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SUMMARY:"NAOMI: In Fashion exhibition" no V&A Museum
DESCRIPTION:Naomi Campbell. Imagem: Divulgação V&A Museum\n\n\n\nNAOMI: In Fashion explora os 40 anos inigualáveis da carreira da modelo e ícone cultural Naomi Campbell. Após ser descoberta em Covent Garden aos 15 anos\, Campbell rapidamente ganhou destaque na indústria e fez história alguns anos depois\, aos 18\, ao se tornar a primeira modelo negra a estampar a capa da Vogue Paris\, em agosto de 1988. \n\n\n\nProduzida em colaboração com Campbell e destacando sua voz e perspectiva\, NAOMI: In Fashion é a primeira exposição a celebrar a habilidade e a contribuição de uma modelo individual para a indústria da moda. A exposição conta com o extenso guarda-roupa de alta-costura e prêt-à-porter de Campbell\, incluindo peças de momentos-chave de sua carreira\, além de empréstimos de arquivos de designers e objetos das coleções do V&A. Entrelaçado está o ativismo de Campbell\, que desde cedo defendeu a equidade\, juntando-se à Black Girls Coalition em 1989 e liderando a edição de 2007 da Vogue Itália\, chamada “A Black Issue”\, que clamava por diversidade nas passarelas. \n\n\n\nBecoming Naomi \n\n\n\nA exposição começa com clipes impactantes de Campbell na passarela\, ilustrando seu lendário “andar”. A primeira seção\, “Becoming Naomi”\, explora a infância de Campbell e fundamenta seu sucesso posterior em seu treinamento inicial de dança. Nascida em 1970 no sul de Londres\, ela aspirava a uma carreira no palco e se apresentou em videoclipes dos anos 1980 para artistas como Bob Marley e Culture Club. Sua vida mudou aos 15 anos\, quando foi abordada pela agente de modelos Beth Boldt enquanto fazia compras com amigos da escola. Dois anos depois\, ela estaria na capa da Vogue e desfilando para renomados designers em Londres\, Paris\, Milão e Nova York. \n\n\n\nSupermodel \n\n\n\nCampbell entrou na moda em um momento de mudança. No início dos anos 1990\, o termo supermodelo – ou modelo que se tornou celebridade internacional – era amplamente usado em referência direta a Campbell e um pequeno grupo de colegas. A moda havia se tornado entretenimento de massa e Campbell estava no centro dessa emoção\, sendo apoiada por designers líderes como John Galliano\, Gianni Versace\, Karl Lagerfeld\, Vivienne Westwood e Yves Saint Laurent. Ela se tornou conhecida por sua presença superlativa na passarela\, enquanto seu trabalho com fotógrafos de destaque criou algumas das imagens mais memoráveis da época. Simultaneamente\, ela transcendeu o mundo da moda\, atuando em videoclipes\, lançando seu próprio perfume e se tornando uma defensora da diversidade. \n\n\n\nAzzedine Alaïa \n\n\n\nA próxima seção foca na relação pessoal e profissional de Campbell com o falecido designer Azzedine Alaïa\, nascido na Tunísia e baseado em Paris\, a quem ela conheceu durante seus primeiros dias em Paris e a quem chamou de “Papa”. Famoso por seus designs que acentuam as formas\, Alaïa via o físico escultural de Campbell como “um corpo perfeito”\, o que inspirou grande parte de seu trabalho. Juntos\, criaram momentos mágicos na passarela e editoriais de destaque. \n\n\n\nNew York \n\n\n\nCampbell se mudou para Nova York aos 17 anos\, dividindo um apartamento com a colega modelo Christy Turlington antes de garantir seu próprio lugar na East 30th Street. Campbell mergulhou na vibrante cena da moda da cidade\, forjando amizades duradouras com designers e outros da indústria\, de Marc Jacobs a Anna Sui\, relações que resistiriam ao teste do tempo. \n\n\n\nThe spotlight \n\n\n\nDesde o início dos anos 1990\, Campbell