculturas em bronze e mármore\, a exposição expande a compreensão intrínseca de Price sobre materialidade e escala para responder aos cânones tradicionais da arte e às estruturas sociais. Seja em uma galeria ou em espaços públicos\, as obras de Price chamam a atenção do espectador para as nuances dos comportamentos condicionados e dos quadros psicológicos\, interrogando como ocupamos coletivamente o espaço. Beyond Measure é uma celebração da força dos indivíduos do dia a dia\, focando nas qualidades humanas universais que nos unem e oferecendo a oportunidade de alcançar um momento compartilhado de conexão. O grupo de esculturas figurativas em grande escala\, que variam entre 2\,7 a 3\,7 metros de altura\, em um único local\, permite que o espectador habite o espaço ao redor das figuras e se torne um participante ativo na narrativa entre elas. As figuras auto-definidas de Price existem fora do olhar colonial e monumentalizam o ordinário; elas englobam um espaço que transcende a necessidade de dominação e buscam restabelecer um contexto humano mais profundo. Adotando materiais tradicionais e justapondo novas tecnologias para criticar a história da arte\, Price continua em uma nova série de cabeças de mármore rosa\, esculpidas na Itália utilizando uma abordagem dupla de esculpir à mão e técnicas digitais. Absortas em seus próprios pensamentos\, o poderoso conjunto projeta uma confiança tranquila que convoca um processo de auto análise por parte do espectador\, desmantelando arquétipos frequentemente presentes na mídia ocidental\, ao normalizar e elevar uma alternativa.
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LOCATION:Hauser & Wirth Downtown Los Angeles\, 901 E 3rd St\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Keith Haring: Art is for everybody" no The Broad
DESCRIPTION:O The Broad apresenta a primeira exposição em um museu em Los Angeles com a ampla obra de Keith Haring\, contando com mais de 120 obras de arte e materiais arquivísticos. Conhecido por seu uso de cores vibrantes\, traços energéticos e personagens icônicos como o cachorro latindo e o bebê radiante\, o trabalho de Haring continua a dissolver as barreiras entre arte e vida e espalhar alegria\, sempre enraizado no espírito criativo e na missão de seus desenhos no metrô e renomados murais públicos: a arte é para todos. Curada pela curadora e gerente de exposições do The Broad\, Sarah Loyer\, a exposição explora tanto a prática artística quanto a vida de Haring\, com grande parte do material de origem da exposição vindo de seus diários pessoais. Dividida em um total de dez galerias\, a ampla exposição apresenta a variedade de meios nos quais Haring trabalhou\, incluindo vídeo\, escultura\, desenho\, pintura e obras gráficas\, bem como representações de sua enorme produção de projetos públicos\, desde os desenhos no metrô até seus murais públicos. As obras apresentadas abrangem desde o final dos anos 1970\, quando ele era estudante na Escola de Artes Visuais de Nova York\, até 1988\, apenas dois anos antes de o artista falecer devido a uma doença relacionada à AIDS aos 31 anos. A participação de Haring nos movimentos de desarmamento nuclear e anti-apartheid é destacada na mostra\, bem como obras que abordam questões complexas ainda cruciais nos dias de hoje\, como ambientalismo\, capitalismo e a proliferação de novas tecnologias\, religião\, sexualidade e raça. Na última galeria\, obras significativas do final dos anos 1980 são acompanhadas por pôsteres emoldurados que ilustram o ativismo do artista em relação à crise do HIV/AIDS. Grandes obras pertencentes à coleção do The Broad\, como Untitled\, 1984 e Red Room\, 1988\, estão em exibição\, além de empréstimos importantes de diversas instituições e coleções privadas\, incluindo arte\, itens efêmeros e documentação fornecida pela Fundação Keith Haring em Nova York\, estabelecida pelo próprio artista em 1989. A mostra apresenta elementos imersivos\, como uma galeria iluminada por luz negra e trilha sonora com playlists criadas pelo próprio artista. Além disso\, a loja do The Broad foi transformada\, inspirada no espaço de varejo artístico de Haring\, The Pop Shop\, que foi inaugurado em 1986 no bairro de SoHo\, em Nova York.
