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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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SUMMARY:"Guillermo Kuitca\, Chapelle" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Guillermo Kuitca. Chapelle\, 2024. Cortesia do Musée Picasso Paris. \n  \nA convite do Museu Nacional Picasso-Paris\, o artista argentino Guillermo Kuitca (n. 1961) criou uma obra site-specific na capela do Hôtel Salé. Desde sua intervenção na Bienal de Veneza em 2007\, Kuitca desenvolveu uma nova linguagem\, ecoando a arquitetura\, que o artista chama de “pintura cubistoide”\, na qual um conjunto de linhas que se cruzam\, como tantas dobras no plano\, é implantado diretamente nas paredes\, formando um novo espaço pictórico. Kuitca descreve seu lugar no “carrossel da arte moderna”: \n“Há muitos anos\, pintei quadros mostrando uma esteira rolante de bagagens. Acredito que a história da arte era o verdadeiro tema dessas pinturas. A arte seria esse carrossel; a obra de arte\, uma bagagem\, e os artistas\, passageiros. Enquanto esperamos por nossa bagagem\, nos fazemos uma série de perguntas: ‘Minha mala chegará e serei capaz de reconhecê-la entre outras semelhantes? E se eu pegasse a mala de outra pessoa\, estaria usando as roupas dela? Minha bagagem será destruída para sempre?’ Para mim\, essas perguntas são uma meditação sobre a herança. Elas também vislumbram um possível encontro com Picasso\, como se ele fosse\, afinal\, mais um passageiro.” \nPara Kuitca\, a pintura tem memória. Por meio desses experimentos\, ele se conecta com a história da arte moderna\, invocando o cubismo como o traço de um movimento que opera como uma difração da realidade\, a construção de um espaço imaginário. Esta instalação site-specific foi generosamente apoiada pela galeria Hauser & Wirth. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Jeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Jeanne Moutoussamy-Ashe\, “An Afternoon with Aunt Tootie”\, Daufuskie Island\, SC\, 1979. © Jeanne Moutoussamy-Ashe\n\n\n\n\nDesde o início dos anos 1970\, a artista\, ativista e acadêmica Jeanne Moutoussamy-Ashe (n. 1951\, Chicago\, IL; vive e trabalha em South Kent\, CT) produz fotografias que capturam a beleza e a complexidade da vida negra\, homenageando os ritmos do cotidiano e marcando importantes ritos de passagem para as pessoas retratadas. \nEm 1977\, após um estudo independente de seis meses na África Ocidental\, Moutoussamy-Ashe atravessou novamente o Oceano Atlântico até Daufuskie Island\, localizada entre Hilton Head\, na Carolina do Sul\, e Savannah\, na Geórgia. Lá\, e nas outras ilhas vizinhas conhecidas como Sea Islands\, ela começou a fotografar entre os Gullah Geechee—muitos deles descendentes de pessoas anteriormente escravizadas que adquiriram terras de antigos proprietários de plantações após o fim da Guerra Civil. Para Moutoussamy-Ashe\, esses lugares\, separados pelo Atlântico\, estavam intrinsecamente ligados\, com as Sea Islands representando um elo dentro da diáspora negra; um espaço moldado pelos séculos violentos da escravidão e por uma comunidade determinada a proteger e nutrir sua cultura e seu povo únicos. As fotografias de Daufuskie Island honram essas histórias entrelaçadas e a perspectiva pessoal da artista. Para ela\, “a fotografia deve nos forçar a questionar a nós mesmos e o ambiente em que vivemos”. \nExtraída da coleção do Whitney Museum\, esta apresentação focada inclui uma seleção de fotografias em preto e branco de Daufuskie Island\, além de publicações relacionadas da artista. Retratos de crianças e idosos\, imagens de casas\, do litoral\, de pessoas trabalhando e descansando\, bem como de cultos religiosos\, formam juntas uma impressão de uma comunidade—e um lugar—à beira de grandes transformações. \nJeanne Moutoussamy-Ashe and the Last Gullah Islands é organizada por Kelly Long\, Assistente Sênior de Curadoria.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Encounters: Giacometti" no Barbican Centre
DESCRIPTION:Alberto Giacometti segurando “Three Men Walking”\, década de 1940. Foto: anônima. Crédito: © Succession Alberto Giacometti / Adagp\, Paris 2024. \nTrês exposições inovadoras posicionam esculturas históricas de Alberto Giacometti ao lado de obras recentes de artistas contemporâneas\, em um espaço novo e intimista. \nReconhecido como um dos escultores europeus mais importantes do século XX\, Giacometti é conhecido por suas esculturas elongadas e singulares\, que experimentam novas abordagens sobre o corpo humano. Criadas em resposta à dor e à devastação causadas pela Segunda Guerra Mundial\, suas obras propõem uma reflexão sobre a condição humana e o inconsciente coletivo. \nOrganizada em colaboração com a Fondation Giacometti\, essa série de exposições\, que se estende por um ano\, tem início em maio com uma mostra de Huma Bhabha\, seguida por Mona Hatoum em setembro e Lynda Benglis em fevereiro de 2026. As obras dessas artistas dialogam diretamente com as esculturas de Giacometti\, ativando novos encontros intergeracionais por meio de temas universais como morte\, fragmentação\, o doméstico\, memória\, trauma\, erotismo\, horror e humor. \nÉ a primeira vez que os trabalhos dessas três artistas serão apresentados lado a lado com as obras de Giacometti.
