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SUMMARY:"The Genesis Exhibition: Do Ho Suh: Walk the House" na Tate Modern
DESCRIPTION:Do Ho Suh. “Nest/s”\, 2024. © Do Ho Suh\n\n\n\n\nO artista Do Ho Suh\, nascido na Coreia do Sul e radicado em Londres\, convida o público a explorar suas instalações em grande escala\, esculturas\, vídeos e desenhos em uma importante exposição panorâmica. \nO que é “lar”? Um lugar\, um sentimento ou uma ideia? Suh propõe perguntas urgentes sobre o enigma do pertencimento\, da identidade e de como nos movemos e habitamos o mundo ao nosso redor. \nPor meio de obras imersivas que exploram pertencimento\, coletividade e individualidade\, conexão e desconexão\, o artista investiga a relação complexa entre arquitetura\, espaço\, corpo\, memória e os momentos que moldam quem somos. \nPercorra os corredores e limiares das famosas arquiteturas têxteis de Suh. Descubra suas primeiras instalações\, obras delicadas sobre papel e vídeos. Caminhe por Seul\, Nova York e Londres através de réplicas em escala real de lares passados e presentes. Encontre esculturas que repensam a tradição dos monumentos. \nVivencie a amplitude e a profundidade da prática inventiva e singular de Do Ho Suh ao longo de três décadas — com destaque para novas obras e criações site-specific exibidas pela primeira vez.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Encounters: Giacometti" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Alberto Giacometti segurando “Three Men Walking”\, década de 1940. Foto: anônima. Crédito: © Succession Alberto Giacometti / Adagp\, Paris 2024. \nTrês exposições inovadoras posicionam esculturas históricas de Alberto Giacometti ao lado de obras recentes de artistas contemporâneas\, em um espaço novo e intimista. \nReconhecido como um dos escultores europeus mais importantes do século XX\, Giacometti é conhecido por suas esculturas elongadas e singulares\, que experimentam novas abordagens sobre o corpo humano. Criadas em resposta à dor e à devastação causadas pela Segunda Guerra Mundial\, suas obras propõem uma reflexão sobre a condição humana e o inconsciente coletivo. \nOrganizada em colaboração com a Fondation Giacometti\, essa série de exposições\, que se estende por um ano\, tem início em maio com uma mostra de Huma Bhabha\, seguida por Mona Hatoum em setembro e Lynda Benglis em fevereiro de 2026. As obras dessas artistas dialogam diretamente com as esculturas de Giacometti\, ativando novos encontros intergeracionais por meio de temas universais como morte\, fragmentação\, o doméstico\, memória\, trauma\, erotismo\, horror e humor. \nÉ a primeira vez que os trabalhos dessas três artistas serão apresentados lado a lado com as obras de Giacometti.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Edward Burra – Ithell Colquhoun" na Tate Britain
DESCRIPTION:Edward Burra\, “Dancing Skeletons”\, 1934. © Tate \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEdward Burra é um dos artistas britânicos mais singulares do século XX\, conhecido por suas cenas vibrantes e satíricas dos bastidores urbanos e da cultura queer durante os “Roaring Twenties”. Mestre da aquarela\, a exposição revela como Burra ultrapassou os limites desse meio tradicionalmente delicado para criar composições ousadas e intensas. Sua prática abrange um amplo espectro de obras imaginativas\, influenciadas por música\, performance\, cultura popular\, literatura e história da arte. \nEsta é a primeira retrospectiva em Londres em 40 anos\, e destaca o interesse de Burra em vivenciar outras sociedades e culturas. Observador atento\, suas obras também incluem paisagens de tom macabro\, que refletem sua percepção dos grandes eventos mundiais\, como a Guerra Civil Espanhola\, a Segunda Guerra Mundial e a revolução industrial do pós-guerra. Sua vivência com a deficiência teve impacto significativo em sua prática artística e possivelmente influenciou sua representação de comunidades marginalizadas. \nA mostra oferece uma visão aprofundada da carreira de Burra\, reunindo mais de 80 pinturas e desenhos\, além de materiais do Arquivo Edward Burra na Tate\, proporcionando ao público uma imersão no processo criativo extraordinariamente imaginativo do artista.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, London SW1P 4RG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Ithell Colquhoun" na Tate Britain
DESCRIPTION:Ithell Colquhoun\, “Alcove”\, 1946. Coleção Particular © Spire Healthcare\, © Noise Abatement Society\, © Samaritans \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nUma das artistas mais radicais de sua geração\, Ithell Colquhoun foi uma figura importante do Surrealismo britânico durante as décadas de 1930 e 1940. Escritora inovadora e ocultista praticante\, Colquhoun seguiu seu próprio caminho\, investigando métodos surrealistas de criação inconsciente de imagens e mergulhando sem medo nos domínios do mito e da magia. \nEsta exposição histórica\, com mais de 140 obras e materiais de arquivo\, traça a evolução de Colquhoun\, desde seus primeiros trabalhos como estudante e seu envolvimento com o movimento surrealista até sua fascinação pelos domínios interligados da arte\, identidade sexual\, ecologia e ocultismo. A mostra culmina em uma sala dedicada à interpretação de Colquhoun do baralho de Tarô – sua fusão mais completa entre prática artística e mágica. \nExplore o universo fascinante e multifacetado de Colquhoun por meio de escritos\, desenhos e pinturas\, muitos deles nunca exibidos publicamente antes. \nA exposição estreou na Tate St Ives em fevereiro de 2025 antes de chegar à Tate Britain.
