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SUMMARY:"Capturing the Moment" no Tate Modern
DESCRIPTION:Capturing the Moment investiga a relação dinâmica entre a pintura contemporânea e a fotografia. Esta exposição coletiva se desdobrará como uma conversa em aberto entre alguns dos maiores pintores e fotógrafos das últimas gerações\, examinando como o pincel e a lente foram usados para capturar momentos no tempo e como essas duas mídias têm inspirado e influenciado uma à outra. A exposição será uma oportunidade rara para ver obras extraordinárias da Coleção da Fundação YAGEO\, incluindo pinturas de Francis Bacon\, Gerhard Richter e Peter Doig\, e fotografias de Thomas Struth\, Andreas Gursky e Hiroshi Sugimoto\, apresentadas em diálogo com muitas adições recentes à coleção da Tate\, incluindo obras de Lorna Simpson\, John Currin\, Laura Owens\, Michael Armitage e Louise Lawler. Capturing the Moment começará com alguns dos mais renomados pintores expressivos do período pós-guerra. Os visitantes descobrirão como o realismo inventivo e pictórico se desenvolveu ao lado do surgimento da fotografia documental e de fotógrafos inovadores como Dorothea Lange. A exposição também mostra como a influência flui no sentido oposto\, com uma série de fotografias com um estilo pictórico marcante. A maior parte da exposição explora como a pintura e a fotografia convergiram\, com uma seleção de importantes obras contemporâneas que mostram como ambas as formas de arte tentam capturar pontos fugazes no tempo ou momentos da história.
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SUMMARY:"DIVA" no V&A Museum
DESCRIPTION:A exposição DIVA é uma celebração da poderosa presença e criatividade das artistas icônicas ao longo da história. Através de uma abordagem abrangente\, a mostra redefine o conceito de ‘diva’ e explora como esse termo foi subvertido ou abraçado em diferentes formas de expressão\, como ópera\, teatro\, música popular e cinema. A exposição\, sediada no Victoria and Albert Museum (V&A)\, apresenta uma visão envolvente e cativante do mundo das divas\, revelando a influência cultural e artística que essas mulheres tiveram ao longo dos anos. Através de uma variedade de mídias\, incluindo figurinos\, fotografias\, vídeos e objetos pessoais\, os visitantes são levados a uma jornada fascinante pela história das divas e sua evolução ao longo do tempo. Uma das principais características da exposição é a exploração da transformação do conceito de ‘diva’ e como ele se relaciona com questões de gênero\, poder e representação. Os curadores da mostra destacam como as divas desafiaram estereótipos e expectativas sociais\, redefinindo o papel das mulheres na indústria do entretenimento. Além disso\, a exposição destaca a importância das divas como ícones de moda e estilo\, apresentando figurinos deslumbrantes usados por essas artistas em performances lendárias. Os visitantes têm a oportunidade de apreciar de perto peças de alta costura e acessórios deslumbrantes\, que refletem o glamour e a exuberância associados às divas.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:“El Anatsui: Behind the Red Moon” na Tate Modern
DESCRIPTION:Behind the Red Moon\, de El Anatsui\, é uma instalação escultural monumental feita de milhares de tampas e fragmentos de garrafas de metal. Amassando\, esmagando e costurando esses fragmentos em diferentes composições\, grandes painéis são montados para formar campos abstratos massivos de cor\, forma e linha. A comissão se baseia no interesse de Anatsui pelas histórias de encontros e pela migração de mercadorias e pessoas durante o comércio transatlântico de escravos. Os topos de garrafa usados nessa comissão\, provenientes da Nigéria\, fazem parte de uma indústria contemporânea construída sobre rotas comerciais coloniais. \n\n\n\nBehind the Red Moon é apresentado como uma obra de arte em três atos. Os visitantes são convidados a embarcar em uma jornada de movimento e interação por meio das peças\, em uma dança entre corpos e esculturas. \n\n\n\nObservando as peças de longe\, um cenário de símbolos é revelado: a lua\, a vela\, a onda\, a terra e a parede. De perto\, os logotipos das tampas de garrafa falam sobre as vidas sociais do material como mercadorias de uma indústria global construída sobre rotas comerciais coloniais. Juntos\, o passado e o presente da África e da Europa se fundem em formas esculturais que pendem no ar e parecem flutuar pelo espaço. As peças incorporam a ideia de Anatsui de “forma não fixa” e fazem parte de sua abordagem altamente experimental à escultura. \n\n\n\nAnatsui explora as possibilidades poéticas de seus materiais. “Cada material possui suas propriedades\, físicas e até espirituais”\, explica ele. Behind the Red Moon explora forças elementares entrelaçadas com histórias humanas de poder\, opressão\, dispersão e sobrevivência.
