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SUMMARY:"Leigh Bowery!" na Tate Modern
DESCRIPTION:Fergus Greer\, “Leigh Bowery Session I Look 2″\, 1988 © Fergus Greer\n\n\n\n\nA curta\, porém extraordinária\, vida de Leigh Bowery deixou uma marca distinta e inegável no mundo da arte e além. \nArtista\, performer\, modelo\, personalidade da TV\, promotor de clubes\, designer de moda e músico\, Bowery assumiu múltiplos papéis\, sempre recusando os limites impostos pela convenção. \nDesde sua ascensão na cena noturna da Londres dos anos 1980 até suas performances ousadas e provocativas em galerias\, teatros e nas ruas\, Bowery trilhou um caminho vibrante e intransigente. Ele reinventou roupas e maquiagem como formas de pintura e escultura\, testou os limites do decoro e celebrou o corpo como uma ferramenta mutável\, capaz de desafiar normas estéticas\, de sexualidade e de gênero. \nAbraçando a performance\, a cultura dos clubes e o design de moda\, Bowery criou algumas das imagens mais icônicas das décadas de 1980 e 1990\, que ainda ressoam e influenciam artistas como Alexander McQueen\, Jeffrey Gibson\, Anohni e Lady Gaga. \nEsta exposição eclética e imersiva oferece uma rara oportunidade de experienciar muitos dos ‘Looks’ de Bowery\, além de suas colaborações com artistas como Michael Clark\, John Maybury\, Baillie Walsh\, Fergus Greer\, Nick Knight e Lucian Freud. \nA mostra traz uma nova perspectiva sobre as cenas criativas de Londres\, Nova York e outros centros culturais\, com figuras como Sue Tilley\, Trojan\, Princess Julia\, Les Child\, Andrew Logan\, Lady Bunny\, Scarlett Cannon\, MINTY e Boy George. \nDo clube ao palco\, da galeria ao espaço público\, esta exposição convida o visitante a mergulhar no universo dinâmico de Bowery\, onde as fronteiras entre arte e vida se dissolvem. \nA exposição é organizada pela Tate Modern em colaboração com Nicola Rainbird\, diretora e proprietária do espólio de Leigh Bowery.
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SUMMARY:"José María Velasco: A View of Mexico" na National Gallery
DESCRIPTION:José María Velasco\, “Cardón\, Estado de Oaxaca”\, 1887\, Museo Nacional de Arte\, INBAL\, Cidade do México. Imagem: Museo Nacional de Arte\, Cidade do México © Reprodução autorizada pelo Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura\nVeja a primeira exposição no Reino Unido dedicada a José María Velasco\, um dos artistas mais queridos do México. \nAtuando no México no século XIX\, Velasco era um homem de múltiplos interesses. Fascinado pelos avanços da geologia\, pela arqueologia de seu país\, pelo estudo da flora local e pela crescente presença da industrialização\, seu olhar combinava rigor científico e sensibilidade artística. \nVelasco pintou com riqueza de detalhes as amplas paisagens do Vale do México\, região onde hoje se encontra a Cidade do México. Suas impressionantes vistas panorâmicas revelam tanto alusões ao passado histórico do país quanto os sinais de um presente em rápida transformação. \nAtento aos processos de industrialização\, o artista registrou a expansão das linhas ferroviárias e das fábricas\, ao lado de estudos botânicos de precisão. Seu olhar científico permeia toda sua obra\, especialmente na maneira como representa com exatidão rochas\, formações geológicas e vulcões. \nEsta é a primeira exposição dedicada a um artista latino-americano histórico na National Gallery\, e celebra os 200 anos das relações diplomáticas entre México e Reino Unido\, reconhecendo Velasco como um dos grandes pintores de paisagens do século XIX. \nExposição organizada pela National Gallery e pelo Minneapolis Institute of Art. Curadoria de Dexter Dalwood e Daniel Sobrino Ralston\, curador associado de pintura espanhola da National Gallery (CEEH)\, a partir de um conceito inicial de Dexter Dalwood.
