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SUMMARY:"Lucian Freud's Etchings" no V&A Museum
DESCRIPTION:Pluto Aged Twelve\, prova de teste de gravura\, de Lucian Freud\, impressa por Marc Balakjian\, 2000\, Londres\n\n\n\nLucian Freud’s Etchings: A Creative Collaboration é uma exposição que destaca um aspecto menos conhecido da obra do renomado artista britânico do século 20\, Lucian Freud. Mais conhecido por suas pinturas figurativas\, Freud também produziu muitas gravuras\, muitas vezes retratando os mesmos temas e modelos de suas pinturas. A mostra apresenta 38 dessas impressões intricadas e íntimas\, explorando a prática de gravura de Freud. \n\n\n\nEsta coleção\, adquirida em 2019\, inclui provas nunca antes exibidas que oferecem novas perspectivas sobre o processo criativo do artista e sua abordagem distinta à gravura. Entre os destaques estão retratos de figuras como Leigh Bowery e estudos de seu cão de estimação\, além do único autorretrato gravado de Freud. A exposição\, gratuita\, fica em exibição até 25 de agosto de 2024.
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SUMMARY:"Yoko Ono: Music of the Mind" na Tate Modern
DESCRIPTION:Yoko Ono\, Half-A-Room\, 1967 de HALF-A-WIND SHOW\, Lisson Gallery\, Londres\, 1967. Foto © Clay Perry\n\n\n\nYoko Ono é pioneira da arte conceitual e participativa\, do cinema e da performance\, uma celebrada musicista e uma formidável defensora da paz mundial. Desenvolvendo sua prática nos Estados Unidos\, Japão e Reino Unido\, as ideias são centrais em sua arte\, frequentemente expressas de maneiras poéticas\, humorísticas\, profundas e radicais. \n\n\n\nAbrangendo mais de sete décadas\, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND é a maior exposição do Reino Unido que celebra momentos-chave na carreira inovadora\, influente e multidisciplinar de Ono\, desde meados da década de 1950 até hoje – incluindo seus anos em Londres\, onde conheceu seu futuro marido e colaborador de longa data\, John Lennon. \n\n\n\nA mostra traça o desenvolvimento de sua prática e explora algumas das obras e performances mais comentadas e poderosas de Ono. Isso inclui Cut Piece (1964)\, onde as pessoas eram convidadas a cortar suas roupas\, até seu filme banido Film No.4 (Bottoms) (1966-67)\, que ela criou como um ‘pedido pela paz’. Os visitantes são convidados a participar de atos simples de imaginação e encontros ativos com as obras de Ono\, como as Wish Trees for London\, onde os visitantes podem contribuir com desejos pessoais pela paz. \n\n\n\nO público descobrirá mais de 200 obras\, incluindo peças de instrução\, partituras\, instalações\, filmes\, música e fotografia. A exposição revela uma abordagem inovadora à linguagem\, arte e participação que continua a falar ao momento presente. \n\n\n\nApoiado por John J. Studzinski CBE \n\n\n\nA exposição é organizada pela Tate Modern\, Londres\, em colaboração com Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen\, Düsseldorf.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Yinka Shonibare CBE: Suspended States" na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:Yinka Shonibare CBE\, Decolonised Structures\, 2022-23. Cortesia do artista e da Goodman Gallery. Foto: Stephen White & Co. © Yinka Shonibare CBE\n\n\n\nPor mais de 30 anos\, Yinka Shonibare CBE tem utilizado a história da arte e a literatura ocidentais para explorar a cultura contemporânea e as identidades nacionais. “Suspended States” é a primeira exposição solo do artista em Londres em mais de 20 anos. Ela apresenta novas obras que investigam como os sistemas de poder afetam locais de refúgio\, debates sobre estátuas públicas\, o impacto ecológico da colonização e o legado do imperialismo sobre conflitos e tentativas consequentes de paz. \n\n\n\nA exposição inclui duas novas instalações principais na Serpentine South. “Sanctuary City” (2024) é composta por miniaturas de edifícios que representam locais de refúgio para grupos perseguidos e vulneráveis. “The War Library” (2024) consiste em 5.000 livros encadernados em tecido de cera holandesa\, representando conflitos e tratados de paz. \n\n\n\nAo longo da exposição\, o uso característico de Shonibare do tecido de cera holandesa simboliza a relação entrelaçada entre a África e a Europa. Esse tecido de cores vibrantes foi inspirado em designs de batique indonésio\, produzido em massa pelos holandeses e eventualmente vendido às colônias britânicas na África Ocidental\, onde mais tarde foi denominado ‘estampa africana.’ Em “Decolonised Structures” (2022-2023)\, o artista pinta esses padrões em suas réplicas em menor escala das grandes esculturas públicas de Londres. Reconstruindo figuras coloniais como a Rainha Vitória e Herbert Kitchener\, Shonibare questiona o papel e a presença desses monumentos. \n\n\n\nOutras obras destacam estilos de vida luxuosos sustentados pela colonização e a importância da arte africana para a cultura global. Shonibare também faz conexões entre a história da xenofobia e o impacto da colonização no meio ambiente em seus quilts\, incluindo sua nova série “African Bird Magic” (2024). \n\n\n\nA exposição também destaca a prática social de Shonibare\, incluindo seu espaço experimental Guest Project em Hackney e a Guest Artist Space (G.A.S.) Foundation\, que ele lançou na Nigéria em 2019.
