Arte Que Acontece

"Invisible Ground of Sympathy" no ICA Boston
2023-01-31 10:00 - 2024-01-07 17:00 (America/Sao_Paulo) | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Taylor Davis Selects: Invisible Ground of Sympathy é organizada pelo artista Taylor Davis, baseado em Boston, sendo a primeira vez que um artista é convidado para curar uma exposição a partir da coleção permanente do ICA. Em suas obras de arte, Davis explora a relação entre objeto e espectador, muitas vezes através de manipulações precisas da forma. Abordando questões de orientação, espaço, identidade e percepção, o trabalho de Davis insiste na sensação única de presença e atenção que cada espectador traz ao se deparar com uma obra de arte. Davis concebe a mostra Invisible Ground of Sympathy como um campo aberto no qual uma constelação de obras de arte é reunida para ativar suas diferentes intensidades emocionais e psicológicas. Considerando temas de precariedade, surpresas, violência e beleza, e situando o espectador no centro, Davis apresenta uma visão pessoal sobre a complexidade inarrável de dar sentido ao presente.

Bosco Sodi nos Harvard Art Museums
2023-03-18 10:00 - 2024-06-09 17:00 | Harvard Art Museums, 32 Quincy St Mid-Cambridge, Cambridge, Massachusetts, Estados Unidos
Uma nova instalação de esculturas do artista mexicano Bosco Sodi (nascido em 1970) conta com 14 esferas de argila feitas à mão pelo artista nos Museus de Arte de Harvard, marcando a primeira apresentação de arte no terraço ao ar livre da Broadway do museu. A prática de Sodi explora os elementos da terra, combinando tradições antigas de esculpir argila com uma visão contemporânea de criar formas universais simples que promovam a reflexão. Recorrendo a técnicas centenárias transmitidas pela cultura Zapoteca, Sodi trabalha com artesãos de Oaxaca, usando argila local para esculpir cada esfera, secando-a ao ar livre por até oito meses e depois cozinhando-a em um forno construído na praia. As formas de terracota resultantes revelam os efeitos das forças da natureza – sol, ar, mar e fogo – como demonstrado pelas rachaduras, lascas e manchas escurecidas e ríspidas que distinguem cada esfera. Pela primeira vez em uma instalação do trabalho do artista nos Estados Unidos, Sodi também apresentará três esferas esmaltadas em ouro como parte de sua disposição site-specific. Passando de fora para dentro dos museus, essas esferas douradas se conectam e dialogam com a atmosfera meditativa evocada pela instalação de figuras budistas na Galeria 1610.

"Tender Loving Care" no Museum of Fine Arts Boston
2023-07-22 10:00 - 2024-07-28 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Gisela Charfauros McDaniel, Tiningo’ si Sirena (detalhe), 2021. Fundo de Aquisição Irving W. e Charlotte F. Rabb para o Departamento de Arte Contemporânea. © Gisela McDaniel; Cortesia do artista e Pilar Corrias, Londres.

Em sua essência, criar e apreciar obras de arte são atos de cuidado, desde o trabalho do artista até a contemplação e apreciação do espectador. Armazenamento, conservação e exposição também são formas de cuidar da arte. Esta exposição convida os visitantes a explorar como artistas contemporâneos rastreiam e abordam conceitos de cuidado por meio de seus materiais, temas, ideias e processos.

Mais de 100 obras da coleção do MFA – incluindo aquisições recentes e objetos que nunca foram exibidos antes – definem, retratam e demonstram muitas formas de cuidado por meio de cinco agrupamentos temáticos: fios, limiares, descanso, matéria vibrante e adoração. O retrato de Gisela Charfauros McDaniel de sua mãe, Tiningo’ si Sirena (2021), oscila entre intimidade e uma atenção a conceitos maiores que são significativos para a artista, como heranças culturais e interconectividade ecológica. Para seu Sound Suit (2008), Nick Cave estendeu a vida útil de objetos descartados ao transformá-los em um traje surreal e sobrenatural que afirma o valor da vida negra. O tempo e o trabalho intensivos que envolvem a criação de têxteis e arte em fibras são evidentes em exemplos de Sheila Hicks, Howardena Pindell e Jane Sauer. Através dessas obras e muitas outras, os visitantes podem considerar como diferentes formas de cuidado podem inspirar novos modelos de viver e sentir – agora e no futuro.

