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SUMMARY:"Wordplay" no ICA Boston
DESCRIPTION:Renée Green\, Space Poem #1\, 2007. Vista da instalação\, Renée Green\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2021–22. Foto por Liza Voll.\n\n\n\nDestacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler\, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos\, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas\, expressar e subverter mensagens políticas\, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências\, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas\, de artistas como Kenturah Davis\, Taylor Davis\, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander\, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey\, Jenny Holzer\, Glenn Ligon\, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:Igshaan Adams no ICA Boston
DESCRIPTION:Igshaan Adams\, Lynloop\, 2024. Vista da instalação\, Igshaan Adams\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024-25. Foto por Mel Taing.\n\n\n\nO artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo\, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado\, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista\, histórias familiares e narrativas da comunidade local\, enraizadas em sua herança sul-africana\, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul\, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais. \n\n\n\nLynloop\, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston\, é uma tecelagem experimental composta por várias partes\, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra\, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos\, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas\, cordas\, correntes e mohair\, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço\, interação humana e memória.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The Gun Violence Memorial Project" no ICA Boston
DESCRIPTION:Vista da exposição “The Gun Violence Memorial Project” no ICA Boston. Foto: Mel Taing\n\n\n\n\nThe Gun Violence Memorial Project (2019–presente) cria um espaço para reunir\, lembrar e agir diante da crise contínua de violência armada. Desenvolvido pelo MASS Design Group\, sediado em Boston\, e pela Songha & Company\, com o artista Hank Willis Thomas como Diretor Criativo\, em parceria com a organização de prevenção à violência armada Purpose Over Pain\, o projeto foi lançado na Bienal de Arquitetura de Chicago de 2019. Ele consiste em quatro casas de vidro\, cada uma composta por 700 tijolos transparentes\, em referência ao número médio de mortes por armas de fogo semanalmente nos Estados Unidos. Muitos desses tijolos contêm objetos de lembrança\, como sapatos de bebê\, enfeites de formatura e fotografias\, oferecidos por famílias em homenagem a entes queridos cujas vidas foram perdidas devido à violência armada. Esses memoriais vivos convidam o público a refletir sobre o impacto da violência armada por meio de narrativas pessoais. \nEm uma colaboração em toda a cidade\, o Gun Violence Memorial Project será exibido no ICA de Boston\, na Prefeitura de Boston e na galeria do MASS Design Group no South End. Eventos locais de coleta de objetos\, organizados pelo Louis D. Brown Peace Institute\, ocorrerão durante o verão e outono de 2024.
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SUMMARY:"Tau Lewis: Spirit Level" no ICA Boston
DESCRIPTION:Vista da exposição “Tau Lewis: Spirit Level” no ICA Boston. Foto: Mel Taing\n\n\n\n\nTau Lewis (n. 1993\, Toronto) transforma materiais encontrados em esculturas macias detalhadamente elaboradas\, colchas\, máscaras e outras assemblages por meio de processos intensivos como costura manual\, escultura e moldagem em gesso. Artista autodidata\, sua prática é voltada para a cura de traumas pessoais\, coletivos e históricos\, empregando formas repetitivas de trabalho criativo. Lewis utiliza materiais e artefatos carregados de significado—como roupas usadas\, tecidos\, couro e fotografias\, além de madeira flutuante\, dólares de areia e conchas—que frequentemente coleta em Toronto\, Nova York ou nos arredores da casa de sua família em Negril\, Jamaica. Os objetos evocativos que Lewis reúne e transforma estabelecem uma relação em seu trabalho com os contextos sociais\, culturais e físicos pelos quais transita\, coleta e habita. Sua reutilização criativa conecta-se às formas de inventividade material praticadas por comunidades diaspóricas\, onde trabalhar com o que está ao alcance é um ato reparador que busca reivindicar agência. Em toda sua produção\, o interesse de Lewis está em honrar e avançar essas tradições diaspóricas\, além de explorar\, como afirmou\, “a transferência de energia e emoção que ocorre quando um objeto é feito à mão.” Para o ICA\, em sua primeira exposição individual em um museu nos Estados Unidos\, Lewis está criando um novo corpo de trabalho. A exposição será acompanhada por um catálogo\, a primeira monografia da artista. \n 
