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SUMMARY:"Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Bobby Jae Kim\, Detalhe de Toshiko Takaezu\, 1997. Museu de Belas Artes de Montreal\, Coleção Liliane e David M. Stewart\, presente de Bobby Jae Kim\, D97.183.1. Imagem © Bobby J. Kim.\n\n\n\nNascida no Havaí de pais de ascendência okinawana\, Toshiko Takaezu (1922-2011) foi uma artista tecnicamente habilidosa e inovadora\, mais conhecida por suas esculturas de cerâmica\, que tratava como pinturas abstratas em forma de círculo. Seu estilo gestual\, paletas distintivas e complexas camadas de vidrados se alinham com as práticas dos Expressionistas Abstratos que foram seus contemporâneos. No entanto\, Takaezu adicionou um elemento de acaso\, já que suas peças revelavam suas cores finais apenas após a queima. Frequentemente\, ela mostrava suas cerâmicas em grupos\, às vezes com suas pinturas e tecidos igualmente inovadores\, em arranjos cuidadosamente construídos que respondiam aos seus ambientes. Esta exposição se inspira nesses displays\, traçando o desenvolvimento de Takaezu de ceramista a artista de instalação multimídia. \n\n\n\nO MFA possui uma coleção significativa de cerâmicas de Takaezu – mais de 20 exemplos estão apresentados aqui junto com empréstimos de coleções particulares. Destaques também incluem um tecido em grande escala – uma recente aquisição do museu – e um agrupamento de obras explorando as interações transculturais da artista com ceramistas japoneses contemporâneos durante sua viagem crucial de oito meses ao Japão em 1955-56. Em conjunto com a exposição\, exibições adicionais no terceiro andar da Ala de Arte das Américas do MFA e na Ala Linde para Arte Contemporânea\, comparam Takaezu com dois de seus amigos: a ceramista Leza McVey e o escultor Isamu Noguchi. \n\n\n\nDesafiando as apresentações tradicionais da abstração americana\, Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction celebra a extraordinária variedade do trabalho de Takaezu – visando tornar suas contribuições mais amplamente conhecidas. É organizado em parceria com o Museu Noguchi e a Fundação Toshiko Takaezu.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/toshiko-takaezu-shaping-abstraction-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Thinking Small: Dutch Art to Scale" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Hans Bol\, Vista de Amsterdã do Sul (detalhe)\, 1589. Doação de Rose-Marie e Eijk van Otterloo em apoio ao Centro de Arte Neerlandesa.\n\n\n\nA frase “pensar pequeno” descreve um ato de engajamento profundo com a arte – um tipo específico de encontro no qual um espectador considera\, percebe e age de maneira diferente em resposta ao que vê. Com algumas formas de arte holandesa\, o minúsculo se torna abrangente: elementos pequenos atraem o olhar e inspiram os espectadores a se engajarem em um nível íntimo\, examinando cada centímetro e maravilhando-se com a habilidade e dedicação do criador do objeto. No século XVII\, representações em miniatura da distância eram um meio para homens e mulheres holandeses compreenderem a imensidão de seu mundo. Embora muitas obras que convidam à ação de pensar pequeno sejam pequenas em si mesmas\, obras maiores também podem convidar os espectadores a se concentrarem nos detalhes encontrados nelas. Os pintores de paisagens holandeses frequentemente preenchiam suas composições com detalhes – reais e imaginados – que atraem os espectadores para o mundo da imagem. \n\n\n\nUma colaboração entre o Centro de Arte Neerlandesa do MFA\, a Galeria de Arte da Universidade de Yale e professores e alunos de Yale\, esta exposição explora uma seleção intrigante de objetos dos Países Baixos do século XVII que foram projetados para elicitar um olhar lento e contemplação por parte de seus públicos originais. Com 15 pinturas\, gravuras\, medalhas de prata\, livros e até mesmo uma xícara feita de uma concha de nautilus esculpida\, “Pensando Pequeno: Arte Holandesa em Escala” obriga os espectadores a reconsiderarem sua relação com o mundo ao seu redor. \n\n\n\nEsta é a terceira de uma série de colaborações entre o CNA e seus parceiros acadêmicos que se baseia na profunda coleção de arte holandesa e flamenga do Museu de maneiras novas e inesperadas\, trazendo perspectivas frescas e vozes diversas para o primeiro plano\, enquanto mostra bolsas de estudo interdisciplinares. Exposições anteriores incluíram A Modern Art Market\, em exibição de novembro de 2021 a outubro de 2022\, e Michaelina Wautier and The Five Senses: Innovation in 17th-Century Flemish Painting”\, em exibição de 12 de novembro de 2022 a 5 de novembro de 2023. \n\n\n\nOs Fundadores do Centro de Arte Neerlandesa são Rose-Marie e Eijk van Otterloo e Susan e Matthew Weatherbie.