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SUMMARY:Exposições coletivas "Catalyst" e "We Are They" na Honor Fraser
DESCRIPTION:A exposição coletiva Catalyst\, realizada pela Honor Fraser em parceria com a EPOCH Gallery\, é uma instalação inovadora que combina elementos físicos e virtuais. Apresentando sete artistas renomados internacionalmente\, a mostra exibe suas obras de arte em um modelo 3D especulativo do futuro prédio do LACMA\, projetado por Peter Zumthor. Essas obras\, conhecidas como catalisadoras\, têm o propósito de provocar e acelerar mudanças pessoais\, sociais e políticas. A ambientação de Catalyst ocorre em um Los Angeles pós-apocalíptico\, inspirado no próprio LACMA do futuro. O público é convidado a vivenciar esse ambiente digital através de fones de ouvido de realidade virtual (VR)\, dentro de uma instalação física na Honor Fraser. Essa instalação é composta por paredes ondulantes de tecido translúcido\, recriando as curvas arquitetônicas do museu futuro\, enquanto as janelas de vidro oferecem vislumbres de um mundo desolado lá fora. Dentro desse ambiente digital\, os espectadores podem interagir com as obras de arte\, protegidos dos desastres que ocorrem no exterior. Essa fusão de espaços físicos e virtuais possibilita uma reflexão sobre o papel das instituições culturais e sua relação com a sociedade. Por outro lado\, a exposição We Are They: Glitch Ecology and the Thickness of Now\, curada por Jamison Edgar\, mergulha nas interseções entre redes humanas\, sistemas ecológicos e tecnologias. Com vinte e dois artistas participantes\, a mostra questiona noções de antropocentrismo e explora os limites sociais\, espirituais e tecnológicos dos ecossistemas em que vivemos. Inspirada no “Manifesto Ciborgue” de Donna Haraway\, a exposição abraça o conceito de “glitch” como ferramenta subversiva. O glitch é entendido como uma falha ou interrupção temporária em sistemas digitais\, mas também pode ser interpretado como um deslizar suave e escorregadio. We Are They oferece uma experiência multifacetada\, reconfigurando continuamente a percepção visual e a orientação física dos visitantes. Apresentando obras que exploram temas como consciência humana/animal\, globalização\, migração\, extração de recursos e inteligência artificial\, os artistas desafiam hierarquias sociais e ecológicas\, questionando a relação entre humanos\, não-humanos e tecnologias.
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LOCATION:Honor Fraser\, 2622 La Cienega Blvd\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mapping an Art World: Los Angeles in the 1970s-80" no MOCA Grand Avenue
DESCRIPTION:Mapping an Art World: Los Angeles in the 1970s-80s revisita as décadas que antecederam a fundação do Museu de Arte Contemporânea (MOCA) em 1979 e a abertura do prédio da Grand Avenue do MOCA em 1986. Através da apresentação de obras da coleção do MOCA\, a exposição tem como objetivo reconsiderar as décadas decisivas dos anos 1970 e 1980 e explorar o espírito de experimentação e colaboração\, bem como a paisagem cultural e social única que contribuiu para estabelecer firmemente Los Angeles como uma das capitais artísticas mais dinâmicas do mundo\, e o MOCA como uma presença duradoura para os artistas da cidade. \n\n\n\nAntes da fundação do primeiro museu dedicado à arte contemporânea da cidade\, Los Angeles abrigava cenas de arte díspares e heterogêneas\, com artistas formando diferentes núcleos e estabelecendo redes sólidas por toda a cidade – de Venice a East LA\, do Instituto de Artes da Califórnia (CalArts) no norte à Galeria Brockman em Leimert Park. Na ausência de um museu de arte contemporânea\, os artistas utilizavam contextos não convencionais\, incluindo a rua\, o estúdio\, a escola de arte e outros espaços públicos para mostrar e apresentar sua arte\, enquanto abraçavam ações performáticas e efêmeras para envolver seu público de maneiras mais imediatas. Ao fazer isso\, os artistas estavam respondendo às possibilidades de uma cena artística em crescimento e à expansão urbana e à paisagem dispersa de LA. \n\n\n\nCom mais de 200 obras de arte e peças de material efêmero arquivado – incluindo obras amadas de Eleanor Antin\, John Baldessari\, Mike Kelley\, Claes Oldenburg e Ed Ruscha\, ao lado de obras menos exibidas e novas aquisições de Carole Caroompas\, Alonzo Davis\, Ilene Segalove e Joey Terrill\, entre outros – Mapeando um Mundo de Arte examina as origens do MOCA como um museu fundado por artistas\, bem como seu compromisso em desenvolver uma coleção de classe mundial. \n\n\n\nMapping an Art World é organizada por Clara Kim\, Chefe de Curadoria e Diretora de Assuntos Curatoriais\, e Rebecca Lowery\, Curadora Associada\, com a colaboração de Emilia Nicholson-Fajardo\, Assistente de Curadoria\, do Museu de Arte Contemporânea\, Los Angeles.
