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SUMMARY:Isaac Julien no Tate Britain
DESCRIPTION:Esta é a maior exposição já dedicada ao trabalho do filmmaker e artista Isaac Julien\, um dos mais importantes da atualidade. Esta mostra revela o escopo dos filmes e instalações iniciais de Isaac Julien do começo da década de 1980 até os dias de hoje. Esta exposição também destaca o pensamento crítico do artista e a forma como seu trabalho é capaz de quebrar barreiras\, transitando entre diversas mídias com desenhos\, filmes\, dança\, fotografia\, música\, teatro \, pinturas e esculturas. Nesta ocasião o visitante conhecerá trabalhos que vão de filmes antigos a videoinstalações em escalas enormes e multi-telas. 
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SUMMARY:"After Impressionism" na National Gallery
DESCRIPTION:A grande exposição After Impressionism: Inventing Modern Art explora um período de grande agitação nas artes visuais\, quando os artistas romperam com a tradição estabelecida e lançaram as bases para uma nova configuração da arte dos séculos 20 e 21. As décadas entre 1880 e a deflagração da Primeira Guerra Mundial em 1914 foram um período complexo e vibrante de questionamento artístico\, investigação criativa\, tomada de riscos e inovação. A mostra da National Gallery celebra a produção revolucionária de três gigantes da época: Paul Cézanne\, Vincent van Gogh e Paul Gauguin. Ainda\, segue as influências que os três tiveram sobre as gerações mais jovens de artistas franceses\, sobre seus pares e sobre círculos mais amplos de artistas em toda a Europa\, especialmente em Barcelona\, Berlim\, Bruxelas e Viena. Com quase uma centena de obras de artistas como Klimt\, Munch Matisse\, Picasso\, Mondrian e Kandinsky\, complementadas por uma seleção de esculturas de artistas como Rodin e Camille Claudel\, a exposição retraça os percursos da criação de uma arte nova e moderna\, livre de convenções\, da qual fazem parto o Expressionismo\, o Cubismo e a Abstração. A exibição inclui algumas das obras de arte mais icônicas criadas durante o fim do século 19 e começo do século 20\, contando com importantes empréstimos vindos de instituições e coleções privadas em todo o mundo\, incluindo Museum of Modern Art (Nova York) Musée d’Orsay (Paris); Art Institute of Chicago\, Musée Rodin (Paris)\, National Galleries of Scotland (Edimburgo); Museu Nacional d’Art de Catalunya (Barcelona) e Wadsworth Atheneum Museum of Art (Hartford\, Connecticut).
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SUMMARY:The Rossettis no Tate Britain
DESCRIPTION:Essa exposição segue o romance e radicalismo da geração Rossetti\, durante e além dos anos pré-rafaelitas: Dante Gabriel\, Christina e Elizabeth (anteriormente Siddal). Os visitantes tem a oportunidade de vivenciar obras mundialmente conhecidas de suas carreiras inovadoras. A abordagem dos Rossettis em relação à arte\, ao amor e ao estilo de vida é considerada revolucionária\, e isso será explorado em detalhes em uma exposição imersiva\, utilizando poesia falada\, desenhos\, pinturas\, fotografia\, design e muito mais. Essa é a primeira retrospectiva de Dante Gabriel Rossetti na Tate e a maior exposição de suas icônicas pinturas em duas décadas. Também é a exposição mais abrangente do trabalho de Elizabeth Siddal em 30 anos\, apresentando aquarelas raras e desenhos importantes que sobreviveram. Os Rossettis oferecem uma nova perspectiva sobre os fascinantes mitos que cercam os relacionamentos não convencionais entre Dante Gabriel Rossetti\, Elizabeth Siddal\, Fanny Cornforth e Jane Morris.
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SUMMARY:Instalação de Sarah Sze na Peckham Rye Station
DESCRIPTION:Para o seu aguardado projeto com a Artangel\, a artista Sarah Sze\, sediada em Nova York\, está transformando uma grande sala de espera vitoriana na Estação Peckham Rye\, que ficou vazia por quase 50 anos. Uma construção atmosférica de linhas em cascata emerge do centro da sala de espera abobadada para criar um modelo hipnotizante de um mundo frágil. Uma multiplicidade de vídeos tremeluzentes ilumina a estrutura e gira ao redor do espaço\, transmitindo a velocidade e a volatilidade de viver na era dos smartphones. A escritora Zadie Smith comparou recentemente a experiência das instalações de Sze a estar dentro de um iPhone aberto\, com a tecnologia desmontada e o banco de imagens que ele armazena explodido no espaço tridimensional. A experiência tátil e imaginada\, eventos monumentais e incidentais são mantidos em um equilíbrio precário na instalação imersiva de Sze. Desde suas primeiras exposições no final dos anos 1990\, Sarah Sze desenvolveu uma linguagem escultural distinta que desafia a natureza estática da escultura e imerge o público em ambientes complexos e dinâmicos. Sze estudou arquitetura\, começou a trabalhar como artista fazendo pinturas e depois desenvolveu uma prática escultural que reúne estruturas frágeis\, objetos encontrados e imagens de vídeo em instalações de grande escala. Nos últimos anos\, a proliferação de imagens na vida cotidiana tem sido o cerne de uma série de novas obras que Sze chama de Timekeepers. Essas instalações multimídia foram exibidas em museus e galerias ao redor do mundo\, incluindo o Musée d’art contemporain de Montréal; Copenhagen Contemporary\, na Dinamarca; Haus Der Kunst\, em Munique; Fondation Cartier\, em Paris; Museu de Arte Contemporânea de Toronto. Além disso uma grande exposição da artista está em exibição no Solomon R. Guggenheim Museum\, em Nova York\, até 10 de setembro de 2023.
