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SUMMARY:"Capturing the Moment" no Tate Modern
DESCRIPTION:Capturing the Moment investiga a relação dinâmica entre a pintura contemporânea e a fotografia. Esta exposição coletiva se desdobrará como uma conversa em aberto entre alguns dos maiores pintores e fotógrafos das últimas gerações\, examinando como o pincel e a lente foram usados para capturar momentos no tempo e como essas duas mídias têm inspirado e influenciado uma à outra. A exposição será uma oportunidade rara para ver obras extraordinárias da Coleção da Fundação YAGEO\, incluindo pinturas de Francis Bacon\, Gerhard Richter e Peter Doig\, e fotografias de Thomas Struth\, Andreas Gursky e Hiroshi Sugimoto\, apresentadas em diálogo com muitas adições recentes à coleção da Tate\, incluindo obras de Lorna Simpson\, John Currin\, Laura Owens\, Michael Armitage e Louise Lawler. Capturing the Moment começará com alguns dos mais renomados pintores expressivos do período pós-guerra. Os visitantes descobrirão como o realismo inventivo e pictórico se desenvolveu ao lado do surgimento da fotografia documental e de fotógrafos inovadores como Dorothea Lange. A exposição também mostra como a influência flui no sentido oposto\, com uma série de fotografias com um estilo pictórico marcante. A maior parte da exposição explora como a pintura e a fotografia convergiram\, com uma seleção de importantes obras contemporâneas que mostram como ambas as formas de arte tentam capturar pontos fugazes no tempo ou momentos da história.
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SUMMARY:"DIVA" no V&A Museum
DESCRIPTION:A exposição DIVA é uma celebração da poderosa presença e criatividade das artistas icônicas ao longo da história. Através de uma abordagem abrangente\, a mostra redefine o conceito de ‘diva’ e explora como esse termo foi subvertido ou abraçado em diferentes formas de expressão\, como ópera\, teatro\, música popular e cinema. A exposição\, sediada no Victoria and Albert Museum (V&A)\, apresenta uma visão envolvente e cativante do mundo das divas\, revelando a influência cultural e artística que essas mulheres tiveram ao longo dos anos. Através de uma variedade de mídias\, incluindo figurinos\, fotografias\, vídeos e objetos pessoais\, os visitantes são levados a uma jornada fascinante pela história das divas e sua evolução ao longo do tempo. Uma das principais características da exposição é a exploração da transformação do conceito de ‘diva’ e como ele se relaciona com questões de gênero\, poder e representação. Os curadores da mostra destacam como as divas desafiaram estereótipos e expectativas sociais\, redefinindo o papel das mulheres na indústria do entretenimento. Além disso\, a exposição destaca a importância das divas como ícones de moda e estilo\, apresentando figurinos deslumbrantes usados por essas artistas em performances lendárias. Os visitantes têm a oportunidade de apreciar de perto peças de alta costura e acessórios deslumbrantes\, que refletem o glamour e a exuberância associados às divas.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Gabrielle Chanel. Fashion Manifesto" no V&A Museum
DESCRIPTION:Gabrielle Chanel. Fashion Manifesto é a primeira exposição no Reino Unido dedicada ao trabalho da costureira francesa Gabrielle ‘Coco’ Chanel\, traçando a evolução de seu estilo icônico de design e o estabelecimento da Casa CHANEL\, desde a abertura de sua primeira boutique de chapelaria em Paris em 1910 até a apresentação de sua última coleção em 1971. Apresentando quase 200 looks vistos juntos pela primeira vez\, além de acessórios\, perfumes e joias\, a exposição explora a abordagem pioneira de Chanel ao design de moda\, que abriu caminho para uma nova elegância e continua a influenciar a maneira como as mulheres se vestem hoje. \n\n\n\nBaseada na exposição Gabrielle Chanel. Fashion Manifesto organizada pelo Palais Galliera\, Museu da Moda da Cidade de Paris\, a exposição é reimaginada pelo V&A\, com mais de 100 novos objetos\, incluindo 60 novos looks. Ela apresenta peças raramente vistas da coleção do V&A\, ao lado de looks do Palais Galliera e do Patrimoine de CHANEL\, as coleções de herança da Casa de Moda em Paris. Destaques incluem uma das primeiras peças de vestuário Chanel sobreviventes de 1916; trajes originais projetados por Chanel para a produção dos Ballets Russes de Le Train Bleu em 1924; trajes criados para estrelas de Hollywood como Lauren Bacall e Marlene Dietrich; um exemplo inicial das inovadoras calças de noite de Chanel e conjuntos da última coleção de Chanel em 1971. \n\n\n\nChanel projetava\, em primeiro lugar\, para si mesma. Ao criar roupas adequadas para um estilo de vida independente e ativo\, ela antecipou as necessidades e desejos da mulher moderna. Através de dez seções temáticas\, a exposição explora a abordagem inovadora de Chanel para tecido\, silhueta e construção\, e examina como ela elaborou um novo modelo para a moda no século XX. Apresentando uma impressionante variedade de alguns dos designs mais notáveis de Chanel em seus sessenta anos na moda\, a exposição analisa sua carreira profissional\, o surgimento e desenvolvimento de seu estilo e sua contribuição para a história da moda. A exposição também destaca as inspirações britânicas de Chanel\, como sua adoção do tweed\, parcerias com empresas têxteis britânicas e fábricas de tecidos em Huddersfield.