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LOCATION:Serpentine North Gallery\, W Carriage Dr\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Expressionists: Kandinsky\, Münter and The Blue Rider" na Tate Modern
DESCRIPTION:Gabriele Münter\, Jawlensky and Werefkin\, 1909\, Lenbachhaus Munique\, Doação de Gabriele Münter\, 1957 © DACS 2024\n\n\n\nExplore o trabalho inovador de um círculo de amigos e colaboradores próximos conhecido como The Blue Rider. No início do século 20\, eles se uniram para formar\, em suas próprias palavras\, “uma união de vários países para servir a um propósito” – transformar a arte moderna. Os artistas se reuniram em torno de Wassily Kandinsky e Gabriele Münter para experimentar cor\, som e luz\, criando uma arte ousada e vibrante. \n\n\n\nExpressionists é uma história de amizades contada através da arte. A exposição examina os criativos altamente individuais que compunham The Blue Rider\, desde o interesse de Franz Marc pela cor até a performance freestyle de Alexander Sacharoff. As artistas mulheres desempenharam um papel central no movimento. Descubra as fotografias experimentais de Gabriele Münter ao lado das pinturas dramáticas de Marianne Werefkin. \n\n\n\nExperimente uma coleção de obras-primas\, desde pinturas\, esculturas e fotografias até performance e som. Esta exposição marcante é possível graças à colaboração com a Lenbachhaus\, Munique\, que ofereceu à Tate um acesso sem precedentes à sua coleção. A exposição apresenta mais de 130 obras – reunidas no Reino Unido pela primeira vez em mais de 60 anos.
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SUMMARY:"Now You See Us: Women Artists in Britain 1520-1920" na Tate Britain
DESCRIPTION:Laura Knight\, The Dark Pool\, 1908-1918\, Laing Art Gallery (Tyne and Wear Archives & Museums) © Estate of Dame Laura Knight\, 1877-1970 (Worthing\, Reino Unido)\n\n\n\nAbrangendo 400 anos\, esta exposição acompanha a jornada das mulheres em sua trajetória para se tornarem artistas profissionais. Desde os tempos Tudor até a Primeira Guerra Mundial\, artistas como Mary Beale\, Angelica Kauffman\, Elizabeth Butler e Laura Knight abriram um novo caminho artístico para gerações de mulheres. Elas desafiaram o que significava ser uma mulher trabalhadora na época\, indo contra as expectativas da sociedade ao terem carreiras comerciais como artistas e participarem de exposições públicas. \n\n\n\nCom mais de 150 obras\, a mostra desmonta os estereótipos em torno das mulheres artistas na história\, frequentemente consideradas amadoras. Determinadas a alcançar o sucesso e recusando-se a serem limitadas\, elas ousadamente pintaram temas geralmente atribuídos a artistas homens: peças históricas\, cenas de batalha e o nu. \n\n\n\nA exposição lança luz sobre como essas artistas defenderam o acesso igualitário ao treinamento em arte e à adesão às academias\, quebrando barreiras e superando muitos obstáculos para estabelecer o que significava ser uma mulher no mundo da arte.
