ARTEQUEACONTECE

Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
2022-03-17 10:30 - 2025-10-11 18:00 (America/Sao_Paulo) | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
O Whitney, em colaboração com o Hudson River Park , desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21), esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort, em frente ao Museu.

Proposto ao Whitney por Hammons, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos, dimensões e localização do galpão original – e, como a intervenção de Matta-Clark, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla.

Em conjunto com a realização do projeto, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York, 1970–1986 , uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos, incluindo a primeira série de podcasts do Museu, Artists Among Us , bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District, o papel dos artistas no bairro, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.

"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
2022-05-07 10:30 - 2026-01-04 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia, bem como as mudanças culturais, como o sufrágio feminino, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias, novos planos e novas esperanças”.

Alguns dos artistas apresentados nesta exposição, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley , são bem conhecidos hoje, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto.

Esta exposição é organizada por Barbara Haskell, curadora.

"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
2022-12-22 - 2026-03-15 | Pinacoteca do Ceará, R 24 de Maio, 34 - Centro, Fortaleza, Brazil
Amar se aprende amando, dedicada a Antonio Bandeira, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará, após mais de três anos em cartaz.
Maior mostra já realizada sobre o artista, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu, em dezembro de 2022, celebrando o centenário do pintor.
Com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.

"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
2023-06-16 10:00 - 2025-09-07 18:00 | Palais Galliera, 10 Av. Pierre 1er de Serbie, Paris, França
O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento], sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras, este percurso cronológico traça, através das coleções do museu, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e, ao mesmo tempo, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas, sua relação com o corpo e o movimento, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim, a evolução do corpo, especialmente o corpo esportivo, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho, roupas de ciclista e amazona, casacos e acessórios de automobilismo, conjuntos de corrida e tênis, por exemplo, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice), da Biblioteca Forney (Paris), do Patrimônio CHANEL, da coleção Emile Hermès, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera, testemunhas de práticas físicas e esportivas, de lazer ou de competição, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva, esta exposição será organizada em três fases consecutivas, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim, as obras serão em grande parte renovadas, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.

"FUNK: Um grito de ousadia e liberdade" no Museu de Arte do Rio
2023-09-29 10:00 - 2025-03-30 20:00 | Museu de Arte do Rio, Praça Mauá, 5 - Centro, Rio de Janeiro, RJ, Brasil
O Museu de Arte do Rio (MAR) lança a sua nova exposição FUNK: Um grito de ousadia e liberdade no dia 29 de setembro. A principal mostra do ano do MAR perpassa os contextos do funk carioca através da história. Apresentada pelo Instituto Cultural Vale, com curadoria da Equipe MAR junto a Taísa Machado e Dom Filó, a mostra contou também com a colaboração de consultores, como Deize Tigrona, Celly IDD, Tamiris Coutinho, Glau Tavares, Sir Dema, GG Albuquerque, Marcelo B Groove, Leo Moraes, Zulu TR.

A temática da exposição irá apresentar e articular a história do funk, para além da sua sonoridade, também evidenciando a matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as suas comunidades, os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos ao imaginário que em torno dele foi constituído. “Funk é um tema coletivo. Durante muitos momentos no MAR, fomos instigados a fazer uma exposição sobre o funk carioca. A exposição conta com duas salas. A primeira sala é sobre o soul, esse movimento de músicas importadas dos anos 70 e 80, que ganhou repercussão no Brasil e, é claro, influenciou o consumo também de roupas, sapatos, cabelos…a estética que vira consumo. Tem ali, ainda, a presença de pessoas que tinham acesso a equipamentos, compravam discos importados e começavam a fazer grandes equipes de som para tocar nas festas. Eram essas festas, feitas em clubes de bairros, que precederam o funk de hoje. Já a segunda sala é toda dedicada ao baile de favela, que hoje constitui, talvez, uma das maiores forças de produção artística carioca e nacional. A gente mergulha nisso, na história dos bailes constituídos por lonas, instalados em vários lugares, mas sempre dentro das comunidades”, antecipa Marcelo Campos, Curador Chefe do MAR.

A abordagem vai se estender, ainda, à presença do funk nas mais variadas dimensões e práticas culturais, com especial atenção ao campo das artes visuais contemporâneas, para as quais o funk foi uma referência de visualidade, de resistência política, de alteridade e de forma. Objetos próprios da história do estilo musical serão combinados a uma profusão audiovisual de sons, vozes e gestos, bem como atravessados por uma iconografia relacionada ao funk, de modo a convidar o público da cidade a experimentar sua história como uma das mais potentes formas de imaginar e singularizar o Rio de Janeiro.

A exposição é dividida em 11 núcleos e contará com mais de 900 itens. Entre os mais de 100 artistas brasileiros e estrangeiros que participam da exposição, estão Hebert, Vincent Rosenblatt, Blecaute, Gê Vianna, Manuela Navas, Maxwell Alexandre, Fotogracria, Emerson Rocha, Panmela Castro, Bruno Lyfe, entre outros. O público poderá interagir com algumas instalações, ouvir músicas, dançar e ler textos que contam a história do ritmo musical pelas duas salas do pavilhão de exposições. A expografia é assinada pelo Estúdio Gru.a.

E na noite de abertura a exposição a programação do MAR contará com um baile funk no Pilotis do Museu. Estão previstas as apresentações de dança do Afrofunk Rio, e das atrações musicais Jonathan da Provi, MC Cacau canta MC Marcinho e Trilogia do Santo Amaro. O evento é gratuito, com retirada de ingressos via Sympla e sujeito à lotação.

"La poesia ti guarda". Homenagem ao Grupo 70 (1963-2023) na Galleria d'Arte Moderna
2023-12-01 10:00 - 2025-03-09 17:30 | Galleria d’Arte Moderna, via Palestro 16, Milão, Itália
Imagem: Divulgação Galleria d’Arte Moderna

Em 24 de maio de 1963, no Forte do Belvedere em Florença, ocorreu a conferência “Arte e comunicação”, considerada pelos estudiosos o ato oficial de fundação do Grupo 70.

Seis décadas após esse evento, a Galleria d’Arte Moderna organiza uma exposição em homenagem aos artistas que determinaram sua criação.

O Grupo 70 é o grupo artístico que interpreta de forma mais completa e coerente, no contexto italiano, o movimento internacional da poesia visual. Entre as neo-vanguardas, é a que mais possui um caráter híbrido e multilíngue, situando-se em uma “terra de ninguém” sugestiva entre a escrita e a imagem, entre as artes visuais e a poesia. A arte era entendida e problematizada, de forma mais geral, como parte do complexo sistema de comunicação.

Em comemoração a este aniversário, é realizada uma homenagem aos principais expoentes do grupo – Ketty La Rocca, Lucia Marcucci, Eugenio Miccini, Luciano Ori, Lamberto Pignotti, além de Roberto Malquori e Michele Perfetti – destacando as diversas manifestações estéticas e formais da poesia visual.