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SUMMARY:Philip Guston na Tate Modern
DESCRIPTION:Por mais de 50 anos\, o artista Philip Guston incessantemente produziu pinturas e desenhos que capturaram o mundo ansioso e turbulento que ele testemunhava. \n\n\n\nNascido no Canadá em uma família de imigrantes judeus\, ele cresceu nos Estados Unidos e eventualmente se tornou um dos mais celebrados pintores abstratos das décadas de 1950 e 1960\, ao lado de Mark Rothko e seu amigo de infância Jackson Pollock. \n\n\n\nSeu trabalho inicial incluiu murais e pinturas abordando o racismo nos Estados Unidos e guerras no exterior. Durante as convulsões sociais e políticas do final da década de 1960\, Guston tornou-se crítico da abstração e começou a produzir pinturas em grande escala que apresentavam figuras de aparência cômica\, algumas usando capuzes brancos representando o mal e os perpetradores cotidianos do racismo. Essas pinturas e as que se seguiram estabeleceram Guston como um dos pintores mais influentes do final do século XX. \n\n\n\nGuston era um artista complexo que tirava inspiração do mundo sombrio ao seu redor para criar imagens novas e surpreendentes. Esta exposição explora como suas pinturas uniram o pessoal e o político\, o abstrato e o figurativo\, o humorístico e o trágico.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:“El Anatsui: Behind the Red Moon” na Tate Modern
DESCRIPTION:Behind the Red Moon\, de El Anatsui\, é uma instalação escultural monumental feita de milhares de tampas e fragmentos de garrafas de metal. Amassando\, esmagando e costurando esses fragmentos em diferentes composições\, grandes painéis são montados para formar campos abstratos massivos de cor\, forma e linha. A comissão se baseia no interesse de Anatsui pelas histórias de encontros e pela migração de mercadorias e pessoas durante o comércio transatlântico de escravos. Os topos de garrafa usados nessa comissão\, provenientes da Nigéria\, fazem parte de uma indústria contemporânea construída sobre rotas comerciais coloniais. \n\n\n\nBehind the Red Moon é apresentado como uma obra de arte em três atos. Os visitantes são convidados a embarcar em uma jornada de movimento e interação por meio das peças\, em uma dança entre corpos e esculturas. \n\n\n\nObservando as peças de longe\, um cenário de símbolos é revelado: a lua\, a vela\, a onda\, a terra e a parede. De perto\, os logotipos das tampas de garrafa falam sobre as vidas sociais do material como mercadorias de uma indústria global construída sobre rotas comerciais coloniais. Juntos\, o passado e o presente da África e da Europa se fundem em formas esculturais que pendem no ar e parecem flutuar pelo espaço. As peças incorporam a ideia de Anatsui de “forma não fixa” e fazem parte de sua abordagem altamente experimental à escultura. \n\n\n\nAnatsui explora as possibilidades poéticas de seus materiais. “Cada material possui suas propriedades\, físicas e até espirituais”\, explica ele. Behind the Red Moon explora forças elementares entrelaçadas com histórias humanas de poder\, opressão\, dispersão e sobrevivência.
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SUMMARY:"Women in Revolt! Art and Activism in the UK 1970-1990" na Tate Britain
DESCRIPTION:Helen Chadwick\, In the Kitchen (Stove)\, 1977 (detalhe). Uma de um conjunto de 12 impressões digitais pigmentadas em arquivo – emolduradas. Cortesia da Richard Saltoun Gallery\, Londres e Roma.\n\n\n\nPioneira em seu gênero\, esta exposição é uma ampla investigação da arte feminista por mais de 100 artistas mulheres atuantes no Reino Unido. Ela ilumina o modo como redes de mulheres usaram ideias radicais e métodos rebeldes para dar uma contribuição inestimável à cultura britânica. Sua arte ajudou a impulsionar o movimento de libertação das mulheres durante um período de significativas mudanças sociais\, econômicas e políticas. \n\n\n\nNos anos 1970 e 1980\, uma nova onda feminista irrompeu. As mulheres usaram suas experiências vividas para criar arte\, da pintura e fotografia ao cinema e performance\, para combater a injustiça. Isso incluiu defender os direitos reprodutivos\, a igualdade salarial e a igualdade racial. Essa criatividade ajudou a moldar um período de mudanças cruciais para as mulheres na Grã-Bretanha\, incluindo a abertura do primeiro refúgio para mulheres e a formação do Movimento Britânico de Artes Negras. \n\n\n\nApesar de longas carreiras\, essas artistas muitas vezes foram deixadas de fora das narrativas artísticas da época. Esta será a primeira vez que muitas de suas obras estarão em exibição desde a década de 1970. \n\n\n\nAtravés das obras apresentadas\, os visitantes encontrarão um conjunto produtivo e politicamente engajado de comunidades que mudaram a face da cultura britânica e pavimentaram o caminho para as futuras gerações de artistas.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Taylor Wessing Photo Portrait Prize na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Alexandre Silberman\, Diena\, da série “NATURE” (detalhe)\n\n\n\nO Prêmio de Retrato Fotográfico Taylor Wessing retorna à Galeria em St Martin’s Place após três anos. Exibindo talentosos jovens fotógrafos\, amadores habilidosos e profissionais estabelecidos\, a competição celebra uma ampla variedade de imagens e conta as frequentemente fascinantes histórias por trás da criação das obras. As imagens selecionadas\, muitas das quais estão em exibição pela primeira vez\, exploram tanto abordagens tradicionais quanto contemporâneas para o retrato fotográfico\, capturando uma variedade de personagens\, humores e locais.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Jean-Etienne Liotard na National Gallery
DESCRIPTION:Jean-Etienne Liotard\, The Lavergne Family Breakfast\, Private Collection 1773 (detalhe). ©️ Cortesia do proprietário / Foto: The National Gallery\, Londres\n\n\n\nHá muito considerada sua obra-prima\, The Lavergne Family Breakfast é uma das maiores e mais ambiciosas obras de Liotard em pastel. Apesar da notória delicadeza do meio\, ele reproduz habilmente texturas complexas: o brilho na cafeteira de metal e da jarra de cerâmica\, os tecidos sedosos e refletivos\, na bandeja de laca preta. Liotard era extremamente versátil\, produzindo obras em pastel\, óleo\, esmalte\, giz e até em vidro. De forma altamente incomum\, ele retornou a The Lavergne Family Breakfast 20 anos depois de tê-lo pintado e fez uma réplica exata em óleo. \n\n\n\nLiotard trabalhou em toda a extensão da Europa do século XVIII. Após quatro anos em Constantinopla\, ele cultivou uma longa barba\, adotou trajes turcos e apelidou-se de “o pintor turco”. A exposição apresenta os materiais brutos usados para fazer pastéis\, bem como desenhos\, pinturas e miniaturas que buscam dar vida a este artista idiossincrático. \n\n\n\nExibida pela última vez em 1754\, quando Liotard trouxe o pastel de Lyon para Londres\, e quase não foi vista em público desde então\, esta exposição busca colocar Liotard e The Lavergne Family Breakfast de volta ao centro das atenções.
