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SUMMARY:"The Genesis Exhibition: Do Ho Suh: Walk the House" na Tate Modern
DESCRIPTION:Do Ho Suh. “Nest/s”\, 2024. © Do Ho Suh\n\n\n\n\nO artista Do Ho Suh\, nascido na Coreia do Sul e radicado em Londres\, convida o público a explorar suas instalações em grande escala\, esculturas\, vídeos e desenhos em uma importante exposição panorâmica. \nO que é “lar”? Um lugar\, um sentimento ou uma ideia? Suh propõe perguntas urgentes sobre o enigma do pertencimento\, da identidade e de como nos movemos e habitamos o mundo ao nosso redor. \nPor meio de obras imersivas que exploram pertencimento\, coletividade e individualidade\, conexão e desconexão\, o artista investiga a relação complexa entre arquitetura\, espaço\, corpo\, memória e os momentos que moldam quem somos. \nPercorra os corredores e limiares das famosas arquiteturas têxteis de Suh. Descubra suas primeiras instalações\, obras delicadas sobre papel e vídeos. Caminhe por Seul\, Nova York e Londres através de réplicas em escala real de lares passados e presentes. Encontre esculturas que repensam a tradição dos monumentos. \nVivencie a amplitude e a profundidade da prática inventiva e singular de Do Ho Suh ao longo de três décadas — com destaque para novas obras e criações site-specific exibidas pela primeira vez.
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SUMMARY:"Robert Healy to John Minton: the Nina Drucker bequest" no British Museum
DESCRIPTION:William Turner of Oxford\, “Study from Nature on Shotover Hill”. c. 1810s–20s. Divulgação\n\n\n\n\nEsta mostra celebra a doação de Nina Drucker (1934–2022)\, colecionadora de arte dos séculos XVIII ao XX e apoiadora de longa data do British Museum. \nTendo estudado piano na Royal Academy of Music’s Junior Academy e frequentado concertos ao longo de toda a vida\, Drucker era uma entusiasta da música — e também profundamente apaixonada pelas artes visuais. Sua doação inclui 30 gravuras e desenhos\, selecionados de um acervo de mais de uma centena de obras que ocupavam literalmente todas as superfícies disponíveis de seu apartamento no norte de Londres. A coleção traz obras de artistas até então não representados no acervo do museu. \nA seleção apresentada aqui reúne alguns dos destaques da doação\, ao lado de obras da coleção permanente — com a qual Drucker tinha grande familiaridade por meio de visitas a exposições\, consultas no Prints and Drawings Study Room e na plataforma Collection online. Um raro desenho do retratista irlandês Robert Healy (1743–1771) torna-se a primeira obra desse artista a ingressar no British Museum. Aquarelas de paisagem de David Cox (1783–1859) e William Turner of Oxford (1789–1862) complementam os conjuntos já existentes desses artistas. Algumas das obras favoritas de Drucker\, como as gravuras de Christopher Richard Wynne Nevinson (1889–1946) e um conjunto de desenhos de John Minton (1917–1957)\, fortalecem de forma significativa o acervo de arte moderna britânica do museu.
