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SUMMARY:"Fragile Beauty" no V&A Museum
DESCRIPTION:Elton John\, Egg On His Face\, Nova York\, David LaChapelle\, 1999\n\n\n\nApresentando mais de 300 impressões raras de 140 fotógrafos\, “Fragile Beauty” é uma importante exibição de fotografia dos séculos 20 e 21\, emprestada da coleção particular de Sir Elton John e David Furnish. \n\n\n\nSelecionadas de uma coleção de mais de 7.000 imagens\, as fotografias (muitas das quais serão exibidas publicamente pela primeira vez) são imagens que definem eras e exploram a conexão entre força e vulnerabilidade inerente à condição humana. \n\n\n\nA exposição cobre o período de 1950 até os dias atuais\, reunindo uma seleção incomparável dos principais fotógrafos do mundo para contar a história da fotografia moderna e contemporânea. Entre as obras celebradas está uma instalação monumental de 149 impressões de Nan Goldin da sua série “Thanksgiving”\, bem como imagens de Robert Mapplethorpe\, Cindy Sherman\, William Eggleston\, Diane Arbus\, Sally Mann\, Zanele Muholi\, Ai Weiwei\, Carrie Mae Weems e outros. \n\n\n\nAquisições recentes também estão em exibição\, incluindo obras de Tyler Mitchell\, Trevor Paglen e An-My Lê. Essas se juntam a algumas das primeiras aquisições feitas por John\, incluindo fotografias de moda por Horst P. Horst\, Irving Penn e Herb Ritts. \n\n\n\nMarcando 30 anos de coleção\, a exposição celebra a paixão de Elton John e David Furnish pela fotografia e reflete seu gosto pessoal e olhar único como colecionadores. Ao longo de oito seções temáticas\, “Fragile Beauty” explora temas como moda\, reportagens\, celebridades\, o corpo masculino e a fotografia americana. Retratos de estrelas do palco e da tela também são apresentados\, incluindo fotografias de Aretha Franklin\, Elizabeth Taylor\, The Beatles e Chet Baker. Muitas fotografias na exposição respondem a temas de perseguição\, resistência e momentos chave na história\, incluindo imagens do movimento dos direitos civis dos anos 1960\, ativismo contra a AIDS dos anos 1980 e os eventos de 11 de setembro de 2001.
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SUMMARY:"Alvaro Barrington: Grace" na Tate Britain
DESCRIPTION:Alvaro Barrington\, Grace\, 2024 © Tate\n\n\n\nAlvaro Barrington apresenta uma nova instalação na Tate Britain\, explorando identidade e pertencimento em três partes\, homenageando sua avó\, irmã e mãe. Inspirado por memórias pessoais\, Barrington retrata desde a casa caribenha de sua avó\, com uma tempestade no telhado de zinco\, até a energia do Carnaval. As Galerias Duveen da Tate Britain são transformadas com som\, cor e textura. Barrington celebra as pessoas e lugares que nos fazem sentir pertencentes\, explorando como sua avó\, mãe e irmã na comunidade caribenha britânica mostraram graça e resiliência. \n\n\n\nCuradoria de Dominique Heyse-Moore\, Hannah Marsh\, Sade Sarumi e Chloe Hodge.
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SUMMARY:Zanele Muholi na Tate Modern
DESCRIPTION:Zanele Muholi\, Manzi I\, West Coast\, Cape Town (detalhe)\, 2022. Cortesia da artista e da Yancey Richardson Gallery © Zanele Muholi\n\n\n\nZanele Muholi é uma das fotógrafas mais aclamadas da atualidade\, com obras exibidas em todo o mundo. Com mais de 260 fotografias\, esta exposição apresenta a amplitude de sua carreira até o momento. \n\n\n\nMuholi se descreve como uma ativista visual. Desde o início dos anos 2000\, documenta e celebra as vidas das comunidades negras de lésbicas\, gays\, trans\, queer e intersexuais da África do Sul. \n\n\n\nNa série inicial “Only Half the Picture”\, Muholi captura momentos de amor e intimidade\, bem como imagens intensas que aludem a eventos traumáticos – apesar da igualdade prometida pela constituição sul-africana de 1996\, a comunidade LGBTQIA+ continua sendo alvo de violência e preconceito. \n\n\n\nEm “Faces and Phases”\, cada participante olha diretamente para a câmera\, desafiando o espectador a manter o olhar. Estas imagens e os testemunhos que as acompanham formam um arquivo crescente de uma comunidade de pessoas que arriscam suas vidas vivendo de forma autêntica frente à opressão e discriminação. \n\n\n\nOutras séries importantes incluem “Brave Beauties”\, que celebra pessoas não-binárias e mulheres trans empoderadas\, muitas das quais venceram concursos de beleza Miss Gay\, e “Being”\, uma série de imagens ternas de casais que desafiam estereótipos e tabus. \n\n\n\nMuholi volta a câmera para si na série contínua “Somnyama Ngonyama” – traduzido como “Salve a Leoa Negra”. Estas imagens poderosas e reflexivas exploram temas como trabalho\, racismo\, eurocentrismo e política sexual. \n\n\n\nA exposição é baseada na mostra da artista de 2020-21 na Tate Modern e incluirá novas obras produzidas desde então.