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SUMMARY:"Kiefer / Van Gogh" na Royal Academy of Arts
DESCRIPTION:Vincent van Gogh\, “Field with Irises near Arles”\, 1888 \nVincent van Gogh exerceu uma influência duradoura sobre Anselm Kiefer. Neste verão\, será possível ver obras de ambos lado a lado. \nEm 1890\, Vincent van Gogh pintou suas obras finais. \nSetenta e dois anos depois\, um jovem Anselm Kiefer\, então com dezoito anos\, recebeu uma bolsa de viagem para seguir os passos de Van Gogh — começando pela Holanda\, passando pela Bélgica\, Paris e chegando a Arles\, no sul da França. \nAo longo de quase 60 anos de carreira\, Kiefer manteve Van Gogh como uma referência constante. O pioneiro do pós-impressionismo influenciou tanto os temas quanto as técnicas presentes nas pinturas e esculturas monumentais de Kiefer\, que atravessam história\, mitologia\, literatura\, filosofia e ciência. \nDistribuída por três salas das galerias menores da Royal Academy\, esta exposição concentra-se\, pela primeira vez\, em refletir sobre o impacto duradouro de Van Gogh na obra de Kiefer. Reunindo trabalhos dos dois artistas\, a mostra também apresenta peças inéditas de Kiefer\, nunca antes exibidas.
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LOCATION:Royal Academy of Arts\, Burlington House\, Piccadilly\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Emily Kam Kngwarray" na Tate Modern
DESCRIPTION:Emily Kam Kngwarray\, ”Ntang Dreaming”\, 1989. National Gallery of Australia. © Estate of Emily Kam Kngwarray / DACS 2024\, Todos os direitos reservados\n\n\n\n\nA renomada artista australiana Emily Kam Kngwarray (c. 1914–1996) criou obras poderosas e impactantes que refletem sua vida extraordinária como mulher Anmatyerr\, nascida em Alhalker\, na região de Sandover\, no Território do Norte da Austrália. \nReconhecida como uma das pintoras mais importantes surgidas no final do século XX\, sua experiência de vida e sua profunda conexão cultural com seu Country foram traduzidas inicialmente em vibrantes batiks e\, posteriormente\, em pinturas monumentais sobre tela. Para os Povos Aborígenes e das Ilhas do Estreito de Torres\, o conceito de Country abrange as terras\, os céus e as águas aos quais estão profundamente conectados há incontáveis gerações. Country é um lugar compartilhado de origens espirituais\, sociais e geográficas. A obra de Kngwarray incorpora seu conhecimento minucioso dos territórios onde viveu ao longo da vida\, com padrões sobrepostos que representam as plantas\, os animais e as formações geológicas que compõem os ecossistemas do deserto ao seu redor. \nA exposição apresenta ricos têxteis\, pinturas\, filmes e elementos sonoros que expressam a dimensão expansiva do Country Ancestral e da cultura de Kngwarray. \nRealizada em colaboração com a National Gallery of Australia (NGA)\, esta será a primeira grande mostra dedicada à obra de Kngwarray na Europa\, celebrando sua carreira extraordinária como uma das maiores artistas da história da Austrália. \nExposição organizada pela Tate Modern e pela National Gallery of Australia\, a partir de uma curadoria de Kelli Cole (povos Warumungu e Luritja) e Hetti Perkins (povos Arrernte e Kalkadoon). A mostra Emily Kam Kngwarray na Tate Modern é curada por Kelli Cole.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Millet: Life on the Land" na National Gallery
DESCRIPTION:Detalhe de Jean-François Millet\, “The Angelus”\, 1857–9\, Musée d’Orsay\, Paris. Legado de Alfred Chauchard\, 1910 © Musée d’Orsay\, Dist. Grand Palais Rmn / Patrice Schmidt\nO semeador\, o lenhador\, uma jovem pastora. Esses são os temas que tornaram o artista francês Jean-François Millet famoso. \nMarcando o 150º aniversário de sua morte\, esta é uma oportunidade de ver algumas das pinturas e desenhos mais célebres de Millet. \nNascido em uma família de agricultores na Normandia\, Millet mudou-se para a vila de Barbizon em 1849\, onde colocou em destaque\, em sua obra\, as pessoas que passavam a vida trabalhando na terra — muitas vezes\, os mais pobres da França do século XIX. Ele conhecia essas pessoas\, e sua abordagem realista e sem sentimentalismo para pintá-las era completamente nova. \nVeja seu icônico L’Angelus (1859)\, do Musée d’Orsay\, Paris\, uma pintura típica da forma digna como retratava os trabalhadores de sua época. Um marido e uma esposa aparecem de cabeças baixas. Iluminados por uma luz quase etérea e filtrada\, interrompem o trabalho no campo para rezar a oração do Angelus. \nAdmirado e copiado por Vincent van Gogh\, Millet inspirou impressionistas e pós-impressionistas como Edgar Degas e Camille Pissarro. Sua combinação de temática com efeitos de luz e tom fez sua popularidade crescer no fim do século XIX e início do XX. \nExperimente a beleza e a força silenciosa da obra de Millet – um artista que criou algumas das pinturas mais realistas e atemporais do século XIX.