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SUMMARY:"A Colloquium in the Visual Arts" nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Émile Gilliéron ou seu filho\, suíços\, “Acrobatas Saltando sobre um Touro” (reprodução de uma pintura mural do Palácio de Cnossos\, Creta)\, século XIX–XX. Aquarela sobre papel. Harvard Art Museums/Arthur M. Sackler Museum\, Doação de Mrs. Schuyler Van Rensselaer\n\n\n\n\nO curso de Harvard A Colloquium in the Visual Arts (Humanities 20) oferece uma introdução ao estudo das humanidades por meio de obras significativas de arte e arquitetura de diversas partes do mundo\, abrangendo desde vasos gregos antigos e gravuras japonesas até esculturas barrocas e arte cinematográfica. O curso é ministrado por seis professores de Harvard: Seth Estrin\, Robin Kelsey\, Vishal Khandelwal\, Yukio Lippit\, Christina Maranci e Felipe Pereda. \nA cada semana\, os estudantes mergulham no universo cultural e imaginário de uma única obra de arte. Após uma palestra abrangente sobre a obra\, eles participam de “laboratórios de observação” nesta galeria e em outros locais do campus\, onde desenvolvem habilidades de observação atenta\, descrição e análise visual. \nO curso busca ensinar aos alunos o significado de se engajar profundamente com uma obra de arte e como refletir sobre questões amplas da cultura humana a partir dessas obras. Entre os temas abordados estão crenças religiosas\, justiça social\, encontros interculturais\, questões de gênero\, a natureza do tempo\, colonialismo\, modernidade e o que a arte pode revelar sobre a relação entre os seres humanos e o meio ambiente. \nA Galeria de Ensino da Universidade serve à comunidade acadêmica do Departamento de História da Arte e Arquitetura de Harvard. Pequenas instalações semestrais são montadas no espaço em apoio às aulas de graduação e pós-graduação\, promovendo a análise crítica da arte e tornando seleções únicas das coleções do museu acessíveis a todos os visitantes.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/a-colloquium-in-the-visual-arts-nos-harvard-art-museums/
LOCATION:Harvard Art Museums\, 32 Quincy St Mid-Cambridge\, Cambridge\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Art of the Black World" nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Alexis Peskine\, francês\, “Aljana Moons 3”\, 2015. Harvard Art Museums/Fogg Museum\, Richard and Ronay Menschel Fund for the Acquisition of Photographs\n\n\n\n\nO curso de Harvard Art of the Black World (História da Arte e Arquitetura 178V e Estudos Africanos e Afro-Americanos 178X) explora a questão: o que seria perdido sem uma compreensão da arte do mundo negro? Ministrado pelas professoras Sarah Lewis e Suzanne Preston Blier\, que atuam nos Departamentos de História da Arte e Arquitetura e de Estudos Africanos e Afro-Americanos\, o curso oferece uma introdução à história e ao estudo das artes da diáspora africana. \nA cada semana\, os alunos analisam obras-chave produzidas na África e nas Américas ao longo de séculos\, em diversos meios como escultura\, gravura\, fotografia e pintura. Após palestras e discussões\, os estudantes dedicam-se à pesquisa e exame detalhado das obras exibidas nesta galeria e em outras coleções do campus e fora dele. \nO curso busca desenvolver habilidades de observação atenta e compreensão histórica\, situando as obras em seus contextos de criação. Além disso\, ensina a refletir sobre como cada obra contribui para discussões mais amplas sobre temas como justiça\, religião e gênero. Assim\, os estudantes aprendem sobre a relevância da cultura visual na construção dessas conversas. \nA University Teaching Gallery atende professores e estudantes do Departamento de História da Arte e Arquitetura de Harvard. Pequenas instalações de um semestre são organizadas neste espaço em conjunto com cursos de graduação e pós-graduação\, promovendo a análise crítica da arte e disponibilizando seleções exclusivas das coleções dos museus para todos os visitantes.
