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SUMMARY:Bosco Sodi nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Uma nova instalação de esculturas do artista mexicano Bosco Sodi (nascido em 1970) conta com 14 esferas de argila feitas à mão pelo artista nos Museus de Arte de Harvard\, marcando a primeira apresentação de arte no terraço ao ar livre da Broadway do museu. A prática de Sodi explora os elementos da terra\, combinando tradições antigas de esculpir argila com uma visão contemporânea de criar formas universais simples que promovam a reflexão. Recorrendo a técnicas centenárias transmitidas pela cultura Zapoteca\, Sodi trabalha com artesãos de Oaxaca\, usando argila local para esculpir cada esfera\, secando-a ao ar livre por até oito meses e depois cozinhando-a em um forno construído na praia. As formas de terracota resultantes revelam os efeitos das forças da natureza – sol\, ar\, mar e fogo – como demonstrado pelas rachaduras\, lascas e manchas escurecidas e ríspidas que distinguem cada esfera. Pela primeira vez em uma instalação do trabalho do artista nos Estados Unidos\, Sodi também apresentará três esferas esmaltadas em ouro como parte de sua disposição site-specific. Passando de fora para dentro dos museus\, essas esferas douradas se conectam e dialogam com a atmosfera meditativa evocada pela instalação de figuras budistas na Galeria 1610.
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SUMMARY:"Tender Loving Care" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Gisela Charfauros McDaniel\, Tiningo’ si Sirena (detalhe)\, 2021. Fundo de Aquisição Irving W. e Charlotte F. Rabb para o Departamento de Arte Contemporânea. © Gisela McDaniel; Cortesia do artista e Pilar Corrias\, Londres.\n\n\n\nEm sua essência\, criar e apreciar obras de arte são atos de cuidado\, desde o trabalho do artista até a contemplação e apreciação do espectador. Armazenamento\, conservação e exposição também são formas de cuidar da arte. Esta exposição convida os visitantes a explorar como artistas contemporâneos rastreiam e abordam conceitos de cuidado por meio de seus materiais\, temas\, ideias e processos. \n\n\n\nMais de 100 obras da coleção do MFA – incluindo aquisições recentes e objetos que nunca foram exibidos antes – definem\, retratam e demonstram muitas formas de cuidado por meio de cinco agrupamentos temáticos: fios\, limiares\, descanso\, matéria vibrante e adoração. O retrato de Gisela Charfauros McDaniel de sua mãe\, Tiningo’ si Sirena (2021)\, oscila entre intimidade e uma atenção a conceitos maiores que são significativos para a artista\, como heranças culturais e interconectividade ecológica. Para seu Sound Suit (2008)\, Nick Cave estendeu a vida útil de objetos descartados ao transformá-los em um traje surreal e sobrenatural que afirma o valor da vida negra. O tempo e o trabalho intensivos que envolvem a criação de têxteis e arte em fibras são evidentes em exemplos de Sheila Hicks\, Howardena Pindell e Jane Sauer. Através dessas obras e muitas outras\, os visitantes podem considerar como diferentes formas de cuidado podem inspirar novos modelos de viver e sentir – agora e no futuro.
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SUMMARY:"The Banner Project: Sheida Soleimani" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Sheida Soleimani\, Dissidente (detalhe)\, 2023. Cortesia da artista e da Denny Gallery\, Nova York\, Edel Assanti\, Londres\, e Harlan Levey Projects\, Bruxelas. © Sheida Soleimani.\n\n\n\nCom base em Providence\, Rhode Island\, a artista Sheida Soleimani (nascida em 1990) constrói tableaux elaborados e surreais em seu estúdio. Em seguida\, fotografa esses cenários meticulosamente preparados\, que incorporam cenários de mídia mista\, adereços e símbolos. Modelos são centrais para cada cena\, mas seus rostos estão sempre escondidos\, proporcionando uma sensação de anonimato\, se não universalidade\, e deslocando o foco para seus gestos. \n\n\n\nPara seu “Projeto de Banner”\, Soleimani fotografou seus pais de costas para a câmera\, cada um levantando um único punho. Essa pose\, frequentemente associada à solidariedade e à unidade\, é uma de muitas pistas nas imagens que indicam que seus pais são dissidentes políticos: refugiados iranianos que fugiram de sua casa para evitar perseguições. As fotografias de Soleimani protegem seus pais enquanto fornecem sinais sugestivos e camadas que apontam para a paisagem sociopolítica que molda suas vidas. Ao retratar uma variedade de objetos – cada um uma representação material diferente das experiências e histórias dos pais de Soleimani – esses banners convidam os visitantes a seguir rastros\, desempacotar alusões e estabelecer conexões com a onda de protestos que ocorrem atualmente no Irã. \n\n\n\nIsso faz parte de uma série contínua de comissões que envolvem artistas na criação de banners para exibição no Linde Family Wing for Contemporary Art do Museu.