"The Banner Project: Sheida Soleimani" no Museum of Fine Arts Boston
2023-08-20 10:00 - 2024-06-23 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Sheida Soleimani, Dissidente (detalhe), 2023. Cortesia da artista e da Denny Gallery, Nova York, Edel Assanti, Londres, e Harlan Levey Projects, Bruxelas. © Sheida Soleimani.

Com base em Providence, Rhode Island, a artista Sheida Soleimani (nascida em 1990) constrói tableaux elaborados e surreais em seu estúdio. Em seguida, fotografa esses cenários meticulosamente preparados, que incorporam cenários de mídia mista, adereços e símbolos. Modelos são centrais para cada cena, mas seus rostos estão sempre escondidos, proporcionando uma sensação de anonimato, se não universalidade, e deslocando o foco para seus gestos.

Para seu “Projeto de Banner”, Soleimani fotografou seus pais de costas para a câmera, cada um levantando um único punho. Essa pose, frequentemente associada à solidariedade e à unidade, é uma de muitas pistas nas imagens que indicam que seus pais são dissidentes políticos: refugiados iranianos que fugiram de sua casa para evitar perseguições. As fotografias de Soleimani protegem seus pais enquanto fornecem sinais sugestivos e camadas que apontam para a paisagem sociopolítica que molda suas vidas. Ao retratar uma variedade de objetos – cada um uma representação material diferente das experiências e histórias dos pais de Soleimani – esses banners convidam os visitantes a seguir rastros, desempacotar alusões e estabelecer conexões com a onda de protestos que ocorrem atualmente no Irã.

Isso faz parte de uma série contínua de comissões que envolvem artistas na criação de banners para exibição no Linde Family Wing for Contemporary Art do Museu.

"Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction" no Museum of Fine Arts Boston
2023-09-30 10:00 - 2024-09-29 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Bobby Jae Kim, Detalhe de Toshiko Takaezu, 1997. Museu de Belas Artes de Montreal, Coleção Liliane e David M. Stewart, presente de Bobby Jae Kim, D97.183.1. Imagem © Bobby J. Kim.

Nascida no Havaí de pais de ascendência okinawana, Toshiko Takaezu (1922-2011) foi uma artista tecnicamente habilidosa e inovadora, mais conhecida por suas esculturas de cerâmica, que tratava como pinturas abstratas em forma de círculo. Seu estilo gestual, paletas distintivas e complexas camadas de vidrados se alinham com as práticas dos Expressionistas Abstratos que foram seus contemporâneos. No entanto, Takaezu adicionou um elemento de acaso, já que suas peças revelavam suas cores finais apenas após a queima. Frequentemente, ela mostrava suas cerâmicas em grupos, às vezes com suas pinturas e tecidos igualmente inovadores, em arranjos cuidadosamente construídos que respondiam aos seus ambientes. Esta exposição se inspira nesses displays, traçando o desenvolvimento de Takaezu de ceramista a artista de instalação multimídia.

O MFA possui uma coleção significativa de cerâmicas de Takaezu – mais de 20 exemplos estão apresentados aqui junto com empréstimos de coleções particulares. Destaques também incluem um tecido em grande escala – uma recente aquisição do museu – e um agrupamento de obras explorando as interações transculturais da artista com ceramistas japoneses contemporâneos durante sua viagem crucial de oito meses ao Japão em 1955-56. Em conjunto com a exposição, exibições adicionais no terceiro andar da Ala de Arte das Américas do MFA e na Ala Linde para Arte Contemporânea, comparam Takaezu com dois de seus amigos: a ceramista Leza McVey e o escultor Isamu Noguchi.

Desafiando as apresentações tradicionais da abstração americana, Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction celebra a extraordinária variedade do trabalho de Takaezu – visando tornar suas contribuições mais amplamente conhecidas. É organizado em parceria com o Museu Noguchi e a Fundação Toshiko Takaezu.

"Digital Iridescence: Jell-O in New Media" no Museum of Fine Arts Boston
2023-10-28 10:00 - 2024-03-24 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Katherine Mitchell DiRico, hylomorphism (detalhe), 2023. Cortesia da artista. © Katherine Mitchell DiRico.

A presença do Jell-O na arte contemporânea é uma extensão de sua história visual e cultural. Desde sua invenção em 1897, o barato porém luxuoso item de despensa atraiu clientes com seu sabor, bem como suas delícias sensoriais visíveis e táteis. Folhetos de receitas do início e meados do século XX, repletos de impressões coloridas, apelavam aos desejos dos consumidores por uma sobremesa “brilhante”, “suculenta”, “desejada”, “decorativa” e “trêmula-tender”. Essas invocações à aparência cintilante do Jell-O acompanhavam garantias dos benefícios para a saúde do alimento, sua acessibilidade e preparação fácil, tudo como uma forma de agradar seu mercado-alvo, de gênero e idealizado: donas de casa, noivas e mães.