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SUMMARY:"Encounters: Giacometti" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Alberto Giacometti segurando “Three Men Walking”\, década de 1940. Foto: anônima. Crédito: © Succession Alberto Giacometti / Adagp\, Paris 2024. \nTrês exposições inovadoras posicionam esculturas históricas de Alberto Giacometti ao lado de obras recentes de artistas contemporâneas\, em um espaço novo e intimista. \nReconhecido como um dos escultores europeus mais importantes do século XX\, Giacometti é conhecido por suas esculturas elongadas e singulares\, que experimentam novas abordagens sobre o corpo humano. Criadas em resposta à dor e à devastação causadas pela Segunda Guerra Mundial\, suas obras propõem uma reflexão sobre a condição humana e o inconsciente coletivo. \nOrganizada em colaboração com a Fondation Giacometti\, essa série de exposições\, que se estende por um ano\, tem início em maio com uma mostra de Huma Bhabha\, seguida por Mona Hatoum em setembro e Lynda Benglis em fevereiro de 2026. As obras dessas artistas dialogam diretamente com as esculturas de Giacometti\, ativando novos encontros intergeracionais por meio de temas universais como morte\, fragmentação\, o doméstico\, memória\, trauma\, erotismo\, horror e humor. \nÉ a primeira vez que os trabalhos dessas três artistas serão apresentados lado a lado com as obras de Giacometti.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Colour and line: Watteau drawings" no British Museum
DESCRIPTION:Antoine Watteau\, detalhe de seu desenho “Cinco estudos da cabeça de uma mulher”. Giz vermelho\, preto e branco\, cerca de 1716–1717.\n\n\n\n\nExplore os desenhos de um dos mais talentosos e versáteis desenhistas do século XVIII. \nAntoine Watteau (provavelmente 1684–1721) foi um dos artistas mais influentes e prolíficos da França no século XVIII. Em uma carreira breve\, que durou pouco mais de uma década\, ele levou a pintura a novas direções que guiariam gerações de artistas franceses\, combinando cenas de gênero\, mitologia e a leveza rococó em obras tão inovadoras que deram origem a um novo gênero: a fête galante. \nWatteau conquistou reconhecimento especial pelos milhares de desenhos que produziu ao longo da vida. O desenho\, como já percebiam seus contemporâneos\, era seu meio de expressão favorito\, lhe trazendo\, segundo consta\, “muito mais prazer do que suas pinturas finalizadas”. Ele desenhava incessantemente e desenvolveu ideias sobre o valor do desenho tão originais quanto suas pinturas. Ao contrário da prática acadêmica\, que previa estudos preparatórios diretamente vinculados a uma obra\, Watteau desenhava de forma especulativa\, criando ideias que poderiam ser incorporadas a uma pintura meses ou até anos depois. Seus desenhos eram feitos para serem apreciados como obras autônomas\, representando a versão mais fresca e imediata de seus pensamentos\, que\, segundo ele\, se enfraqueciam quando transformados em pintura. \nNenhum outro lugar valorizou tanto essas qualidades quanto a Grã-Bretanha\, e\, ao longo dos últimos dois séculos\, colecionadores britânicos contribuíram para que o British Museum formasse uma das melhores coleções de desenhos de Watteau no mundo. Reunindo quase todos os trabalhos autógrafos presentes no acervo\, esta é a primeira exposição dedicada aos desenhos de Watteau no museu desde 1980. A variedade de obras demonstra não só seu talento extraordinário como desenhista\, mas também sua abordagem sofisticada e inovadora ao desenho e o prestígio que suas obras gráficas conquistaram entre os grandes conhecedores da Europa.
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SUMMARY:"Raphael to Cozens: drawings from the Richard Payne Knight bequest" no British Museum
DESCRIPTION:John Robert Cozens\, “Monte Etna visto da Grotta del Capro”\, 1777\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nRafael\, Michelangelo e Thomas Gainsborough estão entre os grandes mestres cujas obras estarão em exibição em uma nova mostra que celebra um legado transformador do século XIX. \nO antiquário e colecionador de arte Richard Payne Knight (1751–1824) deixou em testamento mais de mil desenhos para o British Museum. A qualidade excepcional de sua coleção transformou o acervo gráfico do museu\, consolidando-o como um espaço onde o público poderia admirar tanto desenhos de mestres antigos quanto obras da arte britânica contemporânea de sua época. \nNascido em uma família abastada de industriais do ferro\, em Herefordshire\, Payne Knight recebeu uma formação clássica e\, assim como muitos de sua geração\, complementou seus estudos com uma longa viagem pela Itália\, o famoso “Grand Tour”. Lá\, aprofundou seu interesse pelas civilizações antigas\, pelos idiomas clássicos e formou o gosto estético que mais tarde orientaria tanto sua prática de colecionador quanto seus escritos teóricos. \nSua considerável fortuna lhe permitiu adquirir os melhores desenhos disponíveis no mercado de arte de Londres no final do século XVIII. A exposição explora a amplitude dos interesses intelectuais de Payne Knight por meio de algumas das obras mais celebradas desse legado. Desenhos de mestres do Renascimento e do Barroco\, como Rafael\, Michelangelo e Claude Lorrain\, estarão ao lado de trabalhos de contemporâneos seus\, como Thomas Gainsborough e John Robert Cozens. Juntas\, essas obras revelam o fascínio de Payne Knight por paisagens\, pela romantização do passado clássico e pela sua admiração pela energia e espontaneidade dos artistas que colecionava. \nEsta é a primeira vez\, desde sua chegada ao British Museum em 1824\, que uma seleção representativa desse legado tão importante é exibida ao público.