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LOCATION:Harvard Art Museums\, 32 Quincy St Mid-Cambridge\, Cambridge\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Made in Germany? Art and Identity in a Global Nation" nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Corinne Wasmuht\, “50 U Heinrich-Heine-Str.”\, 2009. © Corinne Wasmuht.\n\n\n\n\nMade in Germany? Art and Identity in a Global Nation oferece uma análise inédita da arte alemã desde 1980. Reunindo artistas de diversas gerações e origens\, a exposição desafia noções de identidade alemã\, em especial a ideia de homogeneidade étnica e cultural. A Alemanha\, segunda apenas aos Estados Unidos como destino de imigrantes\, é um terreno fértil para reflexões sobre uma identidade nacional moldada pela migração laboral após a Segunda Guerra Mundial\, pela reunificação entre as Alemanhas Oriental e Ocidental em 1990 e pelo acolhimento de refugiados desde 2015. O título\, com seu tom interrogativo\, propõe perguntas em vez de respostas definitivas sobre quem ou o que representa a Alemanha contemporânea. \nTemas como raça\, migração\, trabalho\, história e memória estão no centro dessa investigação. As obras frequentemente enfocam não apenas a diversidade racial\, étnica ou religiosa\, mas também grupos marginalizados na periferia da sociedade alemã: refugiados recentes\, idosos\, pessoas em situação de vulnerabilidade econômica e sem-teto. A exposição aborda debates sobre diversidade\, nacionalismo e mudança social em um contexto de migração e globalização\, além de problematizar questões como violência racial\, populismo de direita e identidades nacionais etnicamente definidas\, que ecoam tanto na Alemanha quanto nos Estados Unidos. \nCom a participação de 23 artistas\, as obras expostas abrangem uma ampla gama de mídias\, incluindo filme\, vídeo\, fotografia\, pintura\, gravura\, desenho\, colagem e instalação. Entre os artistas estão mulheres\, alemães orientais\, residentes de longa data\, novos cidadãos e indivíduos com “histórico de migração”: Nevin Aladağ\, Sibylle Bergemann\, Cana Bilir-Meier\, Marc Brandenburg\, Kota Ezawa\, Isa Genzken\, Hans Haacke\, Candida Höfer\, Yngve Holen\, Henrike Naumann\, Pınar Öğrenci\, Hans-Christian Schink\, Cornelia Schleime\, Ngozi Schommers\, Gundula Schulze Eldowy\, Katharina Sieverding\, Hito Steyerl\, Gabriele Stötzer\, Sung Tieu\, Rosemarie Trockel\, Corinne Wasmuht\, Ulrich Wüst e Želimir Žilnik. \nAlém de obras da coleção do Museu Busch-Reisinger\, a exposição inclui peças emprestadas e destaca aquisições recentes. Este museu\, único na América do Norte dedicado à arte de países de língua alemã desde a Idade Média até os dias atuais\, integra os Museus de Arte de Harvard e reflete\, por meio de sua coleção em crescimento\, a diversidade da Alemanha moderna. \nUm catálogo impresso em inglês acompanha a exposição\, apresentando ensaios de curadores e acadêmicos que examinam as circunstâncias que moldaram as noções de identidade na Alemanha contemporânea e os artistas que desafiam as ideias tradicionais sobre o que significa ser “alemão”. \nA exposição é curada por Lynette Roth\, curadora Daimler do Museu Busch-Reisinger\, e Peter Murphy\, curador Stefan Engelhorn Fellow (2022–25)\, com apoio de Bridget Hinz\, assistente sênior de curadoria para exposições especiais e publicações.
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SUMMARY:"Charles Atlas: About Time" no ICA Boston
DESCRIPTION:Charles Atlas\, “Hail the New Puritan” (still)\, 1986. Cortesia do artista e da Luhring Augustine\, Nova York. ® Charles Atlas\n\n\n\n\nCharles Atlas: About Time é a primeira retrospectiva em museu nos Estados Unidos do artista interdisciplinar pioneiro Charles Atlas (n. 1949\, St. Louis). Abrangendo 50 anos de produção\, a exposição é concebida como um ambiente imersivo\, apresentando várias instalações monumentais de vídeo multicanal\, descritas pelo artista como “experiências para caminhar”. Nessas instalações\, Atlas transforma vídeos de canal único em configurações expandidas\, exibindo-os em múltiplas telas suspensas e monitores distribuídos pela galeria\, permitindo aos visitantes se moverem entre eles. \nO início da carreira de Atlas foi marcado por seu período como cineasta residente na Merce Cunningham Dance Company\, em Nova York. Juntos\, Atlas e Cunningham criaram o gênero “media-dance”: dança concebida para a câmera\, em vez de uma plateia presencial\, onde os movimentos da câmera se integram harmonicamente aos dos dançarinos. Desde que deixou a companhia em 1983\, Atlas consolidou-se como uma figura central na arte de filme e vídeo\, capturando dança e performance por meio de colaborações inovadoras com artistas como Michael Clark\, Yvonne Rainer\, Leigh Bowery\, Marina Abramović\, Rashaun Mitchell e Silas Riener. Grande parte de sua produção colaborativa e que desafia gêneros revelou-se visionária para a geração de artistas contemporâneos. \nA exposição destaca o trabalho inovador de Atlas na interseção entre imagem em movimento\, dança e performance\, além de seus retratos em vídeo íntimos de colaboradores e amigos. O panorama político e cultural dos Estados Unidos\, desde os anos 1970 até hoje\, serve de pano de fundo para esta dinâmica mostra visual\, que aborda temas como performance e retrato\, gênero e sexualidade\, bem como colaboração e amizade.