tem sido uma das modelos mais destacadas do mundo – e uma das mulheres negras mais reconhecidas – na televisão\, nos celulares\, em videoclipes e jornais. A seção “The spotlight” explora um momento biográfico muito divulgado quando Campbell cumpriu um período de serviço comunitário por ordem judicial. Em exibição está o vestido Dolce & Gabbana que Campbell usou em seu último dia de serviço comunitário – um look que ela vestiu em resposta aos paparazzi que capturavam sua chegada e partida todos os dias. \n\n\n\nExemplar \n\n\n\nA próxima seção examina Naomi Campbell como um exemplo na área\, focando em suas colaborações iniciais com casas de moda como Dolce & Gabbana\, Vivienne Westwood e Jean Paul Gaultier. Formadas quando Campbell era jovem\, essas conexões evoluíram para amizades colaborativas de décadas\, com designers valorizando sua habilidade de glamourizar qualquer roupa e modelar os conjuntos mais difíceis com aparente facilidade. \n\n\n\nCurada por Edward Enninful OBE\, uma seleção de fotografias na exposição destaca a alquimia única de Campbell com a câmera. Apresentando trabalhos de fotógrafos mundialmente renomados como Steven Meisel\, Arthur Elgort\, Patrick Demarchelier e David Bailey\, Campbell tem um profundo respeito por aqueles com quem trabalha\, reconhecendo seu talento artístico e visão\, e colaborando para alcançar a imagem que eles têm em mente.
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SUMMARY:"Anthony McCall: Solid Light" na Tate Modern
DESCRIPTION:Anthony McCall. “Split Second (Mirror)” (2018). Vista da instalação\, Sean Kelly Gallery\, Nova York\, 2018. Fotografia de Dan Bradica\n\n\n\n\nSeus movimentos e interações dão vida às obras dentro de Solid Light\, uma exposição focada nas instalações imersivas de Anthony McCall. \nFeixes de luz projetados através de uma fina névoa criam formas tridimensionais grandes no espaço\, que mudam e se transformam lentamente. Ao se mover por essas esculturas translúcidas de luz\, você cria novas formas e descobre perspectivas fascinantes. \nPosicionada entre escultura\, cinema\, desenho e performance\, McCall é conhecido por suas instalações inovadoras de luz. Em 1973\, sua obra seminal Line Describing a Cone redefiniu as possibilidades da escultura. \nAnthony McCall é apresentado na The George Economou Gallery. \nCuradoria de Gregor Muir\, Diretor de Coleção de Arte Internacional\, Tate Modern\, e Andrew de Brún\, Curador Assistente de Arte Internacional\, Tate Modern.
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SUMMARY:“Ghost and Spirit” de Mike Kelley na Tate Modern
DESCRIPTION:Mike Kelley\, Ahh…Youth!\, 1991\n\n\n\n\nDescubra os mundos elaborados\, provocativos e imaginários criados pelo artista experimental Mike Kelley. \nDe meados da década de 1970 até 2012\, Kelley produziu uma vasta obra que inclui desenho\, colagem\, performance\, objetos encontrados e vídeo. \nAbrangendo toda a carreira de Kelley\, a exposição apresenta suas esculturas de ‘artesanato’ feitas com têxteis e brinquedos de pelúcia\, além de suas instalações multimídia\, como Day Is Done. \nInspirando-se na cultura popular e underground\, na literatura e na filosofia\, Kelley explora como os papéis que desempenhamos na sociedade estão entrelaçados com fatos históricos e personagens imaginários dos filmes e imagens que consumimos. \nMais de uma década após sua morte\, as reflexões de Kelley sobre identidade e memória continuam a ressoar. \nOrganizada pela Tate Modern em colaboração com a Bourse de Commerce\, Paris\, K21\, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen\, Düsseldorf e Moderna Museet\, Estocolmo.