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SUMMARY:"Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Bobby Jae Kim\, Detalhe de Toshiko Takaezu\, 1997. Museu de Belas Artes de Montreal\, Coleção Liliane e David M. Stewart\, presente de Bobby Jae Kim\, D97.183.1. Imagem © Bobby J. Kim.\n\n\n\nNascida no Havaí de pais de ascendência okinawana\, Toshiko Takaezu (1922-2011) foi uma artista tecnicamente habilidosa e inovadora\, mais conhecida por suas esculturas de cerâmica\, que tratava como pinturas abstratas em forma de círculo. Seu estilo gestual\, paletas distintivas e complexas camadas de vidrados se alinham com as práticas dos Expressionistas Abstratos que foram seus contemporâneos. No entanto\, Takaezu adicionou um elemento de acaso\, já que suas peças revelavam suas cores finais apenas após a queima. Frequentemente\, ela mostrava suas cerâmicas em grupos\, às vezes com suas pinturas e tecidos igualmente inovadores\, em arranjos cuidadosamente construídos que respondiam aos seus ambientes. Esta exposição se inspira nesses displays\, traçando o desenvolvimento de Takaezu de ceramista a artista de instalação multimídia. \n\n\n\nO MFA possui uma coleção significativa de cerâmicas de Takaezu – mais de 20 exemplos estão apresentados aqui junto com empréstimos de coleções particulares. Destaques também incluem um tecido em grande escala – uma recente aquisição do museu – e um agrupamento de obras explorando as interações transculturais da artista com ceramistas japoneses contemporâneos durante sua viagem crucial de oito meses ao Japão em 1955-56. Em conjunto com a exposição\, exibições adicionais no terceiro andar da Ala de Arte das Américas do MFA e na Ala Linde para Arte Contemporânea\, comparam Takaezu com dois de seus amigos: a ceramista Leza McVey e o escultor Isamu Noguchi. \n\n\n\nDesafiando as apresentações tradicionais da abstração americana\, Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction celebra a extraordinária variedade do trabalho de Takaezu – visando tornar suas contribuições mais amplamente conhecidas. É organizado em parceria com o Museu Noguchi e a Fundação Toshiko Takaezu.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/toshiko-takaezu-shaping-abstraction-no-museum-of-fine-arts-boston/
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SUMMARY:"Mondrian: Foundations" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Piet Mondrian\, Beach with Five Piers at Domburg (detalhe)\, 1909. Presente de Maria e Conrad Janis através do Janis Living Trust.\n\n\n\nNos anos ao redor de 1900\, antes que Piet Mondrian (1872-1944) criasse algumas das telas abstratas mais reconhecíveis do último século\, ele voltou seu olhar para as características paisagens holandesas: canais\, moinhos de vento\, campos\, flores e árvores. As obras mais antigas e menos conhecidas de Mondrian revelam um artista inquieto e experimental que constantemente se reinventava\, absorvendo novas influências e afastando-se das convenções da representação. \n\n\n\nMondrian: Foundations [Mondrian: Fundações] apresenta 28 pinturas e trabalhos em papel\, principalmente do início da carreira de Mondrian\, que traçam as explorações do artista à medida que progredia das tradições realistas para as abstrações experimentais. A exposição mostra a evolução de Mondrian desde sua pintura mais antiga conhecida\, The Large Ponds in the Hague Forest [Os Grandes Lagos na Floresta de Haia] (1887) – feita quando ele tinha apenas 15 anos – até sua clássica Composition with Blue\, Yellow\, and Red  [Composição com Azul\, Amarelo e Vermelho] (1927). Aquela obra\, com seu fundo branco\, linhas pretas esparas e blocos de cor\, parece bastante diferente das primeiras obras de Mondrian. Mas as obras iniciais mostram muitas afinidades com suas abstrações posteriores: uma força de intuição e precisão\, uma ênfase na estrutura das formas naturais e um sentimento inato de ritmo e dinamismo. Os visitantes podem acompanhar a jornada de Mondrian em direção à abstração e considerar esse ícone do modernismo do século XX por uma nova perspectiva. \n\n\n\nMuitas obras na exposição fazem parte de um presente de Maria e Conrad Janis por meio do Janis Living Trust. Este presente transformador faz do MFA uma das principais instituições fora dos Países Baixos para o estudo e exposição do trabalho inicial de Mondrian.