Em Digital Iridescence: Jell-O in New Media, cinco artistas contemporâneos usam gelatina em obras de vídeo para explorar temas como encarnação e percepção – ideias adequadas para investigar por meio do Jell-O, que é corporal e semelhante à carne, feito de matéria animal, e distorce e brinca com observação e visão. Sharona Franklin chama as esculturas de gelatina em seu vídeo de “bioshrines”, destacando seus papéis duplos como organismos vivos e objetos sagrados em seu tratamento de doenças crônicas e deficiências. O vídeo de Alison Kuo aborda sacrifício, sensualidade e aspiração contidos nas histórias materiais e sociais da gelatina. Além de Franklin e Kuo, a exposição apresenta artistas locais Katherine Mitchell DiRico e Kelly Chen, e estreia uma nova obra de Maisie Cousins. Cada artista mobiliza o potencial emocional e sensorial do Jell-O para considerar os construtos sociais santificados de saúde, beleza, consumo, metamorfose, performance e ritual.

"Marking Resilience: Indigenous North American Prints" no Museum of Fine Arts Boston
2023-11-04 10:00 - 2024-03-24 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Julie Buffalohead, Tone Deaf (detalhe), 2021. Lee M. Friedman Fund. © Julie Buffalohead.

A resiliência frequentemente se manifesta no trabalho de artistas indígenas da América do Norte, seja em seu conteúdo ou simplesmente aumentando a visibilidade para combater a eliminação na representação. Alguns artistas nativos têm usado a mídia colaborativa da gravura como uma maneira de reivindicar suas histórias e enfrentar os desafios que suas comunidades enfrentam hoje.

Celebrando uma área em crescimento da coleção do MFA, “Marcando Resiliência: Gravuras Indígenas da América do Norte” apresenta 30 obras recém-adquiridas – todas compartilhando a resiliência como tema – de artistas indígenas dos Estados Unidos e Canadá. Principalmente criadas por meio de residências em estúdios de gravura como o Instituto de Artes Crow’s Shadow, Instituto Tamarind e High Point, essas gravuras representam incursões artísticas em um meio fora das práticas típicas de seus criadores como uma oportunidade para experimentar e reconceituar temas significativos.

Tanto artistas emergentes quanto estabelecidos estão em destaque, incluindo Dyani White Hawk, James Luna, Jaune Quick-to-See Smith, Marie Watt e Jeffrey Gibson. Além de fazer arte, alguns, como Smith, também são ativistas, impulsionados pelo desejo de melhorar a representação cultural e política dos nativos americanos e as condições de suas terras natais. Enraizadas em suas comunidades específicas, essas gravuras demonstram a criatividade e experimentação de diversos artistas contemporâneos.

Esta exposição é organizada em colaboração com o artista e professor Duane Slick (Meskwaki/Ho-Chunk). Será seguida por uma segunda exposição de gravuras indígenas da América do Norte, explorando ancestralidade e lugar, em maio de 2024.

"Mondrian: Foundations" no Museum of Fine Arts Boston
2023-11-11 10:00 - 2024-04-28 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Piet Mondrian, Beach with Five Piers at Domburg (detalhe), 1909. Presente de Maria e Conrad Janis através do Janis Living Trust.

Nos anos ao redor de 1900, antes que Piet Mondrian (1872-1944) criasse algumas das telas abstratas mais reconhecíveis do último século, ele voltou seu olhar para as características paisagens holandesas: canais, moinhos de vento, campos, flores e árvores. As obras mais antigas e menos conhecidas de Mondrian revelam um artista inquieto e experimental que constantemente se reinventava, absorvendo novas influências e afastando-se das convenções da representação.