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SUMMARY:"Fragile Beauty" no V&A Museum
DESCRIPTION:Elton John\, Egg On His Face\, Nova York\, David LaChapelle\, 1999\n\n\n\nApresentando mais de 300 impressões raras de 140 fotógrafos\, “Fragile Beauty” é uma importante exibição de fotografia dos séculos 20 e 21\, emprestada da coleção particular de Sir Elton John e David Furnish. \n\n\n\nSelecionadas de uma coleção de mais de 7.000 imagens\, as fotografias (muitas das quais serão exibidas publicamente pela primeira vez) são imagens que definem eras e exploram a conexão entre força e vulnerabilidade inerente à condição humana. \n\n\n\nA exposição cobre o período de 1950 até os dias atuais\, reunindo uma seleção incomparável dos principais fotógrafos do mundo para contar a história da fotografia moderna e contemporânea. Entre as obras celebradas está uma instalação monumental de 149 impressões de Nan Goldin da sua série “Thanksgiving”\, bem como imagens de Robert Mapplethorpe\, Cindy Sherman\, William Eggleston\, Diane Arbus\, Sally Mann\, Zanele Muholi\, Ai Weiwei\, Carrie Mae Weems e outros. \n\n\n\nAquisições recentes também estão em exibição\, incluindo obras de Tyler Mitchell\, Trevor Paglen e An-My Lê. Essas se juntam a algumas das primeiras aquisições feitas por John\, incluindo fotografias de moda por Horst P. Horst\, Irving Penn e Herb Ritts. \n\n\n\nMarcando 30 anos de coleção\, a exposição celebra a paixão de Elton John e David Furnish pela fotografia e reflete seu gosto pessoal e olhar único como colecionadores. Ao longo de oito seções temáticas\, “Fragile Beauty” explora temas como moda\, reportagens\, celebridades\, o corpo masculino e a fotografia americana. Retratos de estrelas do palco e da tela também são apresentados\, incluindo fotografias de Aretha Franklin\, Elizabeth Taylor\, The Beatles e Chet Baker. Muitas fotografias na exposição respondem a temas de perseguição\, resistência e momentos chave na história\, incluindo imagens do movimento dos direitos civis dos anos 1960\, ativismo contra a AIDS dos anos 1980 e os eventos de 11 de setembro de 2001.
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SUMMARY:"Judy Chicago: Revelations" na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:Judy Chicago\, In the Beginning\, from Birth Project (detalhe)\, 1982. © Judy Chicago/Artists Rights Society (ARS)\, Nova York; Foto: © Donald Woodman/ARS\, NY\n\n\n\nJudy Chicago (nascida em 1939\, Chicago\, EUA) ganhou destaque no final dos anos 1960 ao criar obras a partir de uma perspectiva centrada na mulher\, desafiando o cenário dominado por homens no mundo da arte. Uma artista polímata\, o trabalho de Chicago é caracterizado pelo compromisso com o artesanato e a experimentação\, evidentes em seus temas\, metodologia e escolha de materiais. \n\n\n\nAo longo de sua carreira de seis décadas\, Chicago contestou a ausência e o apagamento das mulheres no cânone cultural ocidental\, desenvolvendo uma linguagem visual distinta que dá visibilidade às suas experiências. Seus projetos individuais e colaborativos abordam temas como nascimento\, masculinidade\, identidade judaica\, noções de poder\, extinção e uma preocupação de longa data com a justiça climática. \n\n\n\nEsta exposição\, a maior apresentação solo da artista em uma instituição de Londres\, leva o nome de um manuscrito iluminado inédito que Chicago escreveu no início dos anos 1970 enquanto criava “The Dinner Party” (1974–79) – uma instalação monumental que simboliza as conquistas de 1038 mulheres\, agora permanentemente alojada no Brooklyn Museum\, em Nova York. Coincidindo com a exposição\, o manuscrito será publicado pela primeira vez pela Serpentine e Thames & Hudson. Ele oferece uma reinterpretação radical da história e uma visão de um mundo justo e equitativo. \n\n\n\nOrganizada tematicamente em torno dos capítulos do manuscrito\, a exposição foca no desenho – um meio que Chicago explorou por mais de seis décadas. Traçando o arco da carreira da artista\, a exposição reúne obras de arquivo e nunca antes vistas\, obras abstratas e minimalistas do início dos anos 1960 e 70; uma instalação de vídeo imersiva com imagens de suas performances site-specific que utilizavam fumos coloridos e fogos de artifício; estudos preparatórios relacionados a grandes projetos como “The Dinner Party” (1974–79)\, “Birth Project” (1980–85) e “PowerPlay” (1982–87)\, além de cadernos e diários de esboços que revelam seu processo de trabalho e anos de pesquisa. Essas obras são amplificadas por elementos multidisciplinares e participativos\, incluindo um aplicativo de realidade aumentada\, uma cabine de gravação de vídeo e componentes audiovisuais que permitem aos visitantes descobrir a amplitude da prática de Chicago.