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LOCATION:Barbican Centre\, Silk St Barbican London\, Londres\, Inglaterra\, Reino unido
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SUMMARY:"Nossa Vida Bantu" no Museu de Arte do Rio
DESCRIPTION:Márcia Falcão\, “Jogo 2”\, da série Capoeira em Paleta. Foto: Rafael Salim\n\n\n\n\nO Museu de Arte do Rio (MAR) lança a sua nova exposição “Nossa Vida Bantu” no sábado\, dia 31 de maio. A principal mostra do ano do MAR ressalta o papel significativo que os povos de diversos países africanos\, denominados sob o termo linguístico “bantus”\, tiveram na formação cultural brasileira e na identidade nacional. Expressões como\, “dengo”\, “caçula”\, “farofa”; as congadas e folias; as tecnologias da metalurgia e do couro são algumas das expressões culturais que herdamos e recriamos da cultura bantu. Apresentada pelo Instituto Cultural Vale\, com curadoria de Marcelo Campos e Amanda Bonan junto ao curador convidado Tiganá Santana\, a mostra contou também com a colaboração de consultores\, como Salloma Salomão\, Abreu Paxe\, Wanderson Flor e Margarida Petter.
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LOCATION:Museu de Arte do Rio\, Praça Mauá\, 5 - Centro\, Rio de Janeiro\, RJ\, Brasil
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SUMMARY:"Transparency" no Grand Palais
DESCRIPTION:Exibição interativa Transparency. 2025. Cortesia de Palais de la découverte. \nThe first exhibition of the Palais des enfants \nO Palais des enfants convida à transparência para sua primeira exposição! Uma jornada lúdica e sensorial para toda a família\, onde obras artísticas e experimentos científicos brincam com a luz para despertar a curiosidade e o encantamento dos mais pequenos. \nEm um universo imaginário\, projetado para despertar a curiosidade e o divertimento\, jovens e idosos vagam livremente de um palácio de gelo cintilante a uma caverna de tesouros cristalinos\, aventurando-se ora em uma floresta misteriosa\, ora em direção a um céu radiante ou às profundezas de um oceano multicolorido. \nAs artes da escultura\, gravura ou fotografia dialogam com a ciência por meio de dispositivos interativos e sensoriais. Entre criações do século XIX e obras contemporâneas\, obras imersivas como as de Dan Graham e Soo Sunny Park\, ideais para descobertas em grupo\, e criações mais introspectivas como as de Patrick Neu e Agathe May\, a exposição oferece uma exploração original que renova nossa percepção de transparência e luz. \nCrianças e adultos acompanhantes experimentam as múltiplas nuances da transparência\, trocam observações da translucidez com a escuridão e se maravilham com as riquezas da natureza e do saber-fazer\, ao longo de uma jornada pontuada por espaços lúdicos e contemplação. \nA exposição continua com um livro de atividades\, um podcast sobre transparência… e\, em breve\, encontros de mediação com uma série de eventos para ir ainda mais longe! \nExposição coproduzida pelo GrandPalaisRmn e pelo Palais de la découverte (Universcience). \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Constelação em trânsito" no Galpão da Lapa
DESCRIPTION:  \n  \nVista de “Constelação em Trânsito” no Galpão da Lapa. \n  \nConstelação em trânsito: uma escuta cartográfica\, em cartaz no Galpão da Lapa até 1° de março de 2027\, toma como ponto de partida a inversão metodológica da curadoria convencional. Em vez de um enunciado prévio que orienta a seleção de obras\, foi adotada uma postura de escuta diante do acervo\, deixando que os próprios trabalhos indicassem agrupamentos\, ressonâncias e percursos. A referência é a noção de cartografia formulada pela psicanalista Suely Rolnik: um traçado que se faz em movimento\, sintonizado com as variações da paisagem. O resultado são três constelações: Arquiteturas do Inconsciente\, Geometrias do Sul e Topologias do Orgânico\, tratadas não como categorias fechadas\, mas como campos porosos que se atravessam e se dissolvem mutuamente. \nA exposição reúne trabalhos de 65 artistas\, entre eles Adriana Varejão\, Alex Cerveny\, Amelia Toledo\, Ayrson Heráclito\, Brígida Baltar\, Cao Guimarães\, Carlito Carvalhosa\, Carmela Gross\, Claudia Andujar\, Erika Verzutti\, Ione Saldanha\, Jaider Esbell\, Jac Leirner\, Leonilson\, Mira Schendel\, Nuno Ramos\, Rivane Neuenschwander\, Sandra Cinto\, Solange Pessoa\, Tunga\, Waltercio Caldas e o coletivo MAHKU. No mezanino do espaço\, o núcleo audiovisual Confluências apresenta quatro obras em vídeo que dialogam transversalmente com as três constelações. \nO Galpão da Lapa\, espaço cultural instalado em um armazém histórico do complexo Ceagesp\, na Vila Anastácio\, zona oeste de São Paulo\, que abriga o acervo dos colecionadores Andrea Pereira e José Olympio. \nEntrada gratuita\, mediante agendamento prévio. \nVisitas mediadas gratuitas\, com grupos de até 20 pessoas. \n  \n 
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SUMMARY:"Nigerian Modernism" no Tate Modern em Londres
DESCRIPTION:A exposição de arte Nigerian Modernism celebra a produção de artistas nigerianos ativos no período que antecede e sucede a independência do país do domínio britânico\, em 1960\, destacando um momento de intensa ebulição cultural e afirmação identitária. \nA mostra evidencia coletivos como a Zaria Art Society e o Mbari Artists’ and Writers’ Club\, fundamentais para a construção de uma linguagem moderna que articulava referências nigerianas\, africanas e europeias. \nReunindo pinturas\, esculturas\, têxteis e poesia de mais de 50 artistas — entre eles Uzo Egonu\, El Anatsui\, Ladi Kwali e Ben Enwonwu —\, a exposição destaca a diversidade e a potência multidisciplinar do modernismo nigeriano. Ao enfatizar experimentação formal e diálogo intercultural\, Nigerian Modernism apresenta um panorama abrangente de um movimento que redefiniu os rumos da arte no país e consolidou sua inserção no circuito artístico global.