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LOCATION:Peckham Rye Station\, Peckham Rye Station\, Station Way\, London SE15 4RX\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Gary Simmons na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Um dos principais artistas de uma geração que surgiu no final dos anos 80 e início dos anos 90\, Gary Simmons alcançou amplo reconhecimento nas últimas três décadas por seu trabalho que explora a política racial\, de classe e estereótipos sociais por meio da pintura\, escultura\, som e ambientes arquitetônicos. Simmons utiliza imagens retiradas da cultura popular para criar obras que abordam memórias pessoais e coletivas. Para sua primeira exposição com a Hauser & Wirth em Londres\, Simmons apresenta uma seleção de novas pinturas e esculturas. Através de seu trabalho\, Simmons tem representado a ideia de apagamento no que se refere à história e cultura afro-americana. Ele utiliza a cultura popular – esportes\, música\, cinema\, desenhos animados – para revelar como o caráter nacional dos Estados Unidos é construído. Em seu novo conjunto de obras\, Simmons continua a explorar a cultura popular de maneira cada vez mais sutil e abstrata\, à medida que seu foco se volta para a história e materialidade da pintura e escultura. Para Simmons\, as múltiplas camadas de tinta que ele utiliza em suas obras também carregam a implicação de múltiplas camadas de história\, seja em referência à história da pintura ou da raça. Embora esses temas tenham aparecido pela primeira vez em seus desenhos emblemáticos em lousa do início dos anos 1990\, essa nova série demonstra a exploração de questões pictóricas por parte de Simmons\, como plano de fundo\, profundidade de campo\, processo e camadas\, citando Albert Oehlen e Martin Kippenberger como influências. Um aspecto adicional da prática de Simmons é que ela frequentemente é informada pela música e pela performance\, e se inspira especificamente no dub\, punk\, hip-hop\, reggae e rap.
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LOCATION:Hauser & Wirth Londres\, 23 Savile Row W1S 2ET\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Alchemy" na Thaddaeus Ropac
DESCRIPTION:Reunindo importantes obras de alguns dos artistas europeus e americanos mais influentes dos períodos pós-guerra e contemporâneo\, Alchemy examina a fascinação duradoura pela transformação material e o pensamento alquímico na criação artística. A exposição coletiva apresenta obras de artistas que se envolveram com ideias alquímicas em momentos-chave de suas práticas\, incluindo Joseph Beuys\, Anselm Kiefer\, Sigmar Polke\, Robert Rauschenberg\, Sturtevant\, Emilio Vedova e Andy Warhol. Ao reunir um grupo de obras historicamente significativas\, muitas das quais são exibidas pela primeira vez no Reino Unido\, a exposição destaca como as ideias de transmutação material\, artística e filosófica informam e são redefinidas por esses pioneiros da arte. Embora geralmente associada à busca pela transformação de metais básicos em ouro ou pela descoberta de uma cura universal para doenças\, a alquimia acumulou ricas associações materiais e simbólicas à medida que evoluiu em diferentes contextos culturais e temporais. Conhecida como a “Great Art” (Ars magna)\, ela tem fornecido rico material para artistas ao longo dos séculos\, desde Albrecht Dürer até os surrealistas do século XX. Concebendo o estúdio do artista como um laboratório\, esta exposição explora os legados da alquimia através das perspectivas distintas de cada artista enquanto eles se engajam em modos experimentais de interagir com o mundo ao seu redor. Na busca por uma compreensão maior do corpo humano\, as tradições alquímicas frequentemente empregavam fluidos corporais “básicos”\, como urina\, em experimentos complexos. Ao rastrear os legados da alquimia por meio desse exemplar conjunto de arte do pós-guerra e contemporânea\, a exposição ilumina as inovações técnicas\, temáticas e filosóficas únicas de cada artista e sua relevância contínua nas conversas históricas da arte atualmente.
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LOCATION:Thaddaeus Ropac Londres\, 37 Dover Street\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Beatriz Milhazes na Turner Contemporary
DESCRIPTION:Beatriz Milhazes (nascida em 1960\, Rio de Janeiro) é amplamente reconhecida como uma das principais artistas abstratas que trabalham hoje. Maresias\, a primeira exposição individual de Milhazes no Reino Unido em mais de duas décadas\, reunirá 20 pinturas-chave e 5 obras em papel desde 1989 até os anos mais recentes\, traçando a evolução da abordagem artística de Milhazes ao longo das últimas quatro décadas. Uma grande instalação também será apresentada na janela da Galeria Sunley. Milhazes surgiu na década de 1980 como uma figura proeminente no importante movimento artístico brasileiro Geração Oitenta\, que se afastou da arte conceitual austera da década anterior e abraçou a pintura como forma de energia e expressão. Hoje\, Milhazes é conhecida por suas telas abstratas de grande escala intensamente coloridas\, que apresentam contradições enérgicas: desde a tensão entre a construção cuidadosamente planejada e a aparência de espontaneidade\, até superfícies lisas que escondem pequenas rachaduras e camadas. A natureza é um tema duradouro e cada vez mais importante no trabalho de Milhazes. Ao nos encorajar a refletir sobre nossa própria relação com o meio ambiente\, Maresias dialoga com a localização costeira única da Turner Contemporary e com a nova vertente do programa da galeria dedicada a questões ecológicas contemporâneas.