Mondrian: Foundations [Mondrian: Fundações] apresenta 28 pinturas e trabalhos em papel, principalmente do início da carreira de Mondrian, que traçam as explorações do artista à medida que progredia das tradições realistas para as abstrações experimentais. A exposição mostra a evolução de Mondrian desde sua pintura mais antiga conhecida, The Large Ponds in the Hague Forest [Os Grandes Lagos na Floresta de Haia] (1887) – feita quando ele tinha apenas 15 anos – até sua clássica Composition with Blue, Yellow, and Red [Composição com Azul, Amarelo e Vermelho] (1927). Aquela obra, com seu fundo branco, linhas pretas esparas e blocos de cor, parece bastante diferente das primeiras obras de Mondrian. Mas as obras iniciais mostram muitas afinidades com suas abstrações posteriores: uma força de intuição e precisão, uma ênfase na estrutura das formas naturais e um sentimento inato de ritmo e dinamismo. Os visitantes podem acompanhar a jornada de Mondrian em direção à abstração e considerar esse ícone do modernismo do século XX por uma nova perspectiva.

Muitas obras na exposição fazem parte de um presente de Maria e Conrad Janis por meio do Janis Living Trust. Este presente transformador faz do MFA uma das principais instituições fora dos Países Baixos para o estudo e exposição do trabalho inicial de Mondrian.

"Creative Spaces: The Photographer’s Studio as Inspiration" no Museum of Fine Arts Boston
2023-11-11 10:00 - 2024-04-28 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Sugimoto Hiroshi, Self-Portrait (detalhe), 1990. Presente de Sylvan Barnet e William Burto. © Hiroshi Sugimoto, cortesia Fraenkel Gallery, São Francisco.

O estúdio de um fotógrafo é um laboratório de criatividade – um espaço físico e psicológico para meditação, colaboração e experimentação. Creative Spaces: The Photographer’s Studio as Inspiration convida os visitantes a entrar nestes ambientes através de aproximadamente 30 fotografias dos séculos XX e XXI que documentam os estúdios raramente vistos dos fotógrafos.

A exposição explora o estúdio como um local de invenção solitária para alguns fotógrafos e, para outros, uma área ativada pela presença de seus sujeitos – sejam crianças, cenários, adereços, animais ou simplesmente luz. Florence Henri, Roger Ballen e Robert Cumming misturam elementos naturais e artificiais em seus trabalhos para produzir arranjos simples de mesa, enquanto Rachel Perry e William Wegman utilizam materiais e métodos não convencionais. A amplitude de fotógrafos incluídos na exposição representa os diversos processos e abordagens ao meio, incluindo múltiplas exposições, colagens fotográficas, cianotipias, polaroides e impressões digitais.

Em Creative Spaces, os espectadores podem considerar o que desperta a imaginação de um artista e as muitas maneiras diferentes de definir um estúdio.

"Thinking Small: Dutch Art to Scale" no Museum of Fine Arts Boston
2023-11-18 10:00 - 2024-11-03 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Hans Bol, Vista de Amsterdã do Sul (detalhe), 1589. Doação de Rose-Marie e Eijk van Otterloo em apoio ao Centro de Arte Neerlandesa.

A frase “pensar pequeno” descreve um ato de engajamento profundo com a arte – um tipo específico de encontro no qual um espectador considera, percebe e age de maneira diferente em resposta ao que vê. Com algumas formas de arte holandesa, o minúsculo se torna abrangente: elementos pequenos atraem o olhar e inspiram os espectadores a se engajarem em um nível íntimo, examinando cada centímetro e maravilhando-se com a habilidade e dedicação do criador do objeto. No século XVII, representações em miniatura da distância eram um meio para homens e mulheres holandeses compreenderem a imensidão de seu mundo. Embora muitas obras que convidam à ação de pensar pequeno sejam pequenas em si mesmas, obras maiores também podem convidar os espectadores a se concentrarem nos detalhes encontrados nelas. Os pintores de paisagens holandeses frequentemente preenchiam suas composições com detalhes – reais e imaginados – que atraem os espectadores para o mundo da imagem.

Uma colaboração entre o Centro de Arte Neerlandesa do MFA, a Galeria de Arte da Universidade de Yale e professores e alunos de Yale, esta exposição explora uma seleção intrigante de objetos dos Países Baixos do século XVII que foram projetados para elicitar um olhar lento e contemplação por parte de seus públicos originais. Com 15 pinturas, gravuras, medalhas de prata, livros e até mesmo uma xícara feita de uma concha de nautilus esculpida, “Pensando Pequeno: Arte Holandesa em Escala” obriga os espectadores a reconsiderarem sua relação com o mundo ao seu redor.