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SUMMARY:"Wordplay" no ICA Boston
DESCRIPTION:Renée Green\, Space Poem #1\, 2007. Vista da instalação\, Renée Green\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2021–22. Foto por Liza Voll.\n\n\n\nDestacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler\, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos\, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas\, expressar e subverter mensagens políticas\, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências\, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas\, de artistas como Kenturah Davis\, Taylor Davis\, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander\, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey\, Jenny Holzer\, Glenn Ligon\, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/wordplay-no-ica-boston/
LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:Igshaan Adams no ICA Boston
DESCRIPTION:Igshaan Adams\, Lynloop\, 2024. Vista da instalação\, Igshaan Adams\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024-25. Foto por Mel Taing.\n\n\n\nO artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo\, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado\, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista\, histórias familiares e narrativas da comunidade local\, enraizadas em sua herança sul-africana\, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul\, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais. \n\n\n\nLynloop\, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston\, é uma tecelagem experimental composta por várias partes\, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra\, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos\, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas\, cordas\, correntes e mohair\, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço\, interação humana e memória.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/igshaan-adams-no-ica-boston/
LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ancestors and Place: Indigenous North American Prints" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Wendy Red Star\, Yakima or Yakama—Not For Me To Say\, publicado pelo Crow’s Shadow Institute of the Arts\, 2015–16. © Wendy Red Star.\n\n\n\nAs palavras ancestrais e lugar têm muitas conotações\, mas para os povos indígenas\, estão ligadas a todas as coisas. Lugar se estende além de uma única localização para abranger terra\, água e céu. Ancestrais são não apenas humanos\, mas também não humanos\, que são elementos vivos de um lugar. Alguns artistas nativos usaram o meio colaborativo da gravura como uma forma de honrar esses conceitos profundamente conectados e nos lembrar que\, embora muitas terras ancestrais indígenas tenham sido perdidas para a colonização\, as relações com esses lugares e as comunidades que eles nutriram perduram. \n\n\n\nCelebrando uma área crescente da coleção do MFA\, Ancestors and Place: Indigenous North American Prints [Ancestrais e Lugar: Gravuras Indígenas da América do Norte] apresenta mais de 30 obras — a maioria delas aquisições recentes — de artistas indígenas dos Estados Unidos e do Canadá que exploram ideias nuances de administração. As obras reconhecem o lugar como uma bênção\, mas também algo a ser cuidado — para o passado\, presente e futuro. Principalmente criadas através de residências em estúdios de gravura como Crow’s Shadow Institute of the Arts\, Tamarind Institute e High Point\, essas gravuras mostram artistas levando suas práticas em novas direções\, experimentando e reconceitualizando temas significativos para eles e suas comunidades. \n\n\n\nTanto artistas emergentes quanto estabelecidos estão em destaque\, incluindo Wendy Red Star\, Jaune Quick-to-See Smith\, James Lavadour e Raven Chacon. Além de fazer arte\, alguns\, como Smith\, também são ativistas\, movidos pelo desejo de melhorar a representação cultural e política dos nativos americanos. Enraizadas em suas comunidades específicas\, essas gravuras demonstram a criatividade e a experimentação de diversos artistas contemporâneos. \n\n\n\nEsta exposição é organizada em colaboração com o artista e professor Duane Slick (Meskwaki/Ho-Chunk). Segue uma exposição anterior de gravuras indígenas norte-americanas\, que explorou a resiliência\, em exibição entre novembro de 2023 e março de 2024.