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SUMMARY:"Alvaro Barrington: Grace" na Tate Britain
DESCRIPTION:Alvaro Barrington\, Grace\, 2024 © Tate\n\n\n\nAlvaro Barrington apresenta uma nova instalação na Tate Britain\, explorando identidade e pertencimento em três partes\, homenageando sua avó\, irmã e mãe. Inspirado por memórias pessoais\, Barrington retrata desde a casa caribenha de sua avó\, com uma tempestade no telhado de zinco\, até a energia do Carnaval. As Galerias Duveen da Tate Britain são transformadas com som\, cor e textura. Barrington celebra as pessoas e lugares que nos fazem sentir pertencentes\, explorando como sua avó\, mãe e irmã na comunidade caribenha britânica mostraram graça e resiliência. \n\n\n\nCuradoria de Dominique Heyse-Moore\, Hannah Marsh\, Sade Sarumi e Chloe Hodge.
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SUMMARY:Zanele Muholi na Tate Modern
DESCRIPTION:Zanele Muholi\, Manzi I\, West Coast\, Cape Town (detalhe)\, 2022. Cortesia da artista e da Yancey Richardson Gallery © Zanele Muholi\n\n\n\nZanele Muholi é uma das fotógrafas mais aclamadas da atualidade\, com obras exibidas em todo o mundo. Com mais de 260 fotografias\, esta exposição apresenta a amplitude de sua carreira até o momento. \n\n\n\nMuholi se descreve como uma ativista visual. Desde o início dos anos 2000\, documenta e celebra as vidas das comunidades negras de lésbicas\, gays\, trans\, queer e intersexuais da África do Sul. \n\n\n\nNa série inicial “Only Half the Picture”\, Muholi captura momentos de amor e intimidade\, bem como imagens intensas que aludem a eventos traumáticos – apesar da igualdade prometida pela constituição sul-africana de 1996\, a comunidade LGBTQIA+ continua sendo alvo de violência e preconceito. \n\n\n\nEm “Faces and Phases”\, cada participante olha diretamente para a câmera\, desafiando o espectador a manter o olhar. Estas imagens e os testemunhos que as acompanham formam um arquivo crescente de uma comunidade de pessoas que arriscam suas vidas vivendo de forma autêntica frente à opressão e discriminação. \n\n\n\nOutras séries importantes incluem “Brave Beauties”\, que celebra pessoas não-binárias e mulheres trans empoderadas\, muitas das quais venceram concursos de beleza Miss Gay\, e “Being”\, uma série de imagens ternas de casais que desafiam estereótipos e tabus. \n\n\n\nMuholi volta a câmera para si na série contínua “Somnyama Ngonyama” – traduzido como “Salve a Leoa Negra”. Estas imagens poderosas e reflexivas exploram temas como trabalho\, racismo\, eurocentrismo e política sexual. \n\n\n\nA exposição é baseada na mostra da artista de 2020-21 na Tate Modern e incluirá novas obras produzidas desde então.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Six Lives" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Catarina Parr\, atribuída a Master John\, c. 1547-8. Foto: Fraser Marr Photography. Coleção Particular\, Londres.\n\n\n\nPinturas Tudor por Hans Holbein e fotografias contemporâneas de Hiroshi Sugimoto se encontram na primeira exposição de retratos históricos da National Portrait Gallery desde sua reabertura\, apresentando um estudo das vidas e pós-vidas das seis mulheres que se casaram com Henrique VIII. \n\n\n\nSix Lives narra a representação de Catarina de Aragão\, Ana Bolena\, Jane Seymour\, Ana de Cleves\, Catarina Howard e Catarina Parr ao longo da história e da cultura popular nos séculos desde que viveram. Como uma fonte frequente de fascinação\, as histórias dessas seis mulheres inspiraram repetidamente escritores e artistas de todos os tipos a tentar desvendar a “verdade” de suas vidas: seus caracteres\, suas aparências e seus relacionamentos. De pinturas históricas\, desenhos e efêmeras a fotografias contemporâneas\, figurinos e filmes\, a exposição utiliza uma riqueza de materiais factuais e fictícios para apresentar a vida\, o legado e a representação de seis mulheres que mudaram para sempre o cenário da história inglesa.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"NAOMI: In Fashion exhibition" no V&A Museum
DESCRIPTION:Naomi Campbell. Imagem: Divulgação V&A Museum\n\n\n\nNAOMI: In Fashion explora os 40 anos inigualáveis da carreira da modelo e ícone cultural Naomi Campbell. Após ser descoberta em Covent Garden aos 15 anos\, Campbell rapidamente ganhou destaque na indústria e fez história alguns anos depois\, aos 18\, ao se tornar a primeira modelo negra a estampar a capa da Vogue Paris\, em agosto de 1988. \n\n\n\nProduzida em colaboração com Campbell e destacando sua voz e perspectiva\, NAOMI: In Fashion é a primeira exposição a celebrar a habilidade e a contribuição de uma modelo individual para a indústria da moda. A exposição conta com o extenso guarda-roupa de alta-costura e prêt-à-porter de Campbell\, incluindo peças de momentos-chave de sua carreira\, além de empréstimos de arquivos de designers e objetos das coleções do V&A. Entrelaçado está o ativismo de Campbell\, que desde cedo defendeu a equidade\, juntando-se à Black Girls Coalition em 1989 e liderando a edição de 2007 da Vogue Itália\, chamada “A Black Issue”\, que clamava