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SUMMARY:"Manet: A Model Family" no Isabella Stewart Gardner Museum
DESCRIPTION:Édouard Manet\, “Boy Blowing Bubbles”\, 1867. © Fundação Calouste Gulbenkian / Scala / Art Resource\, NY. Foto: Catarina Gomes Ferreira\n\n\n\n\n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nTodo artista tem suas musas. Para Édouard Manet (1832-1883)\, uma delas era sua família. Contudo\, a vida doméstica do pintor francês era complexa\, mesmo pelos padrões atuais. A exposição Manet: A Model Family\, em cartaz na Hostetter Gallery de 10 de outubro de 2024 a 20 de janeiro de 2025\, explora como\, apesar das complicações entre os parentes\, a família Manet viveu momentos de felicidade — desde uma esposa que outrora fora empregada da casa\, até um filho de paternidade questionável e uma mãe que deserdou os herdeiros sobreviventes de Édouard. Esses familiares não apenas foram modelos frequentes\, mas também uma fonte essencial de apoio financeiro\, emocional e inspiração criativa. Imortalizados em pinceladas ousadas e inovadoras\, os entes queridos de Manet enriqueceram sua vida e arte. Após sua morte\, eles se dedicaram a preservar seu legado\, garantindo que sua obra jamais fosse esquecida. \nAgora\, quase 150 anos após seu falecimento\, a exposição Manet: A Model Family no Gardner Museum é a primeira a explorar Manet sob a ótica das relações familiares complexas entre o artista e seus modelos\, lançando nova luz sobre a vida e as obras-primas do “pai do modernismo”.
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LOCATION:Isabella Stewart Gardner Museum\, 25 Evans Way LMA\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Mary Ellen Mark: A Seattle Family\, 1983-2014" no Isabella Stewart Gardner Museum
DESCRIPTION:Mary Ellen Mark\, Tiny in the amusement park with “Horsey”\, 1983. © Mary Ellen Mark\, Cortesia da The Mary Ellen Mark Foundation/Howard Greenberg Gallery.\n\n\n\n\n\n\n\nMary Ellen Mark: A Seattle Family\, 1983–2014 estará em exibição na Fenway Gallery do Gardner Museum de 10 de outubro de 2024 a 20 de janeiro de 2025\, apresentando a obra da renomada fotojornalista americana Mary Ellen Mark. Conhecida por retratar aqueles à margem da sociedade\, Mark desenvolveu uma longa e íntima parceria pessoal e artística com Erin Blackwell\, também conhecida como “Tiny.” \nEm 1983\, Erin\, então com 13 anos\, vivia nas ruas de Seattle após escapar de uma vida doméstica difícil. Durante a produção de uma reportagem para a revista LIFE sobre adolescentes sem-teto\, Mark conheceu Erin em um estacionamento de discoteca\, um encontro que marcou o início de uma relação única. Ao longo de 30 anos\, Mark documentou a vida de Erin\, acompanhando-a através de gravidezes\, vícios\, desafios e momentos de amor\, registrando com empatia a realidade da pobreza e as complexas conexões humanas nos Estados Unidos. \nA exposição convida o público a refletir sobre as lutas e conquistas de uma família americana multirracial\, destacando a confiança e a inspiração mútua que transcenderam a relação entre artista e colaboradora.