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SUMMARY:"Ed Atkins" na Tate Britain
DESCRIPTION:Ed Atkins\, “Pianowork 2”\, 2023 © Ed Atkins. Cortesia do artista; Cabinet London; dépendance\, Bruxelas; Gladstone Gallery\, Nova York; e Galerie Isabella Bortolozzi\, Berlim \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEd Atkins é conhecido por seus vídeos e animações gerados por computador. Ao reaproveitar tecnologias contemporâneas de maneiras inesperadas\, seu trabalho investiga o enfraquecimento da fronteira entre o mundo digital e as emoções humanas. Ele se apropria de técnicas da literatura\, do cinema\, dos videogames\, da música e do teatro para examinar a relação entre realidade\, realismo e ficção. \nEsta exposição\, que percorre sua carreira\, reúne obras em vídeo produzidas nos últimos 15 anos\, além de textos\, pinturas\, bordados e desenhos. Juntas\, essas obras contrapõem uma vida digital sem peso ao mundo físico\, feito de matéria\, trabalho manual e contato. Atkins utiliza suas próprias experiências\, sentimentos e seu corpo como modelo para explorar temas como intimidade\, amor e perda. Para o artista\, a exposição representa uma reinvenção das realidades bagunçadas e em constante desenrolar da vida.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, London SW1P 4RG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Giuseppe Penone: Thoughts in the Roots" na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:Giuseppe Penone\, “Alberi libro (Book Trees)\, 2017\, e Respirare l’ombra (To Breathe the Shadow)”\, 2000\, vista da instalação\, Serpentine South. © Foto: George Darrell. Cortesia de Giuseppe Penone e Serpentine\n\n\n\n\nRemembering é a primeira exposição individual institucional de Arpita Singh fora da Índia\, reunindo obras-chave selecionadas em estreita colaboração com a artista\, cuja carreira prolífica se estende por mais de seis décadas. As pinturas de Singh refletem seu estado emocional e psicológico\, inspiradas na arte folclórica bengalesa\, nas narrativas indianas e nas próprias experiências diante de conflitos sociais e transformações globais. \nApresentada na Serpentine North\, a exposição percorre os trabalhos luminosos de Singh desde os anos 1960 até os mais recentes\, exibindo desde suas grandes telas em óleo até aquarelas e desenhos em nanquim de escala mais intimista. Remembering revela como a artista transita entre surrealismo\, figuração e abstração\, além de suas referências às pinturas de corte indianas. A partir da década de 1990\, Singh passou a aprofundar temas como maternidade\, envelhecimento do corpo feminino\, sensualidade\, vulnerabilidade e violência\, refletindo como os relacionamentos e os eventos externos moldam seu universo emocional e psicológico. \nSuas obras são retratos íntimos da vida doméstica e interior\, mas também se debruçam sobre as experiências de mulheres que enfrentam os desafios do mundo exterior. Resistindo a interpretações únicas\, Singh cria uma tensão constante ao entrelaçar paisagens urbanas labirínticas com observações sobre eventos históricos perturbadores e cenas da vida cotidiana. \nA curadoria de Remembering é assinada por Tamsin Hong\, curadora de exposições\, e Liz Stumpf\, assistente de curadoria.
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LOCATION:Serpentine South Gallery\, Kensington Gardens London W2 3XA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"The Genesis Exhibition: Do Ho Suh: Walk the House" na Tate Modern
DESCRIPTION:Do Ho Suh. “Nest/s”\, 2024. © Do Ho Suh\n\n\n\n\nO artista Do Ho Suh\, nascido na Coreia do Sul e radicado em Londres\, convida o público a explorar suas instalações em grande escala\, esculturas\, vídeos e desenhos em uma importante exposição panorâmica. \nO que é “lar”? Um lugar\, um sentimento ou uma ideia? Suh propõe perguntas urgentes sobre o enigma do pertencimento\, da identidade e de como nos movemos e habitamos o mundo ao nosso redor. \nPor meio de obras imersivas que exploram pertencimento\, coletividade e individualidade\, conexão e desconexão\, o artista investiga a relação complexa entre arquitetura\, espaço\, corpo\, memória e os momentos que moldam quem somos. \nPercorra os corredores e limiares das famosas arquiteturas têxteis de Suh. Descubra suas primeiras instalações\, obras delicadas sobre papel e vídeos. Caminhe por Seul\, Nova York e Londres através de réplicas em escala real de lares passados e presentes. Encontre esculturas que repensam a tradição dos monumentos. \nVivencie a amplitude e a profundidade da prática inventiva e singular de Do Ho Suh ao longo de três décadas — com destaque para novas obras e criações site-specific exibidas pela primeira vez.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Hiroshige: artist of the open road" no British Museum
