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SUMMARY:"Encounters: Giacometti" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Alberto Giacometti segurando “Three Men Walking”\, década de 1940. Foto: anônima. Crédito: © Succession Alberto Giacometti / Adagp\, Paris 2024.\nTrês exposições inovadoras posicionam esculturas históricas de Alberto Giacometti ao lado de obras recentes de artistas contemporâneas\, em um espaço novo e intimista. \nReconhecido como um dos escultores europeus mais importantes do século XX\, Giacometti é conhecido por suas esculturas elongadas e singulares\, que experimentam novas abordagens sobre o corpo humano. Criadas em resposta à dor e à devastação causadas pela Segunda Guerra Mundial\, suas obras propõem uma reflexão sobre a condição humana e o inconsciente coletivo. \nOrganizada em colaboração com a Fondation Giacometti\, essa série de exposições\, que se estende por um ano\, tem início em maio com uma mostra de Huma Bhabha\, seguida por Mona Hatoum em setembro e Lynda Benglis em fevereiro de 2026. As obras dessas artistas dialogam diretamente com as esculturas de Giacometti\, ativando novos encontros intergeracionais por meio de temas universais como morte\, fragmentação\, o doméstico\, memória\, trauma\, erotismo\, horror e humor. \nÉ a primeira vez que os trabalhos dessas três artistas serão apresentados lado a lado com as obras de Giacometti.
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SUMMARY:"Marie Antoinette Style" no Victoria & Albert Museum
DESCRIPTION:François Hubert Drouais. Marie Antoinette\, Queen of Franca. 1773. Cortesia do Victoria & Albert Museum.\nUm ícone da moda complexo\, o apelo atemporal de Maria Antonieta é definido por seu estilo\, juventude e notoriedade. Explore a influência duradoura da rainha mais elegante (e malfadada) da história – com mais de 250 anos de experiência em design\, moda\, cinema e arte. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Radical Harmony: Helene Kröller-Müller’s Neo-Impressionists" na National Gallery
DESCRIPTION:Théo van Rysselberghe\, “In July\, before Noon”\, 1890 © Coleção Kröller-Müller Museum\, Otterlo\, Países Baixos. Foto: Rik Klein Gotin\nQuando os críticos viram pela primeira vez o novo estilo de pintura de Georges Seurat\, acharam que poderia significar a morte da própria pintura. Mas o que havia em artistas como Paul Signac\, Anna Boch\, Jan Toorop e Henri-Edmond Cross que causava tanto incômodo? \nOs neoimpressionistas pintavam em pequenos pontos de cor pura. Vistos à distância\, esses pontos se fundem para criar tons sutis e uma ilusão de luz. Hoje conhecido como pontilhismo\, esse recurso simplificava as formas e trabalhava a cor de um modo inteiramente novo\, à beira da abstração. \nJunto a essa abordagem vibrante da cor\, o estilo também caminhava lado a lado com ideias políticas radicais. Eles retrataram a sociedade europeia do final do século XIX em paisagens luminosas\, retratos e cenas de interiores\, ao mesmo tempo em que mostravam as dificuldades enfrentadas pela classe trabalhadora\, em reação à era industrial. \nA maioria das pinturas desta exposição foi reunida por Helene Kröller-Müller\, uma das primeiras grandes patronas da arte do século XX. Ela montou o mais completo conjunto de pinturas neoimpressionistas do mundo. Colecionadas com o propósito de serem acessíveis ao público\, essas obras hoje integram o acervo do Museu Kröller-Müller\, nos Países Baixos\, fundado por Helene Kröller-Müller. \nVeja essas visões radicais de cor pura em Radical Harmony: Helene Kröller-Müller’s Neo-Impressionists. \nEsta exposição é uma colaboração entre a National Gallery e o Kröller-Müller Museum\, em Otterlo.