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SUMMARY:"Women in Revolt! Art and Activism in the UK 1970-1990" na Tate Britain
DESCRIPTION:Helen Chadwick\, In the Kitchen (Stove)\, 1977 (detalhe). Uma de um conjunto de 12 impressões digitais pigmentadas em arquivo – emolduradas. Cortesia da Richard Saltoun Gallery\, Londres e Roma.\n\n\n\nPioneira em seu gênero\, esta exposição é uma ampla investigação da arte feminista por mais de 100 artistas mulheres atuantes no Reino Unido. Ela ilumina o modo como redes de mulheres usaram ideias radicais e métodos rebeldes para dar uma contribuição inestimável à cultura britânica. Sua arte ajudou a impulsionar o movimento de libertação das mulheres durante um período de significativas mudanças sociais\, econômicas e políticas. \n\n\n\nNos anos 1970 e 1980\, uma nova onda feminista irrompeu. As mulheres usaram suas experiências vividas para criar arte\, da pintura e fotografia ao cinema e performance\, para combater a injustiça. Isso incluiu defender os direitos reprodutivos\, a igualdade salarial e a igualdade racial. Essa criatividade ajudou a moldar um período de mudanças cruciais para as mulheres na Grã-Bretanha\, incluindo a abertura do primeiro refúgio para mulheres e a formação do Movimento Britânico de Artes Negras. \n\n\n\nApesar de longas carreiras\, essas artistas muitas vezes foram deixadas de fora das narrativas artísticas da época. Esta será a primeira vez que muitas de suas obras estarão em exibição desde a década de 1970. \n\n\n\nAtravés das obras apresentadas\, os visitantes encontrarão um conjunto produtivo e politicamente engajado de comunidades que mudaram a face da cultura britânica e pavimentaram o caminho para as futuras gerações de artistas.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Art Now" de Zeinab Saleh na Tate Britain
DESCRIPTION:Zeinab Saleh\, Early morning\, 2024\n\n\n\nZeinab Saleh utiliza tinta acrílica\, carvão e pastéis suaves para criar uma nova série de pinturas e desenhos para sua exibição Art Now na Tate Britain. Inspirada em experiências cotidianas\, encontros pessoais e memórias\, os materiais e paleta de Saleh permitem que ela crie obras de arte que evocam sentimentos de intimidade e ternura sem estar fixadas em nenhum tempo ou narrativa específica. Convidando à calma e à contemplação\, o espectador é imerso no espaço dentro da imagem. Saleh utiliza padrões e silhuetas recorrentes para projetar camadas de tempo e significado em suas telas. Ela alude a narrativas\, mas raramente elas são totalmente reveladas.
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SUMMARY:"Lucian Freud's Etchings" no V&A Museum
DESCRIPTION:Pluto Aged Twelve\, prova de teste de gravura\, de Lucian Freud\, impressa por Marc Balakjian\, 2000\, Londres\n\n\n\nLucian Freud’s Etchings: A Creative Collaboration é uma exposição que destaca um aspecto menos conhecido da obra do renomado artista britânico do século 20\, Lucian Freud. Mais conhecido por suas pinturas figurativas\, Freud também produziu muitas gravuras\, muitas vezes retratando os mesmos temas e modelos de suas pinturas. A mostra apresenta 38 dessas impressões intricadas e íntimas\, explorando a prática de gravura de Freud. \n\n\n\nEsta coleção\, adquirida em 2019\, inclui provas nunca antes exibidas que oferecem novas perspectivas sobre o processo criativo do artista e sua abordagem distinta à gravura. Entre os destaques estão retratos de figuras como Leigh Bowery e estudos de seu cão de estimação\, além do único autorretrato gravado de Freud. A exposição\, gratuita\, fica em exibição até 25 de agosto de 2024.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Gerhard Richter na David Zwirner Londres
DESCRIPTION:Gerhard Richter\, 11.8.2023 (3)\, 2023 (detalhe)\n\n\n\nDavid Zwirner apresenta uma exposição de obras novas e recentes do renomado artista alemão Gerhard Richter na localização da galeria na rua Grafton\, 24\, em Londres. Esta é a primeira apresentação do trabalho de Richter em Londres desde o anúncio de sua representação em dezembro de 2022 e segue a estreia recente do artista na David Zwirner em Nova York na primavera de 2023. \n\n\n\nEsta instalação expande a investigação contínua de Richter sobre a fixidez da percepção e reafirma seu compromisso inabalável com as possibilidades formais e conceituais da abstração. Destacam-se centralmente três das celebradas pinturas abstratas do artista\, feitas nos anos que antecederam sua decisão de afastar-se da tinta a óleo e voltar-se para o desenho e a instalação com crescente dedicação. Um grupo expansivo de novas obras em papel – algumas feitas com tinta ou lápis\, outras com uma combinação dos dois – ilumina a urgência e a proeminência recém-descobertas que Richter tem atribuído ao método e à técnica no desenho.