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SUMMARY:"Creative Spaces: The Photographer’s Studio as Inspiration" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Sugimoto Hiroshi\, Self-Portrait (detalhe)\, 1990. Presente de Sylvan Barnet e William Burto. © Hiroshi Sugimoto\, cortesia Fraenkel Gallery\, São Francisco.\n\n\n\nO estúdio de um fotógrafo é um laboratório de criatividade – um espaço físico e psicológico para meditação\, colaboração e experimentação. Creative Spaces: The Photographer’s Studio as Inspiration convida os visitantes a entrar nestes ambientes através de aproximadamente 30 fotografias dos séculos XX e XXI que documentam os estúdios raramente vistos dos fotógrafos. \n\n\n\nA exposição explora o estúdio como um local de invenção solitária para alguns fotógrafos e\, para outros\, uma área ativada pela presença de seus sujeitos – sejam crianças\, cenários\, adereços\, animais ou simplesmente luz. Florence Henri\, Roger Ballen e Robert Cumming misturam elementos naturais e artificiais em seus trabalhos para produzir arranjos simples de mesa\, enquanto Rachel Perry e William Wegman utilizam materiais e métodos não convencionais. A amplitude de fotógrafos incluídos na exposição representa os diversos processos e abordagens ao meio\, incluindo múltiplas exposições\, colagens fotográficas\, cianotipias\, polaroides e impressões digitais. \n\n\n\nEm Creative Spaces\, os espectadores podem considerar o que desperta a imaginação de um artista e as muitas maneiras diferentes de definir um estúdio.
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SUMMARY:"Thinking Small: Dutch Art to Scale" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Hans Bol\, Vista de Amsterdã do Sul (detalhe)\, 1589. Doação de Rose-Marie e Eijk van Otterloo em apoio ao Centro de Arte Neerlandesa.\n\n\n\nA frase “pensar pequeno” descreve um ato de engajamento profundo com a arte – um tipo específico de encontro no qual um espectador considera\, percebe e age de maneira diferente em resposta ao que vê. Com algumas formas de arte holandesa\, o minúsculo se torna abrangente: elementos pequenos atraem o olhar e inspiram os espectadores a se engajarem em um nível íntimo\, examinando cada centímetro e maravilhando-se com a habilidade e dedicação do criador do objeto. No século XVII\, representações em miniatura da distância eram um meio para homens e mulheres holandeses compreenderem a imensidão de seu mundo. Embora muitas obras que convidam à ação de pensar pequeno sejam pequenas em si mesmas\, obras maiores também podem convidar os espectadores a se concentrarem nos detalhes encontrados nelas. Os pintores de paisagens holandeses frequentemente preenchiam suas composições com detalhes – reais e imaginados – que atraem os espectadores para o mundo da imagem. \n\n\n\nUma colaboração entre o Centro de Arte Neerlandesa do MFA\, a Galeria de Arte da Universidade de Yale e professores e alunos de Yale\, esta exposição explora uma seleção intrigante de objetos dos Países Baixos do século XVII que foram projetados para elicitar um olhar lento e contemplação por parte de seus públicos originais. Com 15 pinturas\, gravuras\, medalhas de prata\, livros e até mesmo uma xícara feita de uma concha de nautilus esculpida\, “Pensando Pequeno: Arte Holandesa em Escala” obriga os espectadores a reconsiderarem sua relação com o mundo ao seu redor. \n\n\n\nEsta é a terceira de uma série de colaborações entre o CNA e seus parceiros acadêmicos que se baseia na profunda coleção de arte holandesa e flamenga do Museu de maneiras novas e inesperadas\, trazendo perspectivas frescas e vozes diversas para o primeiro plano\, enquanto mostra bolsas de estudo interdisciplinares. Exposições anteriores incluíram A Modern Art Market\, em exibição de novembro de 2021 a outubro de 2022\, e Michaelina Wautier and The Five Senses: Innovation in 17th-Century Flemish Painting”\, em exibição de 12 de novembro de 2022 a 5 de novembro de 2023. \n\n\n\nOs Fundadores do Centro de Arte Neerlandesa são Rose-Marie e Eijk van Otterloo e Susan e Matthew Weatherbie.