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LOCATION:National Gallery\, Trafalgar Square London Greater London\, Greater London\, London\, Reino unido
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SUMMARY:"Theatre Picasso" na Tate Modern
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, “As Três Bailarinas”\, 1925. Tate. © Succession Picasso / DACS 2024\n\n\n\n\nPablo Picasso era fascinado por performers e por sua capacidade de se transformar. Ele se inspirava nos dançarinos\, artistas e toureiros que pintava\, e deles emprestou elementos para criar sua própria persona pública: Picasso\, o Artista. \nMarcando o centenário de sua famosa pintura As Três Bailarinas\, esta exposição\, encenada pela consagrada artista contemporânea Wu Tsang e pelo autor e curador Enrique Fuenteblanca\, lança uma nova luz sobre a obra de Picasso. Eles transformarão o espaço expositivo em um teatro para apresentar mais de 45 obras de Picasso da coleção da Tate\, ao lado de empréstimos importantes de instituições europeias. A mostra inclui pinturas\, esculturas\, têxteis e trabalhos em papel\, alguns nunca antes vistos no Reino Unido. \nPor meio de sua persona\, Picasso cultivou um mito em torno de si\, como artista celebrado e\, ao mesmo tempo\, outsider. A maneira como ele fez isso pode ser examinada pela ideia contemporânea de “performatividade” – como palavras e ações podem gerar mudanças e moldar identidades. Essa persona sempre foi atraída por vidas alternativas e pela tensão entre a cultura popular e a vanguarda. Acompanhou-o por toda a vida e continua a moldar a forma como imaginamos o papel do artista hoje. \nTheatre Picasso é apresentada na The George Economou Gallery. Em parceria com White & Case. Com apoio da Huo Family Foundation. Apoio adicional do The Theatre Picasso Exhibition Supporters Circle\, Tate Americas Foundation e Tate Members. \nEncenada por Wu Tsang e Enrique Fuenteblanca com a colaboração da designer de exposições Lucie Rebeyrol\, do estúdio Roll.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Nigerian Modernism" no Tate Modern em Londres
DESCRIPTION:A exposição de arte Nigerian Modernism celebra a produção de artistas nigerianos ativos no período que antecede e sucede a independência do país do domínio britânico\, em 1960\, destacando um momento de intensa ebulição cultural e afirmação identitária. \nA mostra evidencia coletivos como a Zaria Art Society e o Mbari Artists’ and Writers’ Club\, fundamentais para a construção de uma linguagem moderna que articulava referências nigerianas\, africanas e europeias. \nReunindo pinturas\, esculturas\, têxteis e poesia de mais de 50 artistas — entre eles Uzo Egonu\, El Anatsui\, Ladi Kwali e Ben Enwonwu —\, a exposição destaca a diversidade e a potência multidisciplinar do modernismo nigeriano. Ao enfatizar experimentação formal e diálogo intercultural\, Nigerian Modernism apresenta um panorama abrangente de um movimento que redefiniu os rumos da arte no país e consolidou sua inserção no circuito artístico global.
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SUMMARY:"Nigerian Modernism" no Tate Modern Museum
DESCRIPTION:Uzo Egonu. Stateless People: An Artist with Beret. 1981. Cortesia do Tate Modern Museum. \nTendo como pano de fundo a rebelião cultural e artística\, o Modernismo Nigeriano celebra as conquistas de artistas nigerianos que trabalharam antes e depois da década de independência nacional do domínio colonial britânico em 1960. \nO Modernismo Nigeriano conta a história de redes artísticas que abrangeram Zaria\, Ibadan\, Lagos e Enugu\, além de Londres\, Munique e Paris. Por meio de grupos como a Sociedade de Arte de Zaria e o Clube de Artistas e Escritores de Mbari\, eles fundiram técnicas e tradições nigerianas\, africanas e europeias para criar obras vibrantes e multidimensionais. \nExplore uma gama diversificada de pinturas\, esculturas\, tecidos e poesias de mais de 50 artistas\, incluindo Uzo Egonu\, El Anatsui\, Ladi Kwali e Ben Enwonwu MBE. \nO Modernismo Nigeriano é uma parceria com a Access Holdings e o Coronation Group. Conta com o apoio da Fundação Ford\, da Fundação A. G. Leventis e da Fundação Andy Warhol para as Artes Visuais. Com apoio adicional do Nigerian Modernism Exhibition Supporters Circle\, do Tate International Council\, dos Tate Patrons e da Tate Americas Foundation. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Peter Doig: House of Music" na Serpentine South Gallery