DESCRIPTION:Utagawa Hiroshige\, Vista ao Entardecer dos Oito Pontos Cênicos de Kanazawa na Província de Musashi. Tríptico de gravura em madeira colorida\, 1857. Empréstimo da coleção de Alan Medaugh.\n\n\n\n\nEmbarque com Hiroshige em uma jornada poética pelo Japão do período Edo\, explorando tanto a beleza natural das paisagens quanto os prazeres da vida urbana. \nEsta é a primeira exposição dedicada a Hiroshige no British Museum e a primeira em Londres em mais de 25 anos. A mostra oferece um retrato visual deslumbrante de um país prestes a passar por transformações profundas. Nascido em um período de instabilidade na história japonesa\, Utagawa Hiroshige (1797–1858) se tornou um dos artistas mais talentosos\, prolíficos e populares do Japão. Em um momento em que o país começava a enfrentar a pressão do mundo exterior\, a visão serena de Hiroshige estabeleceu uma conexão poderosa — e reconfortante — com pessoas de todas as classes sociais. \nDe personagens da moda e vibrantes cenas urbanas a paisagens remotas e registros do mundo natural\, Hiroshige capturou uma multiplicidade de aspectos da vida no Japão de seu tempo. Suas impressionantes gravuras de aves e flores revelam sua sensibilidade poética em relação à natureza\, enquanto suas paisagens evocativas refletem o interesse crescente pelas viagens dentro do país. Hiroshige retratava seu mundo\, por vezes\, como ele realmente era — e\, muitas vezes\, como imaginava que poderia ser. \nDotado de notável habilidade técnica\, tanto como colorista quanto desenhista\, Hiroshige possuía um olhar empático para pessoas de todos os estratos sociais. Diferente da maioria dos designers de gravura de sua época\, ele vinha de uma família samurai\, mas cruzou fronteiras sociais ao se dedicar à representação dos costumes populares. Sua obra era também acessível: além de suas celebradas gravuras de paisagem\, Hiroshige produziu centenas de abanos descartáveis e portáteis\, acessíveis a qualquer pessoa. \nA exposição reúne gravuras\, desenhos\, livros ilustrados e pinturas da coleção do British Museum\, além de uma doação significativa e empréstimos de obras do colecionador norte-americano Alan Medaugh\, especializado na obra de Hiroshige\, e de outras coleções importantes. Além de explorar o vasto legado do artista\, a mostra também reflete sobre sua influência global\, que atravessa desde o período Edo (1615–1868) até chegar a artistas como Vincent van Gogh e contemporâneos como Julian Opie.
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LOCATION:British Museum\, Great Russell St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Robert Healy to John Minton: the Nina Drucker bequest" no British Museum
DESCRIPTION:William Turner of Oxford\, “Study from Nature on Shotover Hill”. c. 1810s–20s. Divulgação\n\n\n\n\nEsta mostra celebra a doação de Nina Drucker (1934–2022)\, colecionadora de arte dos séculos XVIII ao XX e apoiadora de longa data do British Museum. \nTendo estudado piano na Royal Academy of Music’s Junior Academy e frequentado concertos ao longo de toda a vida\, Drucker era uma entusiasta da música — e também profundamente apaixonada pelas artes visuais. Sua doação inclui 30 gravuras e desenhos\, selecionados de um acervo de mais de uma centena de obras que ocupavam literalmente todas as superfícies disponíveis de seu apartamento no norte de Londres. A coleção traz obras de artistas até então não representados no acervo do museu. \nA seleção apresentada aqui reúne alguns dos destaques da doação\, ao lado de obras da coleção permanente — com a qual Drucker tinha grande familiaridade por meio de visitas a exposições\, consultas no Prints and Drawings Study Room e na plataforma Collection online. Um raro desenho do retratista irlandês Robert Healy (1743–1771) torna-se a primeira obra desse artista a ingressar no British Museum. Aquarelas de paisagem de David Cox (1783–1859) e William Turner of Oxford (1789–1862) complementam os conjuntos já existentes desses artistas. Algumas das obras favoritas de Drucker\, como as gravuras de Christopher Richard Wynne Nevinson (1889–1946) e um conjunto de desenhos de John Minton (1917–1957)\, fortalecem de forma significativa o acervo de arte moderna britânica do museu.