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LOCATION:National Gallery\, Trafalgar Square London Greater London\, Greater London\, London\, Reino unido
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SUMMARY:"Marie Antoinette Style" no Victoria & Albert Museum
DESCRIPTION:François Hubert Drouais. Marie Antoinette\, Queen of Franca. 1773. Cortesia do Victoria & Albert Museum. \nUm ícone da moda complexo\, o apelo atemporal de Maria Antonieta é definido por seu estilo\, juventude e notoriedade. Explore a influência duradoura da rainha mais elegante (e malfadada) da história – com mais de 250 anos de experiência em design\, moda\, cinema e arte. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Encounters: Giacometti x Mona Hatoum" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Mona Hatoum\, Hot Spot (stand)\, 2018. Vista da instalação: Encounters – Giacometti x Mona Hatoum\, Level 2 Gallery\, Barbican Art Gallery. © Jo Underhill \nObras da artista contemporânea Mona Hatoum e do escultor do século XX Alberto Giacometti são apresentadas juntas pela primeira vez nesta exposição inovadora\, parte de Encounters: Giacometti. \nMona Hatoum apresenta uma combinação de obras já existentes e novas ao lado de sua própria seleção de esculturas de Alberto Giacometti\, abrindo conexões e diálogos entre gerações. Ao integrar obras históricas de Giacometti em suas próprias instalações\, Hatoum responde ao trabalho do escultor\, com foco no motivo da gaiola\, em temas de ambientes domésticos e hostis e em como esses espaços afetam o espectador das obras. \nO trabalho de Hatoum frequentemente aborda questões de deslocamento\, marginalização\, exclusão e sistemas de controle social e político. Alberto Giacometti é um dos escultores europeus mais significativos do século XX\, conhecido por suas esculturas distintas e alongadas que experimentam com a forma humana.
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SUMMARY:"Ketty La Rocca: you you" na Estorick Collection
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação \nNeste outono\, a Estorick Collection apresenta a primeira exposição em um museu do Reino Unido dedicada a Ketty La Rocca (1938–1976)\, uma figura pioneira da arte conceitual e feminista italiana. Embora sua carreira tenha sido interrompida por sua morte precoce aos 38 anos\, a obra de La Rocca deixou um impacto duradouro\, e esta exposição histórica traz sua visão ousada\, espirituosa e instigante para um público mais amplo. \nNascida em La Spezia\, La Rocca mudou-se para Florença em 1956\, onde começou a trabalhar com o coletivo de vanguarda Gruppo 70. Seus primeiros experimentos incluíram obras de poesia visual e colagens que investigavam a influência penetrante da mídia de massa na vida cotidiana\, com foco particular em questões de gênero e temas sociopolíticos. No início dos anos 1970\, ela passou a explorar o gesto\, com o objetivo de confrontar as limitações das estruturas linguísticas patriarcais e defender formas alternativas – e possivelmente mais significativas – de comunicação. \nA mostra oferece uma visão abrangente da evolução artística e da amplitude expressiva de La Rocca\, apresentando trabalhos de fotografia\, vídeo e escultura\, além de exemplos de suas celebradas Riduzioni (Reduções). Ao desconstruir progressivamente a imagem fotográfica por meio da caligrafia e de outros processos de marcação\, essas fascinantes obras verbo-visuais voltam a investigar diferentes formas de comunicação e refletem sobre a relação entre artista\, obra e espectador. \nRessonante e urgente\, a obra de La Rocca soa notavelmente contemporânea\, interrogando a cultura de consumo e as dinâmicas de gênero com clareza e força. Seu trabalho vem recebendo crescente reconhecimento internacional nos últimos anos\, tendo sido apresentado em diversas exposições importantes\, incluindo a Bienal de Veneza\, e integra as coleções permanentes do MoMA\, do Centre Pompidou e da Uffizi. \nA exposição é acompanhada por um programa de palestras e oficinas\, além de uma publicação totalmente ilustrada com ensaios inéditos encomendados especialmente.
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LOCATION:Estorick Collection\, 39A Canonbury Square\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Very High Frequency" de Hilary Lloyd no Studio Voltaire
DESCRIPTION:Hilary Lloyd. Instalação de Very High Frequency\, 2025. Cortesia do Studio Voltaire. \nHilary Lloyd apresenta “Very High Frequency”\, uma nova e importante exibição que considera o escopo e o espírito do pioneiro dramaturgo\, dramaturgo televisivo e escritor Dennis Potter (n. 1935-m. 1994). \nA instalação em camadas de Lloyd combina elementos audiovisuais com materiais de arquivo e interlúdios performáticos\, encenando um encontro não linear com a obra de Potter para e na televisão. Envolvendo-se com os temas\, confrontos e atmosferas que definiram a obra de Potter\, a exposição navega por suas explorações sobre doença\, morte\, sexo\, poder e classe. \nPotter foi aclamado como o dramaturgo\, dramaturgo televisivo e escritor mais pioneiro da Grã-Bretanha. Mais conhecido por suas séries de TV\, suas técnicas brechtianas intermediaram uma relação significativa e ousada entre o teatro experimental e a televisão. Desafiando o naturalismo dominante dos dramas televisivos terrestres\, Potter foi pioneira em uma infinidade de dispositivos dramáticos para mesclar fantasia e