por diversidade nas passarelas. \n\n\n\nBecoming Naomi \n\n\n\nA exposição começa com clipes impactantes de Campbell na passarela\, ilustrando seu lendário “andar”. A primeira seção\, “Becoming Naomi”\, explora a infância de Campbell e fundamenta seu sucesso posterior em seu treinamento inicial de dança. Nascida em 1970 no sul de Londres\, ela aspirava a uma carreira no palco e se apresentou em videoclipes dos anos 1980 para artistas como Bob Marley e Culture Club. Sua vida mudou aos 15 anos\, quando foi abordada pela agente de modelos Beth Boldt enquanto fazia compras com amigos da escola. Dois anos depois\, ela estaria na capa da Vogue e desfilando para renomados designers em Londres\, Paris\, Milão e Nova York. \n\n\n\nSupermodel \n\n\n\nCampbell entrou na moda em um momento de mudança. No início dos anos 1990\, o termo supermodelo – ou modelo que se tornou celebridade internacional – era amplamente usado em referência direta a Campbell e um pequeno grupo de colegas. A moda havia se tornado entretenimento de massa e Campbell estava no centro dessa emoção\, sendo apoiada por designers líderes como John Galliano\, Gianni Versace\, Karl Lagerfeld\, Vivienne Westwood e Yves Saint Laurent. Ela se tornou conhecida por sua presença superlativa na passarela\, enquanto seu trabalho com fotógrafos de destaque criou algumas das imagens mais memoráveis da época. Simultaneamente\, ela transcendeu o mundo da moda\, atuando em videoclipes\, lançando seu próprio perfume e se tornando uma defensora da diversidade. \n\n\n\nAzzedine Alaïa \n\n\n\nA próxima seção foca na relação pessoal e profissional de Campbell com o falecido designer Azzedine Alaïa\, nascido na Tunísia e baseado em Paris\, a quem ela conheceu durante seus primeiros dias em Paris e a quem chamou de “Papa”. Famoso por seus designs que acentuam as formas\, Alaïa via o físico escultural de Campbell como “um corpo perfeito”\, o que inspirou grande parte de seu trabalho. Juntos\, criaram momentos mágicos na passarela e editoriais de destaque. \n\n\n\nNew York \n\n\n\nCampbell se mudou para Nova York aos 17 anos\, dividindo um apartamento com a colega modelo Christy Turlington antes de garantir seu próprio lugar na East 30th Street. Campbell mergulhou na vibrante cena da moda da cidade\, forjando amizades duradouras com designers e outros da indústria\, de Marc Jacobs a Anna Sui\, relações que resistiriam ao teste do tempo. \n\n\n\nThe spotlight \n\n\n\nDesde o início dos anos 1990\, Campbell tem sido uma das modelos mais destacadas do mundo – e uma das mulheres negras mais reconhecidas – na televisão\, nos celulares\, em videoclipes e jornais. A seção “The spotlight” explora um momento biográfico muito divulgado quando Campbell cumpriu um período de serviço comunitário por ordem judicial. Em exibição está o vestido Dolce & Gabbana que Campbell usou em seu último dia de serviço comunitário – um look que ela vestiu em resposta aos paparazzi que capturavam sua chegada e partida todos os dias. \n\n\n\nExemplar \n\n\n\nA próxima seção examina Naomi Campbell como um exemplo na área\, focando em suas colaborações iniciais com casas de moda como Dolce & Gabbana\, Vivienne Westwood e Jean Paul Gaultier. Formadas quando Campbell era jovem\, essas conexões evoluíram para amizades colaborativas de décadas\, com designers valorizando sua habilidade de glamourizar qualquer roupa e modelar os conjuntos mais difíceis com aparente facilidade. \n\n\n\nCurada por Edward Enninful OBE\, uma seleção de fotografias na exposição destaca a alquimia única de Campbell com a câmera. Apresentando trabalhos de fotógrafos mundialmente renomados como Steven Meisel\, Arthur Elgort\, Patrick Demarchelier e David Bailey\, Campbell tem um profundo respeito por aqueles com quem trabalha\, reconhecendo seu talento artístico e visão\, e colaborando para alcançar a imagem que eles têm em mente.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Francis Alÿs: Ricochets" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Crédito: Children’s Games #40 Chivichanas\, Havana\, Cuba\, 2023. 443 min. Em colaboração com Julien Devaux e Félix Blume.\n\n\n\nUma nova exposição imersiva celebrando a universalidade e a engenhosidade do brincar: Ricochets é a maior mostra institucional no Reino Unido do renomado artista internacional Francis Alÿs em quase 15 anos. \n\n\n\nNas últimas duas décadas\, Alÿs viajou pelo mundo para filmar a aclamada série Children’s Games: desde “dança das cadeiras” no México\, até “pular sapo” no Iraque\, “pular corda” em Hong Kong e “lobo e cordeiro” no Afeganistão. \n\n\n\nRicochets transforma nossa galeria em um playground cinematográfico: ao longo da exposição\, os visitantes serão imersos em instalações de filmes multi-tela focadas em brincadeiras infantis. Desde 1999\, Alÿs tem registrado crianças brincando em diferentes contextos e ambientes ao redor do mundo. Junto com a primeira apresentação de Children’s Games no Reino Unido\, a exposição estreia uma nova série de filmes animados que retratam tanto jogos de mãos tradicionais quanto menos conhecidos\, jogados por crianças e adultos.