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SUMMARY:Hyundai Commission "Mire Lee: Open Wound" na Tate Modern
DESCRIPTION:Hyundai Commission: Mire Lee: Open Wound\, Vista da Instalação\, Foto © Tate (Lucy Green)\n\n\n\n\nInspirando-se na história da Tate Modern como uma antiga usina\, Mire Lee transforma o Turbine Hall com esculturas suspensas de tecido e instalações mecânicas épicas\, reinventando o espaço como uma fábrica viva. Uma mistura fascinante de materiais\, como silicone e correntes\, dá vida às suas criações\, desafiando nossas ideias sobre o que é belo\, perverso\, provocativo e desejável. Open Wound nos convida a experimentar emoções contraditórias: desde o espanto e o desgosto até a compaixão\, o medo e o amor.
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SUMMARY:"Lauren Halsey: emajendat" na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:Lauren Halsey\, land of the sunshine wherever we go II (detalhe)\, 2021. Cortesia de Lauren Halsey\n\n\n\n\nNos últimos dez anos\, Lauren Halsey (nascida em 1987\, Los Angeles\, EUA) desenvolveu uma linguagem visual distinta\, profundamente enraizada em South Central Los Angeles\, onde sua família vive há gerações. Por meio de objetos e instalações\, Halsey arquiva e reinventa os sinais e símbolos mutantes de seu ambiente\, coletando materiais físicos e gráficos de seu bairro. Em seu trabalho\, Halsey funde passado\, presente e futuro\, interessando-se pela iconografia conectada à diáspora africana\, ícones negros e queer\, e à arquitetura. Ela cita a sobreposição sônica e visual coletiva associada ao funk como modelo para sua abordagem artística\, atravessando o tempo e extraindo uma ampla variedade de fontes. \nemajendat\, a primeira exposição solo da artista no Reino Unido\, transforma a Serpentine South Gallery em um ‘jardim Funk’ imersivo que responde à localização do edifício nos Kensington Gardens\, oferecendo uma extensão do parque para dentro das galerias. No centro da exposição está uma versão em tamanho real dos vinhetas característicos de Halsey\, geralmente vistos em miniatura em esculturas ou dispostos em tableaux intrincados. Aqui\, um chão prismático e paredes feitas de CDs formam o cenário para figuras ampliadas\, funkmounds e uma fonte de água viva. A primeira obra de imagem em movimento da artista é apresentada ao lado de dunas de areia e um papel de parede personalizado. \nA prática de Halsey se estende ao Summaeverythang\, um centro comunitário que ela fundou em 2019\, dedicado ao “empoderamento e transcendência de pessoas negras e pardas\, sociopoliticamente\, economicamente\, intelectualmente e artisticamente.” Seu trabalho celebra a vitalidade de South Central e oferece uma forma criativa de resistência à sua crescente gentrificação. Halsey aborda suas exposições em galerias e comissões como protótipos para um de seus objetivos: criar um parque de esculturas permanente em South Central.
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LOCATION:Serpentine South Gallery\, Kensington Gardens London W2 3XA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Picasso printmaker" no British Museum
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, “Head of a woman”\, nº 7 Retrato de Dora Maar\, 1939. © Succession Picasso/DACS\, Londres 2024. \nPablo Picasso (1881–1973) foi um dos talentos mais inventivos e influentes a explorar a técnica da gravura. \nAlém de suas inúmeras pinturas\, esculturas e desenhos\, o artista nascido em Málaga produziu mais de 2.400 gravuras ao longo de sua carreira. Desde seus primeiros anos como artista em Paris até a velhice no sul da França\, a gravura ofereceu a Picasso a oportunidade de desenvolver ideias\, contar histórias e embarcar em novas aventuras criativas. \nEsta exposição oferece uma visão da vida de Picasso por meio de sua arte\, abordando suas relações complexas com as mulheres e suas colaborações com impressores\, editores e outros artistas. A mostra percorre toda a sua trajetória\, destacando seu envolvimento com diferentes técnicas de gravura e suas abordagens em constante transformação. \nO British Museum possui\, de longe\, a maior e mais representativa coleção de gravuras de Picasso no Reino Unido. A exposição reúne obras realizadas no início dos anos 1900\, antes e depois de Les Demoiselles d’Avignon (1907)\, a pintura que abriu caminho para o Cubismo. Também inclui uma seleção de gravuras da Suite Vollard\, um conjunto de 100 águas-fortes produzidas na década de 1930\, que revelam a influência da arte clássica sobre Picasso e refletem sua vida pessoal conturbada. \nA exposição examina o foco de Picasso na litografia e\, posteriormente\, na linoleogravura após a Segunda Guerra Mundial\, além de sua mudança para o sul da França\, marcando uma transformação em seu estilo de vida que se reflete em sua obra. Entre os temas recorrentes estão o circo\, a tourada\, o amor e o sexo\, além dos diálogos visuais de Picasso com artistas do passado. A mostra se encerra com uma seleção da Suite 347\, nomeada em referência ao número de gravuras da série\, concluída em 1968\, quando Picasso tinha 86 anos\, em um notável surto de criatividade tardia.