realidade\, incluindo flashbacks e sequências de fantasia entrelaçados\, falas diretas para a câmera\, dublagem\, interlúdios musicais e o uso de atores adultos para interpretar crianças. Embora celebrado por sua criatividade como roteirista e jornalista\, o trabalho e a vida pessoal de Potter não foram isentos de controvérsias\, e vários de seus roteiros foram proibidos pela BBC por décadas. \nAo longo da carreira\, Lloyd apresentou imagens estáticas e em movimento em arranjos precisos de equipamentos de vídeo que habitam os espaços circundantes como esculturas\, conectando uma dimensão física ao ato de olhar. Em Very High Frequency\, a instalação de Lloyd se inspira em bastidores\, cenários de teatro e estúdios de televisão. Na tentativa de evitar abordagens convencionais de dramaturgia e performance\, os filmes que ela apresenta resistem às noções padrão de narração. Em vez disso\, a instalação de Lloyd funciona como um quadro mutável a ser encontrado\, colocando o público em uma experiência coreografada que se desenvolve a partir de muitas pessoas\, narrativas\, imagens e locais com os quais o artista se envolveu ao longo da criação da exposição. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Pelicans Dive at Half Light" de Helen Cammock na Kate MacGarry Gallery
DESCRIPTION:Helen Cammock. Instalação da exibição. 2025. Cortesia de Kate MacGarry Gallery. \nUm pelicano pousou na água enquanto eu estava sentado\, com água até a cintura – era ao mesmo tempo impressionante e aterrorizante enquanto circulava\, observando-me de soslaio. Sentia-se atraído por mim\, mas não queria me tocar. Passando de um leve balançar para o rugido de asas ascendentes\, o pelicano voou pelo ar – em um lugar que eu só havia imaginado – e então mergulhou perto do meu corpo – repetidas vezes. Nas águas jamaicanas do meu pai\, olhando para o horizonte e para Cuba\, seu local de nascimento\, eu estava assustada – mas exultante com a graça daquele corpo desajeitado com o bico afiado como navalha. Essa ação repetida; uma cena de sobrevivência e matança ao mesmo tempo. Fiquei imóvel – uma espectadora do ataque\, mas de alguma forma parte da peça. \nKate MacGarry tem o prazer de apresentar a segunda exposição individual de Helen Cammock na galeria. O título da exposição é retirado de um conjunto recente de gravuras em relevo produzidas durante uma visita à Jamaica\, onde o pai da artista cresceu. Respondendo aos ritmos de uma geografia sonora e tátil do lugar; vento\, mar e som se entrelaçam com reflexões sobre deslocamento e acerto de contas no que Cammock descreve como “a suspensão liminar” de sua identidade diaspórica. \nEla considera como seu corpo-como-lente replica e reativa ideias\, significados e emoções – ventriloquiando os sussurros das histórias; construindo uma epistemologia interseccional feminista negra que transita por arquivos\, histórias\, diálogos\, imaginação\, perdas e heranças. O ponto de partida material no processo de criação de Cammock é frequentemente a voz e a escrita\, com sua “impressão digital audível” formando a base para imagens em movimento\, performances e obras de parede\, bem como objetos artesanais que incorporam narrativas pessoais e estruturais. Os roteiros são tecidos por meio de muitos registros de voz\, enquanto os objetos respondem a eventos específicos que falam de transferência geográfica\, histórica e geracional de experiência. Esta exposição opera como um ambiente que traz para um conjunto de relações a coalescência de ideias e materiais de Cammock. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Kate MacGarry Gallery\, 27 Old Nichol Street\, London\, United Kingdom
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SUMMARY:"Radical Harmony: Helene Kröller-Müller’s Neo-Impressionists" na National Gallery
DESCRIPTION:Théo van Rysselberghe\, “In July\, before Noon”\, 1890 © Coleção Kröller-Müller Museum\, Otterlo\, Países Baixos. Foto: Rik Klein Gotin\nQuando os críticos viram pela primeira vez o novo estilo de pintura de Georges Seurat\, acharam que poderia significar a morte da própria pintura. Mas o que havia em artistas como Paul Signac\, Anna Boch\, Jan Toorop e Henri-Edmond Cross que causava tanto incômodo? \nOs neoimpressionistas pintavam em pequenos pontos de cor pura. Vistos à distância\, esses pontos se fundem para criar tons sutis e uma ilusão de luz. Hoje conhecido como pontilhismo\, esse recurso simplificava as formas e trabalhava a cor de um modo inteiramente novo\, à beira da abstração. \nJunto a essa abordagem vibrante da cor\, o estilo também caminhava lado a lado com ideias políticas radicais. Eles retrataram a sociedade europeia do final do século XIX em paisagens luminosas\, retratos e cenas de interiores\, ao mesmo tempo em que mostravam as dificuldades enfrentadas pela classe trabalhadora\, em reação à era industrial. \nA maioria das pinturas desta exposição foi reunida por Helene Kröller-Müller\, uma das primeiras grandes patronas da arte do século XX. Ela montou o mais completo conjunto de pinturas neoimpressionistas do mundo. Colecionadas com o propósito de serem acessíveis ao público\, essas obras hoje integram o acervo do Museu Kröller-Müller\, nos Países Baixos\, fundado por Helene Kröller-Müller. \nVeja essas visões radicais de cor pura em Radical Harmony: Helene Kröller-Müller’s Neo-Impressionists. \nEsta exposição é uma colaboração entre a National Gallery e o Kröller-Müller Museum\, em Otterlo.