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SUMMARY:"Edward Burra – Ithell Colquhoun" na Tate Britain
DESCRIPTION:Edward Burra\, “Dancing Skeletons”\, 1934. © Tate \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEdward Burra é um dos artistas britânicos mais singulares do século XX\, conhecido por suas cenas vibrantes e satíricas dos bastidores urbanos e da cultura queer durante os “Roaring Twenties”. Mestre da aquarela\, a exposição revela como Burra ultrapassou os limites desse meio tradicionalmente delicado para criar composições ousadas e intensas. Sua prática abrange um amplo espectro de obras imaginativas\, influenciadas por música\, performance\, cultura popular\, literatura e história da arte. \nEsta é a primeira retrospectiva em Londres em 40 anos\, e destaca o interesse de Burra em vivenciar outras sociedades e culturas. Observador atento\, suas obras também incluem paisagens de tom macabro\, que refletem sua percepção dos grandes eventos mundiais\, como a Guerra Civil Espanhola\, a Segunda Guerra Mundial e a revolução industrial do pós-guerra. Sua vivência com a deficiência teve impacto significativo em sua prática artística e possivelmente influenciou sua representação de comunidades marginalizadas. \nA mostra oferece uma visão aprofundada da carreira de Burra\, reunindo mais de 80 pinturas e desenhos\, além de materiais do Arquivo Edward Burra na Tate\, proporcionando ao público uma imersão no processo criativo extraordinariamente imaginativo do artista.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, London SW1P 4RG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Ithell Colquhoun" na Tate Britain
DESCRIPTION:Ithell Colquhoun\, “Alcove”\, 1946. Coleção Particular © Spire Healthcare\, © Noise Abatement Society\, © Samaritans \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nUma das artistas mais radicais de sua geração\, Ithell Colquhoun foi uma figura importante do Surrealismo britânico durante as décadas de 1930 e 1940. Escritora inovadora e ocultista praticante\, Colquhoun seguiu seu próprio caminho\, investigando métodos surrealistas de criação inconsciente de imagens e mergulhando sem medo nos domínios do mito e da magia. \nEsta exposição histórica\, com mais de 140 obras e materiais de arquivo\, traça a evolução de Colquhoun\, desde seus primeiros trabalhos como estudante e seu envolvimento com o movimento surrealista até sua fascinação pelos domínios interligados da arte\, identidade sexual\, ecologia e ocultismo. A mostra culmina em uma sala dedicada à interpretação de Colquhoun do baralho de Tarô – sua fusão mais completa entre prática artística e mágica. \nExplore o universo fascinante e multifacetado de Colquhoun por meio de escritos\, desenhos e pinturas\, muitos deles nunca exibidos publicamente antes. \nA exposição estreou na Tate St Ives em fevereiro de 2025 antes de chegar à Tate Britain.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, London SW1P 4RG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Kiefer / Van Gogh" na Royal Academy of Arts
DESCRIPTION:Vincent van Gogh\, “Field with Irises near Arles”\, 1888 \nVincent van Gogh exerceu uma influência duradoura sobre Anselm Kiefer. Neste verão\, será possível ver obras de ambos lado a lado. \nEm 1890\, Vincent van Gogh pintou suas obras finais. \nSetenta e dois anos depois\, um jovem Anselm Kiefer\, então com dezoito anos\, recebeu uma bolsa de viagem para seguir os passos de Van Gogh — começando pela Holanda\, passando pela Bélgica\, Paris e chegando a Arles\, no sul da França. \nAo longo de quase 60 anos de carreira\, Kiefer manteve Van Gogh como uma referência constante. O pioneiro do pós-impressionismo influenciou tanto os temas quanto as técnicas presentes nas pinturas e esculturas monumentais de Kiefer\, que atravessam história\, mitologia\, literatura\, filosofia e ciência. \nDistribuída por três salas das galerias menores da Royal Academy\, esta exposição concentra-se\, pela primeira vez\, em refletir sobre o impacto duradouro de Van Gogh na obra de Kiefer. Reunindo trabalhos dos dois artistas\, a mostra também apresenta peças inéditas de Kiefer\, nunca antes exibidas.