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SUMMARY:"Encounters: Huma Bhabha x Giacometti" no Barbican Centre
DESCRIPTION:“Encounters: Giacometti x Huma Bhabha”\, vista da instalação\, Barbican Art Gallery\, 2025. Crédito: © Max Creasy / Barbican Art Gallery. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nNo novo e intimista espaço expositivo do Barbican\, as esculturas monumentais da artista contemporânea Huma Bhabha estabelecem diálogos potentes com as obras do escultor do século XX Alberto Giacometti. \nAs esculturas reunidas nesta mostra percorrem quase um século de produção artística\, utilizando materiais como gesso\, bronze\, terracota e objetos encontrados. Obras de diferentes fases da carreira de Bhabha são apresentadas lado a lado com peças icônicas de Giacometti\, criadas majoritariamente no período pós-Segunda Guerra Mundial. \nNeste encontro\, o antigo\, o moderno e o contemporâneo se cruzam\, com ambos os artistas compartilhando um interesse profundo pela história da escultura figurativa e pela representação do corpo como lugar dos traumas do nosso tempo. A galeria se transforma em uma paisagem de figuras fantasmagóricas\, que refletem sobre os conflitos contemporâneos\, nos quais a vida humana é frequentemente tratada como dano colateral. \nNo Foyer do Nível 2\, em exibição gratuita\, estão expostas quatro esculturas monumentais de Huma Bhabha. Estas formas gigantes representam tanto o antigo quanto o moderno\, o humano e o não-humano\, e são fortemente inspiradas por filmes de terror e fantasia das décadas de 1980 e 1990.
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SUMMARY:"Encounters: Giacometti" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Alberto Giacometti segurando “Three Men Walking”\, década de 1940. Foto: anônima. Crédito: © Succession Alberto Giacometti / Adagp\, Paris 2024. \nTrês exposições inovadoras posicionam esculturas históricas de Alberto Giacometti ao lado de obras recentes de artistas contemporâneas\, em um espaço novo e intimista. \nReconhecido como um dos escultores europeus mais importantes do século XX\, Giacometti é conhecido por suas esculturas elongadas e singulares\, que experimentam novas abordagens sobre o corpo humano. Criadas em resposta à dor e à devastação causadas pela Segunda Guerra Mundial\, suas obras propõem uma reflexão sobre a condição humana e o inconsciente coletivo. \nOrganizada em colaboração com a Fondation Giacometti\, essa série de exposições\, que se estende por um ano\, tem início em maio com uma mostra de Huma Bhabha\, seguida por Mona Hatoum em setembro e Lynda Benglis em fevereiro de 2026. As obras dessas artistas dialogam diretamente com as esculturas de Giacometti\, ativando novos encontros intergeracionais por meio de temas universais como morte\, fragmentação\, o doméstico\, memória\, trauma\, erotismo\, horror e humor. \nÉ a primeira vez que os trabalhos dessas três artistas serão apresentados lado a lado com as obras de Giacometti.
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SUMMARY:"Colour and line: Watteau drawings" no British Museum
DESCRIPTION:Antoine Watteau\, detalhe de seu desenho “Cinco estudos da cabeça de uma mulher”. Giz vermelho\, preto e branco\, cerca de 1716–1717.\n\n\n\n\nExplore os desenhos de um dos mais talentosos e versáteis desenhistas do século XVIII. \nAntoine Watteau (provavelmente 1684–1721) foi um dos artistas mais influentes e prolíficos da França no século XVIII. Em uma carreira breve\, que durou pouco mais de uma década\, ele levou a pintura a novas direções que guiariam gerações de artistas franceses\, combinando cenas de gênero\, mitologia e a leveza rococó em obras tão inovadoras que deram origem a um novo gênero: a fête galante. \nWatteau conquistou reconhecimento especial pelos milhares de desenhos que produziu ao longo da vida. O desenho\, como já percebiam seus contemporâneos\, era seu meio de expressão favorito\, lhe trazendo\, segundo consta\, “muito mais prazer do que suas pinturas finalizadas”. Ele desenhava incessantemente e desenvolveu ideias sobre o valor do desenho tão originais quanto suas pinturas. Ao contrário da prática acadêmica\, que previa estudos preparatórios diretamente vinculados a uma obra\, Watteau desenhava de forma especulativa\, criando ideias que poderiam ser incorporadas a uma pintura meses ou até anos depois. Seus desenhos eram feitos para serem apreciados como obras autônomas\, representando a versão mais fresca e imediata de seus pensamentos\, que\, segundo ele\, se enfraqueciam quando transformados em pintura. \nNenhum outro lugar valorizou tanto essas qualidades quanto a Grã-Bretanha\, e\, ao longo dos últimos dois séculos\, colecionadores britânicos contribuíram para que o British Museum formasse uma das melhores coleções de desenhos de Watteau no mundo. Reunindo quase todos os trabalhos autógrafos presentes no acervo\, esta é a primeira exposição dedicada aos desenhos de Watteau no museu desde 1980. A variedade de obras demonstra não só seu talento extraordinário como desenhista\, mas também sua abordagem sofisticada e inovadora ao desenho e o prestígio que suas obras gráficas conquistaram entre os grandes conhecedores da Europa.