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LOCATION:National Gallery\, Trafalgar Square London Greater London\, Greater London\, London\, Reino unido
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SUMMARY:"Theatre Picasso" na Tate Modern
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, “As Três Bailarinas”\, 1925. Tate. © Succession Picasso / DACS 2024\n\n\n\n\nPablo Picasso era fascinado por performers e por sua capacidade de se transformar. Ele se inspirava nos dançarinos\, artistas e toureiros que pintava\, e deles emprestou elementos para criar sua própria persona pública: Picasso\, o Artista. \nMarcando o centenário de sua famosa pintura As Três Bailarinas\, esta exposição\, encenada pela consagrada artista contemporânea Wu Tsang e pelo autor e curador Enrique Fuenteblanca\, lança uma nova luz sobre a obra de Picasso. Eles transformarão o espaço expositivo em um teatro para apresentar mais de 45 obras de Picasso da coleção da Tate\, ao lado de empréstimos importantes de instituições europeias. A mostra inclui pinturas\, esculturas\, têxteis e trabalhos em papel\, alguns nunca antes vistos no Reino Unido. \nPor meio de sua persona\, Picasso cultivou um mito em torno de si\, como artista celebrado e\, ao mesmo tempo\, outsider. A maneira como ele fez isso pode ser examinada pela ideia contemporânea de “performatividade” – como palavras e ações podem gerar mudanças e moldar identidades. Essa persona sempre foi atraída por vidas alternativas e pela tensão entre a cultura popular e a vanguarda. Acompanhou-o por toda a vida e continua a moldar a forma como imaginamos o papel do artista hoje. \nTheatre Picasso é apresentada na The George Economou Gallery. Em parceria com White & Case. Com apoio da Huo Family Foundation. Apoio adicional do The Theatre Picasso Exhibition Supporters Circle\, Tate Americas Foundation e Tate Members. \nEncenada por Wu Tsang e Enrique Fuenteblanca com a colaboração da designer de exposições Lucie Rebeyrol\, do estúdio Roll.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Kerry James Marshall: The Histories" na Royal Academy of Arts
DESCRIPTION:Kerry James Marshall\, “Untitled (Studio)”\, 2014. © Kerry James Marshall. Foto: Matthew Hollow. Imagem cortesia do artista e David Zwirner\, Londres. \nNeste outono\, vivencie o estilo épico de um dos artistas mais importantes dos Estados Unidos\, Kerry James Marshall\, cujas pinturas potentes colocam as vidas de pessoas negras americanas no centro da cena. \nReconhecido internacionalmente\, Kerry James Marshall é um dos pintores mais relevantes da atualidade. \nSuas obras vívidas\, em grande parte de grande escala\, colocam a figura negra em primeiro plano. Marshall parte da tradição ocidental da pintura histórica para dar visibilidade a pessoas que estiveram tão notavelmente ausentes nas obras que o precederam. \nEssas pinturas poderosas estão repletas de referências que atravessam a história da arte\, os direitos civis\, os quadrinhos\, a ficção científica\, suas próprias memórias e muito mais. Ele as utiliza para comentar o passado\, celebrar a vida cotidiana e imaginar futuros mais otimistas. \nEsta exposição de suas pinturas será a maior já realizada fora dos Estados Unidos e a primeira oportunidade para muitos conhecerem suas obras no Reino Unido. \nSerão apresentadas 70 obras\, incluindo sua monumental comissão para o City of Chicago Public Art Program e a Chicago Public Library\, Legler Regional Library\, Knowledge and Wonder (1995)\, que nunca havia sido emprestada antes.
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LOCATION:Royal Academy of Arts\, Burlington House\, Piccadilly\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Dirty Looks: Desire and Decay in Fashion" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Paolo Carzana\, Outono/Inverno 2025\, Dragons Unwinged at the Butchers Block. Fotografia de Joseph Rigby. Cortesia de Paolo Carzana \nRebele-se contra a beleza convencional e encare o lado sujo da moda. \nDe vestidos românticos de noite arruinados a jeans falsamente manchados\, vestidos salpicados de lama e peças reaproveitadas\, o mundo da moda nunca esteve tão sujo. \nMas de onde surgiu essa ideia de se sujar? Para onde ela caminha? E o que isso diz sobre a relação da moda com a terra e com nossos corpos? \nDirty Looks investiga como sujeira e decadência têm sido usadas para desafiar padrões de beleza\, e por que essa estética está ressurgindo no trabalho de jovens designers. Como contraponto à perfeição digital polida\, essas práticas artísticas apontam para uma nova forma de pensar um futuro sustentável para a moda. \nCom nomes icônicos como Hussein Chalayan\, Alexander McQueen\, Vivienne Westwood\, Miguel Adrover e Maison Margiela\, ao lado de designers emergentes como Elena Velez\, Yuima Nakazato e IAMISIGO\, esta exposição percorre o passado\, o presente e os possíveis futuros da moda.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/dirty-looks-desire-and-decay-in-fashion-no-barbican-centre/
LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Gilbert & George: 21ST CENTURY PICTURES" na Hayward Gallery