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LOCATION:MOCA Grand Avenue\, 250 South Grand Avenue Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Mercedes Dorame no Getty Center
DESCRIPTION:O trabalho da artista Mercedes Dorame\, baseada em Los Angeles\, explora como nos posicionamos em relação à terra que habitamos. Para essa nova comissão\, Dorame se voltou para a vista do Getty Center através do Oceano Pacífico em direção a Pimugna\, ou Pimu (Ilha Catalina)\, habitada há muito tempo pelo povo Tongva. Para evocar um olhar de retorno de Pimugna\, sua instalação inclui vistas pintadas da costa e esculturas suspensas de abalones – um molusco ameaçado de extinção e um importante recurso cultural para os povos nativos da Califórnia costeira. \n\n\n\nEste projeto é a primeira Comissão da Rotunda\, uma série de instalações artísticas inspiradas na coleção\, arquitetura e localização do Museu Getty.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:Pedro Reyes na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Para sua primeira exposição em Los Angeles\, Pedro Reyes apresenta uma nova série de esculturas e obras em papel que se concentram no conceito de monumentalidade\, inspirado nas tradições da escultura em pedra mexicana\, na civilização pré-colombiana e nas comunidades indígenas. Através dessas obras\, Reyes homenageia a influência duradoura das tradições astecas e da língua náuatle\, que é falada no México há séculos. A exposição segue as exposições de Reyes no Museu de Arte Contemporânea de Monterrey\, México (2022) e no SITE Santa Fe (2022-2023). \n\n\n\n“Todo gesto transmite um conjunto de significados políticos”\, diz Reyes. Detente (2023) – uma nova obra na exposição – refere-se ao relaxamento da hostilidade entre nações\, muitas vezes através da diplomacia verbal\, e tem uma ressonância particular com políticas relacionadas a acordos de armas\, seja o uso de armas ou energia nuclear. Falando sobre o envolvimento de Reyes com organizações pacifistas e suas campanhas públicas pelo desarmamento\, em Detente vemos o símbolo da mão-pomba\, refletindo suas aspirações por solidariedade\, compaixão e colaboração. O artista atribuiu a um de seus mentores\, o ativista brasileiro e diretor de teatro Augusto Boal\, como uma influência na promoção da “Paz\, não passividade”. Essa mensagem também ressoa com o slogan de Martin Luther King: “Aqueles que esperam pela paz devem estar tão bem organizados quanto aqueles que lutam pela guerra.” Para Reyes\, a mão-pomba simboliza o trabalho intensivo necessário para enfrentar a corrida armamentista. \n\n\n\nNo centro da exposição está o conceito de monumentalidade. A monumentalidade está presente em toda a obra de Reyes; ele produz trabalhos em todas as escalas – desde esculturas e pinturas íntimas em tamanho real até a ativação de espaços públicos com instalações e performances exigentes e participativas – mas a essência do monumental vai além da escala e se estende à ambição. Reyes também traduz intencionalmente os objetivos épicos da escultura urbana para a pequena escala\, abordando a produção como um meio de despertar a compaixão. Outra escultura apresentada\, El Abrazo (2023)\, é um grupo de silhuetas antropomórficas que parecem estar de mãos dadas\, servindo como símbolo de união fraternal.
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LOCATION:Lisson Gallery Los Angeles\, 1037 N. Sycamore Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Hank Willis Thomas na Pace Gallery LA
DESCRIPTION:A mostra intitulada I’ve Known Rivers marca a primeira apresentação do artista na Pace. Essa estreia exibe uma seleção de novas obras retro-reflexivas – que revelam imagens latentes dependendo da iluminação e da perspectiva do espectador – criadas por Thomas em 2023. Nos últimos dez anos\, Thomas dominou a técnica retro-reflexiva\, criando obras em técnica mista que revelam duas cenas distintas transfiguradas pela iluminação ambiente e flash. Vistas de uma perspectiva\, essas obras apresentam figuras ousadas\, abstrações e paisagens em cores saturadas; vistas de outra\, fragmentos de registros arquivísticos da produção de outras obras retro-reflexivas de Thomas ao longo da última década são revelados. Conforme esses elementos convergem e se transformam\, eles iluminam novas camadas de imagens\, ideias e significados que estão ocultos aos olhos. As obras retro-reflexivas de Thomas também podem ser compreendidas como registros pessoais de seu processo artístico e das referências históricas que permeiam sua prática. As composições vibrantes exibidas na próxima apresentação de Thomas com a Pace em Los Angeles estão imersas na história da arte e dialogam com as explorações contínuas do artista em relação à abstração através das lentes da colonização\, globalização e apropriação. Fazendo alusão ao trabalho de Romare Bearden\, Aaron Douglas\, Roy Lichtenstein\, Henri Matisse e Malick Sidibé\, as novas obras retro-reflexivas do artista exploram as origens e histórias complexas da arte moderna na África\, nos Estados Unidos e na Europa.