As obras, em sua maioria inéditas e/ou pouco conhecidas pelo grande público, provêm da coleção da Galeria de Arte Moderna, do Arquivo Carlo Palli de Prato, entre as principais coleções italianas de poesia visual, do MART de Rovereto, do Arquivo Lamberto Pignotti de Roma, da Fundação Bonotto de Colceresa (VI) e de outras prestigiosas coleções privadas.

A exposição inclui também poesias sonoras e cinépoesias, livros de artista e documentos que ilustram de diversas maneiras as premissas teóricas, as razões poéticas e os resultados expressivos do Grupo 70.

A mostra, com curadoria de Daniela Vasta, é realizada em colaboração com o Arquivo Carlo Palli, Arquivo Lamberto Pignotti e Fundação Bonotto.

A exposição é acompanhada por um catálogo editado pela De Luca Editori d’Arte, com contribuições críticas de Daniela Vasta, Patrizio Peterlini e Lucilla Saccà, e uma entrevista inédita com Lamberto Pignotti por Claudio Crescentini, além de aparatos bio-bibliográficos organizados por Elena Rosica.

"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
2024-02-29 09:00 - 2025-12-14 18:00 | Museu do Louvre, 75001 Paris, França, Paris, França
Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.

O Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C., mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos, um par de objetos foi reunido pela primeira vez, enquanto em outros, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central, a Síria, o Irã e a Mesopotâmia, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam.

Exposição de longa duração no MAC USP
2024-03-09 10:00 - 2026-01-25 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Walter Ufer, Construtores do Deserto, 1923 (detalhe)

O Museu de Arte Contemporânea da USP apresenta a exposição Galeria de Pesquisa – Aspectos da coleção da Terra Foundation for American Art através do programa Terra Collection-in-Residence, com 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP). A parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP envolve também a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Nos próximos dois anos as obras em exposição permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP e apoiar atividades didáticas e de pesquisa.

A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago (EUA), que desde os anos 1980 coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Algumas das obras já integraram outras parcerias com o Brasil, presentes em exposições de pesquisa realizadas no MAC USP – Atelier 17 e a gravura moderna nas Américas (2019), e na Pinacoteca de São Paulo – Paisagem nas Américas (2016) e Pelas ruas: vida moderna e experiências urbanas na arte dos Estados Unidos, 1893-1976 (2022). A exposição traz obras de Thomas Hart Benton, Eugene Benson, James McNeill Whistler, Louis Lozowick, James Edward Allen, Ralston Crawford, George Bellows, Bolton Brown, Winslow Homer, C. Klackner. Clare Leighton, Arnold Ronnebeck, William Zorach, Emil Bisttram, Menton Murdoch Spruance, John Ferren, Mary Nimmo Moran, Eanger Irving Couse, George Josimovich, George de Forest Brush, Walter Ufer, Edward Hooper, John Marin, Stanley Willian Hayter, Stuart Davis, Arshile Gorky, Lyonel Feininger, Armin Landeck e Thomas Moran.

Por fim, as obras se articulam na parceria da disciplina de pós-graduação Arte dos Estados Unidos e suas conexões, com o apoio da fundação e ofertada conjuntamente com a Unicamp e a Unifesp, que vem abordando estudos comparativos entre a arte produzida nos Estados Unidos e no Brasil, trazendo temáticas como arte indígena, diáspora africana nas Américas, e imigrações italianas nas Américas. Através do Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de doze museus universitários internacionais de arte em um olhar crítico sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países.

"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
2024-03-12 10:30 - 2027-03-12 18:00 | Musée Picasso Paris, 5 rue de Thorigny, Paris, França
Pablo Picasso, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree), 1907-1908 © Musée Picasso Paris

O Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé.

Fruto de uma história extraordinária, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante, plural, contraditório, reflexivo, gestual e conceitual, esteta e engajado, inventor e poeta. Ele é simbolista, cubista, clássico, surrealista ou simplesmente figurativo e político?

Um lugar aberto e vibrante, o museu aborda questões sociais para questionar, através da jornada de sua obra, a recepção dela, ou seja, a do pintor mais renomado, mais observado, mas também o mais discutido.

É também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.

"Um Defeito de Cor" no Sesc Pinheiros
2024-04-25 10:30 - 2025-02-26 21:00 | Sesc Pinheiros, R. Pais Leme, 195 - Pinheiros, São Paulo, SP, Brasil
Marcio Vasconcelos, Tessi Sodokpa – Cotonou, 2009

De 25 de abril a 1º de dezembro, o Sesc Pinheiros recebe “Um Defeito de Cor”. Resultado da parceria entre o Sesc São Paulo e a Organização dos Estados Ibero-americanos para a Educação, a Ciência e a Cultura (OEI), com a concepção original do Museu de Arte do Rio de Janeiro (MAR), a exposição é inspirada no livro homônimo da autora mineira Ana Maria Gonçalves, lançado em 2006. A curadoria é da escritora ao lado de Marcelo Campos e Amanda Bonan. Após abertura no MAR, no Rio de Janeiro, e temporada no Museu Nacional da Cultura Afro-Brasileira (MUNCAB), em Salvador, a mostra chega à capital paulista. Por meio de obras de artes, faz alusão ao período do Brasil Império (1822-1889) para discutir os contextos sociais, culturais, econômicos e políticos do século 19 e seus desdobramentos em elementos contemporâneos.

Ao todo, 372 peças entre arte têxtil, fotografias, instalações, cartazes, pinturas e esculturas de autoria de artistas do Brasil, da África e das Américas interpretam “Um defeito de cor”, ganhador do prêmio Casa de las Américas e considerado um dos mais importantes clássicos da literatura afro-feminista e nacional. Assim como o livro, a exposição faz um enfrentamento às lacunas e ao apagamento da história da população negra ao contar a jornada de uma mulher africana nascida no início do século 19, escravizada no Brasil, e sua busca por um filho perdido.

Dentre as novidades que serão apresentadas no Sesc Pinheiros estão os figurinos e croquis das fantasias do Grêmio Recreativo Escola de Samba Portela, assinados pelo artista e carnavalesco Antônio Gonzaga, que se inspirou no livro de Ana Maria para desenvolver o samba-enredo do Carnaval 2024, no Rio de Janeiro. O desfile impulsionou a procura em livrarias físicas e digitais e elevou “Um defeito de cor” para a categoria de mais vendidos do Brasil. Além disso, estarão em exibição, pela primeira vez, um “Retrato de Ana Maria”, quadro de Panmela Castro; “Bori – filha de Oxum”, do artista e babalorixá Moisés Patrício, e “romaria”, mural que será pintado por Emerson Rocha na entrada do Sesc Pinheiros, além de uma programação integrada, com ações educativas divulgadas ao longo do período expositivo.