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LOCATION:Turner Contemporary\, Rendezvous\, Margate\, Kent CT9 1HG\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Nour Jaouda na Union Pacific
DESCRIPTION:Nour Jaouda\, uma artista nascida e criada no Cairo\, atualmente divide sua vida entre Londres e sua cidade natal. Sua obra é um reflexo de sua identidade multifacetada e de sua experiência de pertencer a dois lugares ao mesmo tempo. Ela utiliza tecidos encontrados nos mercados do Cairo e de Londres para criar peças que incorporam a história social e a reflexão pessoal. Os materiais são costurados e mesclados em novas formas\, revelando vislumbres das vidas secretas que se desenrolam dentro das casas e das histórias transmitidas ao longo das gerações. Jaouda utiliza cores vivas e pigmentos naturais para tingir seus tecidos\, transformando-os em um arco-íris de tons que dançam e se infundem. Sua abordagem é uma fusão entre pintura e escultura\, explorando a transformação dos materiais e a fluidez dos tecidos. Suas peças de parede são inspiradas no tapete de oração islâmico\, incorporando elementos espirituais e geometria divina. A artista também trabalha com cimento\, esculpindo em sua face líquida antes de endurecer. Essa abordagem está entre a escultura e o desenho\, permitindo tomadas de decisão rápidas e marcações espontâneas. As estruturas de aço utilizadas por Jaouda são retiradas de antigas portas e portões do Cairo\, integrando o passado na criação do novo. Ao encontrar as instalações de Jaouda\, há uma sensação de um trabalho em andamento\, de um projeto que está apenas no meio e ainda ativo. Suas peças são provisórias e cheias de possibilidades\, convidando o observador a participar da reconstrução e interpretação das obras. Jaouda transcende os limites entre o estúdio e a galeria\, trazendo seu processo criativo para o espaço expositivo. Suas obras são um convite para explorar não apenas sua concepção\, mas também a história e as narrativas que as permeiam. Ao entrar em seu mundo artístico\, somos convidados a fazer parte desse processo de reconstrução e a refletir sobre a complexidade das cidades\, da identidade e das experiências compartilhadas.
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LOCATION:Union Pacific\, 17 Goulston Street\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"To Bend the Ear of the Outer World" na Gagosian
DESCRIPTION:To Bend the Ear of the Outer World: Conversations on contemporary abstract painting\, apresenta obras novas e recentes de mais de quarenta artistas das Américas\, Reino Unido e Alemanha. A mostra foi organizada pelo curador convidado Gary Garrels\, que\, em colaboração com os artistas\, selecionou uma única pintura de cada um. Justapondo uma ampla gama de abordagens da abstração contemporânea\, a exposição reúne obras de três gerações de artistas\, incluindo algumas nunca antes exibidas pela Gagosian. A exposição examina a pintura abstrata contemporânea por meio de uma instalação que enfatiza a individualidade de cada obra e artista\, ao mesmo tempo em que incentiva os espectadores a encontrar afinidades entre elas. Reflete conversas em andamento sobre as possibilidades da abstração com artistas que Garrels há muito tempo admira\, juntamente com outros que ele descobriu durante o processo de planejamento da exposição. Essa intensidade de engajamento informa as maneiras pelas quais esses artistas continuam a explorar os limites da abstração. Evitando restrições sistemáticas ou teóricas\, eles estão unidos por uma subjetividade expressiva\, desenvolvendo suas práticas em diálogo com seus pares e em relação a mais de um século de inovação na arte não representacional. A multiplicidade e vitalidade das obras expostas falam da relevância contínua da pintura abstrata.