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SUMMARY:"Nigerian Modernism" no Tate Modern Museum
DESCRIPTION:Uzo Egonu. Stateless People: An Artist with Beret. 1981. Cortesia do Tate Modern Museum. \nTendo como pano de fundo a rebelião cultural e artística\, o Modernismo Nigeriano celebra as conquistas de artistas nigerianos que trabalharam antes e depois da década de independência nacional do domínio colonial britânico em 1960. \nO Modernismo Nigeriano conta a história de redes artísticas que abrangeram Zaria\, Ibadan\, Lagos e Enugu\, além de Londres\, Munique e Paris. Por meio de grupos como a Sociedade de Arte de Zaria e o Clube de Artistas e Escritores de Mbari\, eles fundiram técnicas e tradições nigerianas\, africanas e europeias para criar obras vibrantes e multidimensionais. \nExplore uma gama diversificada de pinturas\, esculturas\, tecidos e poesias de mais de 50 artistas\, incluindo Uzo Egonu\, El Anatsui\, Ladi Kwali e Ben Enwonwu MBE. \nO Modernismo Nigeriano é uma parceria com a Access Holdings e o Coronation Group. Conta com o apoio da Fundação Ford\, da Fundação A. G. Leventis e da Fundação Andy Warhol para as Artes Visuais. Com apoio adicional do Nigerian Modernism Exhibition Supporters Circle\, do Tate International Council\, dos Tate Patrons e da Tate Americas Foundation. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"In-situ Works" no Bourse de Commerce
DESCRIPTION:Ryan Gander. Ever After: A Trilogy (I… I… I…)\, 2019. Cortesia de Bourse de Commerce. \nO desejo de promover um diálogo entre as obras de arte e seu contexto arquitetônico\, natural e urbano é\, de fato\, uma das principais características associadas à identidade dos museus da Coleção Pinault. Em Veneza\, os mármores e tetos pintados do Palazzo Grassi\, e as paredes e vigas de tijolos da Punta della Dogana\, interagem com os reflexos cambiantes da água. Esses elementos não padronizados\, que se poderia suspeitar que interferissem ou mesmo comprometessem a apresentação das obras de arte\, são\, ao contrário\, uma fonte de inspiração para os artistas. O ambiente também proporciona aos visitantes uma experiência artística única e contextualizada\, no “aqui e agora”. \nArtistas participantes: \nRyan Gander \nAutor de uma obra multifacetada\, Ryan Gander (nascido em 1976 em Chester\, Reino Unido) vive e trabalha em Londres. Ele utiliza uma vasta gama de mídias para questionar os mecanismos de percepção de uma obra de arte dentro de uma complexa relação entre realidade e ficção. A maior parte de sua produção explora\, de uma forma ou de outra\, ausência\, perda\, invisibilidade\, latência. Com Ever After: A Trilogy (I… I… I…) (2019)\, Ryan Gander encena um rato animatrônico gago\, aninhado em um buraco na parede\, surpreendendo os visitantes enquanto esperam o elevador. Preso em seu “loop” animado\, esse rato improvável\, condenado a viver ciclo após ciclo da mesma experiência até a exaustão\, nos encoraja a pensar e até mesmo sorrir sobre nossa própria condição. \nMartin Kippenberger \nUm estranho poste de luz fragmentado\, intitulado “Ohne Titel”\, parte de uma série de esculturas criadas em 1989 pelo artista alemão Martin Kippenberger\, entrelaçou-se à arquitetura da Bolsa de Comércio. Reunindo todos os vícios em sua melancolia anti-heroica\, os postes de luz de Kippenberger não apenas são distorcidos pela embriaguez\, mas suas lâmpadas vermelhas conduzem ao “Rotlichtviertel”\, o distrito da luz vermelha. Esses companheiros de perambulações noturnas tornam-se os alter egos do artista. Fiéis à atitude anticonformista de Kippenberger\, como escreve o historiador da arte Dider Ottinger: “Abertos a todas as metamorfoses\, suas convoluções simulam ideais corrompidos\, (…) mimetizam projetos gaguejantes. Uma serpente herética mordendo a própria cauda\, ​​o poste de luz torna-se a imagem de ambições abortadas\, a de um idealismo incurável.” \nPhilippe Parreno \nCom suas tonalidades intermitentes\, este “farol” traduz em código o mítico e inacabado romance homônimo de René Daumal (1908-1944)\, publicado postumamente em 1951. Esta sequência de luzes ilumina o céu parisiense\, traduzindo a história da fantástica e metafísica aventura de Daumal\, que narra a descoberta e a ascensão coletiva de uma montanha que une a terra ao céu. Uma busca sem fim\, uma aventura impossível\, uma metáfora para a arte e sua utopia. Philippe Parreno projetou uma nova versão desta instalação in-situ para a Bourse de Commerce\, retrabalhando e modificando uma de suas peças seminais\, criada originalmente em 2001. Mont Analogue está instalado no topo de um elemento arquitetônico único\, presente no local desde o Renascimento\, quando o edifício serviu como palácio de Catarina de Médici. Esta coluna\, símbolo tanto do poder real quanto da eminência esotérica (segundo a lenda\, os astrólogos da rainha\, notadamente Cosimo Ruggieri e Nostradamus\, observavam as estrelas ali)\, torna-se um farol a partir do qual o artista transmite outra mensagem à cidade. É na forma de um código misterioso que o artista nos convida a descobrir os mundos invisíveis\, possíveis e intangíveis da arte. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Costurar os sentidos" na Anita Schwartz Galeria de Arte