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LOCATION:Royal Academy of Arts\, Burlington House\, Piccadilly\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Emily Kam Kngwarray" na Tate Modern
DESCRIPTION:Emily Kam Kngwarray\, ”Ntang Dreaming”\, 1989. National Gallery of Australia. © Estate of Emily Kam Kngwarray / DACS 2024\, Todos os direitos reservados\n\n\n\n\nA renomada artista australiana Emily Kam Kngwarray (c. 1914–1996) criou obras poderosas e impactantes que refletem sua vida extraordinária como mulher Anmatyerr\, nascida em Alhalker\, na região de Sandover\, no Território do Norte da Austrália. \nReconhecida como uma das pintoras mais importantes surgidas no final do século XX\, sua experiência de vida e sua profunda conexão cultural com seu Country foram traduzidas inicialmente em vibrantes batiks e\, posteriormente\, em pinturas monumentais sobre tela. Para os Povos Aborígenes e das Ilhas do Estreito de Torres\, o conceito de Country abrange as terras\, os céus e as águas aos quais estão profundamente conectados há incontáveis gerações. Country é um lugar compartilhado de origens espirituais\, sociais e geográficas. A obra de Kngwarray incorpora seu conhecimento minucioso dos territórios onde viveu ao longo da vida\, com padrões sobrepostos que representam as plantas\, os animais e as formações geológicas que compõem os ecossistemas do deserto ao seu redor. \nA exposição apresenta ricos têxteis\, pinturas\, filmes e elementos sonoros que expressam a dimensão expansiva do Country Ancestral e da cultura de Kngwarray. \nRealizada em colaboração com a National Gallery of Australia (NGA)\, esta será a primeira grande mostra dedicada à obra de Kngwarray na Europa\, celebrando sua carreira extraordinária como uma das maiores artistas da história da Austrália. \nExposição organizada pela Tate Modern e pela National Gallery of Australia\, a partir de uma curadoria de Kelli Cole (povos Warumungu e Luritja) e Hetti Perkins (povos Arrernte e Kalkadoon). A mostra Emily Kam Kngwarray na Tate Modern é curada por Kelli Cole.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Herbert Smith Freehills Kramer  Portrait Award 2025" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Yvadney Davis\, “Inset Day”\, 2025 © Yvadney Davis\n\n\n\n\nO prestigiado concurso de pintura retorna em 2025. O Herbert Smith Freehills Kramer Portrait Award celebra o que há de melhor no retrato contemporâneo e é uma das mais importantes plataformas para pintores de retratos na atualidade. Neste ano\, 46 retratos cativantes de diversas partes do mundo foram selecionados para compor a exposição. \nAs obras exploram a variedade de abordagens ao retrato\, do clássico ao contemporâneo\, e incentivam o público a refletir sobre a criatividade dos processos artísticos. \nDesde a sua criação\, o tradicional concurso já atraiu mais de 40 mil inscrições de mais de 100 países e foi visto por mais de 6 milhões de pessoas. Altamente competitivo\, o prêmio estimula artistas maiores de 18 anos a se dedicarem e desenvolverem o tema do retrato em suas produções. Utilizando uma impressionante variedade e complexidade de técnicas\, os artistas exploram tanto recursos clássicos quanto inovadores\, demonstrando a relevância duradoura do retrato na arte de hoje.
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SUMMARY:"Millet: Life on the Land" na National Gallery
DESCRIPTION:Detalhe de Jean-François Millet\, “The Angelus”\, 1857–9\, Musée d’Orsay\, Paris. Legado de Alfred Chauchard\, 1910 © Musée d’Orsay\, Dist. Grand Palais Rmn / Patrice Schmidt\nO semeador\, o lenhador\, uma jovem pastora. Esses são os temas que tornaram o artista francês Jean-François Millet famoso. \nMarcando o 150º aniversário de sua morte\, esta é uma oportunidade de ver algumas das pinturas e desenhos mais célebres de Millet. \nNascido em uma família de agricultores na Normandia\, Millet mudou-se para a vila de Barbizon em 1849\, onde colocou em destaque\, em sua obra\, as pessoas que passavam a vida trabalhando na terra — muitas vezes\, os mais pobres da França do século XIX. Ele conhecia essas pessoas\, e sua abordagem realista e sem sentimentalismo para pintá-las era completamente nova. \nVeja seu icônico L’Angelus (1859)\, do Musée d’Orsay\, Paris\, uma pintura típica da forma digna como retratava os trabalhadores de sua época. Um marido e uma esposa aparecem de cabeças baixas. Iluminados por uma luz quase etérea e filtrada\, interrompem o trabalho no campo para rezar a oração do Angelus. \nAdmirado e copiado por Vincent van Gogh\, Millet inspirou impressionistas e pós-impressionistas como Edgar Degas e Camille Pissarro. Sua combinação de temática com efeitos de luz e tom fez sua popularidade crescer no fim do século XIX e início do XX. \nExperimente a beleza e a força silenciosa da obra de Millet – um artista que criou algumas das pinturas mais realistas e atemporais do século XIX.