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/ancestors-and-place-indigenous-north-american-prints-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:“Hyman Bloom: Landscapes of the Mind” no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Hyman Bloom\, Landscape #12 (detalhe)\, 1963. Doação de Emanuel L. Josephs em memória de Esta M. Josephs. Reproduzido com permissão.\n\n\n\nEm 1955\, Hyman Bloom (1913–2009) começou a visitar a pequena cidade de Lubec\, no Maine—naquela época\, uma boa viagem de dez horas de carro de sua casa em Boston. As florestas intocadas de Lubec inspiraram-no a desenhar com ambição\, foco e escala que poucos de seus contemporâneos conseguiram igualar. As obras resultantes revelam um desejo de capturar o caráter primordial da natureza selvagem—seu ciclo de vida de nascimento\, morte e transformação—bem como um misticismo pervasivo e a crença na correspondência da natureza com a psique. \n\n\n\n“Hyman Bloom: Landscapes of the Mind” convida os visitantes a entrarem na imaginação do artista para experimentar a natureza como ele a experimentou. Focadas nos desenhos de Bloom\, as obras em exibição comunicam brilhantemente volume\, sombreamento\, luz e linha\, mostrando Bloom como um desenhista tecnicamente talentoso que se iguala a qualquer outro na história. Estes não são cópias exatas do que Bloom viu; eles se baseiam na memória e em fotografias que ele tirou na floresta\, mas são essencialmente coloridos por uma visão criativa única. Ao mesmo tempo imaginários e reais\, os desenhos de Bloom trazem a arte à vida através de uma habilidade distinta e inata de evocar o espírito. \n\n\n\nMuitas obras na exposição fazem parte de uma doação de Stella Bloom\, viúva do artista. Esta doação transformadora ajuda o MFA em sua aspiração de se tornar a coleção de referência para este importante artista de Boston.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/hyman-bloom-landscapes-of-the-mind-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Barbara Bosworth: The Meadow" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Barbara Bosworth\, The Meadow (detalhe) da série The Meadow\, 2003. Scott Offen Collection. © Barbara Bosworth.\n\n\n\nEm 1996\, a artista Barbara Bosworth (nascida em 1953) começou a fotografar um campo em Carlisle\, Massachusetts\, a noroeste de Boston. Retornando regularmente ao longo dos 15 anos seguintes\, ela usou uma câmera de grande formato para capturar imagens da terra em diferentes horas do dia e em todas as estações. Através da série de fotos resultante\, chamada “The Meadow” (O Campo)\, Bosworth continua uma longa tradição de artistas\, poetas e naturalistas da Nova Inglaterra que documentaram a passagem do tempo e os vestígios da presença humana em paisagens bonitas\, porém discretamente inspecionais\, como esta. \n\n\n\nCom uma dúzia de fotografias coloridas de grande formato\, bem como várias pequenas impressões de contato\, esta exposição oferece aos visitantes um vislumbre da visão única e em evolução de Bosworth sobre o campo. Embora aparentemente humilde e modesto\, a área\, pacientemente retratada através da lente de Bosworth\, revela uma rica diversidade de vida—desde uma extensão sempre mutável de céu acima até uma profusão de samambaias nativas\, flores\, vaga-lumes\, líquenes\, cogumelos\, lagartas\, macieiras e até formigas abaixo. \n\n\n\nJunto com sua amiga\, a escritora Margot Anne Kelley\, Bosworth convidou cientistas\, forrageadores urbanos\, arqueólogos e historiadores locais para caminhadas pelo campo. Com a ajuda de sua expertise\, ela passou a entender melhor a terra que fornecia seu tema. O campo está localizado em uma parte de Carlisle que antes era Concord (fundada em 1635) e fica não muito longe do rio Concord. Originalmente chamada de Musketaquid—que significa “rio da grama do pântano” na língua algonquina—a área foi caçada\, pescada e cultivada por povos nativos por milhares de anos. Colonos europeus gradualmente transformaram a paisagem em campos agrícolas e pastagens\, mas\, mais recentemente\, parte dela\, incluindo o campo\, foi reservada como terra de conservação protegida do desenvolvimento.