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LOCATION:National Gallery\, Trafalgar Square London Greater London\, Greater London\, London\, Reino unido
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SUMMARY:"The Great Cosmic Mother" de Monica Sjöö na Modern Art Oxford
DESCRIPTION:Monica Sjöö\, Meeting the Ancestors at Avebury\, 1993. Cortesia de Monica Sjöö Estate e Alison Jacques\, Londres. Foto: Albin Dahlström/Moderna Museet\n\n\n\nArtista\, ativista\, escritora e ecofeminista Monica Sjöö (1938-2005) foi incansável em sua defesa pela justiça de gênero\, ecofeminismo\, matriarcado e equidades sociais. Esta exposição retrospectiva traça o trabalho de sua vida e considera a relação entre arte\, espiritualidade e política. \n\n\n\nTraçando o profundo compromisso da artista com a justiça de gênero e ambiental\, The Great Cosmic Mother destaca as pinturas em grande escala de Sjöö criadas em resposta às diversas campanhas feministas e ambientais em que ela esteve ativamente envolvida ao longo de sua vida. As obras premonitórias de Sjöö foram uma forma pioneira de ativismo ambiental e anteciparam debates politicamente urgentes em torno da emergência climática hoje. \n\n\n\nA exposição reúne obras de arte que abrangem os 40 anos de carreira de Sjöö ao lado de seus escritos\, fotografias\, publicações ativistas\, banners\, cartazes e documentos pessoais para destacar como Sjöö via o trabalho criativo como parte vital da vida e a criação artística como um meio de reconectar os valores alternativos de culturas passadas ao presente. Alternando entre obras de arte\, documentos de arquivo e artefatos pessoais\, a exposição busca inspirar os visitantes a refletirem sobre como podem encontrar expressão criativa em todos os aspectos de suas vidas.
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LOCATION:Modern Art Oxford\, 30 Pembroke Street\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Pesellino: A Renaissance Master Revealed" na National Gallery
DESCRIPTION:Descubra um grande renascentista negligenciado na primeira exposição dedicada a Francesco di Stefano\, conhecido como Pesellino (1422–1457). \n\n\n\nOs talentos de Pesellino foram muito procurados durante sua vida. Ele recebeu comissões da família governante de Florença\, os Medici\, e colaborou com os principais artistas de sua época\, incluindo Fra Filippo Lippi. \n\n\n\nTrabalhando em Florença no início do século XV\, Pesellino teve uma carreira curta\, mas bem-sucedida. Ele era um desenhista habilidoso\, contador visual de histórias e pintor de animais\, muitas vezes produzindo obras em pequena escala com detalhes maravilhosamente intrincados. Seu trabalho inspirou a próxima geração de pintores após sua morte precoce aos 35 anos. \n\n\n\nEsta exposição revela a história de Pesellino e destaca a profundidade e amplitude de suas realizações. \n\n\n\nImagem: Francesco Pesellino\, The Triumph of David\, entre 1445–55 (detalhe). © The National Gallery\, Londres
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LOCATION:National Gallery\, Trafalgar Square London Greater London\, Greater London\, London\, Reino unido
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SUMMARY:Neil Stokoe na Saatchi Yates
DESCRIPTION:Neil Stokoe\, Untitled (Women kissing with sunlight through blinds) (detalhe)\, S/d\n\n\n\nA Saatchi Yates tem o orgulho de apresentar uma exposição individual de Neil Stokoe\, a primeira exibição póstuma de obras pintadas entre os anos 1960 e 1990. Após o bem-sucedido verão da galeria Bathers\, que incluiu Floating Figure II de Neil Stokoe\, Saatchi Yates agora representa o espólio do artista e trabalhará com sua família para levar suas notáveis pinturas a um público mais amplo. \n\n\n\nStokoe sempre foi visto como o gigante oculto do “Círculo Dourado” no Royal College of Art\, com David Hockney\, Frank Bowling R.B. Kitaj\, Allen Jones e Patrick Caulfield entre seus contemporâneos. Apesar do incentivo de seu amigo próximo Francis Bacon para expor suas pinturas\, ele evitou o vibrante mundo artístico de Londres dos anos 60 – deixando-o em grande parte desconhecido hoje. Somente após sua aposentadoria em 2002 é que Stokoe revelou pela primeira vez alguns de seus trabalhos. Ele viveu uma vida solitária e reclusa\, trabalhando intensivamente por décadas em seu estúdio em sua casa no oeste de Londres\, sem nenhuma inclinação para expor. \n\n\n\nEsta exposição será a primeira mostra individual de Stokoe desde seu falecimento em 2019. Apresentando catorze pinturas importantes de seu espólio\, algumas das quais nunca foram exibidas\, esta exposição captura a essência e a evolução do trabalho de Stokoe ao longo de várias décadas. Mostrando o estilo revigorante de Stokoe que transcende o tempo\, muitas das pinturas demonstram um espaço interior psicologicamente carregado representando o estilo dos anos 1960 e 1970. As representações de interiores de Stokoe eram frequentemente inspiradas por seu arquiteto favorito Richard Meier\, capturadas em óleo exuberante sobre tela. Seu trabalho das décadas de 1980 e 1990 é progressivamente mais experimental\, com pinceladas gestuais apresentando linhas limpas e gráficas e as cores vibrantes e nítidas da Pop Art\, como visto em sua pintura Spiral Staircase with Two Figures. Assuntos e motivos semelhantes de seus trabalhos anteriores estão presentes nas peças deste período\, claramente influenciadas por sua exploração da arquitetura paisagística desde seus anos formativos.