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SUMMARY:"NAOMI: In Fashion exhibition" no V&A Museum
DESCRIPTION:Naomi Campbell. Imagem: Divulgação V&A Museum\n\n\n\nNAOMI: In Fashion explora os 40 anos inigualáveis da carreira da modelo e ícone cultural Naomi Campbell. Após ser descoberta em Covent Garden aos 15 anos\, Campbell rapidamente ganhou destaque na indústria e fez história alguns anos depois\, aos 18\, ao se tornar a primeira modelo negra a estampar a capa da Vogue Paris\, em agosto de 1988. \n\n\n\nProduzida em colaboração com Campbell e destacando sua voz e perspectiva\, NAOMI: In Fashion é a primeira exposição a celebrar a habilidade e a contribuição de uma modelo individual para a indústria da moda. A exposição conta com o extenso guarda-roupa de alta-costura e prêt-à-porter de Campbell\, incluindo peças de momentos-chave de sua carreira\, além de empréstimos de arquivos de designers e objetos das coleções do V&A. Entrelaçado está o ativismo de Campbell\, que desde cedo defendeu a equidade\, juntando-se à Black Girls Coalition em 1989 e liderando a edição de 2007 da Vogue Itália\, chamada “A Black Issue”\, que clamava por diversidade nas passarelas. \n\n\n\nBecoming Naomi \n\n\n\nA exposição começa com clipes impactantes de Campbell na passarela\, ilustrando seu lendário “andar”. A primeira seção\, “Becoming Naomi”\, explora a infância de Campbell e fundamenta seu sucesso posterior em seu treinamento inicial de dança. Nascida em 1970 no sul de Londres\, ela aspirava a uma carreira no palco e se apresentou em videoclipes dos anos 1980 para artistas como Bob Marley e Culture Club. Sua vida mudou aos 15 anos\, quando foi abordada pela agente de modelos Beth Boldt enquanto fazia compras com amigos da escola. Dois anos depois\, ela estaria na capa da Vogue e desfilando para renomados designers em Londres\, Paris\, Milão e Nova York. \n\n\n\nSupermodel \n\n\n\nCampbell entrou na moda em um momento de mudança. No início dos anos 1990\, o termo supermodelo – ou modelo que se tornou celebridade internacional – era amplamente usado em referência direta a Campbell e um pequeno grupo de colegas. A moda havia se tornado entretenimento de massa e Campbell estava no centro dessa emoção\, sendo apoiada por designers líderes como John Galliano\, Gianni Versace\, Karl Lagerfeld\, Vivienne Westwood e Yves Saint Laurent. Ela se tornou conhecida por sua presença superlativa na passarela\, enquanto seu trabalho com fotógrafos de destaque criou algumas das imagens mais memoráveis da época. Simultaneamente\, ela transcendeu o mundo da moda\, atuando em videoclipes\, lançando seu próprio perfume e se tornando uma defensora da diversidade. \n\n\n\nAzzedine Alaïa \n\n\n\nA próxima seção foca na relação pessoal e profissional de Campbell com o falecido designer Azzedine Alaïa\, nascido na Tunísia e baseado em Paris\, a quem ela conheceu durante seus primeiros dias em Paris e a quem chamou de “Papa”. Famoso por seus designs que acentuam as formas\, Alaïa via o físico escultural de Campbell como “um corpo perfeito”\, o que inspirou grande parte de seu trabalho. Juntos\, criaram momentos mágicos na passarela e editoriais de destaque. \n\n\n\nNew York \n\n\n\nCampbell se mudou para Nova York aos 17 anos\, dividindo um apartamento com a colega modelo Christy Turlington antes de garantir seu próprio lugar na East 30th Street. Campbell mergulhou na vibrante cena da moda da cidade\, forjando amizades duradouras com designers e outros da indústria\, de Marc Jacobs a Anna Sui\, relações que resistiriam ao teste do tempo. \n\n\n\nThe spotlight \n\n\n\nDesde o início dos anos 1990\, Campbell tem sido uma das modelos mais destacadas do mundo – e uma das mulheres negras mais reconhecidas – na televisão\, nos celulares\, em videoclipes e jornais. A seção “The spotlight” explora um momento biográfico muito divulgado quando Campbell cumpriu um período de serviço comunitário por ordem judicial. Em exibição está o vestido Dolce & Gabbana que Campbell usou em seu último dia de serviço comunitário – um look que ela vestiu em resposta aos paparazzi que capturavam sua chegada e partida todos os dias. \n\n\n\nExemplar \n\n\n\nA próxima seção examina Naomi Campbell como um exemplo na área\, focando em suas colaborações iniciais com casas de moda como Dolce & Gabbana\, Vivienne Westwood e Jean Paul Gaultier. Formadas quando Campbell era jovem\, essas conexões evoluíram para amizades colaborativas de décadas\, com designers valorizando sua habilidade de glamourizar qualquer roupa e modelar os conjuntos mais difíceis com aparente facilidade. \n\n\n\nCurada por Edward Enninful OBE\, uma seleção de fotografias na exposição destaca a alquimia única de Campbell com a câmera. Apresentando trabalhos de fotógrafos mundialmente renomados como Steven Meisel\, Arthur Elgort\, Patrick Demarchelier e David Bailey\, Campbell tem um profundo respeito por aqueles com quem trabalha\, reconhecendo seu talento artístico e visão\, e colaborando para alcançar a imagem que eles têm em mente.
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SUMMARY:"Anthony McCall: Solid Light" na Tate Modern
DESCRIPTION:Anthony McCall. “Split Second (Mirror)” (2018). Vista da instalação\, Sean Kelly Gallery\, Nova York\, 2018. Fotografia de Dan Bradica\n\n\n\n\nSeus movimentos e interações dão vida às obras dentro de Solid Light\, uma exposição focada nas instalações imersivas de Anthony McCall. \nFeixes de luz projetados através de uma fina névoa criam formas tridimensionais grandes no espaço\, que mudam e se transformam lentamente. Ao se mover por essas esculturas translúcidas de luz\, você cria novas formas e descobre perspectivas fascinantes. \nPosicionada entre escultura\, cinema\, desenho e performance\, McCall é conhecido por suas instalações inovadoras de luz. Em 1973\, sua obra seminal Line Describing a Cone redefiniu as possibilidades da escultura. \nAnthony McCall é apresentado na The George Economou Gallery. \nCuradoria de Gregor Muir\, Diretor de Coleção de Arte Internacional\, Tate Modern\, e Andrew de Brún\, Curador Assistente de Arte Internacional\, Tate Modern.
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SUMMARY:"Peter Kennard: Archive of Dissent" na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Peter Kennard\, Mandela\, 1990. Cortesia do artista e da Richard Saltoun Gallery\, Londres\, Roma e Nova York.\n\n\n\n\n\n\n\n\nPeter Kennard (n. 1949\, Reino Unido) é um artista e ativista baseado em Londres\, e Professor Emérito de Arte Política no Royal College of Art. \nArchive of Dissent marca uma das exibições mais extensas do trabalho de Kennard até hoje e foi especialmente concebida para a Whitechapel Gallery. Ocupando três galerias dentro do antigo espaço da Biblioteca Whitechapel\, a exposição reúne obras da prolífica e influente carreira de cinco décadas do artista\, oferecendo um importante repositório de história social e política\, ao mesmo tempo que ilumina uma prática artística que tem continuamente desafiado e protestado contra o status quo. \nDesde a década de 1970\, Kennard produziu algumas das imagens mais icônicas e influentes de resistência e dissidência. Do movimento contra a Guerra do Vietnã\, o Movimento Anti-Apartheid\, a Campanha pelo Desarmamento Nuclear (CND) e as campanhas da Coalizão Stop the War nos anos 2000\, até as guerras atuais na Ucrânia e Gaza\, além de seu compromisso contínuo com o ativismo ambiental\, Kennard desenvolveu uma prática visual única que conecta arte e política para um amplo público. \nRefletindo a função histórica do espaço da antiga biblioteca\, a proposta de Kennard para a exposição assume a forma de um arquivo ativo e em constante evolução\, grande parte dele apresentado como material impresso exibido em paredes\, cartazes\, vitrines ou em púlpitos. Isso inclui os jornais onde suas imagens foram publicadas pela primeira vez\, bem como os pôsteres e livros pelos quais elas continuam a circular. \nA exposição explora o processo criativo do artista\, começando com uma seleção dos fotomontagens distintas que ele vem criando desde os anos 1970. Inspirado pelo trabalho de John Heartfield (1891–1968)\, que pioneirou o uso da montagem como ferramenta política nos anos 1930\, as montagens de Kennard desconstruem imagens familiares e onipresentes\, reimaginando-as através de diferentes formatos e escalas de publicação. As obras não apenas expõem a relação entre poder\, capital\, guerra e a destruição do planeta Terra\, mas também “mostram novas possibilidades emergindo das rachaduras e estilhaços da antiga realidade.” \nArchive of Dissent também inclui duas das instalações mais recentes e ambiciosas de Kennard\, Boardroom (2023) e Double Exposure (2023)\, que utilizam luz\, vidro e projeção para desconstruir o meio do fotomontagem\, além de uma nova obra\, The People’s University of the East End (2024). O título da obra faz referência ao nome coloquial do antigo espaço da Biblioteca\, destacando seu propósito original como um recurso democrático local\, ao mesmo tempo que continua a utilizar e evocar a iconografia e as formas de protesto.