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LOCATION:Isabella Stewart Gardner Museum\, 25 Evans Way LMA\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Georgia O’Keeffe and Henry Moore" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Georgia O’Keeffe\, The White Flower (White Trumpet Flower)\, 1932. © 2024 Georgia O’Keeffe Museum / Artists Rights Society (ARS)\, New York.\n\n\n\n\nA pintora americana Georgia O’Keeffe (1887–1986) e o escultor britânico Henry Moore (1898–1986) estão entre os artistas mais distintos do século 20. Admirados por suas extraordinárias interpretações de formas naturais em abstrações — as icônicas pinturas de flores de O’Keeffe e as esculturas públicas monumentais de Moore —\, esta importante exposição é a primeira a colocar esses dois artistas em diálogo\, usando justaposições visuais envolventes para explorar suas visões comuns. Ambos experimentaram perspectivas incomuns\, mudanças de escala e composições em camadas para criar obras profundamente informadas por seus ambientes — O’Keeffe no Novo México e Moore em Hertfordshire\, Inglaterra. \nEmbora ambos permanecessem próximos à vida urbana\, os dois artistas trabalharam em ambientes rurais\, onde acumularam vastas coleções pessoais de ossos de animais\, pedras\, conchas e outros materiais naturais que serviram como fontes-chave de inspiração. Com mais de 150 obras\, Georgia O’Keeffe and Henry Moore inclui pinturas\, esculturas e trabalhos em papel\, além de recriações fiéis dos estúdios de cada artista\, contendo suas ferramentas e objetos encontrados. Essas instalações dos estúdios iluminam o cerne de suas práticas artísticas — algo raramente apresentado em espaços de museus — e criam retratos mais ricos de O’Keeffe e Moore\, incentivando os visitantes a imaginar como eles trabalhavam e viviam. \nOrganizada pelo San Diego Museum of Art\, a exposição é uma colaboração inédita com o Georgia O’Keeffe Museum e a Henry Moore Foundation. Além de cerca de 90 obras de Moore e 60 de O’Keeffe\, a apresentação do MFA aproveita a coleção modernista do museu para colocar O’Keeffe e Moore em diálogo com outros artistas ativos no mid-20th-century nos Estados Unidos e na Europa — entre eles Edward Weston\, Barbara Hepworth\, Arthur Dove e Jean Arp —\, todos engajados na criação de abstrações a partir da natureza.
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SUMMARY:"Power of the People: Art and Democracy" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Shepard Fairey\, “Vote!”\, 2008. Coleção de Damon Beale. © Obey Giant Art Inc\n\n\n\n\nPower of the People: Art and Democracy destaca como a arte tem expressado ideias sobre democracia ao longo da história e como artistas têm instigado os cidadãos a refletir sobre as promessas da democracia\, participar de sua prática e exigir melhorias. Com 180 obras de arte\, quase todas provenientes da coleção do MFA\, e abrangendo desde as origens da democracia na Grécia Antiga até os dias atuais\, a exposição permite aos visitantes comparar passado e presente\, refletindo sobre como certas lutas e conceitos democráticos reverberam ao longo do tempo. \nEntre as obras apresentadas estão peças icônicas\, como a Sons of Liberty Bowl (1768) de Paul Revere Jr.\, o antigo Denarius de Brutus—ou moeda de Março—(43–42 a.C.)\, e o pôster Vote! (2008) de Shepard Fairey. Também inclui obras menos conhecidas\, mas influentes\, como o retrato em relevo de mármore de Julia Ward Howe\, de Cyrus Dallin (1912)\, e um relógio de sol de porcelana da Revolução Francesa com o novo calendário. \nCom cerâmicas\, moedas\, relevos de mármore com inscrições\, pinturas\, esculturas\, gravuras\, fotografias\, pôsteres\, moda e muito mais\, Power of the People convida os visitantes a refletir\, discutir\, criar e participar na democracia que compartilhamos.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/power-of-the-people-art-and-democracy-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Deep Waters: Four Artists and the Sea" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:John Akomfrah\, still de Vertigo Sea\, 2015. © Smoking Dogs Films; Cortesia de Smoking Dogs Films e Lisson Gallery\n\n\n\n\nGerações de artistas exploraram as belezas e os terrores do oceano\, refletindo sobre as experiências daqueles que viveram e perderam suas vidas entre as ondas. Entrelaçando obras de quatro artistas criadas ao longo de séculos e através do Atlântico\, esta exposição segue um fio genealógico unido pelo mar. Ecos de Watson and the Shark (1778)\, de John Singleton Copley\, reverberam em Slave Ship (Slavers Throwing Overboard the Dead and Dying\, Typhoon