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SUMMARY:"Dinorá Justice: The Lay of the Land" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Dinorá Justice\, Portrait 51\, after Delacroix’s “Women of Algiers” (detalhe)\, 2021. © Dinorá Justice. Ian Justice Photography.\n\n\n\nA artista brasileiro-americana Dinorá Justice (nascida em 1969) utiliza um vocabulário visual distinto para examinar histórias entrelaçadas de gênero\, paisagem e cultura visual. Em suas pinturas\, figuras femininas\, ambientes naturais exuberantes e ricos padrões marmorizados reconstroem sutilmente “obras-primas” da história da arte com cuidado e atenção\, reconhecendo seus méritos e\, ao mesmo tempo\, rejeitando sua tendência de retratar figuras femininas como símbolos de território colonizado para o olhar masculino. Suas esculturas fazem variações sobre antigas figurinhas que uma vez celebraram ciclos de vida. \n\n\n\nEm sua pintura Portrait 51\, after Delacroix’s “Women of Algiers” (2021)\, a artista unifica sujeitos femininos anônimos colocando-os em diálogo interdependente com seu ambiente externo. A ligação direta de figuras femininas com o mundo natural é um tema comum ao longo do trabalho de Justice. Embora essa conexão seja frequentemente idealizada e romantizada em contextos históricos da arte\, a realidade é mais sombria – a violência contra mulheres e o meio ambiente é generalizada. Atraindo os espectadores com vivacidade\, as obras de Justice despertam atenção e mudam perspectivas não apenas sobre a história da arte\, mas sobre como cuidamos uns dos outros e do mundo ao nosso redor. \n\n\n\nEsta exposição é generosamente apoiada pelas Galerias de Arte da Universidade Tufts na Escola de Belas Artes da Universidade Tufts (SMFA) e faz parte do programa de exposições de Bolsistas Viajantes de 2023 da SMFA\, apresentado em colaboração com o Museu de Belas Artes\, Boston.
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SUMMARY:"Comrade Sisters: Women of the Black Panther Party" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Stephen Shames\, Oakland\, Califórnia: Kathleen Cleaver\, Secretária de Comunicações e primeira membro feminina do Comitê Central de Decisões do Partido\, conversa com Panteras Negras de Los Angeles que vieram ao comício “Free Huey” no Parque DeFremery (nomeado pelos Panteras como Parque Bobby Hutton) em West Oakland (detalhe)\, 1968. Presente de Lizbeth e George Krupp. © 2023\, Stephen Shames.\n\n\n\nPor mais de cinco décadas\, o fotojornalista Stephen Shames (nascido em 1947) usou seu trabalho para chamar a atenção para uma ampla gama de questões sociais – desde os direitos das crianças até a pobreza\, raça e mudança climática. Em 1965\, enquanto ainda era estudante na Universidade da Califórnia\, Berkeley\, Shames tornou-se o fotógrafo oficial do Partido Pantera Negra\, a convite do cofundador do partido\, Bobby Seale. De então até 1973\, ele fez centenas de imagens poderosas capturando as atividades dos Panteras. Muitas registram as vidas cotidianas e o trabalho crucial das mulheres que compunham mais de 65 por cento do quadro de membros do partido. \n\n\n\nEsta exposição reúne 27 fotografias de Shames que apresentam as mulheres\, ou “irmãs camaradas”\, como eram conhecidas\, do Partido Pantera Negra. Elas documentam os esforços dessas mulheres em escolas comunitárias\, clínicas médicas gratuitas\, locais de registro de eleitores\, programas de nutrição comunitária e centros de cuidados para idosos em todo os Estados Unidos\, e algumas apresentam líderes do partido como Ericka Huggins e Kathleen Cleaver. As fotos de Shames reformulam a reputação dominada por homens dos Panteras Negras\, deixando claro que as mulheres não reconhecidas do partido estavam no cerne do movimento coletivo – e garantindo o legado duradouro das irmãs camaradas no processo.