DESCRIPTION:Arthur Chaves. “Sem título”\, 2024. Divulgação. \nBordado\, tecido\, pintura\, colagem e poesia se entrelaçam em Costurar Sentidos\, exposição coletiva que será inaugurada no dia 22 de outubro de 2025\, às 19h\, no 2º piso da Anita Schwartz Galeria de Arte\, sob a curadoria de Cecília Fortes. A mostra reúne obras têxteis e derivações da costura como eixo central de criação\, explorando o gesto de costurar como metáfora de identidade\, memória e afeto. \n“São trabalhos permeados por motivos relacionados à construção e à afirmação de identidade\, ao resgate de memórias afetivas e à ressignificação de sentidos. Falam de questões sociais e temas sensíveis aos autores\, ao mesmo tempo em que expressam as suas origens e o caminho percorrido ao longo da jornada pessoal e artística”\, afirma Cecília Fortes. \nParticipam da exposição Arthur Chaves\, Dani Cavalier\, Duda Moraes\, Jeane Terra\, Renato Bezerra de Mello\, Rosana Palazyan e Yolanda Freyre. A seleção\, inicialmente orientada pela técnica\, acabou revelando pontos de convergência poética entre as obras\, que dialogam com o universo da costura e suas ressonâncias simbólicas. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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LOCATION:Anita Schwartz Galeria de Arte\, R. José Roberto Macedo Soares\, 30\, Rido de Janeiro\, RJ\, Brasil
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SUMMARY:"Aparição" na Anita Schwartz Galeria de Arte
DESCRIPTION:Pedro Varela\, “Formigueiro” s.d. Divulgação. \nA Anita Schwartz Galeria de Arte inaugura\, em 22 de outubro de 2025\, às 19h\, a mostra Aparição\, individual de Pedro Varela\, com curadoria de Cecília Fortes. A exposição reúne pinturas inéditas\, além de uma instalação criada especialmente para o espaço da galeria. \nConhecido por investigar a cultura de massa e o imaginário digital\, Varela se afasta\, nesta nova fase\, do universo dos memes e das imagens das redes sociais para mergulhar em uma dimensão mais íntima e subjetiva\, marcada por questões de identidade\, medo e angústia. “É uma virada na minha produção”\, afirma o artista. “Aquelas inquietações que antes apareciam mediadas por ícones da cultura de internet agora surgem de forma direta\, como aparições que emergem do inconsciente.” \nSegundo a curadora Cecília Fortes\, “as obras apresentadas em Aparição dão continuidade à pesquisa de Pedro Varela sobre a geração ansiosa\, que sofre de insônia e vive imersa em pensamentos. O artista retoma a série de florestas\, agora numa paleta em preto e branco\, e nelas incorpora figuras fantasmagóricas e formigueiros de palavras\, que provocam o espectador. De forma irônica\, Varela desafia a norma estética do bom gosto e joga com dualidades como luz e sombra\, claro e escuro\, belo e caricato. Numa época de excessos\, destaque para uma grande instalação de recortes em branco sobre branco\, uma proposição de silêncio e pausa em contraposição ao turbilhão de estímulos vivenciados pela sociedade contemporânea.” \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"Brasil das Múltiplas Faces" no Itaú Cultural
DESCRIPTION:Emiliano di Cavalcanti\, “Vendedoras de Peixe” 1952. Divulgação. \nCom início dia 22\, exposição ocupa novo piso do Itaú Cultural com obras da considerada maior coleção corporativa de arte da América Latina \nA exposição “Brasil das Múltiplas Faces” marca a inauguração de um novo ambiente para visitação no prédio do Itaú Cultural\, em São Paulo. A partir do dia 22 de outubro\, o Espaço Milú Villela – Brasiliana: Arte Moderna e Contemporânea oferece ao público mostras de longa duração focadas nas artes moderna e contemporânea produzida no país e que compõem o Acervo Itaú Unibanco. \nO novo espaço está localizado no 7º piso do prédio da Avenida Paulista e conta com 280 metros quadrados. Ao lado do Espaço Olavo Setubal\, que abriga a Brasiliana\, e do Espaço Herculano Pires\, com a Numismática\, a instituição agora oferece quatro pisos permanentes para mostras desta que é considerada a maior coleção corporativa de arte da América Latina\, e segue em busca de ampliar