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LOCATION:British Museum\, Great Russell St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"The 80s: Photographing Britain" na Tate Britain
DESCRIPTION:Martin Parr\, The Last Resort 23\, da série The Last Resort (1983-1985). Aquisição da Tate\, 2002. © Martin Parr / Magnum Photos \n\n\n\n\nExplore uma das décadas mais críticas do Reino Unido\, os anos 1980. Esta exposição traça o trabalho de uma comunidade diversa de fotógrafos\, coletivos e publicações que criaram respostas radicais aos turbulentos anos do governo Thatcher. Tendo como pano de fundo os levantes raciais\, as greves dos mineiros\, a Seção 28\, a pandemia de AIDS e a gentrificação\, a mostra apresenta histórias de protesto e transformação. \nNa época\, a fotografia foi utilizada como uma ferramenta de mudança social\, ativismo político e experimentação artística e fotográfica. A exposição reúne imagens impactantes que deram voz e visibilidade a grupos historicamente sub-representados na sociedade\, incluindo registros do movimento de artes negras\, da experiência queer\, da diáspora sul-asiática e da representação das mulheres na fotografia. \nA mostra também analisa como coletivos fotográficos e publicações destacaram essas histórias muitas vezes invisibilizadas\, incluindo sua presença em revistas inovadoras como Ten 8 e Cameraworks. Além disso\, investiga o desenvolvimento de iniciativas como Autograph ABP\, Half Moon Photography Workshop e Hackney Flashers. \nOs visitantes poderão ir além da lente para acompanhar a notável transformação da fotografia na Grã-Bretanha e seu impacto na arte e no mundo.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, London SW1P 4RG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Electric Dreams: Art and Technology Before the Internet" na Tate Modern
DESCRIPTION:Heinz Mack durante as filmagens do filme TELE-MACK no deserto do Saara\, a leste do Oásis Kebili\, Tunísia\, 1968. Foto: Edwin Braun/VG Bild-Kunst\, Bonn\, 2024\, DACS\, Londres\, 2024\n\n\n\n\nTate Modern apresenta Electric Dreams\, uma exposição que explora o impacto da tecnologia na arte desde o nascimento da op art até a era da internet. \nA mostra reúne obras pioneiras de artistas internacionais que utilizaram ciência\, tecnologia e inovação material para criar instalações sensoriais imersivas e obras geradas automaticamente. Destaque para os ambientes psicodélicos das décadas de 1950 e 1960\, desenvolvidos com princípios matemáticos\, componentes motorizados e processos industriais inovadores\, além dos experimentos com arte digital e sistemas de computação doméstica nas décadas de 1970 e 1980. \nElectric Dreams\, uma das exposições mais ambiciosas da Tate Modern\, oferece aos visitantes a oportunidade de vivenciar obras icônicas de arte tecnológica em funcionamento\, revisitando como os artistas imaginaram a linguagem visual do futuro.