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LOCATION:Pace Gallery LA\, 1201 South La Brea Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:Suchitra Mattai na Roberts Projects
DESCRIPTION:A Roberts Projects apresenta a primeira exposição da galeria com a artista Suchitra Mattai\, intitulada In the absence of power\, In the presence of love. A mostra apresenta novas pinturas em técnica mista\, tapeçarias e uma instalação de escultura macia que evocam a herança indo-caribenha da artista. O trabalho de Mattai dialoga com o tema e a forma de paisagens pastorais europeias e a figuração\, bem como com as pinturas em miniatura indianas. Ao unir processos artesanais\, tecelagens suntuosas e técnicas tradicionais\, a artista retrata heroínas não brancas resolutas\, substituindo heróis e colonizadores e reivindicando um passado patriarcal. A história ancestral da artista informa seu diálogo com a pintura europeia. Os bisavós de Mattai foram levados do estado de Uttar Pradesh\, na Índia\, para a Guiana\, na América do Sul\, como trabalhadores contratados sob o domínio colonial britânico. A Guiana\, América do Sul\, é considerada parte do Caribe devido à sua história\, cultura e proximidade compartilhadas. Quando a escravidão terminou no Caribe no século XIX\, os britânicos procuraram em sua maior colônia\, a Índia\, por trabalhadores para as plantações de açúcar. Mattai descreve seu processo como um de “brown reclamation”\, retrabalhando imagens originais para contar novas histórias. Bordado\, ponto cruz\, miçangas e objetos encontrados inserem o trabalho manual das mulheres nas paisagens pictóricas tradicionais. Em outras obras\, as histórias heróicas\, figuras\, animais\, padrões e paisagens das pinturas em miniatura indianas são reconfiguradas. Aqui\, os heróis são substituídos por heroínas – empoderadas e míticas\, mas também empáticas e acessíveis. Elas são guerreiras pacíficas e incluem tanto jovens quanto idosas. Em Future Tense (2023)\, uma mulher lê silenciosamente sobre o futuro cercada por bordados florais e um halo preto de miçangas\, combinando mito\, memória e contos populares. A artista aprendeu costura\, bordado e outras técnicas com suas avós e utiliza objetos de família em seu trabalho como um reconhecimento de sua ancestralidade. Tapeçarias vibrantes tecidas a partir de saris (roupas usadas por muitas mulheres do sul da Ásia) unem metaforicamente os membros da diáspora sul-asiática\, que estão espalhados pelo mundo – Índia\, Europa e Américas. A cada ponto e pedaço de tecido\, a artista medita sobre as vidas de sua linhagem materna. As esculturas “frutas” (“phala” em hindi)\, pendentes na exposição\, existem em uma relação simbiótica com o ambiente. Suspensas e orgânicas\, as esculturas infundem o espaço da exposição com a ancestralidade e a identidade indo-caribenha da artista. Esta é a primeira vez que a artista utiliza saris trançados para criar esse tipo de instalação\, criando um espaço onde a aura dos corpos e espíritos femininos está presente. In the absence of power\, In the presence of love reconhece o passado e idealiza um futuro alegre para as mulheres e pessoas marginalizadas.
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LOCATION:Roberts Projects\, 442 South La Brea Avenue\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Matthew Barney: REPRESSIA (decline)" no LACMA
DESCRIPTION:A extensa carreira de Matthew Barney começou no início dos anos 1990 com exposições significativas em galerias\, e que estabeleceram seu interesse em centrar o corpo e a performance em suas instalações e produções de mídia. A instalação seminal REPRESSIA (decline)\, de Barney\, fez parte de sua exposição individual de destaque Facility of DECLINE na Barbara Gladstone Gallery\, em Nova York\, em 1991. A instalação escultural de tamanho de sala apresenta dois vídeos nos quais Barney realiza atos extenuantes de atletismo com resultados não convencionais: Radial Drill (1991) e Blind Perineum (1991). O espaço central apresenta componentes que se inspiram em equipamentos de exercícios e materiais usados na luta livre\, alguns dos quais são feitos de elementos transmutáveis\, como cera de petróleo fundida e geleia de petróleo. Recentemente adquirida pelo LACMA\, REPRESSIA (decline) estabeleceu a linguagem visual de Barney e antecipa o impulso corpóreo de seu ciclo de cinco filmes Cremaster\, todos os quais apresentam performances em diferentes locais e períodos de tempo.
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LOCATION:LACMA\, 5905 Wilshire Blvd Central LA\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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