Dividida em dez núcleos não-lineares, que se espelham nos dez capítulos do livro, a exposição não é cronológica nem explicativa. O objetivo é trazer uma visão do Brasil com momentos históricos e recortes sociais transmitidos por meio de uma produção intelectual e de imagem presentes na arte contemporânea. A mostra faz um mergulho na essência de temas como os levantes negros, o empreendedorismo, o protagonismo feminino, o culto aos ancestrais e a África Contemporânea, que reexaminam os caminhos da população afro-brasileira desde os tempos de escravidão até os dias atuais, e fazem uma interpretação dos conceitos apresentados no romance, principalmente as origens e as identidades africanas que constituem a população, das quais ainda pouco se sabe.

Ana Maria Gonçalves faz sua estreia na curadoria da mostra ao lado de Amanda Bonan e Marcelo Campos, ambos do Museu de Arte do Rio. A arquiteta Aline Arroyo assina a expografia, que teve consultoria de Ayrson Heráclito, e a paisagem sonora foi criada pelo pesquisador e músico Tiganá Santana, em colaboração com Jaqueline Coelho.

“Retomar ao ‘Um defeito de cor’ e, desta vez, como participante da equipe de curadoria da exposição que leva o nome e a ideia do livro é, ao mesmo tempo, um conjunto de experiências antagônicas e complementares. Como também o é tudo que trata, por exemplo, da experiência dos povos tocados e transformados pela escravidão. É um retorno no tempo e no espaço para um lugar que foi construído a várias mãos, e não menos sangue, dor e sofrimento”, afirma Ana Maria.

"Xican-a.o.x. Body" no Pérez Art Museum Miami
2024-06-13 11:00 - 2025-03-30 18:00 | Pérez Art Museum Miami, 1103 Biscayne Blvd., Miami, Flórida, Estados Unidos
Patssi Valdez, “Hot Pink” (still), 1980-1983. Cortesia da artista e American Federation of Arts

Xican-a.o.x. Body é a primeira grande exposição a mostrar o trabalho de artistas que destacam o corpo como um local de agência política e imaginação, investigação artística, descolonização e formas alternativas de comunidade. O título da exposição é baseado no termo “Chicano”, tradicionalmente definido como uma identidade étnica para os mexicanos-americanos que abraçam sua ancestralidade indígena. A exposição surge no cruzamento das práticas artísticas experimentais datando dos anos-chave do Movimento Chicano nas décadas de 1960 e 1970 e abraça o trabalho de artistas que se identificam de várias maneiras — incluindo mexicanos-americanos, Chicana/o, Xicanx, indígenas, Latinx, negros, pardos e queer.
O framework curatorial de Xican-a.o.x. Body se baseia na ideia de “Brown Commons”, um termo cunhado pelo escritor José Esteban Muñoz. Segundo a definição de Muñoz, “Brownness” (a condição de ser pardo) é articulada como um sentimento e experiência de pessoas que existem em um “entre-lugar” e, portanto, são lidas como o Outro. Outro framework importante surge da ideia de Xicanisma, um termo concebido pela escritora e poeta Anna Castillo para definir um tipo de feminismo Chicana socioeconomicamente e culturalmente específico. Xican-a.o.x. Body apresenta obras conceituais, experimentais e pioneiras do final dos anos 1960 até o presente, utilizando uma ampla gama de mídias — de poesia e cerâmica a pintura, fotografia, escultura, filme, performance e desenhos — que iluminam nossa compreensão da arte e cultura Xicanx.
Os artistas de Xican-a.o.x. Body incluem Laura Aguilar, Celia Álvarez Muñoz, Asco (Harry Gamboa Jr., Gronk, Willie Herrón III, e Patssi Valdez, 1972–82), Mario Ayala, Judith F. Baca, Alice Bag, Julia Barbosa Landois, Ariana Brown, Nao Bustamante, William Camargo, Barbara Carrasco, Charlie Cartwright (Good Time Charlie), Mel Casas, Isabel Castro, Yreina D. Cervántez, Enrique Chagoya, Artemisa Clark, Liz Cohen, Adriana Corral, Camilo Cruz, Cyclona, Ms. Vaginal Davis, Albert De Alba Sr., Sandra de la Loza, Natalie Diaz com Mohammed Hammad, Alex Donis, Frances Salomé España, rafa esparza, Justin Favela, Christina Fernandez, Diane Gamboa, Maria Gaspar, Jay Lynn Gomez, Ken Gonzales-Day, Alfonso Gonzalez Jr., Fabian Guerrero, Ester Hernandez, Sebastian Hernández, Celia Herrera Rodríguez, Salomón Huerta, Luis Jiménez, Alma López, Yolanda López, Richard A. Lou, James Luna, Narsiso Martinez, Patrick Martinez, Delilah Montoya, Malaquias Montoya, Chuco Moreno, Gabriela Muñoz, Marcos Raya, Sandy Rodriguez, Gabriela Ruiz, Sylvia Salazar Simpson, Shizu Saldamando, Teddy Sandoval, Tamara Santibañez, The Q-Sides (Vero Majano, Amy Martinez, e Kari Orvik), Walter Thompson-Hernández, John Valadez, Patssi Valdez, Linda Vallejo, Ricardo Valverde, Kathy Vargas e José Villalobos.

"NAOMI: In Fashion exhibition" no V&A Museum
2024-06-22 10:00 - 2025-04-06 17:30 | Victoria and Albert Museum (V&A), Cromwell Rd, Londres, Reino unido
Naomi Campbell. Imagem: Divulgação V&A Museum

NAOMI: In Fashion explora os 40 anos inigualáveis da carreira da modelo e ícone cultural Naomi Campbell. Após ser descoberta em Covent Garden aos 15 anos, Campbell rapidamente ganhou destaque na indústria e fez história alguns anos depois, aos 18, ao se tornar a primeira modelo negra a estampar a capa da Vogue Paris, em agosto de 1988.

Produzida em colaboração com Campbell e destacando sua voz e perspectiva, NAOMI: In Fashion é a primeira exposição a celebrar a habilidade e a contribuição de uma modelo individual para a indústria da moda. A exposição conta com o extenso guarda-roupa de alta-costura e prêt-à-porter de Campbell, incluindo peças de momentos-chave de sua carreira, além de empréstimos de arquivos de designers e objetos das coleções do V&A. Entrelaçado está o ativismo de Campbell, que desde cedo defendeu a equidade, juntando-se à Black Girls Coalition em 1989 e liderando a edição de 2007 da Vogue Itália, chamada “A Black Issue”, que clamava por diversidade nas passarelas.