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SUMMARY:"Raphael to Cozens: drawings from the Richard Payne Knight bequest" no British Museum
DESCRIPTION:John Robert Cozens\, “Monte Etna visto da Grotta del Capro”\, 1777\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nRafael\, Michelangelo e Thomas Gainsborough estão entre os grandes mestres cujas obras estarão em exibição em uma nova mostra que celebra um legado transformador do século XIX. \nO antiquário e colecionador de arte Richard Payne Knight (1751–1824) deixou em testamento mais de mil desenhos para o British Museum. A qualidade excepcional de sua coleção transformou o acervo gráfico do museu\, consolidando-o como um espaço onde o público poderia admirar tanto desenhos de mestres antigos quanto obras da arte britânica contemporânea de sua época. \nNascido em uma família abastada de industriais do ferro\, em Herefordshire\, Payne Knight recebeu uma formação clássica e\, assim como muitos de sua geração\, complementou seus estudos com uma longa viagem pela Itália\, o famoso “Grand Tour”. Lá\, aprofundou seu interesse pelas civilizações antigas\, pelos idiomas clássicos e formou o gosto estético que mais tarde orientaria tanto sua prática de colecionador quanto seus escritos teóricos. \nSua considerável fortuna lhe permitiu adquirir os melhores desenhos disponíveis no mercado de arte de Londres no final do século XVIII. A exposição explora a amplitude dos interesses intelectuais de Payne Knight por meio de algumas das obras mais celebradas desse legado. Desenhos de mestres do Renascimento e do Barroco\, como Rafael\, Michelangelo e Claude Lorrain\, estarão ao lado de trabalhos de contemporâneos seus\, como Thomas Gainsborough e John Robert Cozens. Juntas\, essas obras revelam o fascínio de Payne Knight por paisagens\, pela romantização do passado clássico e pela sua admiração pela energia e espontaneidade dos artistas que colecionava. \nEsta é a primeira vez\, desde sua chegada ao British Museum em 1824\, que uma seleção representativa desse legado tão importante é exibida ao público.