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LOCATION:David Zwirner\, 24 Grafton St London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"CUTE" na Somerset House
DESCRIPTION:Instalação da Hello Kitty na exposição CUTE na Somerset House. Créditos: David Parry PA da Somerset House.\n\n\n\nDos emojis aos memes da internet\, dos videogames aos brinquedos de pelúcia\, da comida ao design de robôs adoráveis\, a fofura tomou conta do nosso mundo. Mas como algo tão encantador e aparentemente inofensivo – animais com olhos brilhantes\, bebês bochechudos\, flores\, corações\, estrelas\, doces e outros motivos românticos semelhantes – ganhou tanta tração? \n\n\n\nCUTE reúne obras de arte contemporâneas\, incluindo novas encomendas de artistas\, e fenômenos culturais como música\, moda\, brinquedos\, videogames e mídias sociais\, nesta nova exposição que examina a adoção mundial da cultura fofa e como ela se tornou uma medida influente de nossos tempos. Buscará desvendar a carga emotiva da fofura\, revelando seu poder e potencial extraordinários e complexos. \n\n\n\nOs artistas contribuintes incluem Mark Leckey\, Sean-Kierre Lyons\, AYA TAKANO\, Mike Kelley\, Karen Kilimnik\, Nayland Blake\, Cosima von Bonin\, Hannah Diamond\, Ed Fornieles\, Juliana Huxtable\, Rachel Maclean\, Julien Ceccaldi\, Paige K. B.\, Isaac Lythgoe\, Alake Shilling\, Wong Ping\, Liv Preston\, CFGNY\, Ram Han\, Maggie Lee\, Bunny Rogers\, Flannery Silva\, Andy Holden\, além dos artistas do Somerset House Studios Chris Zhongtian Yuan\, Sin Wai Kin e Sian Fan.
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LOCATION:Somerset House\, Strand\, London WC2R 1LA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Darling sweetie\, sweetie darling" de Uman na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:UMAN\, Good Moning\, 2023 (detalhe). Foto: Sarah Muehlbauer\n\n\n\nA primeira exposição de Uman com a Hauser & Wirth acontece em Londres\, em parceria com a Nicola Vassell Gallery\, em Nova York. Uma artista intuitiva e voraz autodidata\, Uman se baseia em suas memórias de infância na África Oriental\, em sua educação rigorosa em caligrafia árabe tradicional\, profundo envolvimento com sonhos e fascínio por cores e designs caleidoscópicos. \n\n\n\nO vocabulário visual exuberante de Uman reflete suas amplas experiências interculturais. Com referências à autorretratos e topografias fictícias\, suas pinturas navegam fluidamente entre reinos intermediários para explorar tanto o físico quanto o espiritual\, entrelaçando abstração\, figuração\, padrões meditativos e uma reverência pelo mundo natural. Esta exposição exibe uma seleção de pinturas em grande escala com mundos detalhados e ricamente coloridos\, repletos de gestos\, geometria e evocações do sublime\, flutuando entre abstração e figuração.
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LOCATION:Hauser & Wirth Londres\, 23 Savile Row W1S 2ET\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Beyond Form: Lines of Abstraction\,1950-1970" na Turner Contemporary
DESCRIPTION:Beyond Form Lines of Abstraction\, 1950 – 1970\, 2024. Vista da instalação. © Cortesia Turner Contemporary. Foto: Beth Saunders\n\n\n\nNesta primavera\, o Turner Contemporary apresenta Beyond Form: Lines of Abstraction\,1950-1970\, uma exposição coletiva que apresenta a abstração como uma linguagem global radical compartilhada por artistas mulheres nas duas décadas seguintes à Segunda Guerra Mundial. Com curadoria da convidada Dra. Flavia Frigeri\, a exposição reúne as obras de mais de 50 artistas para examinar como\, por meio de formas abstratas\, materiais e modos\, as mulheres expandiram os limites da criação artística enquanto lidavam com mudanças culturais\, sociais e políticas sísmicas. Compreendendo mais de 80 obras de arte\, predominantemente esculturas\, a exposição traça como a linguagem da abstração se desenvolveu em uma escala global. \n\n\n\nA exposição inclui esculturas de Mária Bartuszová\, Louise Bourgeois\, Eva Hesse e Hannah Wilke. Destaca a Escultura Viva de Marisa Merz (1966)\, uma peça realizada dentro dos confins íntimos de um espaço doméstico antes que a artista tivesse um estúdio. Também explora o uso inovador de materiais modernos por Carla Accardi e Marta Pan para redefinir espaço e percepção. A arte em fibra de Maria Teresa Chojnacka e Ewa Pachucka também é apresentada\, simbolizando resistência e libertação da censura ou monitoramento estatal. Complementando o foco escultural da exposição estão pinturas e relevos selecionados\, como o Leste de Carmen Herrera (1965) e Manhã de Agnes Martin (1965)\, enriquecendo a compreensão deste período artístico. \n\n\n\nJuntas\, as obras incluídas em Além da Forma mapeiam uma constelação que fala à linguagem global e coletiva da abstração que transcende fronteiras geográficas e culturais por meio do meio universal da escultura. \n\n\n\nAlém da Forma tem curadoria da convidada Dra. Flavia Frigeri\, historiadora da arte e ‘Curadora Chanel para a Coleção’ na National Portrait Gallery\, Londres. No Turner Contemporary\, a exposição é realizada com Sarah Martin\, Chefe de Exposições. \n\n\n\nArtistas Expostos: \n\n\n\nCarla Accardi; Novera Ahmed; Anthea Alley; Ruth Asawa; Mária Bartuszová; Lynda Benglis; Margaret Benyon; Anna-Eva Bergman; Sandra Blow; Lee Bontecou; Louise Bourgeois; Rosemarie Castoro; Jocelyn Chewett; Maria Teresa Chojnacka; Lygia Clark; Saloua Raouda Choucair; Dadamaino; Dorothy Dehner; Claire Falkenstein; Habuba Farah; Maria Freire; Elisabeth Frink; Sue Fuller; Barbara Hepworth; Carmen Herrera; Eva Hesse; Sheila Hicks; Ilona Keserü; Bice Lazzari; Felicia Leirner; Kim Lim; Agnes Martin; Mary Martin; Marisa Merz; Yuko Nasaka; Louise Nevelson; Ewa Pachucka; Marta Pan; Howardina Pindell; Pilloo Pochkhanawala; Bridget Riley; Meg Rutherford; Ana Sacerdote; Behjat Sadr; Nasreen Mohamedi; Mona Saudi; Hedde Sterne; Arpita Singh; Jean Spencer; Hedda Sterne; Lenore Tawney; Marilia Gianetti Torres; Paule Vézelay; Daniela Vinopalová; Hannah Wilke; Gillian Wise.