o seu acesso ao público. \nA curadoria da exposição é assinada por Agnaldo Farias\, com concepção e realização da equipe Itaú Cultural e arquitetura de Daniel Winnik. O nome dado ao espaço homenageia Milú Villela\, que presidiu e expandiu o Itaú Cultural durante 18 anos\, de 2001 a 2019\, e o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP)\, entre 1995 e 2019. Psicóloga\, gestora cultural e filantropa\, Milú​ dedicou sua vida à democratização do acesso à arte e à cultura. \n‍ Por sua vez\, o nome Brasil das Múltiplas Faces\, que batiza a exposição inaugural deste espaço\, dá pistas do que o público está para mergulhar em uma espécie de contação das várias histórias e visões do país. Através de uma narrativa que trabalha com o conceito de arte múltipla\, a mostra busca mostrar a complexidade do Brasil com um olhar que desafia a visão tradicional. \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n 
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SUMMARY:"À Vincent" na Fondation Vincent Van Gogh Arles
DESCRIPTION:A exposição de arte À Vincent: un conte d’hiver toma como ponto de partida o período vivido por Vincent van Gogh na Provença\, entre sua chegada a Arles em fevereiro de 1888 e sua partida de Saint-Rémy-de-Provence vinte e sete meses depois. \nNesse intervalo\, frequentemente envolto em uma aura quase mítica\, encontra-se um momento decisivo de sua produção\, no qual sua obra alcança maturidade e sua correspondência se transforma em um verdadeiro laboratório de pensamento artístico. \nNo centro da mostra está justamente a maneira como artistas contemporâneos dialogam com Van Gogh\, apresentando obras que funcionam como “cartas” dirigidas ao pintor. \nPor meio de diferentes linguagens\, estilos e técnicas\, eles exploram temas presentes em suas cartas — como paisagem\, luz\, cor\, retrato\, amizade e solidão — prolongando suas reflexões para o presente. Reunindo trabalhos de vinte e dois artistas de diferentes gerações\, entre nomes como Anselm Kiefer\, Wolfgang Tillmans\, Rineke Dijkstra e Ann Veronica Janssens\, a exposição também inclui figuras menos conhecidas e artistas que criaram obras especialmente para a ocasião. \nO percurso é enriquecido pela presença de duas pinturas de Van Gogh emprestadas pelo Museu Van Gogh de Amsterdã\, além de uma carta original enviada a Gauguin e edições históricas de sua correspondência\, reforçando o diálogo entre passado e presente.
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LOCATION:Fondation Vincent Van Gogh Arles\, 35 ter\, rue du Docteur-Fanton\, Arles\, France
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SUMMARY:"Lulu\, Zanele\, Zandile\, Savannah" de Igshaan Adams no ICA Miamai
DESCRIPTION:Igshaan Adams\, “Savannah”\, 2025 (detalhe). Cortesia artista\, Thomas Dane Gallery\, Casey Kaplan e blank projects. \n“Lulu\, Zanele\, Zandile\, Savannah” (2025)\, uma nova obra encomendada para a escadaria do ICA Miami\, é uma instalação monumental do artista sul-africano Igshaan Adams\, composta por quatro tapeçarias e um conjunto de “nuvens de poeira” suspensas\, feitas de fios cuidadosamente torcidos e outros materiais reaproveitados do cotidiano. No ICA Miami\, as tapeçarias de Adams serão penduradas verticalmente ao longo dos três andares da escadaria\, criando uma cascata resplandecente que permite diferentes pontos de vista\, dependendo da posição do observador na escadaria. \nA obra de Adams inspira-se na história da tecelagem coletiva\, em motivos ornamentais de tradições híbridas\, em bordados tradicionais com miçangas e na revalorização de materiais banais. As tapeçarias luminosas do artista são tecidas com fios de cores intensas e contrastantes\, resultando em formas que podem evocar vistas aéreas de uma paisagem. Repletas de detalhes visuais e materiais\, as tapeçarias incluem correntes ornamentais\, rendas e franjas\, e são cravejadas com uma infinidade de contas sobre as quais a luz se reflete\, fazendo com que suas superfícies cintilem.
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LOCATION:ICA Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:Joanna van Son no Rubell Museum Miami
DESCRIPTION:Van Son J\, “Roses Under the Bed”\, 2025. Divulgação. \nA artista residente do museu em 2025\, Joanna van Son (n. 2000\, Omã; vive e trabalha em Londres)\, com apoio da Fundação Knight\, apresentará seis novas pinturas que distorcem as qualidades espaciais familiares do corpo humano\, com especial atenção às texturas e sensibilidades materiais e simbólicas da pele. A prática de Van Son está enraizada em um processo distintamente físico que destaca tanto a sobreposição quanto o apagamento do corpo feminino.