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SUMMARY:"Yoshitomo Nara" na Hayward Gallery
DESCRIPTION:Yoshitomo Nara\, “Missing in Action”\, 1999. Cortesia de Sally e Ralph Tawil © Yoshitomo Nara\, cortesia Yoshitomo Nara Foundation\n\n\n\n\nReconhecido mundialmente por seus retratos marcantes\, cujos olhos encaram diretamente o espectador\, o trabalho de Nara aborda temas como resistência\, rebeldia\, isolamento\, liberdade e espiritualidade. \nEsta exposição temática\, que reúne mais de 150 obras entre desenhos\, pinturas\, esculturas\, instalações e cerâmicas\, revela influências duradouras em sua produção\, especialmente a natureza e sua mitologia\, o movimento pacifista\, o significado de lar e seu interesse por música punk\, rock e cultura pop.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/yoshitomo-nara-na-hayward-gallery/
LOCATION:Hayward Gallery\, Hayward Gallery\, Southbank Centre\, Belvedere Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Edward Burra – Ithell Colquhoun" na Tate Britain
DESCRIPTION:Edward Burra\, “Dancing Skeletons”\, 1934. © Tate \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEdward Burra é um dos artistas britânicos mais singulares do século XX\, conhecido por suas cenas vibrantes e satíricas dos bastidores urbanos e da cultura queer durante os “Roaring Twenties”. Mestre da aquarela\, a exposição revela como Burra ultrapassou os limites desse meio tradicionalmente delicado para criar composições ousadas e intensas. Sua prática abrange um amplo espectro de obras imaginativas\, influenciadas por música\, performance\, cultura popular\, literatura e história da arte. \nEsta é a primeira retrospectiva em Londres em 40 anos\, e destaca o interesse de Burra em vivenciar outras sociedades e culturas. Observador atento\, suas obras também incluem paisagens de tom macabro\, que refletem sua percepção dos grandes eventos mundiais\, como a Guerra Civil Espanhola\, a Segunda Guerra Mundial e a revolução industrial do pós-guerra. Sua vivência com a deficiência teve impacto significativo em sua prática artística e possivelmente influenciou sua representação de comunidades marginalizadas. \nA mostra oferece uma visão aprofundada da carreira de Burra\, reunindo mais de 80 pinturas e desenhos\, além de materiais do Arquivo Edward Burra na Tate\, proporcionando ao público uma imersão no processo criativo extraordinariamente imaginativo do artista.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/edward-burra-ithell-colquhoun-na-tate-britain/
LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, London SW1P 4RG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Ithell Colquhoun" na Tate Britain
DESCRIPTION:Ithell Colquhoun\, “Alcove”\, 1946. Coleção Particular © Spire Healthcare\, © Noise Abatement Society\, © Samaritans \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nUma das artistas mais radicais de sua geração\, Ithell Colquhoun foi uma figura importante do Surrealismo britânico durante as décadas de 1930 e 1940. Escritora inovadora e ocultista praticante\, Colquhoun seguiu seu próprio caminho\, investigando métodos surrealistas de criação inconsciente de imagens e mergulhando sem medo nos domínios do mito e da magia. \nEsta exposição histórica\, com mais de 140 obras e materiais de arquivo\, traça a evolução de Colquhoun\, desde seus primeiros trabalhos como estudante e seu envolvimento com o movimento surrealista até sua fascinação pelos domínios interligados da arte\, identidade sexual\, ecologia e ocultismo. A mostra culmina em uma sala dedicada à interpretação de Colquhoun do baralho de Tarô – sua fusão mais completa entre prática artística e mágica. \nExplore o universo fascinante e multifacetado de Colquhoun por meio de escritos\, desenhos e pinturas\, muitos deles nunca exibidos publicamente antes. \nA exposição estreou na Tate St Ives em fevereiro de 2025 antes de chegar à Tate Britain.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ithell-colquhoun-na-tate-britain/
LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, London SW1P 4RG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Summer Exhibition 2025" na Royal Academy of Arts
DESCRIPTION:“Summer Exhibition 2025”. Design © Royal Academy of Arts. Arte em papel e direção de arte por Kyla McCallum/Foldability. Fotografia de Christian Ammann\, com assistência fotográfica de Manu Sommer Ritz \nRealizada todos os anos sem interrupção desde 1769\, a Summer Exhibition é uma das mais tradicionais e abrangentes exposições de arte contemporânea do mundo\, reunindo uma grande variedade de obras — de gravuras\, pinturas\, filmes e fotografias a esculturas e projetos arquitetônicos. \nNesta edição\, mais de 1.700 obras selecionadas pela arquiteta Farshid Moussavi RA e sua comissão curatorial ocupam as galerias da Royal Academy. As peças foram produzidas tanto por artistas consagrados quanto por membros do público\, em um panorama democrático e vibrante da criação atual. \nA maioria das obras está disponível para compra\, e as vendas apoiam diretamente os artistas participantes e o futuro da Royal Academy — uma instituição de caridade que não recebe financiamento governamental. Com várias opções abaixo de £250\, a mostra também representa uma excelente oportunidade para começar (ou expandir) uma coleção de arte. \nEntre os destaques deste ano estão uma instalação lúdica de grande escala de Ryan Gander\, com cinco bolas infláveis de 3 metros no pátio da instituição; novas pinturas de Tracey Emin; e um conjunto de esculturas suspensas que ocupam o teto da galeria.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/summer-exhibition-2025-na-royal-academy-of-arts/