Becoming Naomi

A exposição começa com clipes impactantes de Campbell na passarela, ilustrando seu lendário “andar”. A primeira seção, “Becoming Naomi”, explora a infância de Campbell e fundamenta seu sucesso posterior em seu treinamento inicial de dança. Nascida em 1970 no sul de Londres, ela aspirava a uma carreira no palco e se apresentou em videoclipes dos anos 1980 para artistas como Bob Marley e Culture Club. Sua vida mudou aos 15 anos, quando foi abordada pela agente de modelos Beth Boldt enquanto fazia compras com amigos da escola. Dois anos depois, ela estaria na capa da Vogue e desfilando para renomados designers em Londres, Paris, Milão e Nova York.

Supermodel

Campbell entrou na moda em um momento de mudança. No início dos anos 1990, o termo supermodelo – ou modelo que se tornou celebridade internacional – era amplamente usado em referência direta a Campbell e um pequeno grupo de colegas. A moda havia se tornado entretenimento de massa e Campbell estava no centro dessa emoção, sendo apoiada por designers líderes como John Galliano, Gianni Versace, Karl Lagerfeld, Vivienne Westwood e Yves Saint Laurent. Ela se tornou conhecida por sua presença superlativa na passarela, enquanto seu trabalho com fotógrafos de destaque criou algumas das imagens mais memoráveis da época. Simultaneamente, ela transcendeu o mundo da moda, atuando em videoclipes, lançando seu próprio perfume e se tornando uma defensora da diversidade.

Azzedine Alaïa

A próxima seção foca na relação pessoal e profissional de Campbell com o falecido designer Azzedine Alaïa, nascido na Tunísia e baseado em Paris, a quem ela conheceu durante seus primeiros dias em Paris e a quem chamou de “Papa”. Famoso por seus designs que acentuam as formas, Alaïa via o físico escultural de Campbell como “um corpo perfeito”, o que inspirou grande parte de seu trabalho. Juntos, criaram momentos mágicos na passarela e editoriais de destaque.

New York

Campbell se mudou para Nova York aos 17 anos, dividindo um apartamento com a colega modelo Christy Turlington antes de garantir seu próprio lugar na East 30th Street. Campbell mergulhou na vibrante cena da moda da cidade, forjando amizades duradouras com designers e outros da indústria, de Marc Jacobs a Anna Sui, relações que resistiriam ao teste do tempo.

The spotlight

Desde o início dos anos 1990, Campbell tem sido uma das modelos mais destacadas do mundo – e uma das mulheres negras mais reconhecidas – na televisão, nos celulares, em videoclipes e jornais. A seção “The spotlight” explora um momento biográfico muito divulgado quando Campbell cumpriu um período de serviço comunitário por ordem judicial. Em exibição está o vestido Dolce & Gabbana que Campbell usou em seu último dia de serviço comunitário – um look que ela vestiu em resposta aos paparazzi que capturavam sua chegada e partida todos os dias.

Exemplar

A próxima seção examina Naomi Campbell como um exemplo na área, focando em suas colaborações iniciais com casas de moda como Dolce & Gabbana, Vivienne Westwood e Jean Paul Gaultier. Formadas quando Campbell era jovem, essas conexões evoluíram para amizades colaborativas de décadas, com designers valorizando sua habilidade de glamourizar qualquer roupa e modelar os conjuntos mais difíceis com aparente facilidade.

Curada por Edward Enninful OBE, uma seleção de fotografias na exposição destaca a alquimia única de Campbell com a câmera. Apresentando trabalhos de fotógrafos mundialmente renomados como Steven Meisel, Arthur Elgort, Patrick Demarchelier e David Bailey, Campbell tem um profundo respeito por aqueles com quem trabalha, reconhecendo seu talento artístico e visão, e colaborando para alcançar a imagem que eles têm em mente.

"Anthony McCall: Solid Light" na Tate Modern
2024-06-27 10:00 - 2025-06-29 18:00 | Tate Modern, Bankside, Londres, Reino unido
Anthony McCall. “Split Second (Mirror)” (2018). Vista da instalação, Sean Kelly Gallery, Nova York, 2018. Fotografia de Dan Bradica

Seus movimentos e interações dão vida às obras dentro de Solid Light, uma exposição focada nas instalações imersivas de Anthony McCall.
Feixes de luz projetados através de uma fina névoa criam formas tridimensionais grandes no espaço, que mudam e se transformam lentamente. Ao se mover por essas esculturas translúcidas de luz, você cria novas formas e descobre perspectivas fascinantes.
Posicionada entre escultura, cinema, desenho e performance, McCall é conhecido por suas instalações inovadoras de luz. Em 1973, sua obra seminal Line Describing a Cone redefiniu as possibilidades da escultura.
Anthony McCall é apresentado na The George Economou Gallery.
Curadoria de Gregor Muir, Diretor de Coleção de Arte Internacional, Tate Modern, e Andrew de Brún, Curador Assistente de Arte Internacional, Tate Modern.

"J. Borges – O Sol do Sertão" no Museu do Pontal
2024-06-29 10:00 - 2025-03-30 18:00 | Museu do Pontal, 3300 Av. Célia Ribeiro da Silva Mendes Barra da Tijuca, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil
J. Borges, O forró dos bichos. Foto: Divulgação

A exposição “J. Borges – O Sol do Sertão”, com curadoria de Angela Mascelani e Lucas Van de Beuque, é a mais abrangente da carreira do mestre da xilogravura brasileira. Com mais de 200 obras que percorrem seus 60 anos de trajetória, a mostra inclui xilogravuras, matrizes, cordéis e vídeos. As obras de J. Borges estão distribuídas em duas galerias do mezanino, parte do foyer e da galeria principal, interagindo com o acervo de arte brasileira do Museu do Pontal. No jardim interno, um mural de 24 m² apresentará a popular xilogravura “Asa Branca”, inspirada pela música de Luís Gonzaga e reproduzida por Pablo Borges, filho do artista.

"Ink and Ivory: Indian Drawings and Photographs Selected with James Ivory" no The Met Museum
2024-07-29 10:00 - 2025-05-04 17:00 | The Metropolitan Museum of Art, 1000 5th Ave, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Buffaloes in Combat (detalhe), Atribuído a Miskin, Índia, Mughal, final do século XVI.

Esta exposição apresenta uma seleção de desenhos superlativos das cortes e centros da Índia e do Paquistão (com algumas obras persas relacionadas), datados do final do século XVI ao século XX. Essas obras foram selecionadas principalmente da coleção do Met em parceria com o diretor de cinema James Ivory, cuja recente doação ao Museu de álbuns fotográficos do século XIX também será destaque na exposição (2021.381.1-16). Os desenhos incluirão exercícios preparatórios frescos e informais para pinturas, bem como obras lindamente acabadas por si só. As fotografias apresentarão os temas e estilos que surgiram nos contextos de patrocínio real e cerimônia; vistas de arquitetura, cidades, paisagens e pessoas, entre outros. Como artista e cineasta, James Ivory nos ajudará a apreciar esse material através de seu olhar único. Um curta-metragem — An Arrested Moment — dirigido por Dev Benegal, acompanhará a exposição.
A exposição é viabilizada pelo Hagop Kevorkian Fund.
Apoio adicional é fornecido pelo Lavori Sterling Foundation Endowment Fund.