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LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wordplay" no ICA Boston
DESCRIPTION:Renée Green\, Space Poem #1\, 2007. Vista da instalação\, Renée Green\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2021–22. Foto por Liza Voll.\n\n\n\nDestacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler\, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos\, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas\, expressar e subverter mensagens políticas\, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências\, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas\, de artistas como Kenturah Davis\, Taylor Davis\, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander\, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey\, Jenny Holzer\, Glenn Ligon\, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:Igshaan Adams no ICA Boston
DESCRIPTION:Igshaan Adams\, Lynloop\, 2024. Vista da instalação\, Igshaan Adams\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024-25. Foto por Mel Taing.\n\n\n\nO artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo\, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado\, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista\, histórias familiares e narrativas da comunidade local\, enraizadas em sua herança sul-africana\, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul\, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais. \n\n\n\nLynloop\, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston\, é uma tecelagem experimental composta por várias partes\, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra\, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos\, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas\, cordas\, correntes e mohair\, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço\, interação humana e memória.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
CATEGORIES:Boston
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SUMMARY:"Wu Tsang: Of Whales" no ICA Boston
DESCRIPTION:Wu Tsang\, Of Whales\, 2022. Vista da instalação “Wu Tsang: Of Whales” no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024. Foto por Mel Taing\n\n\n\nWu Tsang (nascida em 1982 em Worcester\, Massachusetts) é uma artista multidisciplinar que produz filmes narrativos e documentários\, performances ao vivo e instalações de vídeo. A instalação imersiva “Of Whales” faz parte de sua trilogia cinematográfica inspirada no clássico romance americano de 1851\, “Moby Dick”\, de Herman Melville. “Of Whales” oferece uma meditação poética sobre a perspectiva de uma baleia cachalote\, que mergulha nas profundezas do oceano por uma hora de cada vez\, emergindo ocasionalmente para respirar. Criada na plataforma de jogos Unity com tecnologias de realidade estendida (XR)\, a instalação de vídeo e som gerada dinamicamente em tempo real imerge os espectadores em uma paisagem oceânica exuberante e onírica para imaginação\, contemplação e provocação. Apresentada pela primeira vez na 59ª Bienal de Veneza em 2022\, a obra conta com uma trilha sonora composta por Asma Maroof e Daniel Pineda\, com Tapiwa Svosve\, Jalalu-Kalvert Nelson\, Miao Zhao e Ahya Simone. A trilha sonora mescla trompas\, saxofone\, clarinete e contrabaixo\, em uma paisagem sonora multicamadas que preenche todo o espaço da galeria. No ICA\, “Of Whales” é apresentada em uma galeria adjacente ao Porto de Boston\, conectando o público à localização à beira-mar do ICA e fazendo referência à história da caça às baleias na Nova Inglaterra.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"LaToya M. Hobbs: It’s Time" nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:LaToya M. Hobbs\, Scene 5: The Studio\, de Carving Out Time\, 2020–21. Harvard Art Museums/Fogg Museum\, Margaret Fisher Fund\, 2022.224.5. © LaToya M. Hobbs. Foto: Ariston Jacks; cortesia da artista.