LOCATION:Royal Academy of Arts\, Burlington House\, Piccadilly\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Ghazaleh Avarzamani and Ali Ahadi: Freudian Typo" na Hayward Gallery
DESCRIPTION:Black Line and the Edifice (EBRD)\, Installation Mock Up\, “Freudian Typo”\, 2025.\n\n\n\n\nIrônica e provocativa\, Freudian Typo convida os visitantes a refletirem sobre como a língua inglesa — entrelaçada ao vocabulário das finanças corporativas\, da dívida e do desenvolvimento — sustenta o estado globalmente precário da terra\, dos corpos e da verdade. \nA exposição se inspira em cantigas infantis em inglês\, como “The Old Woman and Her Pig” e “This Is the House That Jack Built” — narrativas marcadas por trocas monetárias\, dívidas e catástrofes. Nessas fábulas\, os artistas traçam as raízes dos ciclos contínuos de desapropriação\, acumulação e reapropriação. \nNo centro da exposição\, uma escultura hiper-realista de Palmerston\, o ex-gato oficial Chief Mouser do Ministério das Relações Exteriores do Reino Unido\, observa um painel eletrônico de rodovia no qual aparece a frase “Truth and Reconsolidation”. \nAli Ahadi é artista e pesquisador radicado em Vancouver\, no Canadá. Sua prática abrange instalações específicas para o espaço\, esculturas\, trabalhos fotográficos e em vídeo\, escrita e tradução. Participou de diversas exposições individuais e coletivas no Griffin Art Projects\, Ag Galerie\, na 8ª Bienal de Escultura de Teerã\, Milan Image Art\, Grunt Gallery\, Morris and Helen Belkin Art Gallery e Richmond Art Gallery\, entre outros. É doutor e mestre pela University of British Columbia\, onde atualmente leciona. \nGhazaleh Avarzamani é uma artista baseada em Londres que trabalha principalmente com escultura e instalação. É mestre pela Central Saint Martins\, em Londres. Seu trabalho já foi apresentado no Aga Khan Museum (Toronto)\, MOCA Toronto\, Dhaka Art Summit e Frieze Sculpture Park\, entre muitos outros\, e integra coleções como Art Gallery of Ontario\, Rockefeller Center\, Arsenal Contemporary\, MOCA Toronto\, TD Art Collection\, Google e Red Mansion.
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LOCATION:Hayward Gallery\, Hayward Gallery\, Southbank Centre\, Belvedere Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Jenny Saville: The Anatomy of Painting" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Jenny Saville\, “Drift”\, 2020-2022 © Jenny Saville\, Cortesia Gagosian\n\n\n\n\nJenny Saville: The Anatomy of Painting é a maior exposição dedicada à artista já realizada por uma instituição no Reino Unido — uma das mais importantes pintoras contemporâneas do mundo. \nSaville ganhou projeção no início dos anos 1990\, após sua elogiada exposição de graduação na Glasgow School of Art. Desde então\, tem desempenhado um papel central na revitalização da pintura figurativa — um gênero que ela segue desafiando até hoje. Sua habilidade única de criar retratos viscerais\, a partir de espessas camadas de tinta\, revela uma artista profundamente comprometida com o próprio processo da pintura. \nDe desenhos em carvão a grandes pinturas a óleo do corpo humano\, a mostra apresenta\, em ordem cronológica\, trabalhos que questionam os conceitos históricos de beleza feminina\, incluindo os nus monumentais que lhe trouxeram reconhecimento em 1992\, além de obras inéditas exibidas pela primeira vez. \nReunindo 45 obras realizadas ao longo de sua carreira\, Jenny Saville: The Anatomy of Painting acompanha a evolução de sua prática\, destacando trabalhos-chave e sua relação com a história da arte. A exposição foi concebida em estreita colaboração com a própria artista e reúne obras de coleções públicas e privadas de diferentes partes do mundo.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"Kiefer / Van Gogh" na Royal Academy of Arts
DESCRIPTION:Vincent van Gogh\, “Field with Irises near Arles”\, 1888 \nVincent van Gogh exerceu uma influência duradoura sobre Anselm Kiefer. Neste verão\, será possível ver obras de ambos lado a lado. \nEm 1890\, Vincent van Gogh pintou suas obras finais. \nSetenta e dois anos depois\, um jovem Anselm Kiefer\, então com dezoito anos\, recebeu uma bolsa de viagem para seguir os passos de Van Gogh — começando pela Holanda\, passando pela Bélgica\, Paris e chegando a Arles\, no sul da França. \nAo longo de quase 60 anos de carreira\, Kiefer manteve Van Gogh como uma referência constante. O pioneiro do pós-impressionismo influenciou tanto os temas quanto as técnicas presentes nas pinturas e esculturas monumentais de Kiefer\, que atravessam história\, mitologia\, literatura\, filosofia e ciência. \nDistribuída por três salas das galerias menores da Royal Academy\, esta exposição concentra-se\, pela primeira vez\, em refletir sobre o impacto duradouro de Van Gogh na obra de Kiefer. Reunindo trabalhos dos dois artistas\, a mostra também apresenta peças inéditas de Kiefer\, nunca antes exibidas.