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SUMMARY:"Displacement" no MassArt Art Museum
DESCRIPTION:Sandra M. Sawatzky\, The Black Gold Tapestry\, 2008-2017. Cortesia da artista.\n\n\n\n“Displacement”\, uma exposição de obras de artistas contemporâneos\, explora a relação entre os humanos e seus ambientes. Através de têxteis\, esculturas\, filmes e aromas\, esta exposição examina as alterações causadas pelo homem no mar\, na terra e no ar\, e as maneiras como esses sistemas estão respondendo. \n\n\n\nAo investigar a relação histórica e atual entre a civilização industrial e o mundo natural\, uma variedade de questões são abordadas\, incluindo migração\, adaptação e extinção. As linguagens visuais dos artistas em “Displacement” oferecem uma lente através da qual o arco das dinâmicas humano-ambientais pode ser avaliado e reconsiderado.
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LOCATION:MassArt Art Museum\, 621 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Dalí: Disruption and Devotion" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Salvador Dalí\, “The Disintegration of the Persistence of Memory” (1952‑54). Cortesia do The Dalí Museum\, St. Petersburg/Museum of Fine Arts\, Boston.\n\n\n\n\nO excêntrico e iconoclasta artista Salvador Dalí (1904–1989) é famoso por suas imagens bizarras e sua distinta visão surrealista. No entanto\, Dalí também estava profundamente enraizado na tradição. Ele estudou\, emulou e reverenciou seus predecessores europeus de séculos passados\, absorvendo influências da Espanha\, Países Baixos e Itália ao longo de sua longa carreira. \nDalí: Disruption and Devotion reúne cerca de 30 pinturas e gravuras emprestadas do Salvador Dalí Museum em St. Petersburg\, Flórida\, com obras-primas europeias da coleção do MFA\, incluindo retratos\, cenas religiosas e naturezas-mortas de artistas como El Greco\, Orazio Gentileschi e Velázquez\, entre outros. Além dessas combinações reveladoras\, a exposição apresenta algumas das obras mais conhecidas de Dalí\, como Disintegration of the Persistence of Memory (1952–54). Outros exemplos destacam ilusões ópticas e imagens duplas—marcas do Surrealismo—enquanto a monumental Ecumenical Council (1960) evidencia o domínio técnico de Dalí. Ao vê-lo em diálogo com grandes pintores e gravuristas que o precederam\, os visitantes podem experimentar uma perspectiva única sobre um dos mais celebrados artistas de vanguarda do século 20.
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SUMMARY:"The Gun Violence Memorial Project" no ICA Boston
DESCRIPTION:Vista da exposição “The Gun Violence Memorial Project” no ICA Boston. Foto: Mel Taing\n\n\n\n\nThe Gun Violence Memorial Project (2019–presente) cria um espaço para reunir\, lembrar e agir diante da crise contínua de violência armada. Desenvolvido pelo MASS Design Group\, sediado em Boston\, e pela Songha & Company\, com o artista Hank Willis Thomas como Diretor Criativo\, em parceria com a organização de prevenção à violência armada Purpose Over Pain\, o projeto foi lançado na Bienal de Arquitetura de Chicago de 2019. Ele consiste em quatro casas de vidro\, cada uma composta por 700 tijolos transparentes\, em referência ao número médio de mortes por armas de fogo semanalmente nos Estados Unidos. Muitos desses tijolos contêm objetos de lembrança\, como sapatos de bebê\, enfeites de formatura e fotografias\, oferecidos por famílias em homenagem a entes queridos cujas vidas foram perdidas devido à violência armada. Esses memoriais vivos convidam o público a refletir sobre o impacto da violência armada por meio de narrativas pessoais. \nEm uma colaboração em toda a cidade\, o Gun Violence Memorial Project será exibido no ICA de Boston\, na Prefeitura de Boston e na galeria do MASS Design Group no South End. Eventos locais de coleta de objetos\, organizados pelo Louis D. Brown Peace Institute\, ocorrerão durante o verão e outono de 2024.