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SUMMARY:"Marie Antoinette Style" no Victoria & Albert Museum
DESCRIPTION:François Hubert Drouais. Marie Antoinette\, Queen of Franca. 1773. Cortesia do Victoria & Albert Museum. \nUm ícone da moda complexo\, o apelo atemporal de Maria Antonieta é definido por seu estilo\, juventude e notoriedade. Explore a influência duradoura da rainha mais elegante (e malfadada) da história – com mais de 250 anos de experiência em design\, moda\, cinema e arte. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Encounters: Giacometti x Mona Hatoum" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Mona Hatoum\, Hot Spot (stand)\, 2018. Vista da instalação: Encounters – Giacometti x Mona Hatoum\, Level 2 Gallery\, Barbican Art Gallery. © Jo Underhill \nObras da artista contemporânea Mona Hatoum e do escultor do século XX Alberto Giacometti são apresentadas juntas pela primeira vez nesta exposição inovadora\, parte de Encounters: Giacometti. \nMona Hatoum apresenta uma combinação de obras já existentes e novas ao lado de sua própria seleção de esculturas de Alberto Giacometti\, abrindo conexões e diálogos entre gerações. Ao integrar obras históricas de Giacometti em suas próprias instalações\, Hatoum responde ao trabalho do escultor\, com foco no motivo da gaiola\, em temas de ambientes domésticos e hostis e em como esses espaços afetam o espectador das obras. \nO trabalho de Hatoum frequentemente aborda questões de deslocamento\, marginalização\, exclusão e sistemas de controle social e político. Alberto Giacometti é um dos escultores europeus mais significativos do século XX\, conhecido por suas esculturas distintas e alongadas que experimentam com a forma humana.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Ketty La Rocca: you you" na Estorick Collection
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação \nNeste outono\, a Estorick Collection apresenta a primeira exposição em um museu do Reino Unido dedicada a Ketty La Rocca (1938–1976)\, uma figura pioneira da arte conceitual e feminista italiana. Embora sua carreira tenha sido interrompida por sua morte precoce aos 38 anos\, a obra de La Rocca deixou um impacto duradouro\, e esta exposição histórica traz sua visão ousada\, espirituosa e instigante para um público mais amplo. \nNascida em La Spezia\, La Rocca mudou-se para Florença em 1956\, onde começou a trabalhar com o coletivo de vanguarda Gruppo 70. Seus primeiros experimentos incluíram obras de poesia visual e colagens que investigavam a influência penetrante da mídia de massa na vida cotidiana\, com foco particular em questões de gênero e temas sociopolíticos. No início dos anos 1970\, ela passou a explorar o gesto\, com o objetivo de confrontar as limitações das estruturas linguísticas patriarcais e defender formas alternativas – e possivelmente mais significativas – de comunicação. \nA mostra oferece uma visão abrangente da evolução artística e da amplitude expressiva de La Rocca\, apresentando trabalhos de fotografia\, vídeo e escultura\, além de exemplos de suas celebradas Riduzioni (Reduções). Ao desconstruir progressivamente a imagem fotográfica por meio da caligrafia e de outros processos de marcação\, essas fascinantes obras verbo-visuais voltam a investigar diferentes formas de comunicação e refletem sobre a relação entre artista\, obra e espectador. \nRessonante e urgente\, a obra de La Rocca soa notavelmente contemporânea\, interrogando a cultura de consumo e as dinâmicas de gênero com clareza e força. Seu trabalho vem recebendo crescente reconhecimento internacional nos últimos anos\, tendo sido apresentado em diversas exposições importantes\, incluindo a Bienal de Veneza\, e integra as coleções permanentes do MoMA\, do Centre Pompidou e da Uffizi. \nA exposição é acompanhada por um programa de palestras e oficinas\, além de uma publicação totalmente ilustrada com ensaios inéditos encomendados especialmente.