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LOCATION:Turner Contemporary\, Rendezvous\, Margate\, Kent CT9 1HG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"When Forms Come Alive" na Hayward Gallery
DESCRIPTION:Crédito: Vista da instalação de Tara Donovan\, When Forms Come Alive\, 2024. Foto: Jo Underhill. Courtesia da Hayward Gallery.\n\n\n\nInspiradas por fontes que vão desde o gesto de uma dançarina até a quebra de uma onda\, do fluxo de metal fundido ao entrelaçamento de uma teia de aranha\, as obras de arte em When Forms Come Alive evocam reinos fluidos e em constante mutação da experiência. \n\n\n\nOndulantes\, caídas\, eruptivas\, em cascata e prolíficas de maneira promíscua\, essas esculturas convidam a um olhar tátil e desencadeiam respostas físicas. Em uma era em que nossos encontros são cada vez mais digitalizados e descorporificados\, essas obras de arte lembram os prazeres do gesto e do movimento\, a poética da gravidade e a experiência da sensação em si.
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LOCATION:Hayward Gallery\, Hayward Gallery\, Southbank Centre\, Belvedere Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Solange Pessoa\, 4 Hammocks\, 1999 – 2003. Crédito: Courtesia do Rubell Museum\, Miami e Washington DC. Foto: Chi Lam.\n\n\n\nUsando tecidos\, fibras e fios\, 50 artistas internacionais desafiam as estruturas de poder e reimaginam o mundo nesta importante exposição coletiva. \n\n\n\nOs tecidos nos cobrem e nos protegem\, envolvem nossos sentidos\, despertam nossas memórias\, representam nossas crenças\, guardam nossas histórias. Estamos envoltos em tecido quando nascemos e envolvidos por ele quando morremos. \n\n\n\nComo meio artístico\, os tecidos podem falar sobre as alegrias e dores de ser humano\, assim como as grandes estruturas e sistemas que moldam nosso mundo. \n\n\n\nNesta importante exposição coletiva\, 50 artistas internacionais e intergeracionais usam tecidos para comunicar ideias vitais sobre poder\, resistência e sobrevivência. Desde peças íntimas feitas à mão até instalações esculturais monumentais\, essas obras oferecem narrativas de violência\, imperialismo e exclusão\, ao lado de histórias de resiliência\, amor e esperança.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"A MERCY | DUMMY" de Tiona Nekkia McClodden na White Cube
DESCRIPTION:Celebrando a primeira exposição individual do artista na galeria\, a White Cube tem o prazer de apresentar A MERCY | DUMMY\, uma exposição de escultura\, instalação e pintura por Tiona Nekkia McClodden. Abrangendo dois corpos distintos de trabalho\, McClodden parte de duas obras literárias fundamentais para explorar noções de interioridade\, performatividade e violência. \n\n\n\nTomando emprestado seu título de um romance de 2008 de Toni Morrison\, A MERCY é composto por uma série de portões de cabeça de aço pintados à mão – dispositivos utilitários usados para restringir e direcionar o gado em preparação para a vacinação ou abate. Ao contemplar sua capacidade dual de acalmar e facilitar a brutalidade\, McClodden estabelece paralelos com o romance de Morrison\, ambientado no final do século XVII na América colonial. Na narrativa\, uma mãe emprega um ato brutal de misericórdia\, buscando proteger sua filha da mesma violência que ela mesma sofreu. Os portões de cabeça metaforicamente incorporam a natureza paradoxal de encontrar misericórdia dentro de estruturas finitas de violência.
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LOCATION:White Cube Bermondsey\, 144 – 152 Bermondsey\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Older Works and Shadow Paintings" de Sergej Jensen na White Cube
DESCRIPTION:Vista da exposição “Older Works and Shadow Paintings” de Sergej Jensen. Cortesia White Cube\, Londres. Imagem/Divulgação\n\n\n\nA White Cube Bermondsey tem o prazer de apresentar uma exposição de Sergej Jensen. Oscilando entre abstração e legibilidade\, o trabalho altamente formal e orientado para o material de Jensen dos últimos 20 anos é mostrado aqui junto com uma série de mais de 50 novas pinturas\, proporcionando uma narrativa reflexiva sobre o meio da pintura dentro de sua prática.