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LOCATION:Royal Academy of Arts\, Burlington House\, Piccadilly\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Emily Kam Kngwarray" na Tate Modern
DESCRIPTION:Emily Kam Kngwarray\, ”Ntang Dreaming”\, 1989. National Gallery of Australia. © Estate of Emily Kam Kngwarray / DACS 2024\, Todos os direitos reservados\n\n\n\n\nA renomada artista australiana Emily Kam Kngwarray (c. 1914–1996) criou obras poderosas e impactantes que refletem sua vida extraordinária como mulher Anmatyerr\, nascida em Alhalker\, na região de Sandover\, no Território do Norte da Austrália. \nReconhecida como uma das pintoras mais importantes surgidas no final do século XX\, sua experiência de vida e sua profunda conexão cultural com seu Country foram traduzidas inicialmente em vibrantes batiks e\, posteriormente\, em pinturas monumentais sobre tela. Para os Povos Aborígenes e das Ilhas do Estreito de Torres\, o conceito de Country abrange as terras\, os céus e as águas aos quais estão profundamente conectados há incontáveis gerações. Country é um lugar compartilhado de origens espirituais\, sociais e geográficas. A obra de Kngwarray incorpora seu conhecimento minucioso dos territórios onde viveu ao longo da vida\, com padrões sobrepostos que representam as plantas\, os animais e as formações geológicas que compõem os ecossistemas do deserto ao seu redor. \nA exposição apresenta ricos têxteis\, pinturas\, filmes e elementos sonoros que expressam a dimensão expansiva do Country Ancestral e da cultura de Kngwarray. \nRealizada em colaboração com a National Gallery of Australia (NGA)\, esta será a primeira grande mostra dedicada à obra de Kngwarray na Europa\, celebrando sua carreira extraordinária como uma das maiores artistas da história da Austrália. \nExposição organizada pela Tate Modern e pela National Gallery of Australia\, a partir de uma curadoria de Kelli Cole (povos Warumungu e Luritja) e Hetti Perkins (povos Arrernte e Kalkadoon). A mostra Emily Kam Kngwarray na Tate Modern é curada por Kelli Cole.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Herbert Smith Freehills Kramer  Portrait Award 2025" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Yvadney Davis\, “Inset Day”\, 2025 © Yvadney Davis\n\n\n\n\nO prestigiado concurso de pintura retorna em 2025. O Herbert Smith Freehills Kramer Portrait Award celebra o que há de melhor no retrato contemporâneo e é uma das mais importantes plataformas para pintores de retratos na atualidade. Neste ano\, 46 retratos cativantes de diversas partes do mundo foram selecionados para compor a exposição. \nAs obras exploram a variedade de abordagens ao retrato\, do clássico ao contemporâneo\, e incentivam o público a refletir sobre a criatividade dos processos artísticos. \nDesde a sua criação\, o tradicional concurso já atraiu mais de 40 mil inscrições de mais de 100 países e foi visto por mais de 6 milhões de pessoas. Altamente competitivo\, o prêmio estimula artistas maiores de 18 anos a se dedicarem e desenvolverem o tema do retrato em suas produções. Utilizando uma impressionante variedade e complexidade de técnicas\, os artistas exploram tanto recursos clássicos quanto inovadores\, demonstrando a relevância duradoura do retrato na arte de hoje.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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