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LOCATION:Gagosian Grosvenor Hill\, 20 Grosvenor Hill\, Londres
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SUMMARY:"Tomás Saraceno In Collaboration: Web(s) of Life" na Serpentine Galleries
DESCRIPTION:Uma exposição viva\, colaborativa e multi-espécies que explora como diferentes formas de vida\, tecnologias e sistemas de energia estão conectados na emergência climática. Tomás Saraceno é um artista multimídia cujo trabalho abraça a interdisciplinaridade e a interconexão entre ecossistemas. A primeira exposição individual de Saraceno no Reino Unido convida os participantes a considerar diferentes formas de conhecimento e perspectivas não-humanas por meio de uma variedade de obras de arte\, estímulos e experiências que se estendem além das paredes da Serpentine South\, adentrando os Royal Parks e além. A exposição se baseia na pesquisa contínua do artista sobre as aranhas como fonte de inspiração. A extraordinária arquitetura de suas teias e seus comportamentos nos envolvem em várias percepções culturais\, mitos e relações. Trabalhando com diversas comunidades entre espécies e ecossistemas vivos\, Saraceno incentiva os visitantes a aprenderem com seu conhecimento situado para perceberem bioindicadores: organismos que podem sinalizar mudanças no clima\, na poluição e no bem-estar ecológico. A exposição apresenta uma instalação cinematográfica imersiva\, que marca a continuação de uma relação duradoura entre a comunidade de arte ambientalista Aerocene\, fundada por Saraceno\, e as comunidades da bacia de Salinas Grandes e Laguna de Guayatayoc em Jujuy\, Argentina\, que lutam para proteger suas terras contra a extração de lítio\, impulsionada em grande parte pela demanda por baterias\, o que está poluindo e reduzindo um dos recursos mais escassos da ecologia: a água. Ao entrar nesta exposição “viva” e responsiva\, os visitantes são convidados a entregar voluntariamente seus telefones celulares. Web(s) of Life nos convida a romper com nossa dependência da tecnologia e reconectar-nos com uma abordagem mais responsiva ao nosso meio ambiente. Atravessando o Kensington Gardens\, os visitantes podem encontrar esculturas interativas que envolvem as muitas espécies do parque\, incluindo pássaros\, insetos\, raposas e patos. A infraestrutura da Serpentine South também se adapta para reconhecer e acomodar animais\, plantas e seres humanos de todas as idades: equipamentos\, altura das instalações\, portas e todas as obras de arte são alteradas para incentivar ainda mais o movimento de organismos vivos e do ar.
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LOCATION:Serpentine South Gallery\, Kensington Gardens\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Bob Colacello na Thaddaeus Ropac
DESCRIPTION:Entre 1971 e 1983\, Bob Colacello foi editor da revista Interview e braço direito de Andy Warhol na revista. Em uma de suas muitas viagens com Warhol\, Colacello adquiriu uma Minox – uma pequena câmera que se diz ter sido usada por espiões durante a Guerra Fria. A partir desse momento\, ele carregava essa câmera de bolso para festas\, jantares e casamentos da jet-set realizados em locais icônicos como a Factory e o Studio 54. Em “It Just Happened”\, Colacello compartilha fotografias de seu álbum pessoal tiradas entre o final dos anos 1970 e início dos anos 1980\, oferecendo uma crônica íntima e fiel do fascinante círculo social em torno do chamado “Papa do Pop”. Marisa Berenson\, Joseph Beuys\, Jacqueline Bisset\, Truman Capote\, Divine\, Bianca Jagger\, Robert Mapplethorpe\, Robert Rauschenberg\, Roy Lichtenstein\, André Leon Talley\, Catherine Guinness\, Arnold Schwarzenegger\, Mick Jagger\, Paloma Picasso\, Jerry Hall\, Roy Halston\, Richard Gere\, Iman\, Diane von Fürstenberg\, Jimmy e Rosalynn Carter\, Valentino\, Diana Vreeland e Raquel Welch são apenas alguns dos ícones que compõem o elenco glamoroso das fotografias de Colacello. Seu corpo único de trabalho captura tanto a privacidade desinibida dos lugares onde o acesso aos paparazzi era restrito quanto a sensação de liberdade predominante da época. Em uma das fotografias em exibição\, o flash da câmera de Colacello é refletido em um espelho na casa de Roy Halston em Nova York\, reverberando contra Bianca Jagger\, que está vestida de veludo preto amarrado ao redor do peito\, enquanto uma mão masculina se projeta no quadro pela esquerda. A composição ambígua borra as fronteiras entre o público e o privado: este é um camarim ou a atriz está do lado de fora\, sendo cercada por paparazzi? Essas “fotos roubadas”\, com enquadramentos inesperados e iluminação superexposta\, demonstram o espírito rebelde de Colacello e seu desrespeito pelas convenções formais da fotografia\, como simetria\, exposição e equilíbrio. É nessa atitude subversiva e ritmo irreprimível que reside a contribuição do fotógrafo para seu meio: a construção de uma nova identidade estética dentro do gênero fotojornalístico das décadas de 1970 e 1980.
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SUMMARY:Lee Ufan e Claude Viallat na Pace Gallery Londres
DESCRIPTION:A Pace Gallery apresenta a exposição Lee Ufan and Claude Viallat: Encounter\, organizada pelo curador Alfred Pacquemen\, explora o compromisso duradouro de ambos os artistas com a abstração e ideias filosóficas de tempo\, espaço e matéria num período de mais de cinco décadas. Lee Ufan\, nascido na Coreia e influenciado por práticas espirituais orientais e ocidentais\, cria obras que ativam o espaço entre a obra de arte\, o ambiente e o espectador. Claude Viallat\, por sua vez\, desafia a natureza tradicional da pintura\, utilizando materiais encontrados e rompendo com as convenções de suporte e moldura. A exposição apresenta pinturas\, esculturas e instalações\, testemunhando as práticas inovadoras desses artistas. Lee e Viallat se conheceram na Bienal de Paris em 1971 e mantiveram contato ao longo dos anos. Encounter marca a primeira vez em que exibem seus trabalhos em diálogo um com o outro. Ambos os artistas exploram a repetição de formas em suas práticas\, permitindo variações microscópicas nas qualidades dos materiais. A exposição desafia as tradições e estruturas históricas\, reconstruindo algo novo através da simplicidade e do poder dos materiais brutos.