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LOCATION:Saatchi Yates\, 14 Bury St\, St. James's\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"SpaceRace" na Lehmann Maupin
DESCRIPTION:Nicholas Hlobo\, Uvathel’umsitho\, 2023 (detalhe). Foto: Andrea Rossetti\n\n\n\nLehmann Maupin apresenta SpaceRace\, uma exposição com curadoria de Dexter Wimberly\, que reúne cinco artistas cujo trabalho é informado por uma compreensão magistral de padrão\, materialidade e simbologia: Leonardo Benzant\, McArthur Binion\, Alteronce Gumby\, Nicholas Hlobo e Brittney Leeanne Williams. \n\n\n\nAs obras em exibição\, que incluem pintura\, escultura e mídia mista\, utilizam luz\, cor e materiais de origem inesperada para nos fazer refletir sobre nosso lugar no universo\, explorar ideias de espiritualidade e se envolver com percepções variadas da realidade. Neste contexto\, o termo SpaceRace tem um duplo significado. É uma referência à competição do século XX entre dois rivais da Guerra Fria (Estados Unidos e União Soviética)\, que buscavam dominância no espaço além do nosso planeta. Também é uma referência satírica à comercialização da arte negra no século XXI.
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LOCATION:Lehmann Maupin\, 1 Cromwell Pl South Kensington\, Londres\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Yoko Matsumoto na White Cube Mason's Yard
DESCRIPTION:Yoko Matsumoto\, Gazed at by Nature\, 2023 (detalhe)\n\n\n\nA White Cube Mason’s Yard apresenta a estreia da exposição individual no Reino Unido da artista japonesa Yoko Matsumoto. Apresentando pinturas e obras em papel do meio da década de 1980 até os dias atuais\, a exposição introduz a abstração expressiva e disciplinada de Matsumoto. Ao longo de seu extenso corpo de trabalho\, a cor existe como uma força unificadora que une energias tempestuosas a um sentido volátil de fisicalidade. Com um uso rigoroso de luz\, sombra e matiz\, Matsumoto aborda a cor de maneira processual e meditativa\, distinguindo a constituição material\, a mutabilidade tonal e a dimensionalidade em camadas.
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LOCATION:White Cube Mason’s Yard\, 25-26 Masons Yard St. James's\, Londres\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Mao Yan na Pace Gallery Londres
DESCRIPTION:Mao Yan\, Young Man with a Hat No. 2\, 2021 © Mao Yan\n\n\n\nA Pace apresenta uma exposição de novas pinturas de Mao Yan (n. 1968)\, em exibição de 19 de janeiro a 9 de março de 2024. Marcando sua primeira apresentação solo no Reino Unido\, a próxima mostra em Londres segue a grande pesquisa de Mao no Museu de Arte Song em Pequim\, que proporcionou uma visão panorâmica de suas explorações e experimentações aprofundadas com a linguagem artística. Na Pace\, os retratos representativos mais recentes e as abstrações de Mao serão reunidos em diálogo\, exemplificando novas investigações do artista sobre mídia\, prática e relações estilísticas e pictóricas dinâmicas. \n\n\n\nComo uma das figuras mais influentes da arte contemporânea na China\, Mao estabeleceu uma reputação por seus retratos espectrais de amigos\, vagamente renderizados em um sfumato azul acinzentado — um dispositivo composicional que ele considera um tema em si mesmo. Ao longo da última década\, ele continuou a explorar a profundidade expressiva do processo de pintura clássica\, ao lado da inovação técnica\, como ferramentas para explorar a relação entre arte e vida.
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LOCATION:Pace Gallery Londres\, 5 Hanover Square\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Art Now" de Zeinab Saleh na Tate Britain
DESCRIPTION:Zeinab Saleh\, Early morning\, 2024\n\n\n\nZeinab Saleh utiliza tinta acrílica\, carvão e pastéis suaves para criar uma nova série de pinturas e desenhos para sua exibição Art Now na Tate Britain. Inspirada em experiências cotidianas\, encontros pessoais e memórias\, os materiais e paleta de Saleh permitem que ela crie obras de arte que evocam sentimentos de intimidade e ternura sem estar fixadas em nenhum tempo ou narrativa específica. Convidando à calma e à contemplação\, o espectador é imerso no espaço dentro da imagem. Saleh utiliza padrões e silhuetas recorrentes para projetar camadas de tempo e significado em suas telas. Ela alude a narrativas\, mas raramente elas são totalmente reveladas.
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LOCATION:Tate Britain\, Millbank\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Lucian Freud's Etchings" no V&A Museum
DESCRIPTION:Pluto Aged Twelve\, prova de teste de gravura\, de Lucian Freud\, impressa por Marc Balakjian\, 2000\, Londres\n\n\n\nLucian Freud’s Etchings: A Creative Collaboration é uma exposição que destaca um aspecto menos conhecido da obra do renomado artista britânico do século 20\, Lucian Freud. Mais conhecido por suas pinturas figurativas\, Freud também produziu muitas gravuras\, muitas vezes retratando os mesmos temas e modelos de suas pinturas. A mostra apresenta 38 dessas impressões intricadas e íntimas\, explorando a prática de gravura de Freud. \n\n\n\nEsta coleção\, adquirida em 2019\, inclui provas nunca antes exibidas que oferecem novas perspectivas sobre o processo criativo do artista e sua abordagem distinta à gravura. Entre os destaques estão retratos de figuras como Leigh Bowery e estudos de seu cão de estimação\, além do único autorretrato gravado de Freud. A exposição\, gratuita\, fica em exibição até 25 de agosto de 2024.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Gerhard Richter na David Zwirner Londres
DESCRIPTION:Gerhard Richter\, 11.8.2023 (3)\, 2023 (detalhe)\n\n\n\nDavid Zwirner apresenta uma exposição de obras novas e recentes do renomado artista alemão Gerhard Richter na localização da galeria na rua Grafton\, 24\, em Londres. Esta é a primeira apresentação do trabalho de Richter em Londres desde o anúncio de sua representação em dezembro de 2022 e segue a estreia recente do artista na David Zwirner em Nova York na primavera de 2023. \n\n\n\nEsta instalação expande a investigação contínua de Richter sobre a fixidez da percepção e reafirma seu compromisso inabalável com as possibilidades formais e conceituais da abstração. Destacam-se centralmente três das celebradas pinturas abstratas do artista\, feitas nos anos que antecederam sua decisão de afastar-se da tinta a óleo e voltar-se para o desenho e a instalação com crescente dedicação. Um grupo expansivo de novas obras em papel – algumas feitas com tinta ou lápis\, outras com uma combinação dos dois – ilumina a urgência e a proeminência recém-descobertas que Richter tem atribuído ao método e à técnica no desenho.