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LOCATION:Whitechapel Gallery\, 77-82 Whitechapel High St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Archipelago: Visions in Orbit" na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Daniella Valz Gen\, (Be)longing\, 2024. Cortesia da artista\n\n\n\n\n\n\n\n\nO arquipélago é difratado\, fractal\, necessário em sua totalidade\, frágil ou contingente em sua unidade\, passando e permanecendo\, ele é um estado do mundo. — Édouard Glissant \nReunindo uma diversidade de artistas\, perspectivas e meios\, Archipelago: Visions in Orbit usa a fisiologia de um arquipélago – um conjunto de ilhas distintas\, mas conectadas – como uma metáfora para enquadrar e relacionar posições artísticas aparentemente díspares. \nCom a sociedade se tornando cada vez mais fragmentada\, exacerbada por tensões geopolíticas globais crescentes\, a exposição propõe uma abordagem “arquipelágica”\, visando iluminar um tecido cultural compartilhado\, ao mesmo tempo que permite diferenças complexas. \nAtravés das obras enigmáticas e etéreas de Esther Teichmann (n. 1980\, Alemanha) e Jakob Rowlinson (n. 1990\, Reino Unido); representações de emergência e reflexão nas pinturas de Jade de Montserrat (n. 1981\, Reino Unido) e relevos esculturais de Cameron Ugbodu (n. 2000\, Áustria); além das considerações de histórias diaspóricas nas documentações performáticas de Daniella Valz Gen (n. sem data\, Peru) e Güler Ateş (n. 1977\, Turquia)\, a exposição apresenta uma constelação de criadores de mitos contemporâneos\, sonhadores e documentaristas artísticos. Através de suas narrativas coletivas e individuais\, os artistas exploram temas como migração\, pertencimento e conexão. \nA exposição dialoga com a localização histórica da galeria em Whitechapel\, no leste de Londres\, um local que continua a testemunhar a união de comunidades migrantes em tempos de polarização política. \nArchipelago: Visions in Orbit é uma exposição original organizada por estudantes do curso MA Curating Art and Public Programmes – uma qualificação profissional única de um ano\, organizada em colaboração com a London South Bank University (LSBU). \nA exposição é acompanhada por um programa público\, incluindo performances e eventos discursivos com artistas e curadores. Para mais informações\, visite whitechapelgallery.org/events. \nArchipelago: Visions in Orbit é curada por Gözde Altun\, Eve Barnes\, Molly Clark\, Maria Green\, Parastoo Jafari\, Hannah Lewis\, Alessandro Morter\, Kuba Ocean\, Yasmin Riley\, Angela Sanchez-Castrillon\, Benjamin Sebastian\, Ajahee Sekkm-Miles\, Cosima Straub e Hannah Walker.
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SUMMARY:"Van Gogh: Poets and Lovers" na National Gallery
DESCRIPTION:Encante-se com as pinturas mais espetaculares de Van Gogh em nossa exposição única em um século. \nCaminhe com um par de amantes sob uma noite estrelada. Olhe para as nuvens rodopiantes e ciprestes balançando ao vento. Fique um pouco no parque favorito de Van Gogh\, o “Jardim do Poeta”\, ou sob uma árvore sombreada em Saint-Rémy. \nA National Gallery reúne as pinturas mais queridas de Van Gogh\, vindas de todo o mundo\, algumas das quais raramente vistas pelo público. Elas serão exibidas ao lado de seus extraordinários desenhos. \nEm apenas dois anos no sul da França\, Van Gogh revolucionou seu estilo em uma sinfonia de cor e textura poética. Ele se inspirou em poetas\, escritores e artistas. Exploramos esse período em Arles e Saint-Rémy como um momento decisivo em sua carreira. Seu desejo de contar histórias produziu uma paisagem de imaginação poética e amor romântico em uma escala ambiciosa. \nVeja de perto Noite Estrelada sobre o Ródano (1888\, Musée d’Orsay) e A Casa Amarela (1888\, Museu Van Gogh)\, além de nossos próprios Girassóis (1888) e A Cadeira de Van Gogh (1889)\, entre muitos outros.
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LOCATION:National Gallery\, Trafalgar Square London Greater London\, Greater London\, London\, Reino unido
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SUMMARY:"It Will End in Tears" de Pamela Phatsimo Sunstrum no Barbican Centre
DESCRIPTION:Obra de Pamela Phatsimo Sunstrum. Imagem: Divulgação\n\n\n\n\nEm sua primeira exposição individual em uma grande instituição do Reino Unido\, Pamela Phatsimo Sunstrum enche The Curve com instalações teatrais\, construindo um mundo imaginado para exibir suas pinturas. \nEntre no mundo criado por Pamela Phatsimo Sunstrum em It Will End in Tears. A exposição nos guia por uma série de dioramas em tamanho real\, onde observamos pinturas em uma sequência narrativa\, enquanto se desenrola a história de uma personagem femme fatale de filme noir vivendo em um posto colonial imaginário. Descobrimos o que acontece quando a personagem principal se desvia do normal e não segue as regras impostas pela sociedade. \nApresentando desenho\, pintura e instalação\, as obras de Sunstrum refletem sua experiência de vida em diferentes regiões da África\, Sudeste Asiático e América do Norte. Sua prática\, que atravessa fronteiras\, está imbuída de experiências formativas de uma vida vivida entre e além dos limites\, explorando também noções de lar e integridade.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"I followed you to the end" de Tracey Emin na White Cube
DESCRIPTION:Tracey Emin\, Another Place to Live\, 2024. Cortesia White Cube\n\n\n\n\nTracey Emin retorna à White Cube Bermondsey com sua exposição individual\, “I followed you to the end”\, que apresenta novas pinturas e esculturas que percorrem temas de amor e perda\, mortalidade e renascimento. Inspirada por uma experiência recente e transformadora\, Emin continua a explorar os momentos mais profundos e íntimos da vida\, com uma intensidade renovada. \nEmin utiliza pinceladas impulsivas e uma paleta de vermelhos\, azuis profundos\, marfim e preto para capturar figuras em momentos de transformação emocional. O ponto central da mostra é a pintura homônima\, na qual uma figura feminina solitária\, imersa em tons de vermelho e preto\, expressa angústia através de inscrições manuscritas que evocam memórias dolorosas de relacionamentos passados. Com temas como a mortalidade e a fragilidade humana\, Emin também apresenta esculturas e obras inspiradas por sua batalha contra o câncer\, tornando o espaço expositivo uma viagem entre vida\, morte e autoconhecimento. A artista\, reconhecida por suas influências autobiográficas\, incorpora elementos que remetem à sua herança turca\, às paisagens de suas cidades natais e aos gatos que frequentemente povoam suas telas\, enriquecendo a exposição com um íntimo senso de nostalgia e introspecção.