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SUMMARY:"Anthony McCall: Solid Light" na Tate Modern
DESCRIPTION:Anthony McCall. “Split Second (Mirror)” (2018). Vista da instalação\, Sean Kelly Gallery\, Nova York\, 2018. Fotografia de Dan Bradica\n\n\n\n\nSeus movimentos e interações dão vida às obras dentro de Solid Light\, uma exposição focada nas instalações imersivas de Anthony McCall. \nFeixes de luz projetados através de uma fina névoa criam formas tridimensionais grandes no espaço\, que mudam e se transformam lentamente. Ao se mover por essas esculturas translúcidas de luz\, você cria novas formas e descobre perspectivas fascinantes. \nPosicionada entre escultura\, cinema\, desenho e performance\, McCall é conhecido por suas instalações inovadoras de luz. Em 1973\, sua obra seminal Line Describing a Cone redefiniu as possibilidades da escultura. \nAnthony McCall é apresentado na The George Economou Gallery. \nCuradoria de Gregor Muir\, Diretor de Coleção de Arte Internacional\, Tate Modern\, e Andrew de Brún\, Curador Assistente de Arte Internacional\, Tate Modern.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Firelei Báez: Sueño de la Madrugada" na South London Gallery
DESCRIPTION:Vista da instalação Firelei Báez: Sueño de la Madrugada\, 2024. South London Gallery. Foto: Above Ground\n\n\n\n\nSueño de la Madrugada é a primeira exposição individual de Firelei Báez no Reino Unido. Conhecida por suas pinturas marcantes\, ela também cria desenhos\, instalações e esculturas. Báez ocupa a South London Gallery com novas instalações imersivas e grandes pinturas abstratas. Ela usa cores ricas\, elementos da natureza\, som e luz para refletir sobre histórias coloniais complexas. \n\n\n\nA exposição é uma percurso por espaços onde ecologia\, poder e resistência interagem. \n\n\n\nAtravés de pesquisa e envolvimento crítico com arquivos\, Báez examina os legados da diáspora afro-caribenha. Para ela\, mitos e folclore são ferramentas de resistência cultural e espiritual. Sueño de la Madrugada compartilha histórias da Ciguapa\, uma figura mitológica do folclore dominicano; Atabey\, o espírito mãe-terra Taino; Oshun\, a deusa iorubá dos rios\, amor\, beleza e prosperidade; e Erzili\, um espírito do amor do Vodou haitiano. \n\n\n\nEssas figuras míticas convidam os espectadores a reconsiderar o que significa ser humano e a imaginar a liberdade das restrições terrenas. \n\n\n\n“Minhas obras são proposições\, destinadas a criar passados alternativos e futuros potenciais\, questionando a história e a cultura para proporcionar um espaço para reavaliar o presente.” — Firelei Báez \n\n\n\nA exposição é curada pelos bolsistas New Curators de 2023-24: Carol Bedoy\, Courtney Brown\, Felix Choong\, Lemeeze Davids\, Rosie Fitter\, Lucia Jurikova\, Aditi Kapoor\, Makella Ama Ketedzi\, Rey Londres\, Nikita Sena Quarshie e Amandine Vabre Chau. O programa New Curators oferece a aspirantes a curadores de origens socioeconômicas mais baixas um treinamento curatorial intensivo e remunerado de 12 meses em sua sede na South London Gallery.