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LOCATION:David Zwirner\, 24 Grafton St London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"CUTE" na Somerset House
DESCRIPTION:Instalação da Hello Kitty na exposição CUTE na Somerset House. Créditos: David Parry PA da Somerset House.\n\n\n\nDos emojis aos memes da internet\, dos videogames aos brinquedos de pelúcia\, da comida ao design de robôs adoráveis\, a fofura tomou conta do nosso mundo. Mas como algo tão encantador e aparentemente inofensivo – animais com olhos brilhantes\, bebês bochechudos\, flores\, corações\, estrelas\, doces e outros motivos românticos semelhantes – ganhou tanta tração? \n\n\n\nCUTE reúne obras de arte contemporâneas\, incluindo novas encomendas de artistas\, e fenômenos culturais como música\, moda\, brinquedos\, videogames e mídias sociais\, nesta nova exposição que examina a adoção mundial da cultura fofa e como ela se tornou uma medida influente de nossos tempos. Buscará desvendar a carga emotiva da fofura\, revelando seu poder e potencial extraordinários e complexos. \n\n\n\nOs artistas contribuintes incluem Mark Leckey\, Sean-Kierre Lyons\, AYA TAKANO\, Mike Kelley\, Karen Kilimnik\, Nayland Blake\, Cosima von Bonin\, Hannah Diamond\, Ed Fornieles\, Juliana Huxtable\, Rachel Maclean\, Julien Ceccaldi\, Paige K. B.\, Isaac Lythgoe\, Alake Shilling\, Wong Ping\, Liv Preston\, CFGNY\, Ram Han\, Maggie Lee\, Bunny Rogers\, Flannery Silva\, Andy Holden\, além dos artistas do Somerset House Studios Chris Zhongtian Yuan\, Sin Wai Kin e Sian Fan.
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LOCATION:Somerset House\, Strand\, London WC2R 1LA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Darling sweetie\, sweetie darling" de Uman na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:UMAN\, Good Moning\, 2023 (detalhe). Foto: Sarah Muehlbauer\n\n\n\nA primeira exposição de Uman com a Hauser & Wirth acontece em Londres\, em parceria com a Nicola Vassell Gallery\, em Nova York. Uma artista intuitiva e voraz autodidata\, Uman se baseia em suas memórias de infância na África Oriental\, em sua educação rigorosa em caligrafia árabe tradicional\, profundo envolvimento com sonhos e fascínio por cores e designs caleidoscópicos. \n\n\n\nO vocabulário visual exuberante de Uman reflete suas amplas experiências interculturais. Com referências à autorretratos e topografias fictícias\, suas pinturas navegam fluidamente entre reinos intermediários para explorar tanto o físico quanto o espiritual\, entrelaçando abstração\, figuração\, padrões meditativos e uma reverência pelo mundo natural. Esta exposição exibe uma seleção de pinturas em grande escala com mundos detalhados e ricamente coloridos\, repletos de gestos\, geometria e evocações do sublime\, flutuando entre abstração e figuração.
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LOCATION:Hauser & Wirth Londres\, 23 Savile Row W1S 2ET\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"All I need is a little bit of everything" de Douglas Gordon na Gagosian
DESCRIPTION:Vista da instalação com a obra “Pretty much every film and video work from about 1992 until now…” (1999-) de Douglas Gordon @ Studio lost but found VG Bild-Kunst\, Bonn\, Alemanha\, 2024. Foto: Lucy Dawkins\n\n\n\nA Gagosian apresenta uma exposição de obras de Douglas Gordon na localização da galeria em Grosvenor Hill. All I need is a little bit of everything apresenta inúmeras obras de texto — traduzidas pela primeira vez para múltiplos idiomas — além da instalação enciclopédica Pretty much every film and video work from about 1992 until now… (1999–) e uma nova obra\, 2023EastWestGirlsBoys (2023)\, que reflete sobre as memórias do artista do bairro de Soho em Londres. \n\n\n\nEm seus filmes\, instalações\, fotografias\, performances e textos\, Gordon reflete sobre questões morais e éticas e investiga estados mentais e físicos. Inspirado nas histórias da literatura\, cinema e cultura pop\, ele examina a memória individual e coletiva fazendo referência ao seu próprio passado e produção anterior. \n\n\n\nExibida pela última vez em Londres na Hayward Gallery em 2002\, Pretty much every film and video work from about 1992 until now… é exibida em mais de cem telas\, que variam de TVs tradicionais a monitores e iPads. Já incluída em coleções internacionais significativas\, a instalação funciona como uma retrospectiva condensada que cumpre a promessa de seu título e se expande junto com o trabalho do artista.