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SUMMARY:"Tau Lewis: Spirit Level" no ICA Boston
DESCRIPTION:Vista da exposição “Tau Lewis: Spirit Level” no ICA Boston. Foto: Mel Taing\n\n\n\n\nTau Lewis (n. 1993\, Toronto) transforma materiais encontrados em esculturas macias detalhadamente elaboradas\, colchas\, máscaras e outras assemblages por meio de processos intensivos como costura manual\, escultura e moldagem em gesso. Artista autodidata\, sua prática é voltada para a cura de traumas pessoais\, coletivos e históricos\, empregando formas repetitivas de trabalho criativo. Lewis utiliza materiais e artefatos carregados de significado—como roupas usadas\, tecidos\, couro e fotografias\, além de madeira flutuante\, dólares de areia e conchas—que frequentemente coleta em Toronto\, Nova York ou nos arredores da casa de sua família em Negril\, Jamaica. Os objetos evocativos que Lewis reúne e transforma estabelecem uma relação em seu trabalho com os contextos sociais\, culturais e físicos pelos quais transita\, coleta e habita. Sua reutilização criativa conecta-se às formas de inventividade material praticadas por comunidades diaspóricas\, onde trabalhar com o que está ao alcance é um ato reparador que busca reivindicar agência. Em toda sua produção\, o interesse de Lewis está em honrar e avançar essas tradições diaspóricas\, além de explorar\, como afirmou\, “a transferência de energia e emoção que ocorre quando um objeto é feito à mão.” Para o ICA\, em sua primeira exposição individual em um museu nos Estados Unidos\, Lewis está criando um novo corpo de trabalho. A exposição será acompanhada por um catálogo\, a primeira monografia da artista. \n 
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SUMMARY:"A Colloquium in the Visual Arts" nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Émile Gilliéron ou seu filho\, suíços\, “Acrobatas Saltando sobre um Touro” (reprodução de uma pintura mural do Palácio de Cnossos\, Creta)\, século XIX–XX. Aquarela sobre papel. Harvard Art Museums/Arthur M. Sackler Museum\, Doação de Mrs. Schuyler Van Rensselaer\n\n\n\n\nO curso de Harvard A Colloquium in the Visual Arts (Humanities 20) oferece uma introdução ao estudo das humanidades por meio de obras significativas de arte e arquitetura de diversas partes do mundo\, abrangendo desde vasos gregos antigos e gravuras japonesas até esculturas barrocas e arte cinematográfica. O curso é ministrado por seis professores de Harvard: Seth Estrin\, Robin Kelsey\, Vishal Khandelwal\, Yukio Lippit\, Christina Maranci e Felipe Pereda. \nA cada semana\, os estudantes mergulham no universo cultural e imaginário de uma única obra de arte. Após uma palestra abrangente sobre a obra\, eles participam de “laboratórios de observação” nesta galeria e em outros locais do campus\, onde desenvolvem habilidades de observação atenta\, descrição e análise visual. \nO curso busca ensinar aos alunos o significado de se engajar profundamente com uma obra de arte e como refletir sobre questões amplas da cultura humana a partir dessas obras. Entre os temas abordados estão crenças religiosas\, justiça social\, encontros interculturais\, questões de gênero\, a natureza do tempo\, colonialismo\, modernidade e o que a arte pode revelar sobre a relação entre os seres humanos e o meio ambiente. \nA Galeria de Ensino da Universidade serve à comunidade acadêmica do Departamento de História da Arte e Arquitetura de Harvard. Pequenas instalações semestrais são montadas no espaço em apoio às aulas de graduação e pós-graduação\, promovendo a análise crítica da arte e tornando seleções únicas das coleções do museu acessíveis a todos os visitantes.
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LOCATION:Harvard Art Museums\, 32 Quincy St Mid-Cambridge\, Cambridge\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Art of the Black World" nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Alexis Peskine\, francês\, “Aljana Moons 3”\, 2015. Harvard Art Museums/Fogg Museum\, Richard and Ronay Menschel Fund for the Acquisition of Photographs\n\n\n\n\nO curso de Harvard Art of the Black World (História da Arte e Arquitetura 178V e Estudos Africanos e Afro-Americanos 178X) explora a questão: o que seria perdido sem uma compreensão da arte do mundo negro? Ministrado pelas professoras Sarah Lewis e Suzanne Preston Blier\, que atuam nos Departamentos de História da Arte e Arquitetura e de Estudos Africanos e Afro-Americanos\, o curso oferece uma introdução à história e ao estudo das artes da diáspora africana. \nA cada semana\, os