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LOCATION:White Cube Bermondsey\, 144 – 152 Bermondsey\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Mónica Alcázar-Duarte: Digital Clouds Don't Carry Rain" na Autograph
DESCRIPTION:Mónica Alcázar-Duarte\, K’aaxal ja’ – Mayan Thunder deity\, 2021\n\n\n\nAfirmando o valor e a sobrevivência do conhecimento indígena de seus ancestrais\, a artista mexicana-britânica Mónica Alcázar-Duarte examina a obsessão da sociedade ocidental com velocidade\, expansão e acumulação de recursos em um momento em que o desastre ecológico se aproxima. Ela levanta questões críticas – onde reside o conhecimento? Quem e o que é classificado? – unindo os fios de sistemas de conhecimento dissociados. \n\n\n\nAs fotografias evocativas no cerne de Digital Clouds Don’t Carry Rain estão situadas entre as árvores moribundas de Derbyshire\, lar da Revolução Industrial. Nestes autorretratos\, a artista imita poses das pinturas Casta do século XVIII\, um gênero de arte feito no México durante o colonialismo espanhol para ilustrar hierarquias sociais racistas – classificando indivíduos de raças mistas dentro de um sistema de ‘castas’.
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LOCATION:Autograph\, Rivington Pl\, London EC2A 3BA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Wilfred Ukpong: Niger-Delta / Future-Cosmos" na Autograph
DESCRIPTION:Wilfred Ukpong\, The Advent of the Visionaries-A Screen to Behold\, 2017\n\n\n\nUtilizando aspectos do Afrofuturismo e do misticismo\, o artista Wilfred Ukpong cria reflexões cativantes e poéticas sobre a crise da degradação ambiental e exploração no Delta do Níger. Baseando-se em arquivos históricos e pessoais\, política ecológica e ambientalismo indígena\, seu trabalho demonstra como a arte pode ser usada como uma ferramenta para o empoderamento social e para confrontar práticas coloniais agressivas e contínuas. \n\n\n\nAntigamente um grande produtor de óleo de palma para colonizadores britânicos\, o Delta do Níger é considerado o sustentáculo da economia nigeriana por suas grandes reservas de petróleo e sua rica biodiversidade devido à presença de rios\, manguezais\, florestas de água doce e estuários marinhos. Nos últimos anos\, a região tem sido o centro de campanhas por justiça ambiental e social\, desafiando a poluição causada por grandes vazamentos e queimas nas mãos das gigantes da indústria de petróleo e gás. \n\n\n\nAs obras na exposição são todas ambientadas no Delta do Níger\, terra natal de Ukpong. Impulsionado por um profundo desejo de promover mudanças\, o artista trabalhou com mais de duzentos jovens de comunidades marginalizadas produtoras de petróleo para abordar coletivamente os problemas históricos e ambientais na região rica em petróleo. As fotografias e o filme resultantes fazem referência de forma poderosa a rituais locais\, motivos cerimoniais e símbolos entrelaçados em uma complexa cosmologia futurista. \n\n\n\nAtravés de uma lente futurista\, Ukpong destaca a necessidade de entender o impacto prejudicial dessa extração extrema tanto nas pessoas quanto na terra.
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SUMMARY:"Surrogates" de Erwin Wurm na Thaddaeus Ropac
DESCRIPTION:Erwin Wurm\, Paradise I (Idea of a High Heel Big)\, 2024\n\n\n\nThaddaeus Ropac London apresenta Surrogates\, uma exposição de novas esculturas do artista austríaco Erwin Wurm\, incluindo três séries de trabalhos apresentados pela primeira vez: Paradise\, Mind Bubbles e Dreamers. Em exibição simultânea com a grande retrospectiva do artista no Yorkshire Sculpture Park\, em Wakefield\, a exposição apresenta esculturas de metal pintadas e resina epóxi\, juntamente com desenvolvimentos-chave na continuação de suas icônicas One Minute Sculptures. Juntos\, os trabalhos reunidos incorporam a abordagem caracteristicamente expansiva de Wurm ao conceito de escultura\, enquanto ele perturba as distinções tradicionais entre sujeito e objeto\, o humano e o não humano\, espectador e participante.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Londres\, 37 Dover Street\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Yoko Ono: Music of the Mind" na Tate Modern
DESCRIPTION:Yoko Ono\, Half-A-Room\, 1967 de HALF-A-WIND SHOW\, Lisson Gallery\, Londres\, 1967. Foto © Clay Perry\n\n\n\nYoko Ono é pioneira da arte conceitual e participativa\, do cinema e da performance\, uma celebrada musicista e uma formidável defensora da paz mundial. Desenvolvendo sua prática nos Estados Unidos\, Japão e Reino Unido\, as ideias são centrais em sua arte\, frequentemente expressas de maneiras poéticas\, humorísticas\, profundas e radicais. \n\n\n\nAbrangendo mais de sete décadas\, YOKO ONO: MUSIC OF THE MIND é a maior exposição do Reino Unido que celebra momentos-chave na carreira inovadora\, influente e multidisciplinar de Ono\, desde meados da década de 1950 até hoje – incluindo seus anos em Londres\, onde conheceu seu futuro marido e colaborador de longa data\, John Lennon. \n\n\n\nA mostra traça o desenvolvimento de sua prática e explora algumas das obras e performances mais comentadas e poderosas de Ono. Isso inclui Cut Piece (1964)\, onde as pessoas eram convidadas a cortar suas roupas\, até seu filme banido Film No.4 (Bottoms) (1966-67)\, que ela criou como um ‘pedido pela paz’. Os visitantes são convidados a participar de atos simples de imaginação e encontros ativos com as obras de Ono\, como as Wish Trees for London\, onde os visitantes podem contribuir com desejos pessoais pela paz. \n\n\n\nO público descobrirá mais de 200 obras\, incluindo peças de instrução\, partituras\, instalações\, filmes\, música e fotografia. A exposição revela uma abordagem inovadora à linguagem\, arte e participação que continua a falar ao momento presente. \n\n\n\nApoiado por John J. Studzinski CBE \n\n\n\nA exposição é organizada pela Tate Modern\, Londres\, em colaboração com Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen\, Düsseldorf.