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LOCATION:Estorick Collection\, 39A Canonbury Square\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Very High Frequency" de Hilary Lloyd no Studio Voltaire
DESCRIPTION:Hilary Lloyd. Instalação de Very High Frequency\, 2025. Cortesia do Studio Voltaire. \nHilary Lloyd apresenta “Very High Frequency”\, uma nova e importante exibição que considera o escopo e o espírito do pioneiro dramaturgo\, dramaturgo televisivo e escritor Dennis Potter (n. 1935-m. 1994). \nA instalação em camadas de Lloyd combina elementos audiovisuais com materiais de arquivo e interlúdios performáticos\, encenando um encontro não linear com a obra de Potter para e na televisão. Envolvendo-se com os temas\, confrontos e atmosferas que definiram a obra de Potter\, a exposição navega por suas explorações sobre doença\, morte\, sexo\, poder e classe. \nPotter foi aclamado como o dramaturgo\, dramaturgo televisivo e escritor mais pioneiro da Grã-Bretanha. Mais conhecido por suas séries de TV\, suas técnicas brechtianas intermediaram uma relação significativa e ousada entre o teatro experimental e a televisão. Desafiando o naturalismo dominante dos dramas televisivos terrestres\, Potter foi pioneira em uma infinidade de dispositivos dramáticos para mesclar fantasia e realidade\, incluindo flashbacks e sequências de fantasia entrelaçados\, falas diretas para a câmera\, dublagem\, interlúdios musicais e o uso de atores adultos para interpretar crianças. Embora celebrado por sua criatividade como roteirista e jornalista\, o trabalho e a vida pessoal de Potter não foram isentos de controvérsias\, e vários de seus roteiros foram proibidos pela BBC por décadas. \nAo longo da carreira\, Lloyd apresentou imagens estáticas e em movimento em arranjos precisos de equipamentos de vídeo que habitam os espaços circundantes como esculturas\, conectando uma dimensão física ao ato de olhar. Em Very High Frequency\, a instalação de Lloyd se inspira em bastidores\, cenários de teatro e estúdios de televisão. Na tentativa de evitar abordagens convencionais de dramaturgia e performance\, os filmes que ela apresenta resistem às noções padrão de narração. Em vez disso\, a instalação de Lloyd funciona como um quadro mutável a ser encontrado\, colocando o público em uma experiência coreografada que se desenvolve a partir de muitas pessoas\, narrativas\, imagens e locais com os quais o artista se envolveu ao longo da criação da exposição. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Maya Weishof: Works on Paper" na LAMB Gallery
DESCRIPTION:Maya Weishof\, “The different mirror (The Rokeby Venus)”\, 2025 – Imagem / Divulgação \nA LAMB apresenta a primeira exposição individual no Reino Unido dedicada às obras em papel da artista brasileira Maya Weishof (n. 1993\, Curitiba). Reunindo uma seleção de desenhos recentes\, a mostra explora os mundos visuais íntimos e\, ao mesmo tempo\, de outra dimensão da artista curitibana\, revelando os temas e imagens recorrentes que sustentam sua prática. \nPara Weishof\, o desenho vai muito além de um exercício preparatório. Ele é um meio plenamente autônomo\, capaz de investigar ideias com a mesma intensidade vívida e riqueza cromática presentes em suas pinturas. Em toda a sua produção\, o desenho funciona tanto como estrutura de ancoragem quanto como espaço de experimentação. Embora seus trabalhos em papel alimentem posteriormente sua prática pictórica\, seus desenhos existem como mundos completos e autossuficientes. Figuras se sobrepõem\, corpos se fundem e muitos deles projetam pequenas vinhetas pela superfície da página\, permitindo ao espectador adentrar múltiplas realidades ao mesmo tempo. Weishof constrói espaços onde referências à história da arte\, mitos e memórias pessoais coexistem em uma mesma superfície. Cada obra carrega uma liberdade nessa fluidez\, tanto temática quanto material\, dando origem a narrativas complexas e não lineares. \nNos materiais\, os desenhos são tão estratificados quanto seus temas. Marcas de giz de cera e grafite se sobrepõem a vestígios de tinta a óleo retirados diretamente da paleta da artista\, visíveis em impressões digitais\, borrões e resíduos de cor de trabalhos em andamento\, testemunhando sua prática dinâmica. Em seu ateliê\, cercada por textos de história da arte e uma vasta gama de referências