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LOCATION:Gagosian Grosvenor Hill\, 20 Grosvenor Hill\, Londres
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SUMMARY:"Thinking of You. I Mean Me. I Mean You." de Barbara Kruger na Serpentines Galleries
DESCRIPTION:A artista americana Barbara Kruger (n. 1945\, Newark\, Nova Jersey\, EUA) é amplamente conhecida por seu trabalho impactante com imagens e palavras. Vindo de uma carreira inicial como designer gráfica para revistas\, Kruger desenvolveu uma linguagem visual icônica que frequentemente se apropria das técnicas e estéticas da publicidade e de outros meios de comunicação. Desde a década de 1970\, suas obras exploram continuamente mecanismos complexos de poder\, gênero\, classe\, consumismo e capital. \n\n\n\nThinking of You. I Mean Me. I Mean You. na Serpentine South é a primeira exposição institucional solo de Kruger em Londres em mais de vinte anos. Apresenta uma seleção única de instalações ao lado de obras de imagem em movimento e múltiplos ambientes sonoros. A exposição é a estreia no Reino Unido de “Sem Título (Sem Comentários)” (2020). Esta instalação de vídeo imersiva de três canais explora modos contemporâneos de criar e consumir conteúdo online. No trabalho\, Kruger combina texto\, clipes de áudio e uma enxurrada de imagens e memes encontrados\, que vão desde selfies borradas até fotos animadas de gatos. \n\n\n\nA exposição também apresenta recentes reconfigurações em vídeo – ou\, como a artista as chama\, replays – de várias das peças mais icônicas de Kruger dos anos 1980\, incluindo “Sem Título (Eu compro\, logo existo)” (1987) e “Sem Título (Seu corpo é um campo de batalha)” (1989). Ao longo de décadas\, Kruger apresentou seu trabalho em diversos espaços e formas\, incluindo em edifícios\, outdoors\, tapumes\, ônibus e parques de skate. Para esta exposição\, a artista adaptou obras que foram recentemente apresentadas em museus nos Estados Unidos para locais específicos dentro da Serpentine\, tanto internos quanto externos.
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LOCATION:Serpentine South Gallery\, Kensington Gardens London W2 3XA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Beyond Form: Lines of Abstraction\,1950-1970" na Turner Contemporary
DESCRIPTION:Beyond Form Lines of Abstraction\, 1950 – 1970\, 2024. Vista da instalação. © Cortesia Turner Contemporary. Foto: Beth Saunders\n\n\n\nNesta primavera\, o Turner Contemporary apresenta Beyond Form: Lines of Abstraction\,1950-1970\, uma exposição coletiva que apresenta a abstração como uma linguagem global radical compartilhada por artistas mulheres nas duas décadas seguintes à Segunda Guerra Mundial. Com curadoria da convidada Dra. Flavia Frigeri\, a exposição reúne as obras de mais de 50 artistas para examinar como\, por meio de formas abstratas\, materiais e modos\, as mulheres expandiram os limites da criação artística enquanto lidavam com mudanças culturais\, sociais e políticas sísmicas. Compreendendo mais de 80 obras de arte\, predominantemente esculturas\, a exposição traça como a linguagem da abstração se desenvolveu em uma escala global. \n\n\n\nA exposição inclui esculturas de Mária Bartuszová\, Louise Bourgeois\, Eva Hesse e Hannah Wilke. Destaca a Escultura Viva de Marisa Merz (1966)\, uma peça realizada dentro dos confins íntimos de um espaço doméstico antes que a artista tivesse um estúdio. Também explora o uso inovador de materiais modernos por Carla Accardi e Marta Pan para redefinir espaço e percepção. A arte em fibra de Maria Teresa Chojnacka e Ewa Pachucka também é apresentada\, simbolizando resistência e libertação da censura ou monitoramento estatal. Complementando o foco escultural da exposição estão pinturas e relevos selecionados\, como o Leste de Carmen Herrera (1965) e Manhã de Agnes Martin (1965)\, enriquecendo a compreensão deste período artístico. \n\n\n\nJuntas\, as obras incluídas em Além da Forma mapeiam uma constelação que fala à linguagem global e coletiva da abstração que transcende fronteiras geográficas e culturais por meio do meio universal da escultura. \n\n\n\nAlém da Forma tem curadoria da convidada Dra. Flavia Frigeri\, historiadora da arte e ‘Curadora Chanel para a Coleção’ na National Portrait Gallery\, Londres. No Turner Contemporary\, a exposição é realizada com Sarah Martin\, Chefe de Exposições. \n\n\n\nArtistas Expostos: \n\n\n\nCarla Accardi; Novera Ahmed; Anthea Alley; Ruth Asawa; Mária Bartuszová; Lynda Benglis; Margaret Benyon; Anna-Eva Bergman; Sandra Blow; Lee Bontecou; Louise Bourgeois; Rosemarie Castoro; Jocelyn Chewett; Maria Teresa Chojnacka; Lygia Clark; Saloua Raouda Choucair; Dadamaino; Dorothy Dehner; Claire Falkenstein; Habuba Farah; Maria Freire; Elisabeth Frink; Sue Fuller; Barbara Hepworth; Carmen Herrera; Eva Hesse; Sheila Hicks; Ilona Keserü; Bice Lazzari; Felicia Leirner; Kim Lim; Agnes Martin; Mary Martin; Marisa Merz; Yuko Nasaka; Louise Nevelson; Ewa Pachucka; Marta Pan; Howardina Pindell; Pilloo Pochkhanawala; Bridget Riley; Meg Rutherford; Ana Sacerdote; Behjat Sadr; Nasreen Mohamedi; Mona Saudi; Hedde Sterne; Arpita Singh; Jean Spencer; Hedda Sterne; Lenore Tawney; Marilia Gianetti Torres; Paule Vézelay; Daniela Vinopalová; Hannah Wilke; Gillian Wise.
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LOCATION:Turner Contemporary\, Rendezvous\, Margate\, Kent CT9 1HG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"When Forms Come Alive" na Hayward Gallery
DESCRIPTION:Crédito: Vista da instalação de Tara Donovan\, When Forms Come Alive\, 2024. Foto: Jo Underhill. Courtesia da Hayward Gallery.\n\n\n\nInspiradas por fontes que vão desde o gesto de uma dançarina até a quebra de uma onda\, do fluxo de metal fundido ao entrelaçamento de uma teia de aranha\, as obras de arte em When Forms Come Alive evocam reinos fluidos e em constante mutação da experiência. \n\n\n\nOndulantes\, caídas\, eruptivas\, em cascata e prolíficas de maneira promíscua\, essas esculturas convidam a um olhar tátil e desencadeiam respostas físicas. Em uma era em que nossos encontros são cada vez mais digitalizados e descorporificados\, essas obras de arte lembram os prazeres do gesto e do movimento\, a poética da gravidade e a experiência da sensação em si.