"Acervo Aberto" no MAC USP
2024-08-03 10:00 - 2025-05-25 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Detalhe da obra de Hermelindo Fiaminghi. Imagem / Divulgação

O Museu de Arte Contemporânea da USP inaugura no sábado, 3 de agosto, a partir das 11 horas, a exposição Acervo Aberto, reunindo mais de 150 obras de 46 artistas do acervo do Museu. Concebida por um grupo de trabalho formado por diversos profissionais do MAC USP, Acervo aberto apresenta uma seleção de obras que considerou o histórico de exibição das peças, privilegiando as nunca expostas e/ou com mais de 10 anos da última exposição, entre elas, obras recém-doadas e ainda não expostas no MAC USP. A exposição reúne obras produzidas desde 1925 (Lucy Citti Ferreira) até 2022 (Laura Vinci). Acervo aberto é uma mostra experimental inspirada pela ambiência das reservas técnicas – local de acesso restrito onde as obras de arte são acondicionadas. Em alguns trechos da mostra fica evidente a confluência dos diversos materiais, característica da produção contemporânea que não se prende às categorias tradicionais da arte, como pintura, escultura ou gravura, por exemplo. O controle da luminosidade é um ponto importante da mostra em respeito à conservação das obras. Ao longo da exposição, algumas obras serão protegidas, particularmente as em suporte de papel, como ação preventiva. Dessa maneira, dentro dos limites da extroversão, o público pode testemunhar o campo de possibilidades de uma reserva técnica; a relevância dos materiais e, sobretudo, as condições que orientam o trabalho de pesquisa e guarda do objeto contemporâneo. Dentre os artistas participantes estão nomes como Mira Schendel, Pola Rezende, Hermelindo Fiaminghi, José Antônio da Silva, Nelson Leirner, Nuno Ramos, Elida Tessler, Sérgio Sister, Ricardo Basbaum, Henrique Oswald, Regina Vater, Sérgio Adriano H, Glauco Rodrigues e Amélia Toledo, entre tantos outros. O Grupo de Trabalho Acervo Aberto é formado por Alecsandra Matias, Ana Maria Farinha, Ariane Lavezzo, Claudia Assir, Elaine Maziero, Marta Bogéa, Michelle Alencar, Paulo Roberto Amaral Barbosa, Rejane Elias e Sérgio Miranda, além da colaboração de Henrique Cruz, Mariana Valença, Mateus Oliveira e Nathielli Ricardo, estudantes da USP estagiários no Museu.

"Every Sound Is a Shape of Time" no Pérez Art Museum Miami
2024-08-08 11:00 - 2025-03-16 18:00 | Pérez Art Museum Miami, 1103 Biscayne Blvd., Miami, Flórida, Estados Unidos
Alfredo Jaar, “I Can’t Go On. I’ll Go On”, 2016. Imagem: Divulgação

Ao longo da história, a arte tem sido um farol para a humanidade em tempos turbulentos. Neste momento de mudança e ruptura globais dinâmicas, a arte continua a nos guiar através da incerteza. Esta exposição, que incorpora a missão e visão do Pérez Art Museum Miami (PAMM), nos convida a refletir sobre nossa existência compartilhada e a capacidade inerente de moldar nossa própria realidade. Tomando seu título de uma obra da artista cubana Glenda León, “Every Sound Is a Shape of Time” explora o humanismo e a beleza, tirando força da coleção em uma pluralidade de vozes.
Desde que se tornou uma instituição de colecionamento há 30 anos, o PAMM tem se concentrado em arte moderna e contemporânea, com ênfase particular na arte contemporânea. A maioria das obras da coleção foi criada após a Segunda Guerra Mundial, e mais da metade foi feita nos últimos 50 anos. Esta exposição apresenta 21 obras de 17 artistas diversos, desde pinturas abstratas até exemplos de conceitualismo baseado em fotografia e texto. A mostra inclui obras de León, Luis Camnitzer, Abraham Cruzvillegas, Helen Frankenthaler, Alfredo Jaar, Jennie C. Jones, Julie Mehretu, Robert Morris, Lydia Okumura, Richard Serra e Lawrence Weiner, entre outros.

“Nós — Arte e Ciência por Mulheres” no Sesc Interlagos
2024-08-22 11:00 - 2025-03-30 18:00 | Sesc Interlagos, Av. Manuel Alves Soares, 1100 - Parque Colonial, São Paulo, SP, Brasil
Obra de Efe Godoy. Imagem: Divulgação

O Sesc Interlagos recebe a partir de 22 de agosto a exposição “Nós — Arte e Ciência por Mulheres”, sobre a trajetória da produção científica, intelectual e artística das mulheres como produtoras e mantenedoras de conhecimento. A mostra apresenta um panorama que valoriza sua contribuição e, ao mesmo tempo, as diversas camadas pelas quais historicamente foram invisibilizadas de suas atuações na sociedade.
A realização é do Sesc São Paulo, com concepção do Estúdio M’Baraká e cocuradoria de Isabel Seixas, Letícia Stallone, Gisele Vargas e Diogo Rezende, além da consultoria realizada pela pesquisadora Magali Romero Sá, especializada em História da Ciência. São apresentadas cerca de 300 obras a partir da apresentação de personagens, de iconografia histórica e científica e com os trabalhos de artistas contemporâneas como Berna Reale, Laura Gorski e Ana Teixeira.
Contemplando cenários históricos que vão desde a sabedoria ancestral até a crescente presença feminina nas instituições científicas, a narrativa da exposição propõe uma reflexão e um contraponto sob a perspectiva do feminino com dados históricos e contribuições. A mostra ilustra como, por meio de conhecimento, posturas e narrativas afirmativas, as mulheres atravessaram séculos de um pensamento hegemônico de opressão.
“Nós, mulheres, sempre criamos, curamos, catalogamos, inventamos, analisamos e, sobretudo, lutamos. ‘Nós — Arte e Ciência por Mulheres’ traz para a linguagem de exposição uma narrativa que busca dar visibilidade à contribuição das mulheres ao longo dos tempos, e faz isso através da arte, buscando informar e sensibilizar para mudanças em curso, mas que seguem urgentes para a emancipação das mulheres“, ressalta Isabel Seixas, da equipe curatorial.