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LOCATION:Pace Gallery Londres\, 5 Hanover Square\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Niamh O'Malley na Vardaxoglou
DESCRIPTION:A Galeria Vardaxoglou apresenta a primeira exposição individual de Niamh O’Malley em Londres\, após representar a Irlanda na 59ª Bienal de Veneza em 2022\, e um texto de Chris Fite-Wassilak acompanha a exposição. Por meio de esculturas e instalações de imagens em movimento\, Niamh O’Malley (nascida em 1975\, no condado de Mayo) posiciona cuidadosamente seus objetos\, levando em conta o espaço e o contexto com o mesmo cuidado e atenção com que seleciona seu distintivo repertório de materiais. A artista observa nossa distância do mundo\, complicando a função potencial de cada objeto evasivamente familiar que ela cria. Esta exposição reúne um grupo de esculturas recentes e inéditas feitas em colaboração com artesãos na Irlanda. Essas obras escultóricas consistem em materiais reconhecíveis\, como madeira e pedra\, que em parte aderem ao seu uso convencional em móveis e arquitetura\, mas\, em cada caso\, destacam sua nova absolutidade. Por exemplo\, em Shelf (held)\, 2023\, exibida pela primeira vez nesta exposição\, vidro\, madeira e aço são usados como ferramentas para enquadrar\, fragmentar ou ocultar da vista. Esses materiais são combinados em uma composição frágil que permanece equilibrada e deliberada\, apesar de sua tensão. O trabalho de imagem em movimento de O’Malley captura pequenos momentos\, desde a respiração de uma ventilação quebrada até um pequeno quadrado digital que permite a passagem do sol. À primeira vista\, a obra de vídeo Sun\, 2023\, parece estática\, mas essa captura em “tempo real”\, em sua repetição sutil e silenciosa\, nos reposiciona em um espaço de atenção. A intenção de O’Malley de manter as coisas separadas por um momento\, seu esforço de captura\, juntamente com a expressão das qualidades intrínsecas de cada um dos materiais escolhidos\, se unem nesta exposição como uma nova paisagem de formas.
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LOCATION:Vardaxoglou Gallery\, 7 Royalty Mews\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Nour Mobarak na Galleries Now
DESCRIPTION:Esta exposição apresenta obras que surgiram de uma releitura da ópera La Dafne\, de Jacopo Peri e Ottavio Rinuccini. A partir da pergunta “E se a fala se transformasse em música?”\, a linguagem é explorada como um meio de transformar histórias em canções. Se a ópera no Ocidente nasce desse gesto\, é significativo que tenham escolhido o mito de Dafne\, das Metamorfoses de Ovídio\, para servir como sua figura central. Apolo\, atingido por Cupido\, se apaixona por Dafne\, que se importa apenas com a caça. Quando está prestes a atacar Dafne\, ela escapa se transformando em uma árvore de louro. Ele fica apenas com um louro\, que se torna um símbolo de conquista e vitória\, e ela fica presa no corpo de uma árvore para sempre. A transformação de Dafne em árvore representa a transição do animado para o inanimado\, assim como a transição de divindade para objeto devocional ou de trabalho colaborativo para mercadoria. No entanto\, alguns fenômenos desafiam essa trajetória\, como por exemplo\, as esculturas cultivadas a partir de micélio saprófita\, uma forma de fungo que se alimenta de morte e decomposição e que pode permanecer em estados de dormência inalterada indefinidamente\, mas tem o potencial de ser reativado e alterado se for estimulado. Além disso\, resina e plástico\, materiais modernos e indestrutíveis\, também estão materialmente presentes na exposição. Se o avanço tecnológico (ou pelo menos suas fantasias comerciais) um dia transformará a morte no luxo supremo\, as perguntas sobre o que pode separar os vivos dos mortos se tornam menos retóricas – menos operísticas\, até mesmo. No entanto\, o som de Dafne\, descrito por Ovídio como um coração ainda pulsante perceptível no tronco de uma árvore com raízes crescendo lentamente\, não é nada menos do que a persistência dessa pergunta. Essa pergunta persiste como o surgimento da possibilidade de reanimar o inanimado.
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LOCATION:Galleries Now\, 12a Bourdon St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Elizabeth Peyton na David Zwirner Londres
DESCRIPTION:A galeria apresenta uma exposição individual de novas pinturas e trabalhos em papel de Elizabeth Peyton (1965) em sua sede em Londres.. A exposição\, intitulada Angel\, será acompanhada por um catálogo totalmente ilustrado que será publicado pela David Zwirner Books em colaboração com a artista. Peyton encontra sentimentos em tudo o que ela retrata – amigos\, flores\, estranhos e rostos familiares. O título da exposição remonta ao termo grego antigo “angelos”\, que significa mensageiro\, protetor\, alguém que vem nos contar algo para nos guiar em nosso caminho. Os temas de Peyton se tornam anjos em sua obra\, vestígios de luz e emoção representados com a intensidade de seu humanismo particular: um olhar atento semelhante ao amor. Em cada especificidade dos temas\, a artista revela os sentimentos universais que nos conectam uns aos outros e à arte\, e que se estendem desde o nosso momento presente até o passado. Esta será a primeira apresentação do trabalho de Peyton em Londres desde Aire and Angels\, sua exposição de 2019 na National Portrait Gallery\, que colocou as pinturas da artista ao lado de obras históricas de retratos selecionadas da coleção permanente do museu.