Coming On) (1840)\, de J. M. W. Turner\, que\, por sua vez\, influenciou a arte criada no século XXI. \nApresentada pela primeira vez na Nova Inglaterra\, a icônica instalação de filme em três canais Vertigo Sea (2015)\, de John Akomfrah\, expande os temas centrais das duas obras anteriores\, explorando a tumultuosa relação da humanidade com o mar e suas criaturas\, bem como o papel do oceano na história da escravidão. Em Some People Have Spiritual Eyes I and II (2020)\, a fotógrafa Ayana V. Jackson leva essas ideias a uma nova direção. Sua exploração da divindade\, feminilidade e destino por meio de autorretratos é inspirada em Drexciya\, uma mítica utopia aquática habitada por descendentes das mulheres africanas grávidas que perderam suas vidas no Oceano Atlântico durante o Middle Passage. \nDeep Waters: Four Artists and the Sea convida os visitantes a considerar e refletir sobre o diálogo entre essas obras de arte e seus criadores. Cada artista oferece uma perspectiva única baseada em sua experiência vivida\, mas todos estão sintonizados com as poéticas e histórias do mar — desde suas superfícies brilhantes e profundezas insondáveis até seus habitantes e fantasmas; de um local de memória\, luto e fragilidade a um símbolo de resiliência e futuros possíveis.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/deep-waters-four-artists-and-the-sea-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Tha Sun Will Set" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Christina Quarles\, “In 24 Days Tha Sun’ll Set at 7pm”\, 2022. Fundo de Aquisição Robert L. Beal\, Enid L. Beal e Bruce A. Beal e fundos doados por Allison Berg e Stuart e Gina Peterson.\n\n\n\n\n“Tha Sun Will Set: Contemporary Abstraction and the Body” reúne nove obras de três gerações de artistas mulheres das Américas\, traçando uma linhagem da pintura abstrata ao longo de sete décadas a partir da coleção do MFA. \nO título da exposição é emprestado da obra In 24 Days Tha Sun’ll Set at 7pm (2022)\, de Christina Quarles\, que explora com liberdade as tradições da abstração por meio de técnicas inovadoras de pintura e formas de representar figuras na paisagem. Adquirida pelo MFA em 2023 como parte de uma iniciativa para ampliar as obras de mulheres em seu acervo\, a pintura é exibida aqui pela primeira vez. Também estreiam publicamente 153. (1967)\, abstração corporal de inspiração pop de Marcia Hafif\, e a peça em cerâmica inicial Red (2012)\, de Rose B. Simpson. \nA exposição é complementada por pinturas de Helen Frankenthaler\, Elaine de Kooning\, Jacqueline Humphries\, Amy Sillman\, Elizabeth Peyton e Cecilia Vicuña. Juntas\, essas obras oferecem uma visão instigante sobre como o modernismo do século 20 se entrelaça com representações do feminino\, do corpo e da paisagem na arte contemporânea.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/tha-sun-will-set-no-museum-of-fine-arts-boston/
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SUMMARY:"Fragments of Self" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Guadalupe Najar\, “INSIDE ME THEIR HEARTS BURST” (detalhe)\, 2024. Cortesia da artista\n\n\n\n\nEsta exposição reúne obras de artistas emergentes que exploram diferentes aspectos da individualidade — tanto a própria quanto a de outros. O conjunto examina o conceito de “eu”: a natureza multifacetada da identidade pessoal\, a composição de culturas e contextos\, e a soma de desafios e conquistas pessoais. \nPor meio de pintura e escultura\, Maria Cazzato reflete sobre a representação de mártires católicos para questionar normas opressivas contemporâneas sobre o corpo. Ian Choi pinta a si mesma entre sedas coreanas e tecidos americanos para destacar sua identidade em camadas e texturas\, resultado do movimento entre duas culturas distintas. As peças escultóricas de Guadalupe Najar fazem referência às histórias materiais de seus ancestrais e à sua auto-mitologização dentro da cultura equina. Íntimos e coloridos\, os retratos de Bertil Chappuis Muñoz estabelecem um diálogo ativo com seus sujeitos\, incentivando interpretações livres e fluidas. \nOrganizada com o apoio das Tufts University Art Galleries\, Fragments of Self: SMFA at Tufts Juried Student Exhibition é a mais recente de uma série de exposições que reflete o compromisso do museu com a próxima geração de artistas e curadores promissores. A mostra continua a relação histórica entre o museu e a SMFA\, que remonta à fundação da escola em 1876.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/fragments-of-self-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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