DESCRIPTION:Gilbert and George. Imagens da instalação. 2025. Cortesia da Hayward Gallery. \nEsta exposição apresenta a trajetória artística de Gilbert & George\, destacando novas obras criadas desde o início do milênio. \nCom títulos ousados ​​e de uma única palavra\, cada obra explora normas e tabus sociais\, abrangendo o mundano e o ilícito\, com sua arte desafiando os limites do gosto e da propriedade. \n21ST CENTURY PICTURES apresenta séries importantes como NEW HORNY PICTURES (2001)\, THE LONDON PICTURES (2011)\, THE BEARD PICTURES (2016) e THE CORPSING PICTURES (2022)\, explorando temas como esperança\, medo\, sexo\, religião\, corrupção e morte. \nNomeada pelo The Guardian e pelo The Telegraph como uma das principais exposições de arte para visitar no outono de 2025. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Hayward Gallery\, Hayward Gallery\, Southbank Centre\, Belvedere Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Nigerian Modernism" no Tate Modern em Londres
DESCRIPTION:A exposição de arte Nigerian Modernism celebra a produção de artistas nigerianos ativos no período que antecede e sucede a independência do país do domínio britânico\, em 1960\, destacando um momento de intensa ebulição cultural e afirmação identitária. \nA mostra evidencia coletivos como a Zaria Art Society e o Mbari Artists’ and Writers’ Club\, fundamentais para a construção de uma linguagem moderna que articulava referências nigerianas\, africanas e europeias. \nReunindo pinturas\, esculturas\, têxteis e poesia de mais de 50 artistas — entre eles Uzo Egonu\, El Anatsui\, Ladi Kwali e Ben Enwonwu —\, a exposição destaca a diversidade e a potência multidisciplinar do modernismo nigeriano. Ao enfatizar experimentação formal e diálogo intercultural\, Nigerian Modernism apresenta um panorama abrangente de um movimento que redefiniu os rumos da arte no país e consolidou sua inserção no circuito artístico global.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/nigerian-modernism-no-tate-modern-em-londres/
LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, London SE1 9TG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Nigerian Modernism" no Tate Modern Museum
DESCRIPTION:Uzo Egonu. Stateless People: An Artist with Beret. 1981. Cortesia do Tate Modern Museum. \nTendo como pano de fundo a rebelião cultural e artística\, o Modernismo Nigeriano celebra as conquistas de artistas nigerianos que trabalharam antes e depois da década de independência nacional do domínio colonial britânico em 1960. \nO Modernismo Nigeriano conta a história de redes artísticas que abrangeram Zaria\, Ibadan\, Lagos e Enugu\, além de Londres\, Munique e Paris. Por meio de grupos como a Sociedade de Arte de Zaria e o Clube de Artistas e Escritores de Mbari\, eles fundiram técnicas e tradições nigerianas\, africanas e europeias para criar obras vibrantes e multidimensionais. \nExplore uma gama diversificada de pinturas\, esculturas\, tecidos e poesias de mais de 50 artistas\, incluindo Uzo Egonu\, El Anatsui\, Ladi Kwali e Ben Enwonwu MBE. \nO Modernismo Nigeriano é uma parceria com a Access Holdings e o Coronation Group. Conta com o apoio da Fundação Ford\, da Fundação A. G. Leventis e da Fundação Andy Warhol para as Artes Visuais. Com apoio adicional do Nigerian Modernism Exhibition Supporters Circle\, do Tate International Council\, dos Tate Patrons e da Tate Americas Foundation. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, London SE1 9TG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Cecil Beaton’s Fashionable World" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Cecil Beaton. Cecil Beaton\, 1935. Cortesia da National Portrait Gallery. \nCecil Beaton – “O Rei da Vogue” – foi uma força extraordinária no cenário criativo britânico e americano do século XX. Reconhecido como ilustrador de moda\, figurinista vencedor do Oscar\, caricaturista social e escritor\, Beaton elevou a fotografia de moda e retrato a uma forma de arte. \n“Fashionable World”\, de Cecil Beaton\, é a primeira exposição dedicada exclusivamente às contribuições inovadoras de Beaton para a fotografia de moda e retrato. A exposição apresenta Beaton em seus momentos mais triunfantes – da Era do Jazz e dos Jovens Brilhantes\, ao brilho da alta costura dos anos 50 e ao sucesso estrondoso e vencedor do Oscar de “My Fair Lady”. Passando por Londres\, Paris\, Nova York e Hollywood\, suas fotografias marcantes capturaram beleza\, glamour e poder de estrelato no período entre guerras e no início do pós-guerra. \nCom mais de 200 itens expostos\, incluindo fotografias\, cartas\, esboços de retratos\, ilustrações de moda e figurinos\, o Fashionable World de Cecil Beaton apresenta retratos de algumas das figuras mais icônicas do século XX\, incluindo Marilyn Monroe\, Audrey Hepburn\, Elizabeth Taylor e Marlon Brando; a Rainha Elizabeth II e a Princesa Margaret; assim como Lucian Freud\, Francis Bacon e Salvador Dalí. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Group show → Props" na Galerie Derouillon
DESCRIPTION:Montagem da exibição “Props”\, 2025. Galerie Derouillon. \nEm outubro\, Derouillon apresenta “Props”\, uma nova exposição coletiva com curadoria de Marion Coindeau\, incluindo Uri Aran\, Diane Dal-Pra\, Tetsumi Kudō\, Shuang Li\, Liz Magor e Kirill Savchenkov. A mostra reunirá novas produções\, além de obras históricas. \n“Props” evoca tanto um objeto enganoso quanto um dispositivo que dá suporte a algo mais — algo que não é\, ou não é bem assim\, algo que não deveria ser\, ou ainda não é. A exposição se desdobra em múltiplas camadas de significado\, buscando reunir obras que resistem à compreensão imediata\, que escapam ao nosso olhar. Dessa mudança lúdica emerge uma sutil sensação de ausência — um vazio desestabilizador através do qual os artistas permitem que as forças subjacentes de dominação e as imagens que moldam nossa vida cotidiana venham à tona. \nOs artistas reunidos desvendam e desestabilizam hierarquias sociais implícitas\, expondo