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LOCATION:White Cube Bermondsey\, 144 – 152 Bermondsey\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Turner Prize 2024 na Tate Britain
DESCRIPTION:Alter Altar\, de Jasleen Kaur\, que foi indicada para o Turner Prize de 2024. Foto: Tate Britain/PA\n\n\n\n\nPio Abad\, Claudette Johnson\, Jasleen Kaur e Delaine Le Bas são os quatro artistas indicados para o Turner Prize de 2024. A exposição com seus trabalhos será inaugurada no Tate Britain em 25 de setembro de 2024\, e o vencedor será anunciado em 3 de dezembro de 2024. \nCriado em homenagem ao pintor radical JMW Turner\, o Turner Prize foi concedido pela primeira vez em 1984. Anualmente\, premia um artista britânico que tenha realizado uma exposição ou apresentação de destaque. \nArtistas Indicados para o Turner Prize 2024: \nPio AbadA arte de Pio Abad explora a perda cultural e histórias coloniais\, muitas vezes refletindo sobre sua infância nas Filipinas. Com desenhos\, gravuras e esculturas que retratam e transformam artefatos de museus britânicos\, Abad traz à tona histórias esquecidas e as conecta com nosso presente. Ele foi indicado por sua exposição solo To Those Sitting in Darkness\, no Museu Ashmolean\, em Oxford. \nClaudette JohnsonClaudette Johnson cria retratos figurativos impactantes de homens e mulheres negros\, usando pastel\, guache e aquarela. Sua arte examina a marginalização das pessoas negras na história da arte ocidental\, frequentemente retratando amigos e familiares. Ela foi indicada por suas exposições Presence\, na The Courtauld Gallery\, em Londres\, e Drawn Out\, na Ortuzar Projects\, em Nova York. \nJasleen KaurJasleen Kaur produz instalações ao reunir e recriar objetos do cotidiano\, renegociando tradições e mitos. Um harmonium automatizado\, sinos de adoração cinéticos e um Ford Escort vermelho coberto com um grande bordado compõem uma trilha sonora imersiva\, refletindo histórias herdadas e reprimidas. Ela foi indicada por sua exposição solo Alter Altar\, no Tramway\, em Glasgow. \nDelaine Le BasDelaine Le Bas transforma seus ambientes em monumentais instalações imersivas\, com tecidos pintados\, figurinos teatrais e esculturas. Sua arte se inspira na rica história cultural do povo romani e em mitologias\, explorando temas de morte\, perda e renovação. Ela foi indicada por sua apresentação Incipit Vita Nova. Here Begins The New Life/A New Life Is Beginning\, na Secession\, em Viena.
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SUMMARY:"Silk Roads" no British Museum
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação\n\n\n\n\nCaravanas de camelos atravessando dunas do deserto\, mercadores negociando sedas e especiarias em bazares – essas são as imagens que costumamos associar às Rotas da Seda. No entanto\, a realidade é muito mais complexa. \nEm vez de uma única rota comercial de Leste a Oeste\, as Rotas da Seda eram formadas por redes sobrepostas que ligavam comunidades na Ásia\, África e Europa\, desde o Leste Asiático até a Grã-Bretanha\, e da Escandinávia a Madagascar. Esta exposição significativa explora como as jornadas de pessoas\, objetos e ideias ao longo das Rotas da Seda moldaram culturas e histórias. \nAs Rotas da Seda foram usadas por milênios\, mas esta exibição visualmente impressionante foca em um período definidor de sua história\, aproximadamente entre 500 e 1000 d.C. Nesse período\, ocorreram avanços significativos na conectividade e o surgimento de religiões universais que uniram comunidades através de continentes. \nTrabalhando com 29 parceiros nacionais e internacionais\, a exposição apresenta objetos de diversas regiões e culturas\, lado a lado com itens da coleção do Museu Britânico. Essa é uma oportunidade única de ver objetos provenientes de toda a extensão das Rotas da Seda. Desde cerâmicas chinesas da dinastia Tang destinadas a portos do Oriente Médio até granadas indianas encontradas em Suffolk\, esses itens revelam o alcance impressionante dessas redes. \nPeças destacadas do Uzbequistão e do Tajiquistão\, nunca vistas antes no Reino Unido\, também ressaltam a importância da Ásia Central nessa narrativa que abrange continentes. \nVocê conhecerá figuras cujas histórias se entrelaçam com as Rotas da Seda\, como Willibald\, um astuto contrabandista de bálsamo da Inglaterra\, e uma lendária princesa chinesa que compartilhou os segredos da criação de seda com seu novo reino. Cruzando desertos\, montanhas\, rios e mares\, as Rotas da Seda contam uma história de conexão entre culturas e continentes\, séculos antes da formação do mundo globalizado que conhecemos hoje.
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SUMMARY:"Nairy Baghramian: Jumbled Alphabet" na South London Gallery
DESCRIPTION:Vista da exposição “Nairy Baghramian: Jumbled Alphabet”\, 2024. South London Gallery. Foto: Jo Underhill\nA SLG apresenta uma importante exposição individual da artista Nairy Baghramian. Há mais de 20 anos\, ela cria esculturas que convidam a reconsiderar sua percepção de si mesmo\, do espaço e da relação com os objetos.\n\n\n\nFeitas de materiais como mármore\, madeira\, metal e resina\, suas esculturas costumam responder ao ambiente ao seu redor\, interagindo com a arquitetura e com as pessoas. Usando uma ampla gama de técnicas\, elas exploram sutilmente as conexões entre a arte e outras indústrias criativas\, como design de interiores\, dança e teatro. Embora à primeira vista pareçam abstratas\, frequentemente sugerem partes do corpo\, insinuando articulações\, gestos\, membros\, pele e dentes. \nJumbled Alphabet reúne esculturas da série Misfits da artista\, desafiando a ideia dos brinquedos de construção infantis\, onde as peças se encaixam perfeitamente. Misfits celebra a beleza das coisas que não se encaixam e a criatividade encontrada no que é considerado “disfuncional”. A série reconhece a magia de ser um outsider e vê o potencial na imperfeição. \nEssas ideias são levadas ainda mais longe em novas esculturas híbridas criadas por Baghramian em um processo de troca com outros artistas. Elas brincam com a ideia de “passar adiante” e o encaixe de partes desencontradas. Esse espírito de colaboração lúdica também aparece em um desenho em evolução feito por crianças que visitam a SLG durante a exposição.
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SUMMARY:"Anya Gallaccio: preserve" na Turner Contemporary
DESCRIPTION:Vista da exposição “Anya Gallaccio: preserve”\, Turner Contemporary\, 2024 © Anya Gallaccio. Cortesia da artista e Turner Contemporary. Foto: Jo Underhill\n\n\n\n\nAnya Gallaccio: preserve é a maior exposição retrospectiva da artista britânica Anya Gallaccio até o momento. Abrangendo três décadas de prática radical\, a mostra reencena várias esculturas icônicas e inclui uma nova instalação específica para o local. A exposição destaca a abordagem constante de Gallaccio em repensar a relação entre arte e meio ambiente\, apresentando obras que se conectam com o patrimônio natural de Kent. \nDevido à natureza temporária de seu trabalho\, grande parte da obra de Gallaccio é conhecida principalmente através de fotografias documentais e memórias. Esta exposição introduz suas esculturas e instalações em grande escala para que uma nova geração possa explorar suas referências à sustentabilidade ambiental e à preservação de ecossistemas frágeis. \nReconhecida pelo uso inovador de materiais orgânicos e efêmeros\, como maçãs\, flores e giz\, e por suas explorações de transformação e impermanência\, Gallaccio redefiniu nosso entendimento sobre escultura contemporânea. \nComplementando a exposição de Gallaccio\, a Turner Contemporary desenvolveu um extenso programa escolar em parceria com a artista. Intitulado An Apple a Day\, o programa explora o campo de Kent\, seu patrimônio e história através da lente da maçã e dos pomares locais. Inspirada pelo trabalho da chef e ativista alimentar californiana Alice Waters\, Gallaccio busca integrar a natureza no cotidiano escolar de alunos de escolas primárias. \nEm colaboração com Kent Downs National Landscape\, DEFRA e Lees Court Estate\, este projeto sublinha o compromisso da Turner Contemporary com a sustentabilidade e celebra a relação entre arte\, ecologia e agricultura em Kent. Ao envolver os estudantes com o rico patrimônio dos pomares de maçãs da região\, o programa promove uma apreciação mais profunda da natureza e incentiva a responsabilidade ambiental desde cedo. \nAnya Gallaccio: preserve é curada por Melissa Blanchflower\, curadora sênior da Turner Contemporary. A mostra inaugura a nova série Art+Environment da Turner Contemporary\, com a pesquisa curatorial apoiada pela John Ellerman Foundation.