\n\n\n\nLaToya M. Hobbs: It’s Time apresenta a série Carving Out Time\, uma suíte de gravuras em tamanho real pela artista nascida no Arkansas e baseada em Baltimore\, LaToya M. Hobbs. Desdobrando-se ao longo de cinco cenas\, o trabalho retrata um dia na vida de Hobbs com seu marido\, o artista visual Ariston Jacks\, e seus dois filhos. Hobbs compartilha o trabalho e a intimidade de sua vida privada nessas impressões\, centrando-se nas negociações que ela faz diariamente para equilibrar suas múltiplas responsabilidades – como esposa\, mãe\, educadora e artista. A série também é uma declaração poderosa sobre suas influências e autoformação como artista: referências a pinturas\, esculturas e gravuras de artistas proeminentes como Elizabeth Catlett\, Alma Thomas\, Valerie Maynard e Kerry James Marshall aparecem ao longo do trabalho. Carving Out Time (2020–21) é a maior expressão dentro do projeto Salt of the Earth em curso de Hobbs\, que ela caracteriza como “a personificação das mulheres negras como sal em relação ao seu papel como preservadoras da família\, cultura e comunidade.” Uma contemplação de conceitos nuances de tempo e trabalho\, o trabalho oferece uma declaração visual comovente que é ao mesmo tempo profundamente pessoal e universal. \n\n\n\nLaToya M. Hobbs: It’s Time é a apresentação inaugural da série completa de gravuras e oferece uma oportunidade única de visualizar os desenhos que a artista fez em preparação para o projeto\, os quais ela generosamente emprestou para a exposição para sua primeira exibição pública.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/latoya-m-hobbs-its-time-nos-harvard-art-museums/
LOCATION:Harvard Art Museums\, 32 Quincy St Mid-Cambridge\, Cambridge\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Future Minded: New Works in the Collection" nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Future Minded destaca uma seleção de obras adquiridas nos últimos anos que exemplificam a visão e as estratégias de aquisição dos Museus de Arte de Harvard. Quase todas estão em exibição pela primeira vez. \n\n\n\nOs museus estão comprometidos em adquirir arte que amplie a variedade de artistas e culturas representadas nas coleções; que leve a prática museológica a uma compreensão mais nuance tanto das histórias quanto das questões contemporâneas; e que ultrapasse limites e abrace a experimentação. Muitas das obras em exibição são de artistas vivos\, uma área de crescimento focado para os museus. \n\n\n\nMontada em duas galerias adjacentes\, a exposição apresenta uma variedade de desenhos\, fotografias\, gravuras\, pinturas e esculturas que abrangem séculos e continentes. As obras são de aproximadamente 30 artistas\, incluindo Jean (Hans) Arp\, Edward Mitchell Bannister\, Willie Cole\, Pietro Damini\, Svenja Deininger\, Jeffrey Gibson\, Baldwin Lee\, Ana Mendieta\, Lucia Moholy\, Toyin Ojih Odutola\, Noriko Saitō\, Melissa Shook\, Jane Yang-D’Haene\, e muitos outros. \n\n\n\nOrganizada por Soyoung Lee\, Curadora-Chefe Landon e Lavinia Clay; com Jackson Davidow\, Bolsista Curatorial de Fotografia da Família John R. e Barbara Robinson\, e através de consultas próximas e contribuições de curadores e bolsistas em várias divisões e conservadores no Centro Straus de Conservação e Estudos Técnicos.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/future-minded-new-works-in-the-collection-nos-harvard-art-museums/
LOCATION:Harvard Art Museums\, 32 Quincy St Mid-Cambridge\, Cambridge\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Hallyu! The Korean Wave" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Vista da instalação de “Hallyu! The Korean Wave”. Cortesia do Museum of Fine Arts\, Boston\n\n\n\nHoje\, a Coreia do Sul é uma superpotência cultural — uma formadora de tendências globais que produz filmes premiados como “Parasita”\, dramas emocionantes como “Round 6” e música de sucesso de grupos de K-pop como BTS e BLACKPINK. Mas\, por trás da ascensão meteórica do país ao palco mundial — um fenômeno conhecido como a Onda Coreana\, ou hallyu — está a história de notável resiliência e inovação. \n\n\n\nHá apenas um século\, a Coreia estava em busca de uma nova identidade nacional\, após sua ocupação pelo Japão e a Guerra da Coreia. Aproveitando a tecnologia de ponta\, o país transformou rapidamente sua economia e reputação internacional. Ao mesmo tempo\, suas produções criativas estão profundamente enraizadas em seu passado\, com muitos artistas contemporâneos\, cineastas\, músicos e estilistas prestando homenagem aos valores tradicionais e formas de arte que remontam aos dias dos reinos dinásticos da Coreia. \n\n\n\n“Hallyu! The Korean Wave” apresenta aproximadamente 250 objetos — trajes\, adereços\, fotografias\, vídeos\, efemeridades da cultura pop e obras contemporâneas. Entre os destaques estão roupas usadas por diferentes gerações de ídolos do K-pop\, vestidos da designer