a dúvida como uma ferramenta política tanto de desestabilização quanto de controle. Eles sondam nossas relações físicas e emocionais com objetos cotidianos ou brincam com a própria estrutura da linguagem. Por trás de sua aparente suavidade ou sutileza\, as obras frequentemente deixam um gosto residual dissonante — nascido da lacuna entre percepção e reconhecimento —\, uma espécie de falsa transparência refletida nos próprios materiais. O objetivo é habitar essa fissura\, revelar as zonas de fricção entre intimidade e mediação e lançar luz sobre como nossas emoções e gestos são controlados pelos sistemas sociais e tecnológicos. \n“Props”\, portanto\, aborda a ausência como uma experiência crítica por meio da qual nossas percepções são reexaminadas. As obras reunidas na exposição chamam a atenção para as fraturas na trama do mundo\, explorando o limiar onde o familiar dá lugar ao estranho e abraçando a inevitabilidade de que algumas coisas sempre nos escaparão. Como escreve Didi-Huberman em O que vemos nos olha de volta: “Abramos os olhos para sentir o que não vemos” — um gesto que nos conduz a uma forma mais sensível de conhecimento\, um espaço aberto para a reflexão\, para o questionamento do que parece autoevidente e para o acolhimento da dissidência. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Galerie Derouillon Haut Marais\, 38 rue Notre Dame de Nazareth\, Paris\, 75003\, France
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SUMMARY:"Peter Doig: House of Music" na Serpentine South Gallery
DESCRIPTION:Peter Doig. House of Music\, 2025. Cortesia da Serpentine South Gallery. \nTransformando a galeria em um espaço de audição\, a Casa da Música reúne pinturas recentes e\, pela primeira vez\, integra o som à obra de Doig. A exposição apresenta dois conjuntos de caixas de som analógicas raras e restauradas\, originalmente projetadas para cinemas e grandes auditórios. Músicas selecionadas pelo artista – de seu substancial arquivo de discos de vinil e fitas cassete\, acumulado ao longo de décadas – são reproduzidas em um conjunto de caixas de som Klangfilm Euronor de madeira de alta fidelidade\, da década de 1950. \nCada pintura da exposição interage com a música de uma maneira diferente: algumas retratam espaços onde a música é tocada ou ouvida\, outras mostram músicos se apresentando ou pessoas dançando. Muitas das obras foram criadas durante os anos de Doig em Trinidad (2002-21)\, um período que aprofundou sua relação com a música por meio da cultura dos sistemas de som e do cinema. Combinando memórias pessoais\, fotografias encontradas e cenas imaginadas\, essas pinturas são moldadas pelo contexto cultural mais amplo de Trinidad. A exposição também incluirá novas pinturas\, que Doig criou especificamente para esta exposição em seu estúdio em Londres. \nNo centro da exposição está um sistema de som original da Western Electric/Bell Labs\, produzido no final da década de 1920 e início da década de 1930. Desenvolvido para atender às demandas do som cinematográfico moderno\, este raríssimo “telefone falante” consiste em amplificadores valvulados e alto-falantes de bobina de campo energizados pela rede elétrica\, projetados especificamente para anunciar a nova era dos “filmes falados”. Esses alto-falantes foram recuperados de cinemas abandonados em todo o Reino Unido por Laurence Passera\, com quem Doig colaborou estreitamente neste projeto. Laurence Passera é um especialista londrino e entusiasta dedicado de sistemas de som cinematográfico. Os alto-falantes oferecem uma experiência auditiva única devido ao domínio técnico alcançado em sua construção\, que os coloca como os bisavós do áudio moderno de alta qualidade. \nConcebido como um ambiente multissensorial\, os visitantes são convidados a pausar e permanecer enquanto olham e ouvem\, transformando a galeria em um local de contemplação\, reflexão e conversa. O título House of Music\, refere-se à letra da música Dat Soca Boat do músico calipsoniano de Trinidad Shadow\, que Doig admira e retratou em suas pinturas ao longo dos anos. Shadow\, 2019 – um retrato do músico em seu icônico traje de esqueleto também está incluído na exposição. Aos domingos\, o espaço será ativado pelo Sound Service\, uma série de sessões de audição ao vivo. Músicos\, artistas e colecionadores – incluindo Nihal El Aasar\, Olukemi Lijadu\, Ed Ruscha\, Samuel Strang e Duval Timothy – compartilharão seleções de suas coleções nos sistemas analógicos. O Sound Service é imaginado como parte integrante do projeto que visa expandir os registros de experiência na House of Music\, promover diálogos por meio do ato de escuta compartilhada e construir uma paisagem sonora de Londres. Essas residências informais pretendem estender as ideias da exposição: som como memória\, escuta compartilhada como reunião\, o alto-falante como escultura e condutor. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Serpentine South Gallery\, Kensington Gardens\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Wayne Thiebaud: American Still Life" na The Courtauld Gallery