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SUMMARY:"Japanese Art History à la Takashi Murakami" na Gagosian
DESCRIPTION:Takashi Murakami\, “Rakuchū-Rakugai-zu Byōbu: Iwasa Matabei RIP”\, 2023–24 (detalhe). © 2023–24 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co.\, Ltd. Todos os direitos reservados. Foto: Josh White\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta Japanese Art History à la Takashi Murakami\, uma exposição de novas pinturas de Takashi Murakami na galeria Grosvenor Hill\, em Londres. Nesta apresentação\, o artista explora sua fascinação pela narrativa da arte japonesa ao reinterpretar pinturas históricas. “Murakamizando” essas imagens icônicas\, ele reflete sobre a erosão do esplendor antigo do Japão e considera como este foi influenciado por novas estéticas e valores associados à abertura do país ao Ocidente após o fim do período Edo (1603–1868). \nUma das obras em destaque\, Rakuchū-Rakugai-zu Byōbu: Iwasa Matabei RIP (2023–24)\, é inspirada no Rakuchū-Rakugai-zu Byōbu (Cenas dentro e ao redor de Kyoto) de Iwasa Matabei\, versão Funaki\, do acervo do Museu Nacional de Tóquio. O trabalho original do século XVII retrata a cidade de Kyoto em detalhes extraordinários em dois biombos de seis painéis. A versão de Murakami\, encomendada para sua exposição Mononoke Kyoto no Museu de Arte da Cidade de Kyoto Kyocera\, substitui as nuvens de folhas de ouro por crânios\, um memento mori inspirado em uma visita ao cemitério Toribeno. Ele também incorpora elementos de sua iconografia\, como figuras sorridentes em forma de flores e o conhecido personagem Mr. DOB. \nAs pinturas de Murakami sobre os Quatro Símbolos\, guardiões míticos de Kyoto\, associam cada um deles a locais da cidade alinhados às quatro direções da bússola: a Tartaruga Negra ao Monte Funaoka e ao Monte Kitayama no norte; o Dragão Azul ao Rio Kamo no leste; o Pássaro Vermilion ao Lago Ogura no sul; e o Tigre Branco à estrada San’indo no oeste. Para chegar a essas associações\, Murakami combinou esboços próprios com imagens geradas por inteligência artificial e fragmentos de trabalhos anteriores\, num processo que ecoa a inventividade de artistas históricos ao retratar criaturas imaginárias ou desconhecidas.
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SUMMARY:"Brasil! Brasil! The Birth of Modernism" na Royal Academy of Arts
DESCRIPTION:Tarsila do Amaral\, “O Lago”\, 1928. © Tarsila do Amaral SA \nUma grande exposição reunindo mais de 130 obras de dez importantes artistas brasileiros do século XX\, refletindo a diversidade da arte brasileira nesse período. \nNo início do século XX\, um novo modernismo ganhava forma no Brasil. Entre os anos 1910 e 1970\, artistas brasileiros assimilavam tendências contemporâneas\, influências internacionais e tradições artísticas para criar uma linguagem própria—uma arte moldada pelas culturas\, identidades e paisagens vibrantes do país. \nA vida cotidiana no Brasil tornou-se tema central desse modernismo emergente\, e tanto as identidades indígenas quanto a experiência afro-brasileira figuravam entre as múltiplas referências desses artistas. Tratava-se de um movimento que olhava para dentro\, explorando um vasto repertório cultural para estabelecer um caminho singular para o modernismo\, com desdobramentos por toda a América do Sul. \nA exposição oferecerá ao público do Reino Unido uma visão ampliada do modernismo brasileiro\, apresentando artistas historicamente pouco exibidos no país\, como Anita Malfatti\, pioneira do movimento\, e Tarsila do Amaral\, hoje reconhecida internacionalmente como uma das principais figuras femininas do modernismo brasileiro. Também estarão presentes obras de Alfredo Volpi e Djanira da Motta e Silva—artista autodidata de ascendência indígena—\, do afro-brasileiro Rubem Valentim e do performático Flávio de Carvalho. \nA maior parte das obras vem de coleções privadas brasileiras raramente exibidas\, além de acervos públicos do Brasil\, muitos dos quais nunca foram apresentados no Reino Unido.