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LOCATION:South London Gallery\, 65 Peckham Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Herbert Smith Freehills  Portrait Award 2024 na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Michael Slusakowicz\, Double Portrait of Clara (detalhe)\, 2021 © Michael Slusakowicz\nCatarina Parr\, atribuída a Master John\, c. 1547-8. Foto: Fraser Marr Photography. Coleção Particular\, Londres.\n\n\n\n\nO Herbert Smith Freehills Portrait Award retorna com grande expectativa à National Portrait Gallery em 2024. A prestigiada competição exibe o melhor da pintura contemporânea de retratos e está aberta a todos os maiores de dezoito anos. Desde sua criação\, há mais de 40 anos\, o concurso atraiu mais de 40.000 inscrições de mais de 100 países\, e a exposição foi vista por mais de 6 milhões de pessoas. \nAntony Williams ganhou o primeiro prêmio com seu retrato Jacqueline with Still Life. O segundo prêmio foi concedido a Isabella Watling por Zizi\, e o terceiro prêmio foi concedido a Catherine Chambers por Lying. \nRebecca Orcutt venceu o Young Artist Award com seu autorretrato Before It’s Ruined (or an Unrealized Mean Side). \nAs inscrições foram enviadas anonimamente e julgadas por um painel que incluiu o ex-diretor da National Portrait Gallery\, Dr. Nicholas Cullinan OBE; a artista visual Barbara Walker MBE RA; o sociólogo e bioeticista Sir Tom Shakespeare; o ator e apresentador do podcast Talk Art\, Russell Tovey; e a curadora de coleções contemporâneas da galeria\, Tanya Bentley. Os prêmios e a artista selecionada para o Young Artist Award foram anunciados na cerimônia de premiação em 9 de julho de 2024.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Peter Kennard: Archive of Dissent" na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Peter Kennard\, Mandela\, 1990. Cortesia do artista e da Richard Saltoun Gallery\, Londres\, Roma e Nova York.\n\n\n\n\n\n\n\n\nPeter Kennard (n. 1949\, Reino Unido) é um artista e ativista baseado em Londres\, e Professor Emérito de Arte Política no Royal College of Art. \nArchive of Dissent marca uma das exibições mais extensas do trabalho de Kennard até hoje e foi especialmente concebida para a Whitechapel Gallery. Ocupando três galerias dentro do antigo espaço da Biblioteca Whitechapel\, a exposição reúne obras da prolífica e influente carreira de cinco décadas do artista\, oferecendo um importante repositório de história social e política\, ao mesmo tempo que ilumina uma prática artística que tem continuamente desafiado e protestado contra o status quo. \nDesde a década de 1970\, Kennard produziu algumas das imagens mais icônicas e influentes de resistência e dissidência. Do movimento contra a Guerra do Vietnã\, o Movimento Anti-Apartheid\, a Campanha pelo Desarmamento Nuclear (CND) e as campanhas da Coalizão Stop the War nos anos 2000\, até as guerras atuais na Ucrânia e Gaza\, além de seu compromisso contínuo com o ativismo ambiental\, Kennard desenvolveu uma prática visual única que conecta arte e política para um amplo público. \nRefletindo a função histórica do espaço da antiga biblioteca\, a proposta de Kennard para a exposição assume a forma de um arquivo ativo e em constante evolução\, grande parte dele apresentado como material impresso exibido em paredes\, cartazes\, vitrines ou em púlpitos. Isso inclui os jornais onde suas imagens foram publicadas pela primeira vez\, bem como os pôsteres e livros pelos quais elas continuam a circular. \nA exposição explora o processo criativo do artista\, começando com uma seleção dos fotomontagens distintas que ele vem criando desde os anos 1970. Inspirado pelo trabalho de John Heartfield (1891–1968)\, que pioneirou o uso da montagem como ferramenta política nos anos 1930\, as montagens de Kennard desconstruem imagens familiares e onipresentes\, reimaginando-as através de diferentes formatos e escalas de publicação. As obras não apenas expõem a relação entre poder\, capital\, guerra e a destruição do planeta Terra\, mas também “mostram novas possibilidades emergindo das rachaduras e estilhaços da antiga realidade.” \nArchive of Dissent também inclui duas das instalações mais recentes e ambiciosas de Kennard\, Boardroom (2023) e Double Exposure (2023)\, que utilizam luz\, vidro e projeção para desconstruir o meio do fotomontagem\, além de uma nova obra\, The People’s University of the East End (2024). O título da obra faz referência ao nome coloquial do antigo espaço da Biblioteca\, destacando seu propósito original como um recurso democrático local\, ao mesmo tempo que continua a utilizar e evocar a iconografia e as formas de protesto.