de alta costura Park Sohee e da vencedora do Next in Fashion Minju Kim\, um trabalho de agulha em grande escala projetado pela artista sul-coreana Kyungah Ham e feito por bordadeiras anônimas da Coreia do Norte\, e peças explorando a experiência coreano-americana por Timothy Hyunsoo Lee e Julia Kwon. Além disso\, a exposição apresenta objetos da renomada coleção de arte coreana do MFA\, incluindo o icônico jarro da lua e hanbok. \n\n\n\nJunte-se a nós em uma jornada imersiva e multissensorial através de uma história fascinante\, e celebre uma força criativa vibrante que conecta divisões culturais\, sociais e linguísticas e continua a alcançar novos patamares hoje.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/hallyu-the-korean-wave-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:Firelei Báez no ICA Boston
DESCRIPTION:Firelei Báez\, Untitled (Temple of Time)\, 2020. Coleção Wilks Family. Cortesia da artista e da Hauser & Wirth\, Nova York. Foto por Phoebe d’Heurle © Firelei Báez\n\n\n\nEsta é a primeira pesquisa na América do Norte dedicada ao trabalho ricamente estratificado de Firelei Báez (n. 1981\, República Dominicana). Uma das pintoras mais empolgantes de sua geração\, Báez mergulha nas narrativas históricas da bacia do Atlântico. Nos últimos quinze anos\, ela produziu obras que exploram o legado multicamadas das histórias coloniais e da diáspora africana no Caribe e além. Ela recorre às disciplinas de antropologia\, geografia\, folclore\, fantasia\, ficção científica e história social para desestabilizar categorias de raça\, gênero e nacionalidade em suas pinturas\, desenhos e instalações. Suas pinturas exuberantes apresentam usos finamente elaborados\, complexos e estratificados de padrão\, decoração e cor saturada\, muitas vezes sobrepostos a mapas feitos durante o domínio colonial nas Américas. O investimento de Báez no meio da pintura e sua capacidade de contar histórias e criar mitos informam todo o seu trabalho\, incluindo suas instalações esculturais\, que trazem essa qualidade para três dimensões. Esta exposição oferecerá ao público uma oportunidade oportuna de obter uma compreensão holística do complexo e profundamente comovente corpo de trabalho de Báez\, consolidando-a como uma das artistas mais importantes do início do século XXI. A exposição é acompanhada por um catálogo ricamente ilustrado.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Dress Up" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Hattie Carnegie\, broche de flor de seda (detalhe)\, 1960–69. Doação de Carole Tanenbaum.\n\n\n\nA moda nos permite assumir diferentes papéis\, escolhendo roupas\, joias\, sapatos\, bolsas e outros acessórios para transformar a maneira como somos vistos e como nos vemos. A escolha de vestuário de uma pessoa pode fazer uma declaração política\, expressar um humor ou comunicar identidades pessoais. Através de mais de 100 obras da coleção do MFA\, “Dress Up” celebra o estilo dos séculos 20 e 21 com modas de Alexander McQueen\, Bob Mackie\, Pauline Trigère\, Patrick Kelly e Oscar de la Renta; joias de designers como Hattie Carnegie\, Lanvin\, Elsa Peretti\, Schreiner e Trifari; acessórios de designers como Thom Solo; ilustrações; e fotografias de Cecil Beaton e Martin Parr. \n\n\n\nObservando joias como moda e moda como joias\, esta exposição remove a delimitação entre os dois para focar em como eles desempenham um papel integral e inseparável na auto-expressão. Objetos com miçangas\, lantejoulas e brilhos desfocam as linhas entre moda e joias\, ao mesmo tempo em que estendem e expandem nossas ideias sobre eles. Desde um broche ou sapato com joias\, até um anel de herança ou um pequeno vestido preto\, cada seleção pode representar uma variedade de histórias e experiências vividas. \n\n\n\nSeções temáticas exploram o brincar infantil\, política de identidade e mais\, e apresentam inúmeras novas aquisições — incluindo sapatos e vestidos da coleção de Donna Summer\, um conjunto da ex-aluna do Project Runway Korina Emmerich e da artista local de joias Tiffany Vanderhoop\, e um anel da Of Rare Origin\, uma versão do qual foi usada pela poeta Amanda Gorman na inauguração presidencial dos EUA em 2020. Empréstimos espetaculares incluem um conjunto de Iris Apfel do Peabody Essex Museum e pulseiras de punho desenhadas por Fulco di Verdura para Gabrielle “Coco” Chanel\, que foi fotografada usando ao longo de sua vida.