alunos analisam obras-chave produzidas na África e nas Américas ao longo de séculos\, em diversos meios como escultura\, gravura\, fotografia e pintura. Após palestras e discussões\, os estudantes dedicam-se à pesquisa e exame detalhado das obras exibidas nesta galeria e em outras coleções do campus e fora dele. \nO curso busca desenvolver habilidades de observação atenta e compreensão histórica\, situando as obras em seus contextos de criação. Além disso\, ensina a refletir sobre como cada obra contribui para discussões mais amplas sobre temas como justiça\, religião e gênero. Assim\, os estudantes aprendem sobre a relevância da cultura visual na construção dessas conversas. \nA University Teaching Gallery atende professores e estudantes do Departamento de História da Arte e Arquitetura de Harvard. Pequenas instalações de um semestre são organizadas neste espaço em conjunto com cursos de graduação e pós-graduação\, promovendo a análise crítica da arte e disponibilizando seleções exclusivas das coleções dos museus para todos os visitantes.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/art-of-the-black-world-nos-harvard-art-museums/
LOCATION:Harvard Art Museums\, 32 Quincy St Mid-Cambridge\, Cambridge\, Massachusetts\, Estados Unidos
CATEGORIES:Boston
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SUMMARY:"Made in Germany? Art and Identity in a Global Nation" nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Corinne Wasmuht\, “50 U Heinrich-Heine-Str.”\, 2009. © Corinne Wasmuht.\n\n\n\n\nMade in Germany? Art and Identity in a Global Nation oferece uma análise inédita da arte alemã desde 1980. Reunindo artistas de diversas gerações e origens\, a exposição desafia noções de identidade alemã\, em especial a ideia de homogeneidade étnica e cultural. A Alemanha\, segunda apenas aos Estados Unidos como destino de imigrantes\, é um terreno fértil para reflexões sobre uma identidade nacional moldada pela migração laboral após a Segunda Guerra Mundial\, pela reunificação entre as Alemanhas Oriental e Ocidental em 1990 e pelo acolhimento de refugiados desde 2015. O título\, com seu tom interrogativo\, propõe perguntas em vez de respostas definitivas sobre quem ou o que representa a Alemanha contemporânea. \nTemas como raça\, migração\, trabalho\, história e memória estão no centro dessa investigação. As obras frequentemente enfocam não apenas a diversidade racial\, étnica ou religiosa\, mas também grupos marginalizados na periferia da sociedade alemã: refugiados recentes\, idosos\, pessoas em situação de vulnerabilidade econômica e sem-teto. A exposição aborda debates sobre diversidade\, nacionalismo e mudança social em um contexto de migração e globalização\, além de problematizar questões como violência racial\, populismo de direita e identidades nacionais etnicamente definidas\, que ecoam tanto na Alemanha quanto nos Estados Unidos. \nCom a participação de 23 artistas\, as obras expostas abrangem uma ampla gama de mídias\, incluindo filme\, vídeo\, fotografia\, pintura\, gravura\, desenho\, colagem e instalação. Entre os artistas estão mulheres\, alemães orientais\, residentes de longa data\, novos cidadãos e indivíduos com “histórico de migração”: Nevin Aladağ\, Sibylle Bergemann\, Cana Bilir-Meier\, Marc Brandenburg\, Kota Ezawa\, Isa Genzken\, Hans Haacke\, Candida Höfer\, Yngve Holen\, Henrike Naumann\, Pınar Öğrenci\, Hans-Christian Schink\, Cornelia Schleime\, Ngozi Schommers\, Gundula Schulze Eldowy\, Katharina Sieverding\, Hito Steyerl\, Gabriele Stötzer\, Sung Tieu\, Rosemarie Trockel\, Corinne Wasmuht\, Ulrich Wüst e Želimir Žilnik. \nAlém de obras da coleção do Museu Busch-Reisinger\, a exposição inclui peças emprestadas e destaca aquisições recentes. Este museu\, único na América do Norte dedicado à arte de países de língua alemã desde a Idade Média até os dias atuais\, integra os Museus de Arte de Harvard e reflete\, por meio de sua coleção em crescimento\, a diversidade da Alemanha moderna. \nUm catálogo impresso em inglês acompanha a exposição\, apresentando ensaios de curadores e acadêmicos que examinam as circunstâncias que moldaram as noções de identidade na Alemanha contemporânea e os artistas que desafiam as ideias tradicionais sobre o que significa ser “alemão”. \nA exposição é curada por Lynette Roth\, curadora Daimler do Museu Busch-Reisinger\, e Peter Murphy\, curador Stefan Engelhorn Fellow (2022–25)\, com apoio de Bridget Hinz\, assistente sênior de curadoria para exposições especiais e publicações.
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