DESCRIPTION:Peter Doig. House of Music\, 2025. Cortesia da Serpentine South Gallery. \nTransformando a galeria em um espaço de audição\, a Casa da Música reúne pinturas recentes e\, pela primeira vez\, integra o som à obra de Doig. A exposição apresenta dois conjuntos de caixas de som analógicas raras e restauradas\, originalmente projetadas para cinemas e grandes auditórios. Músicas selecionadas pelo artista – de seu substancial arquivo de discos de vinil e fitas cassete\, acumulado ao longo de décadas – são reproduzidas em um conjunto de caixas de som Klangfilm Euronor de madeira de alta fidelidade\, da década de 1950. \nCada pintura da exposição interage com a música de uma maneira diferente: algumas retratam espaços onde a música é tocada ou ouvida\, outras mostram músicos se apresentando ou pessoas dançando. Muitas das obras foram criadas durante os anos de Doig em Trinidad (2002-21)\, um período que aprofundou sua relação com a música por meio da cultura dos sistemas de som e do cinema. Combinando memórias pessoais\, fotografias encontradas e cenas imaginadas\, essas pinturas são moldadas pelo contexto cultural mais amplo de Trinidad. A exposição também incluirá novas pinturas\, que Doig criou especificamente para esta exposição em seu estúdio em Londres. \nNo centro da exposição está um sistema de som original da Western Electric/Bell Labs\, produzido no final da década de 1920 e início da década de 1930. Desenvolvido para atender às demandas do som cinematográfico moderno\, este raríssimo “telefone falante” consiste em amplificadores valvulados e alto-falantes de bobina de campo energizados pela rede elétrica\, projetados especificamente para anunciar a nova era dos “filmes falados”. Esses alto-falantes foram recuperados de cinemas abandonados em todo o Reino Unido por Laurence Passera\, com quem Doig colaborou estreitamente neste projeto. Laurence Passera é um especialista londrino e entusiasta dedicado de sistemas de som cinematográfico. Os alto-falantes oferecem uma experiência auditiva única devido ao domínio técnico alcançado em sua construção\, que os coloca como os bisavós do áudio moderno de alta qualidade. \nConcebido como um ambiente multissensorial\, os visitantes são convidados a pausar e permanecer enquanto olham e ouvem\, transformando a galeria em um local de contemplação\, reflexão e conversa. O título House of Music\, refere-se à letra da música Dat Soca Boat do músico calipsoniano de Trinidad Shadow\, que Doig admira e retratou em suas pinturas ao longo dos anos. Shadow\, 2019 – um retrato do músico em seu icônico traje de esqueleto também está incluído na exposição. Aos domingos\, o espaço será ativado pelo Sound Service\, uma série de sessões de audição ao vivo. Músicos\, artistas e colecionadores – incluindo Nihal El Aasar\, Olukemi Lijadu\, Ed Ruscha\, Samuel Strang e Duval Timothy – compartilharão seleções de suas coleções nos sistemas analógicos. O Sound Service é imaginado como parte integrante do projeto que visa expandir os registros de experiência na House of Music\, promover diálogos por meio do ato de escuta compartilhada e construir uma paisagem sonora de Londres. Essas residências informais pretendem estender as ideias da exposição: som como memória\, escuta compartilhada como reunião\, o alto-falante como escultura e condutor. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Serpentine South Gallery\, Kensington Gardens\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Karimah Ashadu: Tendered" no Camden Art Centre
DESCRIPTION:Karimah Ashadu\, MUSCLE (captura de imagem)\, 2025. Cortesia do Camden Art Centre. \nO Camden Art Centre e a Fondazione In Between Art Film têm o prazer de anunciar “Tendered”\, a primeira exposição individual institucional no Reino Unido da artista e cineasta Karimah Ashadu (Reino Unido/Nigéria\, n. 1985)\, vencedora do Leão de Prata para Jovem Artista Revelação na Bienal de Veneza de 2024. \nCom curadoria de Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi\, da Fondazione In Between Art Film\, a exposição inclui a estreia de MUSCLE – uma instalação de imagem em movimento recém-encomendada – bem como uma série de novas esculturas concebidas especialmente para a mostra que fazem referência a objetos e ambientes dentro do filme. MUSCLE (2025) é um retrato íntimo de fisiculturistas no coração das favelas de Lagos\, buscando alcançar um ideal hipermasculino\, dando continuidade à pesquisa da artista sobre questões de independência socioeconômica e patriarcado no contexto da cultura e sociedade da África Ocidental. MUSCLE é uma encomenda e produção do Camden Art Centre\, da Fondazione In Between Art Film e da The Renaissance Society da Universidade de Chicago\, onde será apresentada no outono de 2026. \nAlém disso\, a exposição apresenta uma seleção de obras anteriores em movimento\, também ambientadas em Lagos – King of Boys (2015)\, uma janela para o funcionamento interno do matadouro de Makoko\, e Cowboy (2022)\, um filme de dois canais que acompanha um homem que dedicou sua vida ao cuidado de cavalos – configurado em ambientes discretos que estendem aspectos dos filmes para o espaço de exibição. A mostra