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Dreams Have No Titles" de Zineb Sedira na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Zineb Sedira\, Vista da instalação em “Dreams Have No Titles” no Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart\, Berlin\, 2023\, © Mathieu Carmona © DACS\, London.\n\n\n\nA Whitechapel Gallery apresenta a estreia no Reino Unido da aclamada exposição de Zineb Sedira\, Dreams Have No Titles. \n\n\n\nOriginalmente concebida para o Pavilhão Francês na 59ª Bienal de Veneza em 2022\, Dreams Have No Titles é uma instalação imersiva composta por filme\, escultura\, fotografia e performance\, que entrelaça a biografia da artista com filmes ativistas produzidos na França\, Argélia e Itália nas décadas de 1960 e 1970\, um momento crucial na história da produção cinematográfica de vanguarda. \n\n\n\nSedira transforma o espaço de exposição da galeria em uma série de cenários de filme. Em uma galeria\, os visitantes se encontram em um salão de baile do icônico filme “Le Bal” de Ettore Scola (1983)\, e em outra\, uma recriação da sala de estar da casa de Sedira em Brixton. Um cinema em tamanho real também será construído nas galerias superiores para exibir o filme de Sedira com o mesmo nome\, Dreams Have No Titles\, no qual o público verá muitos dos cenários que encontraram na exposição como pano de fundo para a própria filmagem de Sedira. \n\n\n\nDreams Have No Titles borra as fronteiras entre ficção e realidade\, usando cinema e performance para destacar a importância – e alegria – de experiências coletivas compartilhadas\, ao mesmo tempo em que levanta um alerta sobre o fracasso do sonho emancipatório que para muitas pessoas continua sendo uma promessa não cumprida.
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LOCATION:Whitechapel Gallery\, 77-82 Whitechapel High St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Andrew Pierre Hart na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Andrew Pierre Hart\, no The Listening Sweet -3- Lagos\, 2023. Cortesia do artista\n\n\n\nEssa nova comissão do artista interdisciplinar e produtor de música experimental Andrew Pierre Hart\, baseado em Londres\, se inspira na longa história de Whitechapel como lar de comunidades migrantes e diaspóricas e continua o interesse do artista em explorar conexões entre som e pintura. \n\n\n\nApresentados aqui estão uma composição sonora\, um filme gravado nas ruas ao redor da Whitechapel Gallery\, uma série de seis novas pinturas a óleo\, um mural específico para o local e uma escultura de bambu. A composição sonora\, que pode ser sentida fisicamente por meio de um sistema de alto-falantes embutido em uma estrutura de assentos\, forma a trilha sonora para o filme. Este apresenta três dançarinos que navegam pela galeria e pelas ruas vizinhas\, interpretando a área por meio de seus movimentos. \n\n\n\nO som também influencia as formas abstratas e ondulantes que aparecem tanto no grande mural quanto nas pinturas menores. Hart descreve essas obras como capturando “o ritmo cotidiano de Whitechapel… seu vibrante burburinho e passado dissonante”. \n\n\n\nOutras pinturas retratam indivíduos que vivem e trabalham localmente. Colocado na frente do mural\, há uma escultura em forma de torre feita de bambu preto\, um material amplamente utilizado na África em projetos de construção. As treliças verticais e diagonais da torre ecoam o design geométrico do mural\, enquanto sua forma provisória ressoa com as barracas temporárias criadas pelos comerciantes do mercado de Whitechapel: lugares de encontro para conversas\, amizade e comunidade.
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LOCATION:Whitechapel Gallery\, 77-82 Whitechapel High St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Echoes of the Earth: Living Archive" de Refik Anadol na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:Refik Anadol\, Artificial Realities: Coral\, 2023. Cortesia Refik Anadol Studios.\n\n\n\nUm pioneiro na estética da inteligência artificial\, o artista e tecnólogo Refik Anadol é conhecido por suas obras de mídia inovadoras e instalações públicas de grande escala. Echoes of the Earth: Living Archive primeira grande exposição individual de Anadol em uma instituição no Reino Unido\, envolve os espectadores em ambientes imersivos que utilizam anos de experimentação com dados visuais de recifes de coral e florestas tropicais\, e demonstra o potencial criativo da IA. \n\n\n\nA exposição apresenta a estreia no Reino Unido de Living Archive: Large Nature Model\, uma nova encomenda adaptada especialmente para o Serpentine North. A instalação envolve as paredes da galeria em imagens geradas por IA inspiradas em dados de flora\, fungos e fauna de mais de 16 locais de florestas tropicais globalmente\, que foram coletados usando tecnologias como LiDAR e fotogrametria. No cruzamento entre arte visual\, ciência e tecnologia\, Anadol também apresenta Artificial Realities: Coral\, uma experiência sonora e visual que destaca o papel vital dos recifes de coral no ecossistema oceânico. Também em exibição está Artificial Realities: Rainforest\, o projeto mais recente de Anadol\, que marca a mais longa visualização gerada por IA contínua sobre a natureza até o momento. É a primeira instalação em um conjunto crescente de trabalhos criados empregando o The Large Nature Model\, o primeiro modelo de IA generativa de código aberto dedicado à natureza no mundo. Echoes of the Earth: Living Archive investiga as maneiras pelas quais a tecnologia altera nossa percepção do mundo natural e nossa experiência de tempo e espaço.