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LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:“O mergulho de Naïá” de Karola Braga no Museu da Cidade de São Paulo
DESCRIPTION:Karola Braga\, “O Mergulho de Naiá” 2025. Divulgação. \n“Uma ponte entre dois mundos. Metade submersa\, metade voltada ao céu\, a vitória-régia é um dos seres vegetais mais simbólicos da região amazônica. Combina transformação\, erotismo vegetal e inteligência adaptativa\, já que caminha de forma desenvolta no hibridismo que a vida lhe proporciona. O fenômeno natural que envolve sua floração é testemunho disso. Composto de duas noites\, dois gêneros e duas cores\, apresenta-se como uma coreografia entre tempo e luz. É sobre seu vasto universo simbólico e sensorial que se trata O mergulho de Naïá\, instalação site-specific criada para o Beco do Pinto | Museu da Cidade de São Paulo pela artista multidisciplinar e pesquisadora olfativa Karola Braga. \nEm um ritual amoroso entre planta e inseto\, a vitória-régia apresenta-se\, na primeira noite de seu florescimento\, branca e feminina\, exalando um perfume adocicado para atrair os insetos. Na manhã seguinte\, ela se fecha\, aprisionando esses besouros\, cobertos de néctar e pólen\, para\, no entardecer do segundo dia\, reabrir sua flor\, agora rosa e masculina\, libertando os bichos para polinizarem outras de sua mesma espécie. É nessa noite que a flor afunda nas águas para amadurecer seu fruto e liberar as sementes. Dessa forma\, representa uma androgênese vegetal\, a flor que contém em si o feminino e o masculino\, alternando-os no tempo\, unindo luz e escuridão\, nascimento e morte\, perfume e silêncio. Esse majestoso ciclo ganha uma interpretação poética da artista nesta instalação\, na qual se aproveita dos degraus do espaço ao ar livre\, localizado no coração de São Paulo\, para mergulhar os visitantes entre aromas e perspectivas distintas das flores esculpidas.” \n– Trecho do texto curatorial por Ana Carolina Ralston\, curadora da exposição. \n  \n  \n 
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LOCATION:Beco do Pinto | Museu da Cidade de São Paulo\, Roberto Simonsen\, 136 – Centro Histórico de São Paulo\, São Paulo\, SP\, Brasil
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SUMMARY:"Mulheres: Propuestas desde Brasil" no Artnexus
DESCRIPTION:Lygia Clark\, Mira Schendel\, Beatriz Milhazes\, Adriana Varejão\, Rosana Paulino\, Tadáskía e outras 44 artistas brasileiras reúnem-se no Artnexus Space\, em Miami\, para Mulheres: Propuestas desde Brasil\, exposição com curadoria de Francine Birbragher-Rozencwaig que mapeia a contribuição das mulheres ao desenvolvimento da arte moderna e contemporânea no Brasil. \nAs obras\, pertencentes a coleções privadas\, abrangem diferentes gerações — das pioneiras reconhecidas de meados do século XX às representantes mais jovens da cena atual. A mostra parte da premissa que\, no Brasil\, ao contrário de outros países\, as mulheres participaram ativamente do campo artístico\, contribuindo com obras e estratégias que respondem a contextos históricos específicos. \nEmancipação\, denúncia política\, censura\, resistência social e questões de raça e gênero atravessam a seleção de maneira transversal\, revelando como a produção dessas artistas não apenas acompanhou os movimentos da arte brasileira\, mas os tensionou e ampliou. Com cinquenta nomes e um arco temporal de mais de seis décadas\, Mulheres: Propuestas desde Brasil funciona simultaneamente como panorama histórico e como afirmação de uma genealogia ainda em construção — da qual fazem parte\, lado a lado\, Lina Bo Bardi e Carla Chaim\, Lygia Pape e Vivian Caccuri.
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SUMMARY:“ 100 anos de arte: Gilberto Chateaubriand” no MAM Rio
DESCRIPTION:Arjan Martins\, s.t. Divulgação\, foto de Jaime Acioli. \n“100 anos de arte: Gilberto Chateaubriand” é a segunda mostra dedicada ao centenário de nascimento de um dos maiores colecionadores da arte moderna e contemporânea no país. Reunindo cerca de 150 obras da Coleção Gilberto Chateaubriand\, a exposição apresenta uma história da arte brasileira do último século organizada em torno de cinco linhas temáticas. O projeto\, com curadoria de Pablo Lafuente e Raquel Barreto\, e curadoria assistente de Phelipe Rezende\, parte do olhar singular de Gilberto Chateaubriand (1925–2022)\, cuja coleção reúne mais de 8 mil obras adquiridas ao longo de sete décadas de diálogo com artistas.\nResultado de uma prática colecionista sustentada por convivência\, escuta e atenção às dinâmicas da vida artística do país\, esse conjunto reúne nomes de diversas regiões e linhagens. O acervo se expande por múltiplas linguagens — da pintura à fotografia\, da escultura às investigações experimentais — compondo um panorama sensível da produção brasileira no qual vários temas funcionam como eixos estruturantes de um século de arte. \n  \n  \n 
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SUMMARY:Noah Davis no Museu de Arte da Filadélfia
DESCRIPTION:O Philadelphia Museum of Art apresenta uma retrospectiva dedicada ao artista norte-americano Noah Davis (1983–2015)\, reunindo mais de 60 obras que percorrem sua produção em pintura\, escultura\, trabalhos sobre papel e curadoria. A exposição acompanha cronologicamente o desenvolvimento de sua prática entre 2007 e 2015\, destacando temas recorrentes como política\, história familiar\, mitologia\, raça\, arquitetura e cultura visual. \nAs pinturas de Davis — que transitam entre registros oníricos\, melancólicos e surrealistas — são apresentadas ao lado de esculturas e experimentações conceituais que evidenciam a amplitude de sua investigação artística. \nReconhecido por retratar a complexidade da vida negra com sensibilidade e profundidade\, Davis também foi um agente importante na ampliação do acesso à arte. Em 2012\, fundou com sua esposa\, a artista Karon Davis\, o Underground Museum em Los Angeles\, um espaço cultural gratuito criado para aproximar comunidades historicamente marginalizadas do circuito artístico institucional.