"100 anos de Paulo Vanzolini, o cientista boêmio" no Sesc Ipiranga
2024-08-28 09:00 - 2025-03-16 21:30 | Sesc Ipiranga, 822 R. Bom Pastor Ipiranga, São Paulo, São Paulo, Brasil
GARBE na Amazônia, decadas de 1960 e 1970. Crédito Acervo da Família

No centenário de nascimento de Paulo Vanzolini (1924 – 2013), compositor brasileiro responsável por clássicos como Ronda e Volta Por Cima, o Sesc São Paulo apresenta uma imersão na vida do artista, revelando não apenas sua faceta musical, mas também a trajetória do zoólogo de renome internacional. A exposição 100 anos de Paulo Vanzolini, o cientista boêmio ocupa o Sesc Ipiranga a partir de 28 de agosto de 2024, e segue em cartaz até 16 de março de 2025. Idealizada pelos filhos do cientista, o diretor de arte e cineasta Toni Vanzolini e a psicóloga Maria Eugênia Vanzolini, a mostra conta com curadoria de Daniela Thomas, reconhecida cenógrafa, cineasta e diretora teatral.
“A data simbólica do centenário de Paulo Emilio Vanzolini, nosso pai, nos motivou a pensar uma exposição que mostrasse um pouco da pluralidade desse brasileiro que ouviu, traduziu, pesquisou, escreveu, cantou e pensou um Brasil bom, diverso e inclusivo. Que sempre valorizou o conhecimento e a arte, fazendo de ambas seu maior legado. O universo desse personagem interessado e interessante, ‘cientista boêmio’, como bem o definiu Antonio Candido, é o que queremos mostrar nessa exposição”, antecipa Toni Vanzolini.
Sem perder de vista o lado boêmio e artístico do homenageado, a exposição revisita as expedições científicas e as contribuições para a ciência empreendidas como herpetólogo, especializado no estudo de répteis e anfíbios. O Sesc Ipiranga como espaço para a exposição possui um simbolismo especial: a proximidade com o Museu de Zoologia da Universidade de São Paulo (MZUSP), onde Paulo Vanzolini trabalhou por cinco décadas – três destas, como diretor.
“Algumas figuras são incontornáveis na história de uma cidade, de um país. Algumas chegam a ser incontornáveis até no planeta. É o caso do nosso homenageado nessa exposição, Paulo Vanzolini, que completaria 100 anos este ano e que passou a maior parte da sua vida aqui do lado do Sesc Ipiranga, dirigindo o Museu de Zoologia da USP, sua casa. Ou uma de suas casas, já que se sentia perfeitamente integrado à paisagem numa picada na floresta, no seu laboratório ou no boteco, entre músicos ou entre os maiores intelectuais da sua época”, destaca Daniela Thomas. “Homem ímpar, de uma inteligência sobrenatural, uma inventividade que produziu versos inesquecíveis como ‘reconhece a queda e não desanima, levanta, sacode a poeira, dá a volta por cima’ e teorias revolucionárias na zoologia, e de uma determinação quase autoritária, características que fizeram dele essa potência realizadora que celebramos agora”.
Em parceria com o Museu de Zoologia da USP, a exposição exibe ao público 51 exemplares conservados de espécies animais identificadas e catalogadas por Vanzolini. Esses espécimes, emprestados pelo Museu ao Sesc, estão em destaque em uma sala que recria um laboratório de zoologia.
Cinco salas temáticas revelam a trajetória multifacetada de Vanzolini, abrangendo mais de meio século de pesquisa. A exposição destaca suas célebres expedições amazônicas e as conexões entre arte e ciência que ele promoveu. Documentos, fotografias e vídeos oferecem um vislumbre dos bastidores das descobertas marcantes do “cientista boêmio”, apelido carinhosamente atribuído por Antonio Cândido, sociólogo e crítico literário, no encarte do disco Acerto de Contas de Paulo Vanzolini (2002). Esta compilação apresenta 52 composições do cientista, interpretadas por renomados artistas como Chico Buarque, Paulinho da Viola e Martinho da Vila.
No percurso expositivo, ilustrações de Alice Tassara guiam os visitantes pela trajetória de Vanzolini, em uma cronologia biográfica que destaca aspectos de sua formação acadêmica e seu círculo de amizades com intelectuais, artistas e ícones da música popular brasileira.

"Cecilia Vicuña: Quipu Gut" no Pérez Art Museum Miami
2024-08-29 11:00 - 2025-08-10 18:00 | Pérez Art Museum Miami, 1103 Biscayne Blvd., Miami, Flórida, Estados Unidos
Cecilia Vicuña, “Quipu Gut”, 2017. Vista da instalação na Documenta 14, Documenta Halle, Kassel, 2017. © 2024 Cecilia Vicuña / Artists Rights Society (ARS), Nova York. Cortesia da artista, Pérez Art Museum Miami e Lehmann Maupins. Foto: Feodora Pallas.

Cecilia Vicuña é uma poetisa e artista que cresceu na comuna chilena de La Florida, no Vale do Maipo. Filha de uma família de artistas e intelectuais, Vicuña cresceu ouvindo sobre a perseguição e encarceramento de indivíduos que lutavam pela justiça social em um contexto de agendas governamentais cada vez mais conservadoras. Durante sua estadia na Slade School of Fine Art em Londres, com uma bolsa do British Council, entre 1972 e 1973, um golpe de estado liderado pelo general Augusto Pinochet, comandante-chefe do exército chileno, deu início a uma ditadura militar de dezessete anos. Isso fez com que Vicuña permanecesse em Londres em um exílio autoimposto, onde ela exibiu seu trabalho no Institute of Contemporary Arts e publicou seu primeiro livro, Saborami (1973). Naquele período, seu foco estava principalmente no ativismo político contra o fascismo e as violações dos direitos humanos no Chile e em outros países.
Em 1975, ela retornou à América do Sul para viver em Bogotá, na Colômbia, onde iniciou um caminho de redescoberta criativa voltado para a arte e a cultura indígenas. O interesse de Vicuña pelo quipu (“nó” em quechua) foi reacendido nesse período e permanece como uma constante fonte de inspiração. O quipu é uma antiga tecnologia de comunicação andina que usa cordas amarradas para registrar informações, prática que foi proibida pelos espanhóis durante a colonização da América do Sul. Em 1965, Vicuña fez a primeira referência ao quipu em seu diário com a frase, el quipu que no recuerda nada (“o quipu que não lembra nada”). O conhecimento, a sabedoria e a memória estão incorporados em sua concepção criativa e poética do quipu, inspirando as iterações subsequentes e manifestações desse antigo dispositivo de comunicação.
Quipu Gut faz parte de uma grande família de estruturas de quipu vermelho que a artista criou desde Quipu Menstrual em 2006; a cor visa associar as obras ao “sangue das geleiras” destruídas pela mineração. Os quipus vermelhos também refletem sobre água, sangue e feminilidade, manifestados como fios poéticos e fluxos de energia. Quipu Gut (2017) é um dos dois quipus comissionados para a documenta 14; foi exibido no documenta Halle em Kassel, Alemanha; Quipu Womb (2017), a segunda obra comissionada, foi exibida no Museu Nacional de Arte Contemporânea em Atenas. Ambas foram criadas “em homenagem a uma tradição religiosa sincrética que—via o cordão umbilical do simbolismo menstrual—conecta as deusas-mãe andinas com as mitologias marítimas da Grécia antiga. A mitologia se manifesta espiritualmente no que Vicuña descreve como seu “poema no espaço”, construído com cinquenta grandes fios de lã não fiada, tingidos de vermelho e amarrados ritmicamente ao longo de quase dez metros de comprimento, conectando histórias compartilhadas, práticas indígenas de tecelagem, ritual e ativismo ambiental.