Esta é a terceira de uma série de colaborações entre o CNA e seus parceiros acadêmicos que se baseia na profunda coleção de arte holandesa e flamenga do Museu de maneiras novas e inesperadas, trazendo perspectivas frescas e vozes diversas para o primeiro plano, enquanto mostra bolsas de estudo interdisciplinares. Exposições anteriores incluíram A Modern Art Market, em exibição de novembro de 2021 a outubro de 2022, e Michaelina Wautier and The Five Senses: Innovation in 17th-Century Flemish Painting”, em exibição de 12 de novembro de 2022 a 5 de novembro de 2023.

Os Fundadores do Centro de Arte Neerlandesa são Rose-Marie e Eijk van Otterloo e Susan e Matthew Weatherbie.

"Dinorá Justice: The Lay of the Land" no Museum of Fine Arts Boston
2023-11-18 10:00 - 2024-04-14 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Dinorá Justice, Portrait 51, after Delacroix’s “Women of Algiers” (detalhe), 2021. © Dinorá Justice. Ian Justice Photography.

A artista brasileiro-americana Dinorá Justice (nascida em 1969) utiliza um vocabulário visual distinto para examinar histórias entrelaçadas de gênero, paisagem e cultura visual. Em suas pinturas, figuras femininas, ambientes naturais exuberantes e ricos padrões marmorizados reconstroem sutilmente “obras-primas” da história da arte com cuidado e atenção, reconhecendo seus méritos e, ao mesmo tempo, rejeitando sua tendência de retratar figuras femininas como símbolos de território colonizado para o olhar masculino. Suas esculturas fazem variações sobre antigas figurinhas que uma vez celebraram ciclos de vida.

Em sua pintura Portrait 51, after Delacroix’s “Women of Algiers” (2021), a artista unifica sujeitos femininos anônimos colocando-os em diálogo interdependente com seu ambiente externo. A ligação direta de figuras femininas com o mundo natural é um tema comum ao longo do trabalho de Justice. Embora essa conexão seja frequentemente idealizada e romantizada em contextos históricos da arte, a realidade é mais sombria – a violência contra mulheres e o meio ambiente é generalizada. Atraindo os espectadores com vivacidade, as obras de Justice despertam atenção e mudam perspectivas não apenas sobre a história da arte, mas sobre como cuidamos uns dos outros e do mundo ao nosso redor.

Esta exposição é generosamente apoiada pelas Galerias de Arte da Universidade Tufts na Escola de Belas Artes da Universidade Tufts (SMFA) e faz parte do programa de exposições de Bolsistas Viajantes de 2023 da SMFA, apresentado em colaboração com o Museu de Belas Artes, Boston.

"Comrade Sisters: Women of the Black Panther Party" no Museum of Fine Arts Boston
2023-12-20 10:00 - 2024-06-24 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Stephen Shames, Oakland, Califórnia: Kathleen Cleaver, Secretária de Comunicações e primeira membro feminina do Comitê Central de Decisões do Partido, conversa com Panteras Negras de Los Angeles que vieram ao comício “Free Huey” no Parque DeFremery (nomeado pelos Panteras como Parque Bobby Hutton) em West Oakland (detalhe), 1968. Presente de Lizbeth e George Krupp. © 2023, Stephen Shames.

Por mais de cinco décadas, o fotojornalista Stephen Shames (nascido em 1947) usou seu trabalho para chamar a atenção para uma ampla gama de questões sociais – desde os direitos das crianças até a pobreza, raça e mudança climática. Em 1965, enquanto ainda era estudante na Universidade da Califórnia, Berkeley, Shames tornou-se o fotógrafo oficial do Partido Pantera Negra, a convite do cofundador do partido, Bobby Seale. De então até 1973, ele fez centenas de imagens poderosas capturando as atividades dos Panteras. Muitas registram as vidas cotidianas e o trabalho crucial das mulheres que compunham mais de 65 por cento do quadro de membros do partido.

Esta exposição reúne 27 fotografias de Shames que apresentam as mulheres, ou “irmãs camaradas”, como eram conhecidas, do Partido Pantera Negra. Elas documentam os esforços dessas mulheres em escolas comunitárias, clínicas médicas gratuitas, locais de registro de eleitores, programas de nutrição comunitária e centros de cuidados para idosos em todo os Estados Unidos, e algumas apresentam líderes do partido como Ericka Huggins e Kathleen Cleaver. As fotos de Shames reformulam a reputação dominada por homens dos Panteras Negras, deixando claro que as mulheres não reconhecidas do partido estavam no cerne do movimento coletivo – e garantindo o legado duradouro das irmãs camaradas no processo.