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LOCATION:Royal Academy of Arts\, Burlington House\, Piccadilly\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Citra Sasmita: Into Eternal Land" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Citra Sasmita\, “Act One” (detalhe)\, 2024\, da série Into Eternal Land\, The Curve\, Barbican\, 2025 © Citra Sasmita \nA artista indonésia transforma o The Curve em sua primeira exposição individual no Reino Unido. Por meio da pintura\, instalação\, bordado e fragrância\, a mostra convida o público a uma jornada sensorial que explora memória ancestral\, ritual e migração. \nA prática de Sasmita frequentemente dialoga com a técnica de pintura indonésia Kamasan\, datada do século XV e tradicionalmente exercida apenas por homens para narrar epopeias hindus. Ao reivindicar essa prática masculina\, a artista busca desconstruir concepções equivocadas sobre a cultura balinesa e confrontar seu violento passado colonial. Desafiando hierarquias de gênero e reinventando mitologias\, suas protagonistas são mulheres poderosas que habitam um mundo pós-patriarcal. \nAutodidata\, Citra Sasmita estudou literatura e física antes de trabalhar como ilustradora de contos no Bali Post\, período que precedeu o desenvolvimento de sua prática artística expandida.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Vice Anglais" de Mike Kelley na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Mike Kelley\, “Extracurricular Activity Projective Reconstruction #36 (Vice Anglais)”\, 2011 – Crédito: Divulgação Hauser & Wirth \nAo longo de sua carreira de quatro décadas\, Mike Kelley (1954–2012) explorou a relação entre a cultura estabelecida e a contracultura. Seu trabalho iluminou rituais sociais e subculturas\, ao mesmo tempo em que satirizava a imposição do poder institucionalizado e da instrução formal. Com a série Extracurricular Activity Projective Reconstruction (EAPR\, 2000–2011)\, Kelley planejou criar 365 vídeos e instalações de vídeo\, um para cada dia do ano. No entanto\, a série foi interrompida antes da conclusão\, com Extracurricular Activity Projective Reconstruction #36 (Vice Anglais) (2011)\, um dos últimos vídeos realizados pelo artista. \nEm colaboração com a Mike Kelley Foundation for the Arts\, a exposição tem como foco essa última obra da série EAPR\, que será apresentada ao lado de trabalhos relacionados.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/vice-anglais-de-mike-kelley-na-hauser-wirth/
LOCATION:Hauser & Wirth Londres\, 23 Savile Row W1S 2ET\, Londres\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"Noah Davis" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Noah Davis\, “Pueblo del Rio\, Arabesque”\, 2014. Crédito: © The Estate of Noah Davis\, Cortesia The Estate of Noah Davis e David Zwirner \nCelebrando a vasta criatividade do artista falecido\, esta primeira retrospectiva apresenta Noah Davis como um dos pintores mais originais e enigmáticos a surgir nos últimos anos. \nBaseado principalmente em Los Angeles\, Noah Davis desenvolveu um conjunto de pinturas figurativas que exploram diversas facetas da vida negra. \nMovido pelo desejo de “representar as pessoas ao meu redor”\, Davis retratou figuras mergulhando em piscinas\, dormindo\, dançando e observando obras de arte\, em cenas que transitam entre o realismo e o onírico\, o júbilo e a melancolia. Ele buscava referências em fotografias anônimas\, arquivos pessoais\, cinema\, história da arte e sua própria imaginação para criar um corpo de trabalho cativante. Muitas vezes enigmáticas\, suas pinturas revelam um profundo senso de humanidade e as nuances emocionais do cotidiano. \nEm 2012\, Davis cofundou The Underground Museum com o objetivo de oferecer acesso gratuito a arte de nível internacional para a comunidade de Arlington Heights\, em Los Angeles. Esta exposição reúne mais de 50 trabalhos do artista\, abrangendo pintura\, escultura\, curadoria e iniciativas comunitárias\, desde 2007 até sua morte prematura em 2015.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"Ai Weiwei: A New Chatpter" na Lisson Gallery
DESCRIPTION:Obra de Ai Weiwei – Divulgação Lisson Gallery\n\n\n\n\n\n\n\n\nA Lisson Gallery apresenta uma instigante exposição de novas obras do renomado artista Ai Weiwei\, que conduz uma reflexão provocativa sobre questões contemporâneas por meio de referências históricas e artísticas. Cada peça estabelece um diálogo entre passado e presente\, evidenciando a constante investigação do artista sobre as complexidades da identidade\, da política e do patrimônio cultural. \nNo centro da exposição está F.U.C.K. (todas as obras de 2024)\, uma instalação impactante que utiliza botões fixados sobre quatro macas militares da Segunda Guerra Mundial para formar a palavra provocativa. Os botões\, provenientes da extinta fábrica A Brown & Co Buttons\, foram coletados ao longo dos anos\, reunindo um impressionante conjunto de mais de 9.000 variedades. A obra não apenas sintetiza a extensa pesquisa de Ai sobre a industrialização e a história têxtil\, mas também estabelece uma conexão concreta com a primeira revolução industrial. O cuidadoso arranjo dos botões ressalta temas como existência e desaparecimento\, refletindo sobre como as narrativas históricas se entrelaçam na materialidade da cultura.