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LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Songs for Modern Japan" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Tomita Morizō\, Literary Ditty\, Beautiful Woman (detalhe)\, da série Partituras de Harmônica da Shōchiku\, publicada pela Shōchiku Film Music Score Publishing\, 1930. Doação de Robert e Mary Levenson.\n\n\n\nO Japão experimentou uma onda de mudanças entre 1900 e 1950. No início do século\, a notação musical ocidental havia se tornado um símbolo de modernidade\, ajudando a espalhar o jazz e a Broadway para cafés e boates de Tóquio\, além de promover a música cinematográfica japonesa tanto dentro quanto fora do Japão. O crescente modernismo\, consumismo e influência do Ocidente vieram acompanhados de uma revolução no som e nas imagens produzidas em massa por filmes e rádio. \n\n\n\nSongs for Modern Japan: Popular Music and Graphic Design\, 1900–1950 explora como as capas de partituras fornecem uma janela para a sociedade e cultura japonesas durante este período de imensa transformação. Os visitantes descobrem como os principais designers gráficos japoneses da época interpretaram os movimentos artísticos internacionais modernistas\, como o Art Nouveau e o Art Deco\, e como a demanda por partituras militares com imagens de propaganda cresceu nas décadas de 1920 e 1930\, refletindo as aspirações imperialistas do país. Ao investigar estilos de design gráfico\, tipografia arrojada\, gêneros musicais e o ambiente social no Japão\, os visitantes obtêm uma visão de como o design e a música que celebravam a modernidade e o globalismo deram lugar ao endosso do nacionalismo. \n\n\n\nCerca de 100 capas de partituras da coleção de Mary e Robert Levenson—juntamente com pinturas\, fotografias\, têxteis\, música\, trechos de filmes e instrumentos musicais do período—capturam os efeitos dinâmicos do intercâmbio artístico internacional e as profundas mudanças sociais em um Japão em processo de globalização. A exposição apresenta uma oportunidade de traçar paralelos entre este momento crucial na história do Japão e os dias de hoje.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/songs-for-modern-japan-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Ancestors and Place: Indigenous North American Prints" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Wendy Red Star\, Yakima or Yakama—Not For Me To Say\, publicado pelo Crow’s Shadow Institute of the Arts\, 2015–16. © Wendy Red Star.\n\n\n\nAs palavras ancestrais e lugar têm muitas conotações\, mas para os povos indígenas\, estão ligadas a todas as coisas. Lugar se estende além de uma única localização para abranger terra\, água e céu. Ancestrais são não apenas humanos\, mas também não humanos\, que são elementos vivos de um lugar. Alguns artistas nativos usaram o meio colaborativo da gravura como uma forma de honrar esses conceitos profundamente conectados e nos lembrar que\, embora muitas terras ancestrais indígenas tenham sido perdidas para a colonização\, as relações com esses lugares e as comunidades que eles nutriram perduram. \n\n\n\nCelebrando uma área crescente da coleção do MFA\, Ancestors and Place: Indigenous North American Prints [Ancestrais e Lugar: Gravuras Indígenas da América do Norte] apresenta mais de 30 obras — a maioria delas aquisições recentes — de artistas indígenas dos Estados Unidos e do Canadá que exploram ideias nuances de administração. As obras reconhecem o lugar como uma bênção\, mas também algo a ser cuidado — para o passado\, presente e futuro. Principalmente criadas através de residências em estúdios de gravura como Crow’s Shadow Institute of the Arts\, Tamarind Institute e High Point\, essas gravuras mostram artistas levando suas práticas em novas direções\, experimentando e reconceitualizando temas significativos para eles e suas comunidades. \n\n\n\nTanto artistas emergentes quanto estabelecidos estão em destaque\, incluindo Wendy Red Star\, Jaune Quick-to-See Smith\, James Lavadour e Raven Chacon. Além de fazer arte\, alguns\, como Smith\, também são ativistas\, movidos pelo desejo de melhorar a representação cultural e política dos nativos americanos. Enraizadas em suas comunidades específicas\, essas gravuras demonstram a criatividade e a experimentação de diversos artistas contemporâneos. \n\n\n\nEsta exposição é organizada em colaboração com o artista e professor Duane Slick (Meskwaki/Ho-Chunk). Segue uma exposição anterior de gravuras indígenas norte-americanas\, que explorou a resiliência\, em exibição entre novembro de 2023 e março de 2024.
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