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LOCATION:Serpentine North Gallery\, W Carriage Dr\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Sargent and Fashion" na Tate Britain
DESCRIPTION:John Singer Sargent\, Lady Agnew de Lochnaw (1864-1932)\, 1892 (detalhe) National Galleries of Scotland\n\n\n\nCelebrado por suas marcantes pinturas de retratos\, esta exposição lança uma nova luz sobre as aclamadas obras de John Singer Sargent. Explora como ele trabalhava como um estilista para moldar a imagem dos retratados que pintava\, muitas vezes com quem tinha relações próximas. \n\n\n\nSargent usava a moda como uma ferramenta poderosa para expressar identidade e personalidade. Ele frequentemente escolhia as roupas de seus colaboradores ou manipulava suas vestimentas. Esse uso inovador de trajes era central para sua arte – por exemplo\, puxando um casaco pesado mais apertado ao redor de um homem para enfatizar sua figura ou deixando uma alça de vestido deslizar sensualmente do ombro de uma mulher. Foram essas escolhas ousadas de vestuário que lhe permitiram expressar sua visão como artista. \n\n\n\nQuase 60 das pinturas de Sargent estarão em exibição\, incluindo retratos importantes que raramente viajam. Várias roupas de época também serão mostradas ao lado dos retratos em que foram usadas. A mostra examina como esse notável pintor usava a moda para criar retratos da época\, que ainda cativam hoje.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"The Time is Always Now: Artists Reframe the Black Figure” na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Kimathi Donkor\, Nanny of the Maroons’ Fifth Act of Mercy\, 2012 (detalhe) © Kimathi Donkor. Courtesia do artista e Niru Ratnam\, Londres. Foto: Tim Bowditch\n\n\n\nA exposição\, com curadoria do escritor Ekow Eshun\, destaca o trabalho de artistas contemporâneos da diáspora africana\, incluindo Michael Armitage\, Lubaina Himid\, Kerry James Marshall\, Toyin Ojih Odutola e Amy Sherald\, e enfatiza o uso de figuras para iluminar a riqueza e complexidade da vida negra. Além de analisar a presença da figura negra na história da arte ocidental\, examinamos sua ausência – e a história da representação contada por meio dessas obras\, assim como os contextos sociais\, psicológicos e culturais em que foram produzidas.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Dissolving" de Cristina de Miguel na Almine Rech
DESCRIPTION:Cristina de Miguel\, vista da exposição Dissolving na Almine Rech\, Londres.\n\n\n\nAlmine Rech London apresenta Dissolving\, a primeira exposição solo de Cristina de Miguel\, seguindo uma exposição em dupla na Almine Rech New York\, em 2023. \n\n\n\n“Está tudo bem parar e encarar\, com a boca aberta\, maravilhado; não é muito comum encontrar proezas pictóricas tão emocionantes e arriscadas\, imprudentemente precárias e audaciosas\, dançando tão perto do fracasso sem qualquer rede de segurança discernível. Você pode se perguntar como Cristina de Miguel faz isso\, e ela não se importará em contar porque está profundamente envolvida no processo\, mas mesmo sabendo não dissipará a emoção do mistério e da magia\, nem mesmo a simples apreciação de algo visceral e virtuosístico em ação.” \n\n\n\n— Carlo McCormick\, crítico de arte e curador
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LOCATION:Almine Rech Londres\, Grosvenor Hill\, Broadbent House\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Some May Work as Symbols: Art Made in Brazil\, 1950s–70s" na Raven Row
DESCRIPTION:Heitor dos Prazeres\, Sem título\, 1965\n\n\n\nUma rica diversidade de abordagens artísticas existia no Brasil nas décadas em torno do meio do século XX\, após a primeira onda modernista ter se estabelecido. Esta exposição encontra diálogos entre várias formas de abstração\, simbolismo e figurativismo que estavam circulando e interagindo na cultura visual da época. As geometrias abstratas produzidas pelos concretistas e neoconcretistas em São Paulo e Rio de Janeiro – Judith Lauand\, Lygia Clark\, Hélio Oiticica e Lygia Pape entre eles – são agora internacionalmente celebradas. A simbologia afro-brasileira desenvolvida no mesmo período por artistas como Mestre Didi\, Abdias Nascimento e Rubem Valentim\, frequentemente referindo-se ao Candomblé e outras práticas espirituais\, não foi menos pioneira. Também são trazidas para o diálogo representações de cenas de rua\, vida doméstica e trabalho agrícola – gêneros perenemente populares na arte brasileira\, que são elaborados nas composições de Silvia de Leon Chalreo\, nos encenamentos teatrais de Heitor dos Prazeres e nos têxteis expressivos de Madalena Santos Reinbolt. \n\n\n\nFeita em colaboração com o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio)\, “Some May Work as Symbols” [Algumas Podem Funcionar como Símbolos] reflete sobre algumas das ausências ou exclusões na historiografia da arte brasileira. Apresentando obras de qualidade deslumbrante de trinta artistas\, grande parte das quais nunca foi vista no Reino Unido antes\, esta exposição se baseia principalmente em quatro coleções de museus – MAM Rio; Museu Afro Brasil Emanoel Araujo\, em São Paulo; o Museu de Arte Contemporânea\, Universidade de São Paulo; e o Museu de Arte Moderna da Bahia – além de coleções privadas. “Some May Work as Symbols” é curada por Pablo Lafuente\, diretor artístico do MAM Rio\, e Thiago de Paula Souza\, curador independente e pesquisador.