"Experimentações gráficas - Doação Coleção Ivani e Jorge Yunes" no MAC USP
2024-08-31 10:00 - 2025-02-23 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Candido Portinari, Mineradores, c. 1941. Imagem: Divulgação

Em 2023 a Coleção Ivani e Jorge Yunes doou 89 volumes ilustrados por artistas modernos no Brasil e publicados no século 20 à biblioteca do Museu de Arte Contemporânea da USP. Nas publicações vemos grandes nomes da arte nacional atuando como ilustradores e artistas gráficos, como Fayga Ostrower, Regina Silveira, Emiliano Di Cavalcanti, Aldemir Martins, Tomás Santa Rosa e Noêmia Mourão, entre outros. A exposição Experimentações gráficas – Doação Coleção Ivani e Jorge Yunes, que o MAC USP inaugura no sábado, 31 de agosto, a partir das 11 horas, é um desdobramento dessa doação, apresentando parte das publicações recebidas pelo Museu em diálogo com obras de seu acervo, selecionadas pelas curadoras Renata Rocco, Francis Melvin Lee e Mariana Motta. “Buscamos demonstrar a colaboração e o trânsito de artistas modernos e contemporâneos entre as ditas “belas artes” e as “artes gráficas” e revisitar publicações e autores das décadas de 1920 a 2000, não circunscritas ao eixo Rio-São Paulo e nem sempre acessíveis ao público”, assinalam as curadoras. O olhar sobre as artes gráficas destaca a versatilidade dos artistas brasileiros e as variações das soluções artísticas, dentro de uma linguagem visual moderna ao longo do século passado. Para as curadoras, “o que atravessa a exposição é o poder das imagens, sua difusão para a construção de uma ideia de modernidade em diferentes cidades brasileiras e a estreita cooperação dos artistas com tal projeto”. O casal Ivani e Jorge Yunes começou a colecionar arte e objetos de todas as partes do mundo nos anos de 1970. Como proprietários de editoras também colecionaram livros, revistas e jornais publicados majoritariamente no Brasil. Para Beatriz Yunes Guarita, filha do casal e diretora da coleção, “essa doação vem se somar aos inestimáveis e históricos volumes que a biblioteca do museu já possui, gerando diálogos e reflexões com o acervo artístico, além de oferecer oportunidade para que o público possa conhecer e estudar essas publicações”, e completa: “Partilhar sempre foi nosso maior objetivo.”

"Ulla von Brandenburg: In Dialogue" no The Bass Museum of Art
2024-09-04 12:00 - 2025-07-06 17:00 | The Bass Museum of Art, 2100 Collins Ave City Center, Miami, Flórida, Estados Unidos
Obra de Ulla von Brandenburg. Via thebass.org
O Bass Museum of Art anuncia uma nova exposição como parte da temporada de outono 2024-2025, Ulla von Brandenburg: In Dialogue, em exibição de 4 de setembro de 2024 a 6 de julho de 2025.

Ulla von Brandenburg, artista nascida na Alemanha e radicada em Paris, trabalha com momentos idiossincráticos e figuras negligenciadas das histórias da arte e da cultura. Suas exposições e projetos abordam uma ampla gama de temas, incluindo ocultismo, psicanálise, arquitetura modernista e cinema de Hollywood, trazendo-os para contextos contemporâneos.
Ulla von Brandenburg: In Dialogue é uma apresentação do trabalho de von Brandenburg, emparelhado com o mural de cerâmica recentemente adquirido pelo Bass da artista libanesa-americana Etel Adnan (1925–2021). Figura proeminente da arte visual e literatura contemporâneas árabe-americanas, Adnan criou campos geométricos ricos em cores em suas pinturas e desenhos, alguns traduzidos em murais e tapeçarias de grande escala que refletem o interesse duradouro da artista pela arquitetura e pelo ambiente construído. Comparativamente, a prática multifacetada de von Brandenburg combina filmes, têxteis, desenhos, aquarelas e sons em cenários imersivos de exposições onde as diferentes formas de arte se harmonizam em um todo coeso (ou Gesamtkunstwerk).
Ulla von Brandenburg: In Dialogue explora esse engajamento intergeracional com a abstração geométrica—sua interação entre círculos, quadrados e triângulos—evidente tanto no mural de Adnan quanto na prática de von Brandenburg, e apresentada ao lado da rica história da artista franco-ucraniana Sonia Delaunay. Aqui, o mural abstrato lírico de Adnan (Untitled, 2023), com 14 × 21 pés, serve como protagonista e pano de fundo teatral na cenografia da exposição de von Brandenburg. As obras se entrelaçam através da linguagem da abstração e dos interesses compartilhados das artistas no ambiente social e espacial.