DESCRIPTION:Wayne Thiebaud\, Three Machines\, 1963. Cortesia da The Courtauld Gallery. \nWayne Thiebaud (1920-2021) é hoje considerado um dos maiores e mais originais artistas americanos do século XX. Ao longo de sua longa vida\, trabalhando principalmente em Sacramento\, Califórnia\, Thiebaud desenvolveu um estilo único de pintura para expressar sua visão de temas americanos modernos. \nEsta exposição na Courtauld Gallery é a primeira mostra de sua obra em um museu no Reino Unido. Ela apresenta as notáveis\, vibrantes e exuberantes naturezas-mortas de Thiebaud\, retratando temas americanos do pós-guerra por excelência\, desde comidas de restaurantes e balcões de delicatessen até máquinas de chicletes e pinballs. Essas foram as pinturas com as quais Thiebaud se destacou nos EUA no início da década de 1960. \nThiebaud considerava os objetos cotidianos da vida americana um tema vital para a arte contemporânea e via seu trabalho como uma continuação do legado radical de pinturas de natureza-morta anteriores de Chardin\, Manet\, Cézanne e outros. Thiebaud acreditava na importância de objetos comuns que\, de outra forma\, poderiam ser ignorados ou considerados kitsch. Seu trabalho transforma cachorros-quentes\, tortas de limão merengado e bolos cremosos brilhantes em objetos de profunda pintura moderna. \nA exposição apresenta obras raramente emprestadas de grandes coleções de museus dos EUA\, incluindo a Galeria Nacional de Arte de Washington e o Museu Whitney de Arte Americana\, bem como a Fundação Wayne Thiebaud. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:The Courtauld Gallery\, Somerset House\, Strand\, London\, United Kingdom
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SUMMARY:"Karimah Ashadu: Tendered" no Camden Art Centre
DESCRIPTION:Karimah Ashadu\, MUSCLE (captura de imagem)\, 2025. Cortesia do Camden Art Centre. \nO Camden Art Centre e a Fondazione In Between Art Film têm o prazer de anunciar “Tendered”\, a primeira exposição individual institucional no Reino Unido da artista e cineasta Karimah Ashadu (Reino Unido/Nigéria\, n. 1985)\, vencedora do Leão de Prata para Jovem Artista Revelação na Bienal de Veneza de 2024. \nCom curadoria de Alessandro Rabottini e Leonardo Bigazzi\, da Fondazione In Between Art Film\, a exposição inclui a estreia de MUSCLE – uma instalação de imagem em movimento recém-encomendada – bem como uma série de novas esculturas concebidas especialmente para a mostra que fazem referência a objetos e ambientes dentro do filme. MUSCLE (2025) é um retrato íntimo de fisiculturistas no coração das favelas de Lagos\, buscando alcançar um ideal hipermasculino\, dando continuidade à pesquisa da artista sobre questões de independência socioeconômica e patriarcado no contexto da cultura e sociedade da África Ocidental. MUSCLE é uma encomenda e produção do Camden Art Centre\, da Fondazione In Between Art Film e da The Renaissance Society da Universidade de Chicago\, onde será apresentada no outono de 2026. \nAlém disso\, a exposição apresenta uma seleção de obras anteriores em movimento\, também ambientadas em Lagos – King of Boys (2015)\, uma janela para o funcionamento interno do matadouro de Makoko\, e Cowboy (2022)\, um filme de dois canais que acompanha um homem que dedicou sua vida ao cuidado de cavalos – configurado em ambientes discretos que estendem aspectos dos filmes para o espaço de exibição. A mostra leva os visitantes a uma jornada pela amplitude da prática de Ashadu\, do intimista ao expansivo\, apresentando obras que formam uma narrativa cinematográfica de corpos e terras – um cenário ondulante de subculturas urbanas\, trabalho cotidiano e nossa relação com a natureza. \nA prática de Ashadu analisa as manifestações contemporâneas da história nigeriana\, tal como são transmitidas por seu povo e sua paisagem. Tendo crescido entre o Reino Unido e a Nigéria\, a artista situa seu ponto de vista em uma constante negociação de distância\, própria de existências diaspóricas. É por meio de uma proximidade empática – em oposição a uma abordagem documental – que Ashadu observa as lutas e reúne as histórias de trabalhadores – dos mototaxistas em Machine Boys (2024) aos mineiros de estanho em Plateau (2022) ou aos produtores de óleo de palma em Red Gold (2016). Sua formação em pintura se reflete na linguagem visual de seus filmes\, combinando um forte senso de cor\, composição e forma com a cinética fugidia da lente de sua câmera. Essa abordagem única ao manuseio da câmera e ao enquadramento de seu olhar desafia a tendência ao espetáculo na documentação etnográfica colonial. Os retratos íntimos e cheios de nuances de Ashadu\, sejam de indivíduos ou comunidades\, exploram reflexões multifacetadas sobre as noções de masculinidade e sistemas patriarcais dentro do contexto cultural da África Ocidental\, pois estão inextricavelmente relacionados às condições de independência econômica e exploração após o domínio colonial britânico. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/karimah-ashadu-tendered-no-camden-art-centre/
LOCATION:Camden Art Centre\, Arkwright Rd\, London NW3 6DG\, London\, United Kingdom
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"Ghost Objects: Summoning Leighton's Lost Collection" na Leighton House
DESCRIPTION:Instalação de “objetos perdidos” da Leighton House. \nQuatro objetos desaparecidos da coleção original de Leighton reaparecem como esculturas de papel em tamanho real\, criadas pela renomada artista internacional Annemarieke Kloosterhof. Reimaginando a presença desses tesouros há muito perdidos\, as obras são elaboradamente feitas à mão em papel branco\, com detalhes recortados à mão e técnicas como sobreposição\, relevo e escultura. \nEsta exposição faz parte da programação comemorativa dos 100 Anos da Leighton House\, que marca o aniversário do museu como museu público\, sob a administração do Royal Borough of Kensington and Chelsea. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Leighton House Museum\, 12 Holland Park Rd\, London
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