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SUMMARY:Soufiane Ababri no Barbican Centre
DESCRIPTION:Vista da instalação de Soufiane Ababri\, 2024\, The Curve © Eva Herzog e Barbican Art Gallery\n\n\n\nA nova comissão do artista marroquino Soufiane Ababri\, intitulada “As bocas deles estavam cheias de abelhas\, mas fui eu quem foi polinizado”\, explora questões de desejo\, queeridade e diáspora. \n\n\n\nEm sua primeira exposição em uma importante instituição do Reino Unido\, Ababri transforma The Curve em uma nova obra específica para o local. Unindo desenho\, performance e instalação\, seu trabalho desafia a predominância das narrativas ocidentais na história queer. \n\n\n\nA exposição destaca como a forma de The Curve reflete a letra árabe Zayin (ز)\, a primeira letra da palavra ‘zamel’\, um termo pejorativo para homens gays\, cujo som zumbido é usado para insinuar o insulto sem pronunciá-lo no Marrocos. A evolução de zamel\, que originalmente significava amigo próximo\, mostra como a homofobia ameaça não apenas a sexualidade entre pessoas do mesmo sexo\, mas restringe a possibilidade de formas radicais de amizade. \n\n\n\nCom desenhos que exploram a experiência queer diaspórica e a vida noturna queer como um espaço de emancipação coletiva e pessoal\, a mostra é um ato de reivindicação que subverte arquitetura\, linguagem e histórias.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:Francesca Goodman na Gagosian Londres
DESCRIPTION:Francesca Woodman\, Sem título\, c. 1977-78 © Woodman Family Foundation/Artists Rights Society (ARS)\, Londres\n\n\n\nA Gagosian tem o prazer de apresentar uma seleção de fotografias de Francesca Woodman do período de cerca de 1977-80 em sua galeria na Burlington Arcade de Londres. Encenando a figura em relação a interiores e móveis\, luvas e painéis de vidro\, as imagens vão além do registro da aparência para evocar transformação e alegoria. Ao retratar a si mesma e outras modelos\, as composições de Woodman representam o corpo como fragmentado e liminar dentro desses espaços\, inspirando-se em sua fascinação pelo Surrealismo. Ela usou impressões e transparências dessas imagens para criar livros de artista\, transformando as páginas de revistas antigas e cadernos que ela colecionava nos mercados de pulga e livrarias de Roma. \n\n\n\nA apresentação coincide com Francesca Woodman e Julia Margaret Cameron: Retratos para Sonhar na National Portrait Gallery\, Londres (21 de março a 16 de junho de 2024)\, e Francesca Woodman na Gagosian\, Nova York (13 de março a 27 de abril de 2024). \n\n\n\nA Gagosian Shop no térreo da galeria contará com uma seleção de publicações sobre a artista\, incluindo Francesca Woodman: Os Livros de Artista\, publicado pela MACK em associação com a Fundação da Família Woodman.
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LOCATION:Gagosian Burlington Arcade\, 28–29 Burlington Arcade\, Londres
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"Portraits to Dream In" de Francesca Woodman e Julia Margaret Cameron na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Francesca Woodman\, Polka Dots #5 [detalhe]\, Providence\, Rhode Island\, 1976-1977 © Woodman Family Foundation / DACS\, London\n\n\n\nAs fotógrafas Francesca Woodman e Julia Margaret Cameron são duas das mulheres mais influentes na história da fotografia. Elas viveram um século de diferença – Cameron trabalhando no Reino Unido e no Sri Lanka a partir dos anos 1860\, e Woodman nos Estados Unidos e na Itália a partir dos anos 1970. Ambas as mulheres exploraram a retratação além de sua capacidade de registrar aparências – usando sua própria criatividade e imaginação para sugerir noções de beleza\, simbolismo\, transformação e narrativa. Exibindo mais de 160 impressões vintage raras\, Francesca Woodman e Julia Margaret Cameron: Retratos para Sonhar abrange a carreira de ambas as artistas – e sugere novas maneiras de se olhar para o trabalho delas\, e como a retratação fotográfica foi criada nos séculos XIX e XX.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/portraits-to-dream-in-de-francesca-woodman-e-julia-margaret-cameron-na-national-portrait-gallery/
LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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