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LOCATION:Hayward Gallery\, Hayward Gallery\, Southbank Centre\, Belvedere Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Amass" de Rune Christensen na Kristin Hjellegjerde Gallery
DESCRIPTION:Rune Christensen\, Quiet at Dawn #2\, 2024 (detalhe)\n\n\n\nVasos de cerâmica\, xícaras\, potes e urnas\, tigres balançando suas caudas\, tigelas de frutas\, flores e plantas verdes exuberantes. A mais recente série de pinturas do artista dinamarquês Rune Christensen compreende arranjos coloridos de objetos e padrões\, retirados da coleção em seu estúdio\, de suas viagens ao redor do mundo\, de memórias pessoais\, referências históricas e de sua imaginação. Amass\, sua exposição individual na Galeria Kristin Hjellegjerde em Wandsworth\, nos leva a uma jornada através do tempo e do lugar. Cada obra\, como um gabinete de curiosidades\, nos oferece um vislumbre do mundo que o artista sonha e habita. \n\n\n\nChristensen raramente planeja suas composições\, preferindo ver o que emerge na tela. Como resultado\, cada uma de suas obras incorpora uma vasta gama de referências a diferentes culturas\, histórias e crenças\, que são unificadas pelo estilo gráfico distinto do artista e pela paleta de cores controlada. Ele se refere às obras desta última série em particular como “tapetes” ou “tecidos”\, nos quais múltiplas camadas de informações ou histórias são tecidas em uma única superfície. Esse efeito é intensificado pela borda padronizada que emoldura quase todas as pinturas de Christensen\, criando uma estética quase de livro ilustrado que nos encoraja a ler a imagem por seus próprios termos e dentro do reino da imaginação. \n\n\n\nEnquanto essas obras mais recentes fazem referência à história da pintura de natureza morta\, bem como à tendência contemporânea das redes sociais para o design de nossos espaços domésticos\, o desconexão da realidade é importante: é isso que permite a Christensen colocar um tigre na prateleira de um armário ao lado de um cacho de uvas roxas. Os tons de cor fluorescente\, uma marca registrada da paleta do artista\, contribuem para a atmosfera de outro mundo\, enquanto também complicam nosso sentido de tempo. Esses flashes vivos de laranja\, lembrando a estética ousada do grafite\, parecem surpreendentemente contemporâneos\, enquanto os muitos recipientes padronizados que permeiam o trabalho de Christensen refletem as tradições artesanais e os modos antigos de viver. Como Christensen observa\, “Os humanos criaram vasos como uma forma de armazenar comida e água\, nos permitindo afastar-nos da caça e coleta. De forma semelhante\, a pintura atua como um recipiente para minhas experiências e uma libertação.” \n\n\n\nIncomumente para Christensen\, não há figuras em nenhuma dessas pinturas\, mas uma presença humana espectral permanece ao redor da disposição dos objetos. Cada “coisa” foi dada um lugar para criar uma ordem ou efeito visual específico. “A disposição das coisas – objetos\, tempo\, família\, relacionamentos – é um processo de compreensão\, mas também de progresso\, nos permite passar de uma coisa para a próxima\,” diz Christensen. Ao mesmo tempo\, a desordem das plantas – as maneiras como as folhas caem pelas prateleiras ou os caules dos girassóis se curvam e se dobram em posições desconfortáveis – talvez aponte para a impossibilidade de controle absoluto. De forma semelhante\, as pinturas de Christensen podem parecer de longe apresentar uma imagem de perfeição\, mas em uma inspeção mais próxima\, os traços de pincel se tornam visíveis\, assim como os sutis vazamentos de cor. É nessas imperfeições que descobrimos momentos surpreendentes de beleza\, harmonia e autenticidade. \n\n\n\nAs pinturas de Christensen são\, como todas as imagens\, curadas para contar uma história ou evocar uma atmosfera específica\, mas também são obras da imaginação\, uma série de fragmentos ou começos que são oferecidos ao espectador para que eles os reúnam em sua própria narrativa.
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LOCATION:Kristin Hjellegjerde Gallery\, 2 Melior Place\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Solange Pessoa\, 4 Hammocks\, 1999 – 2003. Crédito: Courtesia do Rubell Museum\, Miami e Washington DC. Foto: Chi Lam.\n\n\n\nUsando tecidos\, fibras e fios\, 50 artistas internacionais desafiam as estruturas de poder e reimaginam o mundo nesta importante exposição coletiva. \n\n\n\nOs tecidos nos cobrem e nos protegem\, envolvem nossos sentidos\, despertam nossas memórias\, representam nossas crenças\, guardam nossas histórias. Estamos envoltos em tecido quando nascemos e envolvidos por ele quando morremos. \n\n\n\nComo meio artístico\, os tecidos podem falar sobre as alegrias e dores de ser humano\, assim como as grandes estruturas e sistemas que moldam nosso mundo. \n\n\n\nNesta importante exposição coletiva\, 50 artistas internacionais e intergeracionais usam tecidos para comunicar ideias vitais sobre poder\, resistência e sobrevivência. Desde peças íntimas feitas à mão até instalações esculturais monumentais\, essas obras oferecem narrativas de violência\, imperialismo e exclusão\, ao lado de histórias de resiliência\, amor e esperança.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"A MERCY | DUMMY" de Tiona Nekkia McClodden na White Cube
DESCRIPTION:Celebrando a primeira exposição individual do artista na galeria\, a White Cube tem o prazer de apresentar A MERCY | DUMMY\, uma exposição de escultura\, instalação e pintura por Tiona Nekkia McClodden. Abrangendo dois corpos distintos de trabalho\, McClodden parte de duas obras literárias fundamentais para explorar noções de interioridade\, performatividade e violência. \n\n\n\nTomando emprestado seu título de um romance de 2008 de Toni Morrison\, A MERCY é composto por uma série de portões de cabeça de aço pintados à mão – dispositivos utilitários usados para restringir e direcionar o gado em preparação para a vacinação ou abate. Ao contemplar sua capacidade dual de acalmar e facilitar a brutalidade\, McClodden estabelece paralelos com o romance de Morrison\, ambientado no final do século XVII na América colonial. Na narrativa\, uma mãe emprega um ato brutal de misericórdia\, buscando proteger sua filha da mesma violência que ela mesma sofreu. Os portões de cabeça metaforicamente incorporam a natureza paradoxal de encontrar misericórdia dentro de estruturas finitas de violência.