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SUMMARY:"Lygia Clark: The I and the You" na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Lygia Clark\, Diálogo de Óculos\, 1966. Foto: Eduardo Clark. Cortesia Associação Cultural O Mundo de Lygia Clark\n\n\n\n\n\n\n\n\nThe I and the You marca a primeira grande pesquisa em uma galeria pública do Reino Unido dedicada à artista brasileira pioneira e influente\, Lygia Clark (1920–1988\, Brasil). \nA exposição foca na jornada artística de Clark entre meados dos anos 1950 e início dos anos 1970\, um período particularmente volátil na história do Brasil\, no qual surgiram modos radicais de prática artística. Clark foi uma figura central no movimento Neo-Concreto brasileiro (1959–1961)\, que também incluía artistas como Amilcar de Castro\, Ferreira Gullar\, Hélio Oiticica e Lygia Pape. Frustrados com o que consideravam limitações da “arte concreta”\, com seu foco na abstração geométrica não figurativa\, os artistas neo-concretos começaram a buscar maior experimentação\, expressão\, cor e sensibilidade poética em suas práticas — além de propor uma mudança em como o público poderia participar das obras de arte. \nAbrangendo pinturas\, trabalhos em papel\, uma seleção dos renomados “Bichos” de Clark\, além de outras obras inovadoras participativas\, The I and the You mostra como as primeiras experimentações formais da artista e seu crescente interesse pela filosofia da experiência e o potencial terapêutico da arte levaram a uma gradual diminuição da distância entre a obra e o espectador. \nUm programa integrado de palestras públicas\, caminhadas e outros eventos participativos proporcionará mais contexto sobre a obra e a prática de Lygia Clark.
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LOCATION:Whitechapel Gallery\, 77-82 Whitechapel High St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Sonia Boyce: An Awkward Relation" na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Sonia Boyce\, Exquisite Tension\, 2006 © Sonia Boyce. Todos os direitos reservados\, DACS/Artimage 2024. Cortesia da artista\, APALAZZO GALLERY e Hauser & Wirth Gallery\n\n\n\n\n\n\n\n\nAn Awkward Relation é uma nova exposição da artista e educadora Sonia Boyce (nascida em 1962\, Londres\, Reino Unido). Concebida especialmente para dialogar com a mostra da artista brasileira Lygia Clark\, The I and the You\, em cartaz simultaneamente na galeria. \nBoyce conheceu o trabalho de Clark nos anos 1990 e sentiu uma forte afinidade com a prática experiencial e participativa da artista brasileira. An Awkward Relation reúne obras fundamentais e raramente vistas para explorar temas de interação\, participação e improvisação — elementos que têm desempenhado um papel decisivo na prática de Boyce desde os anos 1990 e refletem um interesse compartilhado com muitas das abordagens radicais que Clark pioneiramente introduziu em seu trabalho. \nEntre as obras em exibição estão uma série que explora a fascinação de Boyce pelo cabelo como material e símbolo cultural\, bem como a instalação multimídia We move in her way (2017). A exposição também oferece aos visitantes uma seção dedicada à interseção entre as práticas das duas artistas\, com uma seleção de obras emparelhadas de cada uma. \nAn Awkward Relation explora os sentimentos de envolvimento e desconforto inerentes a uma abordagem que convida os visitantes a se engajarem\, tocarem e experimentarem as obras e o ambiente de maneiras novas e espontâneas. O título da exposição reflete essa relação complexa e\, por vezes\, desafiadora entre artistas\, obras e públicos. Ele também reconhece que\, embora existam semelhanças entre os trabalhos de Boyce e Clark\, há diferenças claras que inevitavelmente surgem dos distintos contextos artísticos\, geográficos e sociopolíticos em que as artistas trabalharam\, bem como das intenções específicas por trás de suas práticas.
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LOCATION:Whitechapel Gallery\, 77-82 Whitechapel High St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:“Ghost and Spirit” de Mike Kelley na Tate Modern
DESCRIPTION:Mike Kelley\, Ahh…Youth!\, 1991\n\n\n\n\nDescubra os mundos elaborados\, provocativos e imaginários criados pelo artista experimental Mike Kelley. \nDe meados da década de 1970 até 2012\, Kelley produziu uma vasta obra que inclui desenho\, colagem\, performance\, objetos encontrados e vídeo. \nAbrangendo toda a carreira de Kelley\, a exposição apresenta suas esculturas de ‘artesanato’ feitas com têxteis e brinquedos de pelúcia\, além de suas instalações multimídia\, como Day Is Done. \nInspirando-se na cultura popular e underground\, na literatura e na filosofia\, Kelley explora como os papéis que desempenhamos na sociedade estão entrelaçados com fatos históricos e personagens imaginários dos filmes e imagens que consumimos. \nMais de uma década após sua morte\, as reflexões de Kelley sobre identidade e memória continuam a ressoar. \nOrganizada pela Tate Modern em colaboração com a Bourse de Commerce\, Paris\, K21\, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen\, Düsseldorf e Moderna Museet\, Estocolmo.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Holly Herndon & Mat Dryhurst: The Call" na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:© Leon Chew\, The Call\, Holly Herndon e Mat Dryhurst com sub\, Serpentine\, 2024\n\n\n\n\nOs artistas de Berlim Holly Herndon e Mat Dryhurst veem a IA como uma tecnologia de coordenação e comunicação\, assim como o canto tem sido há milênios. Historicamente\, técnicas de canto como chamada e resposta foram rituais de comunicação que levaram à construção de espaços e estruturas para reunir\, processar\, transmitir informações e criar significado na vida social e cívica. Assim como um coro\, onde muitas vozes individuais se tornam um coletivo\, os artistas propõem que a IA pode intensificar ainda mais essa transformação do individual para o coletivo. \nThe Call se concentra no desenvolvimento de novos protocolos e materiais para a criação de modelos corais de IA. Para treinar a IA\, Herndon e Dryhurst compuseram um cancioneiro com hinos\, exercícios de canto e um protocolo de gravação\, viajando com a equipe da Serpentine Arts Technologies para gravar quinze coros comunitários em todo o Reino Unido. Os coristas agora fazem parte de um experimento de Data Trust\, que permite a distribuição de poder entre os contribuintes dos dados de treinamento e aqueles que utilizam os modelos. \nA instalação de áudio espacial imersiva e interativa usa os modelos criados para ativar o ambiente em estilo capela da Serpentine North. Um ano de novos protocolos e materiais coletivamente criados para treinar IA são apresentados como novos artefatos para reunião e ritual\, co-projetados pelo estúdio de arquitetura sub. A obra nos oferece uma nova compreensão sobre a natureza conectada e coletiva da criação humana no século XXI.