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LOCATION:David Zwirner\, 24 Grafton St London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:Anselm Kiefer na White Cube Londres
DESCRIPTION:Em Anselm Kiefer – Finnegans Wak\, as novas pinturas\, esculturas e instalações do artista respondem (ou seja\, lutam e transformam) o romance de James Joyce\, de 1939. Kiefer leu o escritor irlandês pela primeira vez quando era jovem\, devorando Ulisses (1922) e embarcando em uma relação lenta e espiralada com o posterior e mais exigente Finnegans Wake. É um livro de círculos e ecos\, mais ou menos óbvios ou secretos; seu movimento fluvial começa no meio das coisas e volta para si mesmo na página final. O romance parece conter todas as palavras\, todos os pensamentos\, todas as histórias. Da mesma forma\, as obras que Kiefer reúne aqui estão repletas de motivos e materiais vistos em outros lugares de sua arte. Há campos de escombros e arame\, girassóis esqueléticos\, a hélice de DNA\, a serpente ouroboros que come a própria cauda. Concreto\, cobre\, vitrines de vidro\, livros ilegíveis feitos de chumbo\, inscrições joyceanas em todos os lugares. É como se a própria linguagem se tornasse um material\, um meio escultural. Finnegans Wake às vezes é tratado como um monumento ou ruína literária – radical\, mas não lido. Mas observe ou leia em voz alta uma única página (talvez até mesmo uma única frase ou palavra) e você descobrirá que ela contém uma profusão de trocadilhos\, referências e invocações. Até 70 idiomas estão presentes\, assim como inúmeras culturas: entre elas\, egípcia\, irlandesa\, nórdica e islâmica. O trabalho de Kiefer sempre foi alimentado por uma infinidade de fontes escritas: poéticas\, filosóficas\, religiosas\, científicas. Mitologia nórdica\, metafísica alemã\, a poesia de Paul Celan e Ingeborg Bachmann: escritos tão diversos coabitam no espaço ou tempo da obra. Com Joyce\, Kiefer evoca um escritor que entrelaça o passado e o futuro da linguagem em uma única obra. Como se o tempo em si não existisse\, como se Joyce tivesse sido influenciado por Kiefer. Anselm Kiefer – Finnegans Wake completa uma trilogia de exposições na White Cube Bermondsey\, em Londres. Que em 2016\, apresentou Walhalla e em 2019 Superstrings\, Runes\, The Norns\, Gordian Knot.
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LOCATION:White Cube Bermondsey\, 144-152 Bermondsey St London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Capturing the Moment" no Tate Modern
DESCRIPTION:Capturing the Moment investiga a relação dinâmica entre a pintura contemporânea e a fotografia. Esta exposição coletiva se desdobrará como uma conversa em aberto entre alguns dos maiores pintores e fotógrafos das últimas gerações\, examinando como o pincel e a lente foram usados para capturar momentos no tempo e como essas duas mídias têm inspirado e influenciado uma à outra. A exposição será uma oportunidade rara para ver obras extraordinárias da Coleção da Fundação YAGEO\, incluindo pinturas de Francis Bacon\, Gerhard Richter e Peter Doig\, e fotografias de Thomas Struth\, Andreas Gursky e Hiroshi Sugimoto\, apresentadas em diálogo com muitas adições recentes à coleção da Tate\, incluindo obras de Lorna Simpson\, John Currin\, Laura Owens\, Michael Armitage e Louise Lawler. Capturing the Moment começará com alguns dos mais renomados pintores expressivos do período pós-guerra. Os visitantes descobrirão como o realismo inventivo e pictórico se desenvolveu ao lado do surgimento da fotografia documental e de fotógrafos inovadores como Dorothea Lange. A exposição também mostra como a influência flui no sentido oposto\, com uma série de fotografias com um estilo pictórico marcante. A maior parte da exposição explora como a pintura e a fotografia convergiram\, com uma seleção de importantes obras contemporâneas que mostram como ambas as formas de arte tentam capturar pontos fugazes no tempo ou momentos da história.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Life is More Important Than Art" na Whitechapel Gallery
DESCRIPTION:Life is More Important Than Art é um programa multidisciplinar de exposições e eventos. Ele explora a interseção entre arte e vida cotidiana e o papel da instituição de arte contemporânea em tempos de incerteza e mudança. O título da temporada se inspira no escritor e romancista afro-americano James Baldwin\, que propôs que a vida é mais importante que a arte… e no entanto é por isso que a arte é importante. Em um momento em que a crise do custo de vida está causando dificuldades financeiras graves e os efeitos posteriores da pandemia ainda são sentidos\, consideramos o papel da arte e da instituição de arte na vida cotidiana. Que importância podemos atribuir à arte em meio a preocupações mais urgentes? A exposição mapeia histórias dinâmicas de migração e diferença\, com foco em Londres e no East End. Representativa e entusiasmada pela história distinta e radical da Whitechapel Gallery\, Life is More Important Than Art aponta para o papel crítico que a arte pode desempenhar tanto ao refletir a experiência vivida quanto ao abrir novas possibilidades de pensar\, sentir e sonhar.