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SUMMARY:"O rio no qual se nada com os olhos" de Genor Sales na Almeida & Dale
DESCRIPTION:Genor Sales\, “Ninguém acerta sem primeiro errar I” 2025. Divulgação.\n\nA mostra reúne um novo conjunto de obras que aproxima culturas e ecossistemas das águas do sertão e cerrado brasileiros. \nAs simbologias populares ligadas a água se expressam em jarros\, filtros de barro e ervas que\, junto aos peixes\, povoam o universo líquido das aquarelas inéditas do artista que formam a exposição. Essas obras evocam “um rio que carrega muitos outros rios por meio de um arrolamento de seres\, saberes\, objetos e práticas relacionadas à água”\, como pontua Divino Sobral\, curador da exposição. \nGenor Sales é artista e educador e integra atualmente o Jatobá Nascente\, projeto de ateliê-casa\, iniciativa do Sertão Negro. A expressão idiomática “peixe fora d’água” é um dos pontos de partida de sua pesquisa imagética\, na qual deslocamentos e a ausência de pertencimento de pessoas periféricas são articulados nas composições que desenvolve. Técnica central em sua prática\, a aquarela e se relaciona diretamente aos temas que tece em sua obra – memória\, música e território. \n  \n 
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LOCATION:Almeida & Dale\, Rua Fradique Coutinho\, 1360 – Pinheiros\, São Paulo\, SP
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SUMMARY:Paul Cézanne na Suíça
DESCRIPTION:Fondation Beyeler\, nas proximidades de Basileia\, dedica uma exposição a Paul Cézanne\, um dos nomes centrais da arte moderna e figura fundamental no acervo do museu. A mostra concentra-se na fase final e mais decisiva da carreira do artista\, reunindo cerca de 80 pinturas a óleo e aquarelas que exploram temas recorrentes de sua produção tardia\, como naturezas-mortas\, retratos\, paisagens e cenas de banhistas. \nAo evidenciar sua investigação radical sobre forma\, luz e cor\, a exposição destaca como Cézanne redefiniu os fundamentos da pintura\, estabelecendo princípios que influenciaram profundamente gerações posteriores de artistas. \nCézanne é reconhecido como um dos grandes responsáveis pela transição entre a pintura do século XIX e as experimentações da arte moderna. O artista rompeu com a perspectiva tradicional e abriu caminho para movimentos como o cubismo e a abstração.
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LOCATION:Fondation Beyeler\, Baselstrasse 101\, Riehen
CATEGORIES:Basel,Destaque
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SUMMARY:"Over\, under and in between" de Mona Hatoum na Fondazione Prada
DESCRIPTION:Mona Hatoum\, “All of a quiver” 2025. Divulgação. \n  \n“Over\, under and in between” é um projeto site-specific concebido pela artista Mona Hatoum para o espaço em Milão\, que convida à reflexão sobre a instabilidade dos nossos tempos e a precariedade da existência. \nAs três instalações que compõem a exposição exploram alguns dos elementos definidores do vocabulário artístico de Hatoum: a teia de aranha\, o mapa e a grade. Sua presença reativa o espaço do edifício Cisterna\, que outrora abrigava os silos e tanques da antiga destilaria de álcool localizada dentro do complexo da Fondazione Prada. As três obras\, independentes entre si\, representam os conceitos de instabilidade\, perigo e fragilidade\, criando um diálogo com o espaço e\, em particular\, com a experiência física do visitante.
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LOCATION:Fondazione Prada\, Largo Isarco\, 2\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Deserto-Modelo" de Lucas Arruda em Taipei
DESCRIPTION:A Winsing Art Place\, em Taipei\, apresenta a exposição “Deserto-Modelo”\, de Lucas Arruda. A mostra reúne trabalhos pertencentes à série homônima desenvolvida pelo artista ao longo de anos\, consolidando uma investigação pictórica centrada na experiência do tempo\, da percepção e da paisagem como construção subjetiva. \nNa obra de Arruda\, o “deserto” não corresponde a um lugar geográfico específico\, mas a um estado imaginado de paisagem — uma projeção interior que suspende acontecimentos e referências temporais. Esse espaço torna-se um território mental\, no qual a pintura se aproxima da contemplação e da repetição como método\, revelando uma prática baseada na persistência e na continuidade do olhar.