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LOCATION:Lisson Gallery Londres\, 27 Bell Street\, Londres\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"The Face Magazine: Culture Shift" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:SEAGULL (SARF COASTIN’) por Elaine Constantine. Estilizado por Polly Banks\, dezembro de 1997\n\n\n\n\nThe Face Magazine: Culture Shift celebra imagens icônicas de moda e retratos da The Face\, a revista pioneira de cultura jovem e estilo que moldou o cenário criativo e cultural no Reino Unido e além. \nDe 1980 a 2004\, The Face desempenhou um papel fundamental na criação da cultura contemporânea. Músicos que estamparam suas capas alcançaram sucesso global\, e os modelos que a revista destacou—incluindo uma jovem Kate Moss—tornaram-se alguns dos rostos mais reconhecidos de sua época. O veículo também impulsionou as carreiras de fotógrafos e estilistas de moda\, oferecendo-lhes liberdade criativa para reinventar radicalmente a linguagem visual da fotografia de moda e definir o espírito de sua geração. Relançada em 2019\, a revista continua sendo um espaço inovador e disruptivo para criadores de imagens\, destacando novos talentos na fotografia\, moda\, música e design gráfico. \nA exposição reunirá trabalhos de mais de 80 fotógrafos\, entre eles Sheila Rock\, Stéphane Sednaoui\, Corinne Day\, David Sims\, Elaine Constantine e Sølve Sundsbø\, apresentando mais de 200 fotografias—uma oportunidade única de ver muitas dessas imagens fora das páginas da revista pela primeira vez. \nThe Face Magazine: Culture Shift é curada por Sabina Jaskot-Gill\, curadora sênior de fotografia da National Portrait Gallery\, em colaboração com os consultores curatoriais Lee Swillingham\, ex-diretor de arte da The Face entre 1992 e 1999\, e Norbert Schoerner\, fotógrafo cujo trabalho esteve presente na revista ao longo dos anos 1990 e 2000. A mostra será acompanhada por uma publicação de mesmo nome\, com textos de Ekow Eshun\, Sabina Jaskot-Gill\, Jamie Morgan\, Pete Paphides e Matthew Whitehouse\, além de entrevistas entre Nick Logan e Lee Swillingham; Neville Brody\, Jill Furmanovsky e Sheila Rock; Elaine Constantine\, Glen Luchford e Nancy Rohde; e Norbert Schoerner e Stéphane Sednaoui.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"Verena Loewensberg" na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Verena Loewensberg\, Untitled\, 1957 \nA artista suíça Verena Loewensberg (1912–1986) foi uma das principais figuras da influente escola de arte concreta de Zurique. Ela também foi a única mulher no grupo\, que incluía Max Bill\, Camille Graeser e Richard Paul Lohse. \nA Hauser & Wirth apresenta a primeira exposição individual da artista no Reino Unido\, dedicada a essa figura singular do século XX. A mostra reúne pinturas marcantes produzidas entre as décadas de 1960 e 1980\, período em que Loewensberg rompeu com as rígidas diretrizes da arte concreta.
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LOCATION:Hauser & Wirth Londres\, 23 Savile Row W1S 2ET\, Londres\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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