leva os visitantes a uma jornada pela amplitude da prática de Ashadu\, do intimista ao expansivo\, apresentando obras que formam uma narrativa cinematográfica de corpos e terras – um cenário ondulante de subculturas urbanas\, trabalho cotidiano e nossa relação com a natureza. \nA prática de Ashadu analisa as manifestações contemporâneas da história nigeriana\, tal como são transmitidas por seu povo e sua paisagem. Tendo crescido entre o Reino Unido e a Nigéria\, a artista situa seu ponto de vista em uma constante negociação de distância\, própria de existências diaspóricas. É por meio de uma proximidade empática – em oposição a uma abordagem documental – que Ashadu observa as lutas e reúne as histórias de trabalhadores – dos mototaxistas em Machine Boys (2024) aos mineiros de estanho em Plateau (2022) ou aos produtores de óleo de palma em Red Gold (2016). Sua formação em pintura se reflete na linguagem visual de seus filmes\, combinando um forte senso de cor\, composição e forma com a cinética fugidia da lente de sua câmera. Essa abordagem única ao manuseio da câmera e ao enquadramento de seu olhar desafia a tendência ao espetáculo na documentação etnográfica colonial. Os retratos íntimos e cheios de nuances de Ashadu\, sejam de indivíduos ou comunidades\, exploram reflexões multifacetadas sobre as noções de masculinidade e sistemas patriarcais dentro do contexto cultural da África Ocidental\, pois estão inextricavelmente relacionados às condições de independência econômica e exploração após o domínio colonial britânico. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Ghost Objects: Summoning Leighton's Lost Collection" na Leighton House
DESCRIPTION:Instalação de “objetos perdidos” da Leighton House. \nQuatro objetos desaparecidos da coleção original de Leighton reaparecem como esculturas de papel em tamanho real\, criadas pela renomada artista internacional Annemarieke Kloosterhof. Reimaginando a presença desses tesouros há muito perdidos\, as obras são elaboradamente feitas à mão em papel branco\, com detalhes recortados à mão e técnicas como sobreposição\, relevo e escultura. \nEsta exposição faz parte da programação comemorativa dos 100 Anos da Leighton House\, que marca o aniversário do museu como museu público\, sob a administração do Royal Borough of Kensington and Chelsea. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Lee Miller" no Tate Britain
DESCRIPTION:Lee Miller. Divulgação: Tate Britain. \nCom a mais extensa retrospectiva de sua fotografia já realizada no Reino Unido\, a Tate Britain celebra Lee Miller como uma das vozes artísticas mais urgentes do século XX. \nTendo tido seu primeiro contato com uma câmera ao trabalhar em frente a ela\, Miller tornou-se uma das modelos mais requisitadas do final da década de 1920. Rapidamente passou para trás das lentes\, tornando-se uma figura de destaque nas cenas de vanguarda em Nova York\, Paris\, Londres e Cairo. \nA exposição apresentará a extraordinária carreira de Miller\, desde sua participação no surrealismo francês até suas fotografias de moda e de guerra. Explorando suas colaborações artísticas\, a exposição também lançará luz sobre aspectos menos conhecidos de sua prática\, como suas notáveis ​​imagens da paisagem egípcia na década de 1930. \nCom cerca de 250 gravuras antigas e modernas\, incluindo algumas nunca antes exibidas\, a exposição revela a visão poética e o espírito destemido de Miller. \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, London SW1P 4RG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"R. Crumb: There's No End to the Nonsense" na David Zwirner London
DESCRIPTION:Vista de exposição “There’s No End to the Nonsense” de R. Crumb \n  \n“There’s No End to the Nonsense” é uma retrospectiva intimista da obra do artista americano |R. Crumb\, que abrange a trajetória ousada e expansiva de seus sessenta anos de carreira. Esta é sua primeira exposição individual em Londres em dez anos. \nUm dos ilustradores mais celebrados da atualidade\, Crumb ajudou a definir as subculturas dos quadrinhos das décadas de 1960 e 1970 com tirinhas como Fritz the Cat\, Mr. Natural e Keep on Truckin ‘. Fundamental na formação da cena underground dos quadrinhos\, Crumb desafiou e expandiu os limites das artes gráficas\, redefinindo os quadrinhos e os desenhos animados como formas de arte contraculturais. O erotismo explícito de sua obra\, aliado à frequente autodepreciação e a um estilo livre\, quase de fluxo de consciência\, solidificaram sua posição como um artista renomado e influente\, cujo trabalho aborda o absurdo das convenções sociais e a desilusão política.
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LOCATION:David Zwirner\, 537 W 20th St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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