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LOCATION:White Cube Bermondsey\, 144 – 152 Bermondsey\, Londres\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"Older Works and Shadow Paintings" de Sergej Jensen na White Cube
DESCRIPTION:Vista da exposição “Older Works and Shadow Paintings” de Sergej Jensen. Cortesia White Cube\, Londres. Imagem/Divulgação\n\n\n\nA White Cube Bermondsey tem o prazer de apresentar uma exposição de Sergej Jensen. Oscilando entre abstração e legibilidade\, o trabalho altamente formal e orientado para o material de Jensen dos últimos 20 anos é mostrado aqui junto com uma série de mais de 50 novas pinturas\, proporcionando uma narrativa reflexiva sobre o meio da pintura dentro de sua prática.
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LOCATION:White Cube Bermondsey\, 144 – 152 Bermondsey\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Mónica Alcázar-Duarte: Digital Clouds Don't Carry Rain" na Autograph
DESCRIPTION:Mónica Alcázar-Duarte\, K’aaxal ja’ – Mayan Thunder deity\, 2021\n\n\n\nAfirmando o valor e a sobrevivência do conhecimento indígena de seus ancestrais\, a artista mexicana-britânica Mónica Alcázar-Duarte examina a obsessão da sociedade ocidental com velocidade\, expansão e acumulação de recursos em um momento em que o desastre ecológico se aproxima. Ela levanta questões críticas – onde reside o conhecimento? Quem e o que é classificado? – unindo os fios de sistemas de conhecimento dissociados. \n\n\n\nAs fotografias evocativas no cerne de Digital Clouds Don’t Carry Rain estão situadas entre as árvores moribundas de Derbyshire\, lar da Revolução Industrial. Nestes autorretratos\, a artista imita poses das pinturas Casta do século XVIII\, um gênero de arte feito no México durante o colonialismo espanhol para ilustrar hierarquias sociais racistas – classificando indivíduos de raças mistas dentro de um sistema de ‘castas’.
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LOCATION:Autograph\, Rivington Pl\, London EC2A 3BA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Wilfred Ukpong: Niger-Delta / Future-Cosmos" na Autograph
DESCRIPTION:Wilfred Ukpong\, The Advent of the Visionaries-A Screen to Behold\, 2017\n\n\n\nUtilizando aspectos do Afrofuturismo e do misticismo\, o artista Wilfred Ukpong cria reflexões cativantes e poéticas sobre a crise da degradação ambiental e exploração no Delta do Níger. Baseando-se em arquivos históricos e pessoais\, política ecológica e ambientalismo indígena\, seu trabalho demonstra como a arte pode ser usada como uma ferramenta para o empoderamento social e para confrontar práticas coloniais agressivas e contínuas. \n\n\n\nAntigamente um grande produtor de óleo de palma para colonizadores britânicos\, o Delta do Níger é considerado o sustentáculo da economia nigeriana por suas grandes reservas de petróleo e sua rica biodiversidade devido à presença de rios\, manguezais\, florestas de água doce e estuários marinhos. Nos últimos anos\, a região tem sido o centro de campanhas por justiça ambiental e social\, desafiando a poluição causada por grandes vazamentos e queimas nas mãos das gigantes da indústria de petróleo e gás. \n\n\n\nAs obras na exposição são todas ambientadas no Delta do Níger\, terra natal de Ukpong. Impulsionado por um profundo desejo de promover mudanças\, o artista trabalhou com mais de duzentos jovens de comunidades marginalizadas produtoras de petróleo para abordar coletivamente os problemas históricos e ambientais na região rica em petróleo. As fotografias e o filme resultantes fazem referência de forma poderosa a rituais locais\, motivos cerimoniais e símbolos entrelaçados em uma complexa cosmologia futurista. \n\n\n\nAtravés de uma lente futurista\, Ukpong destaca a necessidade de entender o impacto prejudicial dessa extração extrema tanto nas pessoas quanto na terra.
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LOCATION:Autograph\, Rivington Pl\, London EC2A 3BA\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Surrogates" de Erwin Wurm na Thaddaeus Ropac
DESCRIPTION:Erwin Wurm\, Paradise I (Idea of a High Heel Big)\, 2024\n\n\n\nThaddaeus Ropac London apresenta Surrogates\, uma exposição de novas esculturas do artista austríaco Erwin Wurm\, incluindo três séries de trabalhos apresentados pela primeira vez: Paradise\, Mind Bubbles e Dreamers. Em exibição simultânea com a grande retrospectiva do artista no Yorkshire Sculpture Park\, em Wakefield\, a exposição apresenta esculturas de metal pintadas e resina epóxi\, juntamente com desenvolvimentos-chave na continuação de suas icônicas One Minute Sculptures. Juntos\, os trabalhos reunidos incorporam a abordagem caracteristicamente expansiva de Wurm ao conceito de escultura\, enquanto ele perturba as distinções tradicionais entre sujeito e objeto\, o humano e o não humano\, espectador e participante.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Londres\, 37 Dover Street\, Londres\, Reino unido
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