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LOCATION:Serpentine North Gallery\, W Carriage Dr\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"The Imaginary Institution of India" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Gieve Patel\, Two Men with Hand Cart (detalhe)\, 1979 ® Gieve Patel. Cortesia do Peabody Essex Museum. Fotografia de Barbara Kennedy\nCom obras de mais de 30 artistas indianos\, esta importante exposição é marcada por dois eventos transformadores na história da Índia: a declaração do estado de emergência por Indira Gandhi em 1975 e os testes nucleares de Pokhran em 1998. O período entre esses anos foi repleto de agitação social\, colapso econômico e rápida urbanização. \nDentro dessa turbulência\, a vida cotidiana seguia em frente\, e os artistas criavam obras que destilavam episódios historicamente significativos\, além de momentos íntimos e experiências compartilhadas. Utilizando uma variedade de mídias\, as obras vibrantes e urgentes em exibição — sobre amizade\, amor\, desejo\, família\, religião\, violência\, casta\, comunidade e protesto — são documentos profundamente pessoais de um período de grandes mudanças. \nEsta é a primeira exposição institucional a cobrir esses anos decisivos\, com muitas obras nunca antes vistas no Reino Unido.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"The Lost Hours" de Farah Atassi na Almine Rech
DESCRIPTION:Farah Atassi\, Summer Night\, 2024. Cortesia Almine Rech\n\n\n\n\n\n\n\n\nFarah Atassi é conhecida por revisitar alguns dos grandes temas da pintura moderna e contemporânea em suas composições pulsantes. Estes variam desde naturezas-mortas até o balé mecânico e\, mais recentemente\, a relação entre o modelo e o artista. No entanto\, nenhum modelo jamais posou para Atassi. Em vez disso\, ela brinca com o arquétipo do modelo. Criadas a partir de um vocabulário artístico e histórico em sua mente\, as figuras em suas hipnotizantes obras são todas imaginárias. O mesmo vale para os estúdios de artistas e outros cenários que habitam suas pinturas. Nenhum desses espaços ou objetos faz parte do cotidiano de Atassi. Apropriando-se de um vocabulário de formas geométricas e modernistas depuradas\, suas pinturas se libertam de qualquer lógica representacional. \nAs composições cativantes de Atassi estão repletas de citações — até mesmo as nuvens parecem emanar de um repertório de obras de arte — gerando uma sensação de familiaridade visual e um senso de brincadeira\, reforçado pelo uso de cores ousadas e não moduladas\, combinadas nesta nova série com tons vibrantes como azul bebê\, lilás e rosa suave. As laranjas recorrentes de Henri Matisse fazem uma aparição inesperada à beira-mar em Lone Bather and Clouds 2 (2024). The Green Door cita Femme assise près d’une fenêtre (Marie-Thérèse) (1932)\, de Pablo Picasso. Uma composição em preto e branco no fundo de Summer Night (2024) é inspirada no Grand intérieur rouge (1948) de Matisse. Os montagens de Tom Wesselmann também vêm à mente. No entanto\, Atassi carrega essa herança de maneira leve e coreografa seus espaços fictícios com humor e determinação em sua obsessiva construção de espaço. \nA técnica de Atassi também contribui para essa meditação sobre a pintura. Feitas com tintas a óleo e glicerol\, as texturas das telas são deliberadamente deixadas rugosas e imperfeitas. Sugerindo mudanças que podem ter ocorrido durante o processo de produção\, quando vistas de perto\, a espessura desigual da tinta convida o espectador a percorrer as obras. Essa qualidade física reforça ainda mais o artifício orquestrado em suas criações. Desde a Renascença\, diz-se que a pintura é uma janela para a realidade. As obras de Farah Atassi\, no entanto\, afirmam que a pintura é uma janela para a própria pintura. \n— Devika Singh\, Professora de Curadoria no Courtauld Institute of Art e anteriormente Curadora de Arte Internacional na Tate Modern.
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LOCATION:Almine Rech Londres\, Grosvenor Hill\, Broadbent House\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Jonas Wood na Gagosian
DESCRIPTION:Jonas Wood\, Miami Shade House\, 2024 © Jonas Wood. Foto: Marten Elder\n\n\n\n\nA Gagosian apresenta uma exposição de novas pinturas de Jonas Wood\, que será inaugurada na galeria Grosvenor Hill em Londres no dia 7 de outubro de 2024. Nessas obras\, Wood expande a linguagem visual distinta que desenvolveu ao longo de duas décadas\, explorando as dinâmicas de cor\, padrão e espaço através do tratamento de temas recorrentes\, como plantas\, família e interiores. Simultaneamente exuberantes e obsessivas\, íntimas e imaginativas\, as pinturas em exibição — como grande parte do trabalho de Wood — são marcadas pela interação de aparentes opostos. \nAs composições de Wood são caracterizadas por mudanças abruptas\, o choque de passagens gráficas contrastantes e sutis variações de escala e perspectiva\, tudo dentro de um plano de imagem comprimido. Essas qualidades resultam de seu elaborado processo de estúdio: o artista trabalha a partir de fotografias que ele frequentemente altera e colage manualmente\, formando assim a base para os desenhos preparatórios a partir dos quais derivam as pinturas. Por meio dessas etapas\, ele transforma volumes\, superfícies e texturas em blocos densos de padrões e cores vibrantes. \nAs obras enfatizam sua natureza composta e plasticidade pictórica\, com efeitos de desestabilização gerados por elementos compositivos conflitantes. Japanese Garden with Temple (todas as obras de 2024)\, uma representação de um jardim em Quioto\, oscila entre o caos e a ordem\, entre o excesso e a economia\, enquanto uma cacofonia de flora e folhagem encontra um equilíbrio fora do comum. Em Self-Portrait with Home Depot Cart\, Joint\, and Phone\, que se baseia em várias fontes fotográficas\, a figura do artista — retratada em escala diminuta — praticamente desaparece em meio à alvenaria e ao mural de camuflagem no prédio ao fundo\, bem como no aglomerado de plantas à frente\, mas ainda assim ele permanece como o núcleo temático e compositivo da pintura.
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LOCATION:Gagosian Grosvenor Hill\, 20 Grosvenor Hill\, Londres
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SUMMARY:"The Bleed: Part I" de George Rouy na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Vista da exposição “The Bleed: Part I”. Cortesia Hauser & Wirth\n\n\n\n\nSurgindo como uma figura de destaque na nova geração de pintores\, George Rouy apresenta sua primeira exposição solo na Hauser & Wirth Londres\, intitulada “The Bleed\, Part I.” Esta mostra traz uma nova série de trabalhos que dão continuidade à sua investigação sobre massa coletiva\, multiplicidades e movimento\, além de modos de existência humana. O segundo capítulo\, “The Bleed\, Part II\,” será exibido na Hauser & Wirth Downtown Los Angeles em fevereiro de 2025. A dinâmica e característica abordagem de Rouy ao uso da figura humana\, permeada por desejo\, alienação e crise\, reflete as extremidades emocionais de nosso tempo\, explorando questões de identidade em um século XXI globalizado e tecnologicamente impulsionado.