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LOCATION:Whitechapel Gallery\, 77-82 Whitechapel High St\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Dear Earth" na Hayward Gallery
DESCRIPTION:A exposição Dear Earth: Art and Hope in a Time of Crisis é inspirada na sugestão da artista Otobong Nkanga de que “cuidar é uma forma de resistência”. A mostra destaca como os artistas estão contribuindo para reformular e aprofundar nossas respostas psicológicas e espirituais diante da crise climática. A intenção é inspirar alegria\, empatia e também promover um senso de ativismo político e social. Os 15 artistas participantes\, incluindo a artista brasileira Daiara Tukano\, investigam a interdependência das ecologias e dos ecossistemas\, bem como a nossa conexão emocional com a natureza. A exposição apresenta obras que cativam e impactam o visitante em diversas mídias\, inclusive obras de arte pública fora do espaço da galeria. Além de Daiara Tukano\, os artistas em destaque são Ackroyd & Harvey\, Andrea Bowers\, Imani Jacqueline Brown\, Agnes Denes\, John Gerrard\, Cristina Iglesias\, Aluaiy Kaumakan\, Jenny Kendler\, Richard Mosse\, Otobong Nkanga\, Cornelia Parker\, Himali Singh Soin\, Hito Steyerl e Grounded Ecotherapy.
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LOCATION:Hayward Gallery\, Hayward Gallery\, Southbank Centre\, Belvedere Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Yevonde: Life and Color" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Uma exploração da vida e carreira de Yevonde\, a pioneira fotógrafa londrina que liderou o uso da fotografia colorida nos anos 1930. Yevonde: Life and Color conta a história de uma mulher que encontrou liberdade através da fotografia – enquanto experimentava com seu meio e abria um novo caminho para fotógrafos de retratos. A exposição apresenta retratos e obras de natureza morta produzidas por Yevonde ao longo de uma colorida carreira de sessenta anos\, e se baseia no arquivo de seu trabalho adquirido pela Galeria em 2021\, bem como em extensas pesquisas realizadas por nossas equipes. Yevonde: Life and Color conta com o apoio do Fundo Cultural CHANEL e se baseia em Reframing Narratives: Women in Portraiture\, um importante projeto de parceria que visa melhorar a representação das mulheres na Coleção da Galeria.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:Gabriel Massan & Colaboradores "Third World: The Bottom Dimension" na Serpentine
DESCRIPTION:Third World: The Bottom Dimension é uma jornada por um mundo fantástico e provocador\, construído por uma geração vital de artistas brasileiros. Faz parte de um projeto contínuo e multidimensional com o mesmo nome\, criado por Gabriel Massan e colaboradores\, que inclui tokens web3 construídos em Tezos e um jogo online e gratuito que explora a experiência dos negros brasileiros no cruzamento com os impactos do colonialismo. Projetada como um ecossistema responsivo\, esta exposição interdisciplinar amplia as ideias por trás do jogo\, oferecendo a todos os visitantes a oportunidade de jogá-lo e entrar no mundo de seus conceitos\, emoções e mecânicas\, enquanto estão sentados nas estações esculturais do jogo de Massan. A exposição também é um espaço para encontrar as práticas mais amplas de uma rede de artistas e pensadores – incluindo Castiel Vitorino Brasileiro\, Novíssimo Edgar\, LYZZA\, Jota Mombaça e Ventura Profana – com obras contribuídas que combinam instalação\, têxtil\, som e poesia. Essas obras expandem nossa capacidade de imaginar de outra forma\, abraçando o conhecimento ancestral\, a consciência ecológica e uma abertura para a transmutação e a reverberação. Convidando os visitantes a navegar pelas lentes da decolonialidade\, da queerness e da descentralização – tecnológica\, social\, econômica e ideológica – Third World é uma experiência que nos desafia a repensar as maneiras como entendemos e nos orientamos no mundo. Como diz Massan\, “Eu quero criar a experiência de caminhar por possibilidades e memórias de vida e narrativa”. Seguindo as referências do trabalho desenvolvido para o jogo\, Castiel Vitorino Brasileiro explora um espaço de liberdade com um trabalho textual e uma instalação terrestre. Novíssimo Edgar explora a construção do tecido social por meio de jogo de personagens\, trabalho têxtil e cerâmica que reflete o nível de design dentro do jogo. LYZZA cria um ambiente sonoro imersivo influenciado pelo gameplay em tempo real\, que nos convida a considerar a simbiose e o comportamento adaptativo. A intervenção de parede baseada no texto de Jota Mombaça anuncia uma ruptura arquitetônica dentro do espaço da galeria e oferece um olhar para a possibilidade. Ventura Profana traz uma colagem digital e uma instalação escultural que lança as bases para novas infraestruturas.