visuais\, Weishof encontra inspiração em arquivos e fontes tão diversas quanto gravuras japonesas\, pinturas barrocas e imagens feitas a partir de amigos. Esses fragmentos de fontes históricas e da vida cotidiana se encontram em seus desenhos\, formando composições que flutuam entre o real e o imaginado\, entre o familiar e o fantástico. \nMuitos trabalhos em exibição apontam para o interesse da artista em registrar expressões de desejo e intimidade\, tema intensificado pelo meio e pela sensação de vislumbre do processo e do ateliê da artista. Dormitórios se dissolvem em paisagens apocalípticas\, e momentos de desejo e conexão se desdobram em cenários cósmicos que não pertencem nem ao dia nem à noite. Entre os corpos anônimos e entrelaçados\, muitos remetem diretamente às cenas de shunga\, gravuras eróticas japonesas\, como na série From the Pillow Pictures (2025). Em outra referência a imagens históricas do desejo\, Weishof reinterpreta The Toilet of Venus (The Rokeby Venus)\, de Diego Velázquez\, em que o reflexo da deusa do amor aparece desfocado. Em seu desenho\, a artista dá forma e visibilidade à figura por meio de sua própria linguagem visual. \nOs desenhos de Weishof muitas vezes funcionam como colagens ou sequências de instantâneos\, sobrepondo momentos dentro de um único quadro. Essa abordagem permite ao espectador adentrar seus espaços pessoais\, retratando amigos em seu ateliê ou oferecendo um vislumbre de uma pintura em andamento\, como no díptico The Studio (2025). Uma obra que sintetiza sua prática em desenho é Dream in 3 times (2024)\, na qual três caminhos narrativos distintos convivem em uma única composição. As imagens se acumulam em um ritmo que remete a manuscritos ou histórias em quadrinhos\, reunindo múltiplos espaços\, figuras e narrativas dentro de um único quadro.
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SUMMARY:"Pelicans Dive at Half Light" de Helen Cammock na Kate MacGarry Gallery
DESCRIPTION:Helen Cammock. Instalação da exibição. 2025. Cortesia de Kate MacGarry Gallery. \nUm pelicano pousou na água enquanto eu estava sentado\, com água até a cintura – era ao mesmo tempo impressionante e aterrorizante enquanto circulava\, observando-me de soslaio. Sentia-se atraído por mim\, mas não queria me tocar. Passando de um leve balançar para o rugido de asas ascendentes\, o pelicano voou pelo ar – em um lugar que eu só havia imaginado – e então mergulhou perto do meu corpo – repetidas vezes. Nas águas jamaicanas do meu pai\, olhando para o horizonte e para Cuba\, seu local de nascimento\, eu estava assustada – mas exultante com a graça daquele corpo desajeitado com o bico afiado como navalha. Essa ação repetida; uma cena de sobrevivência e matança ao mesmo tempo. Fiquei imóvel – uma espectadora do ataque\, mas de alguma forma parte da peça. \nKate MacGarry tem o prazer de apresentar a segunda exposição individual de Helen Cammock na galeria. O título da exposição é retirado de um conjunto recente de gravuras em relevo produzidas durante uma visita à Jamaica\, onde o pai da artista cresceu. Respondendo aos ritmos de uma geografia sonora e tátil do lugar; vento\, mar e som se entrelaçam com reflexões sobre deslocamento e acerto de contas no que Cammock descreve como “a suspensão liminar” de sua identidade diaspórica. \nEla considera como seu corpo-como-lente replica e reativa ideias\, significados e emoções – ventriloquiando os sussurros das histórias; construindo uma epistemologia interseccional feminista negra que transita por arquivos\, histórias\, diálogos\, imaginação\, perdas e heranças. O ponto de partida material no processo de criação de Cammock é frequentemente a voz e a escrita\, com sua “impressão digital audível” formando a base para imagens em movimento\, performances e obras de parede\, bem como objetos artesanais que incorporam narrativas pessoais e estruturais. Os roteiros são tecidos por meio de muitos registros de voz\, enquanto os objetos respondem a eventos específicos que falam de transferência geográfica\, histórica e geracional de experiência. Esta exposição opera como um ambiente que traz para um conjunto de relações a coalescência de ideias e materiais de Cammock. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Kate MacGarry Gallery\, 27 Old Nichol Street\, London\, United Kingdom
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