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LOCATION:Hauser & Wirth Londres\, 23 Savile Row W1S 2ET\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Orixás: Personal Tales on Portraiture" de Gustavo Nazareno na Opera Gallery
DESCRIPTION:Gustavo Nazareno\, Eshu guiding a path (detalhe)\, 2024\n\n\n\n\n\n\n\n\nA Opera Gallery apresenta Orixás: Personal Tales on Portraiture\, uma exposição individual do artista paulista Gustavo Nazareno\, com curadoria de Samuele Visentin. Este evento marca o início da representação exclusiva de Nazareno pela galeria. \nNazareno desenvolveu uma linguagem artística única\, que faz uma ponte entre o espiritual e o contemporâneo. Sua obra é profundamente inspirada nas religiões afro-latinas\, especialmente o Candomblé brasileiro e seu panteão de divindades conhecidas como Orixás. A exposição reúne 16 pinturas a óleo e 25 desenhos a carvão\, através dos quais Nazareno convida o público a um mundo repleto de misticismo\, onde suas figuras reverenciam a ancestralidade e o sobrenatural. As figuras\, adornadas com trajes majestosos e ornamentação\, evocam tanto a pompa da alta-costura quanto a solenidade da iconografia religiosa. A linguagem visual de Nazareno homenageia influências diversas\, dos mestres renascentistas como Caravaggio à fotografia de moda contemporânea\, fundindo elementos antigos e modernos. A exposição não apenas celebra os Orixás\, mas também explora temas como negritude e resistência\, misticismo e o sobrenatural\, e as complexidades da ancestralidade e da diáspora. \nO curador Samuele Visentin reflete sobre a importância do trabalho de Nazareno: “Gustavo nos lembra da importância de encontrar um sentido pessoal de divindade\, dando forma a um panteão de Orixás cuja postura e presença corporificam e celebram o sincretismo visual do Candomblé.” \nOrixás: Personal Tales on Portraiture é uma jornada pela interseção entre misticismo\, ancestralidade e arte contemporânea\, representando um poderoso testemunho da natureza em constante evolução da identidade brasileira e do espírito duradouro da resiliência cultural. Convidamos você a experimentar esta extraordinária exibição de talento e visão.
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LOCATION:Opera Gallery\, 65-66 New Bond St\, Londres\, United Kingdom
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SUMMARY:"UMBRA" de Heemin Chung na Thaddaeus Ropac
DESCRIPTION:Vista da exposição “UMBRA”. Cortesia Thaddaeus Ropac\n\n\n\n\n\n\n\n\nMeu trabalho muitas vezes começa com uma sensação muito sutil e fugaz\, quase como um sussurro que transita entre o físico e o virtual. – Heemin Chung \nPara sua primeira exposição solo na Thaddaeus Ropac e também a primeira apresentação a ocorrer na Europa\, a artista Heemin Chung\, baseada em Seul\, traz uma nova série de pinturas\, esculturas e um vídeo. Suas obras exploram o impacto sensorial de estados transitórios — da escuridão à luz\, do virtual ao físico — na cidade em rápida transformação de Seul. Como Chung explica\, “Nesta cidade\, a tecnologia foi além da mera conveniência; ela alterou fundamentalmente nossa relação com o espaço e o tempo.” Intitulada UMBRA\, em referência às sombras profundas projetadas por corpos celestes\, a exposição desdobra um mundo de sombras\, réplicas e rituais. Esta investigação sobre nossa condição contemporânea inclui uma reimaginação do ritual funerário tradicional coreano Chobun. \nA interação entre o físico e o virtual\, o sentido e o replicado\, o visto e o não visto é central na obra de Chung. Para sua nova série de pinturas\, ela se inspirou nos objetos que encontra durante caminhadas matinais pelas ruas de Seul: desde detritos urbanos artificiais até elementos do mundo natural. Camadas translúcidas e brancas nublam fundos escuros com toques de roxo e rosa\, capturando a suavidade da luz\, a névoa e as graduações sutis de cor que ocorrem ao amanhecer.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Londres\, 37 Dover Street\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Searchers" de Robert Longo na Thaddaeus Ropac
DESCRIPTION:Vista da exposição “Searchers”. Cortesia Thaddaeus Ropac\n\n\n\n\n\n\n\n\nNunca olhamos para uma coisa apenas; estamos sempre observando a relação entre as coisas e nós mesmos. Nossa visão está continuamente ativa\, constantemente em movimento\, mantendo as coisas em um círculo ao nosso redor\, constituindo o que nos é presente conforme estamos. — John Berger\, Modos de Ver\, 1972 \nA ideia de montagem sempre fez parte do meu vocabulário… Quando você coloca imagens lado a lado\, o que acontece? Não estou interessado em pastiche ou colagem. Estou interessado em colisão. — Robert Longo\, 2024 \nRobert Longo reinventa seus Combines dos anos 1980 em Searchers\, uma exposição em duas partes apresentada nas galerias Thaddaeus Ropac e Pace\, em Londres. Suas novas obras multimídia monumentais refletem a ampla experimentação do artista americano com o potencial visual de diferentes meios ao longo de sua carreira. Em exibição na Thaddaeus Ropac\, Untitled (Pilgrim) estende-se por mais de sete metros de largura e é composto por cinco painéis\, cada um executado em uma mídia diferente. Incluindo um desenho em carvão\, um vídeo\, uma pintura\, uma escultura e uma fotografia\, Longo explora o potencial de “fazer um Combine de todas as maneiras possíveis para ver uma imagem” e\, como ele explica\, “de quase todas as formas que eu poderia trabalhar.” Concebidos como um par\, Untitled (Pilgrim) será apresentado simultaneamente com um segundo novo Combine\, Untitled (Hunter)\, em exibição na Pace\, coincidindo com importantes exposições solo de Longo no Museu ALBERTINA\, em Viena\, e no Museu de Arte de Milwaukee.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Londres\, 37 Dover Street\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Who’s Afraid of the Big Bad Wolves?" de Anna Weyant na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar Who’s Afraid of the Big Bad Wolves?\, a primeira exposição de Anna Weyant em Londres\, que será inaugurada na galeria da Davies Street em 8 de outubro de 2024. Em suas novas pinturas\, Weyant infunde elementos autobiográficos com um humor simbólico\, um clima portentoso e uma técnica refinada que marcaram sua estreia na Gagosian em Nova York em 2022\, com Baby\, It Ain’t Over Till It’s Over\, e em Paris em 2023\, com The Guitar Man. \nAs pinturas de figuras e retratos meticulosamente elaborados de Weyant minam as tentativas de seus sujeitos de manterem a compostura\, revelando gestos de uma estranha e trágica comicidade\, enquanto suas composições de natureza-morta dão aos objetos cotidianos um toque igualmente inquietante e onírico. As sete novas pinturas que compõem Who’s Afraid of the Big Bad Wolves? mantêm esse clima em cenários atmosféricos de distanciamento e isolamento. \nEm Girl in Window (todas as obras de 2024)\, os seios da figura são vistos através de uma pequena janela\, enquanto sua cabeça e ombros estão cobertos por uma cortina de tecido. Uma videira se enrola na borda da janela\, e uma folha em forma de coração cobre o mamilo esquerdo como uma folha de figueira em uma estátua clássica. Esse jogo semiótico e de retraimento evoca uma carga surreal que dialoga com a referência ao conto de fadas presente no título da exposição\, ecoando trabalhos anteriores de Weyant\, como as perturbadoras representações de casas de bonecas em House Exterior (2023). \nEm It’s Coming from inside the House\, uma figura sentada se esconde atrás de um grande jornal em branco\, tornando-se completamente inacessível e misteriosa tanto dentro do mundo da imagem quanto para o espectador. Here\, My Dear incorpora um retrato emoldurado de uma mulher que olha por cima do ombro esquerdo\, com a luz de uma janela incidindo sobre a parede onde o retrato invertido repousa. A posição desalinhada do retrato contribui para uma tensão e ambiguidade que sugerem uma contínua reavaliação de identidade e de papéis.