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LOCATION:Serpentine North Gallery\, W Carriage Dr\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"DIVA" no V&A Museum
DESCRIPTION:A exposição DIVA é uma celebração da poderosa presença e criatividade das artistas icônicas ao longo da história. Através de uma abordagem abrangente\, a mostra redefine o conceito de ‘diva’ e explora como esse termo foi subvertido ou abraçado em diferentes formas de expressão\, como ópera\, teatro\, música popular e cinema. A exposição\, sediada no Victoria and Albert Museum (V&A)\, apresenta uma visão envolvente e cativante do mundo das divas\, revelando a influência cultural e artística que essas mulheres tiveram ao longo dos anos. Através de uma variedade de mídias\, incluindo figurinos\, fotografias\, vídeos e objetos pessoais\, os visitantes são levados a uma jornada fascinante pela história das divas e sua evolução ao longo do tempo. Uma das principais características da exposição é a exploração da transformação do conceito de ‘diva’ e como ele se relaciona com questões de gênero\, poder e representação. Os curadores da mostra destacam como as divas desafiaram estereótipos e expectativas sociais\, redefinindo o papel das mulheres na indústria do entretenimento. Além disso\, a exposição destaca a importância das divas como ícones de moda e estilo\, apresentando figurinos deslumbrantes usados por essas artistas em performances lendárias. Os visitantes têm a oportunidade de apreciar de perto peças de alta costura e acessórios deslumbrantes\, que refletem o glamour e a exuberância associados às divas.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"The Cold Wind and the Warm" de Klara Kristalova na Lehmann Maupin
DESCRIPTION:Após sua inclusão na aclamada exposição Strange Clay na Hayward Gallery\, a Lehmann Maupin apresenta The Cold Wind and the Warm\, uma exposição de novos trabalhos de Klara Kristalova e a primeira apresentação solo da artista em Londres. Kristalova é mais conhecida por suas esculturas figurativas em cerâmica que incorporam aspectos do corpo humano e elementos da natureza. Em sua obra\, Kristalova explora estados de transição essenciais para a vida humana e ecológica. Fabricadas no estúdio isolado da artista em Norrtälje\, na Suécia\, as esculturas inquietantes de Kristalova exploram a tensão entre inocência e horror\, evocando uma presença estranha\, mas poderosa. Construindo um mundo que une humanidade\, ecologia e fantasia\, o trabalho de Kristalova enfatiza a omnipresença da mudança em todas as formas de vida. As obras de The Cold Wind and the Warm são frequentemente influenciadas por pequenos detalhes no entorno imediato de Kristalova. Embora ela sempre tenha encontrado inspiração em seu ambiente\, Kristalova começou a prestar mais atenção aos detalhes materiais de sua vida cotidiana como resultado das imensas mudanças ambientais catalisadas por eventos globais recentes. O resultado é uma imaginativa justaposição de escala\, onde detalhes minúsculos refletem o impacto monumental da mudança global constante.
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LOCATION:Lehmann Maupin\, 1 Cromwell Pl South Kensington\, Londres\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Paul McCartney Photographs 1963–64" na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:Uma exposição inédita\, revelando – pela primeira vez – fotografias extraordinárias tiradas por Paul McCartney. Nesta mostra\, focamos em retratos capturados por McCartney\, usando sua própria câmera\, entre dezembro de 1963 e fevereiro de 1964 – um período em que os Beatles foram catapultados de uma sensação britânica para um fenômeno global. Essas imagens nunca antes vistas oferecem uma perspectiva única e pessoal de como era ser um ‘Beatle’ no início da ‘Beatlemania’ – e se adaptar de tocar em palcos britânicos para se apresentar para 73 milhões de americanos no The Ed Sullivan Show. Em uma época em que tantas lentes de câmeras estavam voltadas para a banda\, é a câmera de Paul McCartney que conta a história mais verdadeira de uma banda criando história cultural – em um de seus capítulos mais emocionantes.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Lagos\, Peckham\, Repeat: Pilgrimage to the Lakes" na South London Gallery
DESCRIPTION:Conhecido como ‘Little Lagos’\, Peckham\, um distrito de South London\, abriga uma das maiores comunidades da diáspora nigeriana no Reino Unido. Lagos\, Peckham\, Repeat: Pilgrimage to the Lakes é uma importante exposição coletiva que examina as conexões entre Lagos\, na Nigéria\, e Peckham\, no sudeste de Londres. A exposição destaca as relações\, cultura\, história compartilhada\, comunidades e arte que conectam esses dois lugares. Os temas explorados incluem intercâmbio transnacional\, um senso de lugar e a metrópole contemporânea. A exposição apresenta obras de treze artistas nigerianos e britânicos-nigerianos\, reunindo escultura\, fotografia\, som e cinema. Ela apresenta várias novas comissões\, uma instalação específica para o local e uma colaboração com a cervejaria Orbit\, com sede no sul de Londres. A exposição também exibirá trabalhos produzidos durante residências artísticas\, uma em Lagos e outra em Peckham\, com o objetivo de desenvolver ainda mais relacionamentos criativos duradouros entre os dois lugares.
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SUMMARY:“A World in Common” no Tate Modern
DESCRIPTION:Reunindo um grupo de artistas de diferentes gerações\, esta exposição abordará como a fotografia\, o cinema\, o áudio e outros meios foram utilizados para reimaginar as diversas culturas e narrativas históricas da África. Indo além de uma exposição de fotografia tradicional\, o evento busca explorar as várias formas como as imagens viajam através das histórias e geografias. Utilizando temas de espiritualidade\, identidade\, urbanismo e emergência climática\, a exposição guiará o espectador por utopias oníricas e paisagens urbanas movimentadas vistas a partir das perspectivas dos artistas. A exposição acompanha artistas através das muitas paisagens\, fronteiras e fusos horários da África\, revelando como a fotografia permite que o passado e o futuro coexistam de maneiras poderosas e transformadoras.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/a-world-in-common-no-tate-modern/
LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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