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LOCATION:Whitechapel Gallery\, 77-82 Whitechapel High St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Hockney and Piero: A Longer Look" na National Gallery
DESCRIPTION:Detalhe de My Parents\, David Hockney\, 1977\, Tate\, adquirido em 1981 © David Hockney. Foto: Tate\, Londres.\n\n\n\n\nDavid Hockney\, em suas próprias palavras\, sempre foi alguém que observa. \nAo longo de sua carreira\, Hockney encontrou inspiração no trabalho de outros artistas. Ele nunca se cansa de olhar para pinturas. Para ele\, há sempre algo mágico nisso\, seja admirando uma obra em uma galeria ou um pôster querido em casa. \nEsta exposição muito pessoal reúne duas pinturas de Hockney: uma retratando sua mãe e seu pai\, e a outra\, seu amigo\, o curador Henry Geldzahler. Elas são exibidas junto à obra que as une: O Batismo de Cristo\, de Piero della Francesca. \nMy Parents e Looking at Pictures on a Screen incluem imagens de pinturas da National Gallery\, um lugar que Hockney conhece e ama ao longo de sua longa carreira. Para ele\, os artistas cujos retratos e paisagens decoram as paredes são seus contemporâneos. Suas pinturas o inspiram hoje tanto quanto qualquer outra influência em seu trabalho. \nA exposição\, parte das comemorações do Bicentenário\, oferece a chance de desacelerar\, apreciar o que está diante de nós e desfrutar de arte que enriquece a vida na galeria. Assim como os pais de Hockney e seu amigo Geldzahler\, vamos dedicar um olhar mais atento.
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LOCATION:National Gallery\, Trafalgar Square London Greater London\, Greater London\, London\, Reino unido
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SUMMARY:"Archipelago: Visions in Orbit" na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Daniella Valz Gen\, (Be)longing\, 2024. Cortesia da artista\n\n\n\n\n\n\n\n\nO arquipélago é difratado\, fractal\, necessário em sua totalidade\, frágil ou contingente em sua unidade\, passando e permanecendo\, ele é um estado do mundo. — Édouard Glissant \nReunindo uma diversidade de artistas\, perspectivas e meios\, Archipelago: Visions in Orbit usa a fisiologia de um arquipélago – um conjunto de ilhas distintas\, mas conectadas – como uma metáfora para enquadrar e relacionar posições artísticas aparentemente díspares. \nCom a sociedade se tornando cada vez mais fragmentada\, exacerbada por tensões geopolíticas globais crescentes\, a exposição propõe uma abordagem “arquipelágica”\, visando iluminar um tecido cultural compartilhado\, ao mesmo tempo que permite diferenças complexas. \nAtravés das obras enigmáticas e etéreas de Esther Teichmann (n. 1980\, Alemanha) e Jakob Rowlinson (n. 1990\, Reino Unido); representações de emergência e reflexão nas pinturas de Jade de Montserrat (n. 1981\, Reino Unido) e relevos esculturais de Cameron Ugbodu (n. 2000\, Áustria); além das considerações de histórias diaspóricas nas documentações performáticas de Daniella Valz Gen (n. sem data\, Peru) e Güler Ateş (n. 1977\, Turquia)\, a exposição apresenta uma constelação de criadores de mitos contemporâneos\, sonhadores e documentaristas artísticos. Através de suas narrativas coletivas e individuais\, os artistas exploram temas como migração\, pertencimento e conexão. \nA exposição dialoga com a localização histórica da galeria em Whitechapel\, no leste de Londres\, um local que continua a testemunhar a união de comunidades migrantes em tempos de polarização política. \nArchipelago: Visions in Orbit é uma exposição original organizada por estudantes do curso MA Curating Art and Public Programmes – uma qualificação profissional única de um ano\, organizada em colaboração com a London South Bank University (LSBU). \nA exposição é acompanhada por um programa público\, incluindo performances e eventos discursivos com artistas e curadores. Para mais informações\, visite whitechapelgallery.org/events. \nArchipelago: Visions in Orbit é curada por Gözde Altun\, Eve Barnes\, Molly Clark\, Maria Green\, Parastoo Jafari\, Hannah Lewis\, Alessandro Morter\, Kuba Ocean\, Yasmin Riley\, Angela Sanchez-Castrillon\, Benjamin Sebastian\, Ajahee Sekkm-Miles\, Cosima Straub e Hannah Walker.
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LOCATION:Whitechapel Gallery\, 77-82 Whitechapel High St\, Londres\, Reino unido
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