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LOCATION:Gagosian Davies Street\, 17–19 Davies Street\, Londres\, United Kingdom
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SUMMARY:"In the Right Conditions we are Indistinguishable" de Genesis Belanger na Pace Gallery
DESCRIPTION:Genesis Belanger\, Self-awareness\, 2024 © Genesis Belanger\, cortesia da artista e da Pace Gallery. Fotografia de Pauline Shapiro\n\n\n\n\nA Pace apresenta a primeira exposição individual de Genesis Belanger em Londres\, na galeria de Hanover Square\, em exibição de 9 de outubro a 9 de novembro. \nEm In the Right Conditions we are Indistinguishable\, Belanger explora as complexidades mutantes da auto-curadoria\, do trabalho doméstico e de nossa relação com a natureza por meio de catorze novos grupos escultóricos. Estas obras\, criadas com a paleta mais saturada da artista até o momento\, marcam uma evolução empolgante em termos de tema e materialidade em sua prática. \nTrabalhando com porcelana\, cerâmica\, metal\, madeira e pintura\, a artista de Nova York Genesis Belanger cria tableaux que criticam a estética da produção e consumo capitalistas. Seu trabalho é caracterizado por uma linguagem visual idiossincrática que transforma objetos cotidianos em substitutos sedutores\, mas inquietantes\, para emoções humanas e ansiedades sociais. Com experiência como assistente de estilo de props\, as instalações de Belanger imitam as estratégias semióticas da publicidade — utilizando beleza\, nostalgia e humor para provocar respostas psicológicas. No entanto\, em suas mãos\, esses símbolos familiares são recontextualizados\, passando de ferramentas de persuasão a agentes de reflexão crítica.
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LOCATION:Pace Gallery Londres\, 5 Hanover Square\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Searchers" de Robert Longo na Pace Gallery
DESCRIPTION:Pace e Thaddaeus Ropac apresentam Searchers\, uma exposição em duas partes com novos trabalhos de Robert Longo\, em exibição a partir de 9 de outubro nas galerias de Londres de ambas as instituições. \nCada apresentação incluirá uma nova obra da série Combine — monumentais obras multimídia de parede\, compostas por cinco painéis\, que retomam a série homônima do artista de 1981-89. Além disso\, a mostra contará com um grande desenho em carvão\, um pequeno desenho a grafite e um filme. Ao fragmentar e remontar símbolos de uma mitologia cultural coletiva\, esses trabalhos dão continuidade à longa investigação de Longo sobre a relação entre o indivíduo e a sociedade. \nRobert Longo é amplamente reconhecido por seus desenhos em carvão hiper-realistas em grande escala. Essas obras monocromáticas frequentemente retratam imagens de fontes históricas da arte\, além de cenas de protesto\, agitação civil\, violência\, guerra e outros eventos sociais e políticos. Como figura central da Geração Pictures dos anos 1970 e 1980\, sua relação crítica com a cultura midiática daquela época se intensificou em meio aos métodos cada vez mais sofisticados de distribuição de imagens e ao clima global tumultuado. Longo seleciona\, altera e amplia imagens de televisão\, cinema\, fotografias de notícias\, fotos pessoais e internet\, congelando sua imediaticidade por meio do processo deliberado e minucioso de desenhar. Com isso\, ele convida o público a reconsiderar seu papel como consumidor no cenário saturado de imagens da atualidade.
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LOCATION:Pace Gallery Londres\, 5 Hanover Square\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Oscar Murillo: A balancing act between collapse and spirit" na David Zwirner
DESCRIPTION:Oscar Murillo\, manifestation\, 2023-2024. Cortesia David Zwirner\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nOscar Murillo é um artista colombiano cuja prática variada e itinerante explora temas de troca cultural e a interconexão de ideias\, idiomas e objetos cotidianos. Nascido em 1986\, Murillo transita entre pinturas\, esculturas\, instalações e projetos colaborativos\, refletindo em seu trabalho um forte foco na circulação e mistura de elementos culturais. \nDarkness a place of radical freedom \nMarkings\, reading and sending telegrams… constellations of thoughts and gestures \nUntraceable landscapes. Concealed – irrational! \nFields of despair—scarred. \nThe playhouse of imperiled spirits \nAs our world becomes ever more hostile I must go home and be safe—I send to you these telegrams—telegrams of sympathy. \nbruised and bleeding. \nThese words started with the untimely departure of my mentor Okwui Enwezor\, in 2019—it was also the first time I thought of Manifestations. Manifestations now need to be Protests… \nA decade ago on the eve of All the World’s Futures we spoke of The Artist as Producer in Times of Crisis\, a devastating crisis. \nWe miss you \n—Oscar Murillo\, Julho 2024
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LOCATION:David Zwirner\, 24 Grafton St London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Haegue Yang: Leap Year" na Hayward Gallery
DESCRIPTION:Haegue Yang\, “The Randing Intermediates – Underbelly Alienage Duo”\, 2020. Cortesia Hayward Gallery\n\n\n\n\nO trabalho de Haegue Yang abrange uma vasta gama de mídias – desde colagens em papel até esculturas performativas e grandes instalações sensoriais. \nSua inspiração é igualmente diversificada\, englobando histórias e costumes variados\, incluindo tradições e folclore do Leste Asiático\, modernismo\, história da arte contemporânea e a natureza. Yang utiliza uma variedade de artesanatos\, técnicas e materiais\, explorando as conotações culturais que esses elementos carregam. Suas obras frequentemente apresentam objetos domésticos e industriais\, como varais de secagem\, lâmpadas\, sinos metálicos\, pompons de náilon\, fios tricotados à mão e hanji (papel coreano). \nLeap Year é a primeira grande retrospectiva dessa aclamada artista internacional no Reino Unido. A mostra oferece um estudo abrangente de sua obra\, desde o início dos anos 2000 até os dias de hoje\, destacando como seus trabalhos ressoam em um nível pessoal e sensorial\, ao mesmo tempo em que abordam questões sociais\, políticas e espirituais. \nA exposição inclui obras-chave de algumas de suas séries mais notáveis\, como Light Sculptures e Sonic Sculptures\, complementadas por três novas grandes comissões e diversas produções inéditas. \nEssas obras integram uma ampla gama de experiências visuais e sensoriais através de instalações\, esculturas\, colagens\, textos\, vídeos\, papéis de parede e sons. Yang (nascida em 1971\, em Seul) vive e trabalha entre Berlim e Seul. Seus ambientes multissensoriais incentivam a percepção além do visual\, criando experiências imersivas que destacam temas como trabalho\, migração e deslocamento. \nEla recentemente apresentou exposições individuais no Helsinki Art Museum (2024); National Gallery of Australia\, Canberra (2023); S.M.A.K.\, Ghent (2023); e Pinacoteca de São Paulo (2023).
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LOCATION:Hayward Gallery\, Hayward Gallery\, Southbank Centre\, Belvedere Rd\, Londres\, Reino unido
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