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LOCATION:Winsing Art Place\, Taipei\, Taiwan
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SUMMARY:"Senza Bandiere V.3.0. Divide et impera" na Galleria Marignana
DESCRIPTION:Bandiere 2026\, instalação. \nAs obras de Opiemme nascem do encontro entre palavras e imagens\, onde pintura e poesia se unem para estimular o pensamento crítico. Em mapas\, cartas náuticas e páginas de livros e jornais\, o artista acrescenta palavras e frases simples\, porém impactantes\, que convidam a todos a uma pausa para reflexão. \nA exposição\, que apresenta obras dos últimos quinze anos\, convida a uma reflexão profunda e oportuna sobre convivência\, responsabilidade compartilhada e a necessidade de construir um diálogo mais empático e aberto entre as pessoas. \nA exposição será acompanhada por duas publicações: uma criada especificamente para a mostra\, com textos de Tommaso Evangelista e Jonathan Molinari\, e outra com lançamento previsto para novembro de 2025 — Critica della Ragion Progressiva — na qual os aforismos de Walter Loddi dialogam com as obras de Opiemme. \n  \n 
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LOCATION:Galleria Marignana\, Dorsoduro 141\, Rio Terà dei Catecumeni\,\, Veneza\, 30123\, Italy
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SUMMARY:"First Light" de Anthony McCall em São Francisco
DESCRIPTION:A exposição reúne três obras emblemáticas de Anthony McCall — Line Describing a Cone (1973)\, Conical Solid (1974) e Cone of Variable Volume (1974) — que transformam projeções cinematográficas em esculturas de luz habitáveis. \nA partir de animações em filme\, feixes luminosos ganham volume no espaço expositivo com o auxílio de névoa cênica\, formando estruturas geométricas tridimensionais que o público pode atravessar\, tocar e explorar. Ao longo de suas durações\, as obras convertem espectadores em participantes\, redefinindo a galeria como campo de experiência sensorial\, contemplativa e performativa. \nCriadas após a mudança do artista de Londres para Nova York\, em 1973\, e situadas na interseção entre o cinema de vanguarda\, o Minimalismo e o Structural Film\, as chamadas “solid light works” antecipam práticas de cinema expandido\, performance participativa e instalações imersivas contemporâneas.
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LOCATION:Fort Mason Center for Arts & Culture\, Gallery 308\, Building A\, Marina Boulevard\, São Francisco\, United States
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SUMMARY:"The Women Alchemists" de Anselm Kiefer no Palazzo Reale de Milão
DESCRIPTION:O Palazzo Reale\, em Milão\, apresenta The Women Alchemists\, instalação site-specific de Anselm Kiefer composta por 42 grandes telas criadas especialmente para a Sala delle Cariatidi — espaço marcado pelas cicatrizes do bombardeio de 1943. Com curadoria de Gabriella Belli\, a obra homenageia mulheres alquimistas que dedicaram suas vidas ao conhecimento experimental antes da ciência moderna\, mas foram perseguidas\, silenciadas ou esquecidas. \nNas telas\, figuras femininas emergem da matéria pictórica como aparições — entre mito\, ciência\, magia e filosofia. Kiefer dá rosto a nomes como Caterina Sforza\, Isabella Cortese e Marie Meudrac\, mas também a mulheres praticamente desconhecidas\, tornando visível o que foi soterrado.
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LOCATION:Palazzo Reale\, Piazza del Duomo\, 12\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"A imagem não serve" de Eder Santos em Curitiba
DESCRIPTION:A CAIXA Cultural Curitiba apresenta A imagem não serve\, exposição individual de Eder Santos com curadoria de Luiz Gustavo Carvalho. A mostra reúne 14 videoinstalações e videoesculturas produzidas entre 1993 e 2026\, oferecendo um panorama abrangente de mais de quatro décadas de pesquisa do artista multimídia sobre as relações entre imagem\, corpo e tecnologia. \nPioneiro no uso do vídeo nas artes visuais brasileiras desde os anos 1980\, Santos desenvolve uma prática que recusa a imagem como representação estável\, explorando falhas\, ruídos e distorções como elementos centrais de sua linguagem. \nAs obras deslocam a imagem para além da tela\, transformando-a em experiência espacial e sensorial que exige a participação física do espectador. Ao tensionar o vídeo contra a linearidade narrativa e a passividade do olhar\, o artista transforma a tecnologia em território de fricção crítica.
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LOCATION:Caixa Cultural Curitiba\, Rua Conselheiro Laurindo\, 280\, Centro\, Curitiba\, Brazil
CATEGORIES:América Latina,Curitiba
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SUMMARY:Anish Kapoor em Lisson Gallery
DESCRIPTION:Anish Kapoor apresenta uma nova exposição com esculturas espelhadas na Lisson Gallery New York\, reunindo obras produzidas entre 2010 e o presente. A mostra explora escala\, cor\, volume e materialidade por meio de trabalhos que investigam a ilusão espacial e a experiência imersiva do espectador . \nEntre os destaques estão esculturas em aço inoxidável polido que desestabilizam a presença do espectador\, como Non Object (Plane) (2010) e Double Vertigo (2012). Já em Untitled (2023)\, um cubo com vazio central amplia a investigação do artista sobre o vazio e a percepção. A exposição reforça a ideia de escultura como experiência que se constitui na relação entre corpo\, espaço e luz.
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LOCATION:Lisson Gallery\, 508 W 24th St\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Drawing into Painting" de Lucian Freud na National Portrait Gallery
DESCRIPTION:National Portrait Gallery\, em Londres\, exibe obras de Lucian Freud em Drawing into Painting\, a mais abrangente exposição britânica dedicada aos trabalhos em papel do artista. \nA mostra percorre a obsessão do artista com o rosto e a figura humana dos anos 1930 ao início do século XXI\, explorando seu domínio do desenho em todas as suas formas: lápis\, caneta\, tinta\, carvão e água-forte. \nUm grupo criteriosamente selecionado de pinturas importantes revela o diálogo dinâmico entre a prática em papel e em tela. A exposição inclui obras vistas em público pela primeira vez. As 12 novas aquisições do espólio de Freud pela National Portrait Gallery — entre elas 8 águas-fortes\, as primeiras do artista nesse meio a integrar a coleção da instituição — reforçam o caráter histórico da mostra.
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LOCATION:National Portrait Gallery\, St. Martin's Pl\, Londres\, Reino unido
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