"Uma Vertigem Visionária — Brasil: Nunca Mais" no Memorial da Resistência de São Paulo
2024-09-07 10:00 - 2025-07-27 18:00 | Memorial da Resistência de São Paulo, Largo General Osório, 66 - Santa Ifigênia, São Paulo, SP, Brasil
Artur Barrio, “Sombra”, 1969. Foto: Cortesia memorial da resistência
A partir do dia 7 de setembro de 2024, o Memorial da Resistência, museu da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, apresenta a exposição Uma Vertigem Visionária — Brasil: Nunca Mais, com curadoria do pesquisador e professor Diego Matos. A mostra é dedicada à memória do projeto homônimo, responsável pela mais ampla pesquisa já realizada pela sociedade civil sobre a tortura no Brasil durante a Ditadura Civil-Militar (1964–1985).
A mostra resgata a memória do projeto Brasil: Nunca Mais, empreendida entre 1979 e 1985. A iniciativa foi responsável por sistematizar e produzir cópias, clandestinamente, de mais de 1 milhão de páginas contidas em 707 processos do Superior Tribunal Militar (STM), revelando a extensão da repressão política do Brasil no período.
Brasil: Nunca Mais
A história do projeto e seus desdobramentos é apresentada junto a testemunhos em vídeo de advogados, jornalistas e defensores de direitos humanos, que, por anos, tiveram seus nomes mantidos no anonimato: Paulo Vannuchi, Anivaldo Padilha, Ricardo Kotscho, Frei Betto, Carlos Lichtsztejn, Leda Corazza, Petrônio Pereira de Souza e Luiz Eduardo Greenhalgh, através do programa Coleta Regular de Testemunhos do Memorial; e entrevistas com Dom Paulo Evaristo Arns, Marco Aurélio Garcia, Eny Raimundo Moreira e Luiz Carlos Sigmaringa Seixas, pertencentes ao acervo do Armazém Memória.
O arquivo de 707 processos judiciais expõe os depoimentos de presos políticos sobre as ações de repressão, vigilância, perseguição e tortura do aparato estatal. As cópias desse conteúdo, que por anos foram mantidas em segurança em acervos preservados na Suíça e nos EUA, tiveram repatriamento e retornaram ao Brasil em 2011, onde atualmente encontram-se sob salvaguarda do Arquivo Edgard Leuenroth/Unicamp, em Campinas.
O projeto teve apoio do Conselho Mundial de Igrejas e da Arquidiocese de São Paulo, com participação de Dom Paulo Evaristo Arns (1921–2016), arcebispo de São Paulo, e do Rev. James Wright (1927-1999), da Missão Presbiteriana do Brasil Central.
Além dos arquivos do projeto Brasil: Nunca Mais, a exposição apresenta obras da Coleção Alípio Freire, sob salvaguarda do Memorial da Resistência, realizadas por ex-presos políticos como Artur Scavone, Ângela Rocha, Rita Sipahi, Manoel Cyrillo, Sérgio Ferro, Sérgio Sister e o próprio Alípio Freire, durante a permanência em presídios de São Paulo na Ditadura.
Também compõem a mostra obras de arte de artistas como Carmela Gross, Regina Silveira, Artur Barrio, Antonio Manuel, Rubens Gerchman, Claudio Tozzi e Carlos Zílio, do Acervo da Pinacoteca de São Paulo, e obras externas de Rivane Neuenschwander, Claudio Tozzi, Carlos Zilio. Rafael Pagatini apresentará uma obra comissionada para a exposição, ocupando um mural de 100m² na área externa do museu.
A exposição também lança luz sobre o tempo presente, oferecendo indícios da importância desse debate hoje na perpetuação das permanentes violências do Estado contra suas minorias e populações vulneráveis.

"Charles Ross: Spectrum 14" no Getty Center
2024-09-10 10:00 - 2025-09-07 17:30 | Getty Center, 1200 Getty Center Dr, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Charles Ross em “Solar Spectrum, Dwan Light Sanctuary”, United World College, Montezuma, NM, 2023. Foto: Jeremy Frechette.

Spectrum 14 é uma instalação composta por um conjunto calibrado de prismas que projetam um deslumbrante espetáculo de cores luminosas pela rotunda do museu. Faixas de luz espectral atravessam o espaço em relação ao sol, seguindo um arco ligeiramente diferente no céu a cada dia. Com o tempo, a obra de Ross muda em resposta à órbita de rotação da Terra, conectando-nos à experiência pré-moderna de observação e cálculo astronômico que definiu ciclos de dias, estações e rituais.
Este projeto foi comissionado para o PST ART como parte da exposição Lumen: The Art and Science of Light. É a segunda “Comissão da Rotunda”, uma série de instalações artísticas inspiradas pela coleção, arquitetura e localização do Getty Museum.

"Sensing the Future: Experiments in Art and Technology (E.A.T.)" no Getty Center
2024-09-10 10:00 - 2025-02-23 17:30 | Getty Center, 1200 Getty Center Dr, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Pepsi-Cola Pavilion, 1970, fotografia de Harry Shunk e János Kender. Instituto de Pesquisa Getty, 2014.R.20. Doação da Roy Lichtenstein Foundation. Floats: © Robert Breer/Kate Flax/gb agency, Paris. Sistema de neblina: © Fujiko Nakaya. Cortesia de Experiments in Art and Technology. Light Towers: © Forrest Myers, Light Frame (1968–70). © J. Paul Getty Trust.

Esta exposição imersiva narra a história de uma colaboração única entre artistas e engenheiros no meio do século XX. Ela explora os primórdios da organização Experiments in Art and Technology (E.A.T.) e destaca dois de seus projetos mais marcantes: 9 Evenings: Theatre and Engineering e o icônico Pepsi-Cola Pavilion na Exposição Mundial de 1970 em Osaka, Japão, ambos com integrações pioneiras de teatro, dança, tecnologia e arte interativa e multimídia.
Nota: Demonstrações da obra Cone Pyramid (Heart Beats Dust) de Jean Dupuy ocorrem às terças e quintas-feiras, das 15h30 às 16h30, e aos sábados, das 16h às 17h.

"Josiah McElheny: Island Universe" no LACMA
2024-09-12 11:00 - 2025-04-20 18:00 | LACMA, 5905 Wilshire Blvd Central LA, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Josiah McElheny, “Island Universe”, 2008. Los Angeles County Museum of Art, adquirido com fundos fornecidos por um doador anônimo. © Josiah McElheny, foto © Todd White Art Photography, cortesia White Cube

Island Universe, de Josiah McElheny, instalado dramaticamente no centro do Resnick Pavilion, encarna o conceito de multiverso, ou múltiplos universos coexistentes. Agora um elemento-chave do pensamento cosmológico contemporâneo, o conceito de multiverso foi inicialmente proposto na Grécia Antiga e posteriormente explorado no Hinduísmo, Budismo, Islamismo e na astronomia do século XVIII.
McElheny, interessado em como a investigação científica é moldada por e impacta o pensamento filosófico, sociológico e político, encontra uma conexão clara com as mudanças históricas que pedem o descentralização do conhecimento ocidental e até mesmo do pensamento antropocêntrico. O artista trabalhou em colaboração com o astrofísico David Weinberg no desenvolvimento de Island Universe, que considera “desenhos do tempo,” onde “cada haste é uma medida de tempo—cada polegada, o tempo dobra.”
Uma instalação complementar à próxima exposição do PST ART: Art & Science Collide, Mapping the Infinite: Cosmologies Across Cultures.

“A forma do fim: esculturas no acervo da Pinacoteca” na Pinacoteca Estação
2024-09-14 10:00 - 2025-05-04 18:00 | Estação Pinacoteca, 66 Largo Galeria Osório Santa Ifigênia, São Paulo, São Paulo, Brasil
Advânio Lessa, Raízes mortas da natureza do cipó, 2015

A exposição parte da curiosa coleção máscaras mortuárias — moldadas sobre o rosto de pintores como Almeida Júnior e Pedro Alexandrino — para investigar os modos como artistas lidam com o tempo e sua experiência. Reunindo cerca de 40 esculturas, que vão do século XII aos dias de hoje, a mostra é uma oportunidade para refletir sobre a linguagem, ver e rever obras fundamentais do acervo da Pinacoteca.
Ao entrar no espaço expositivo, o público se depara com uma escultura medieval do século XII, que representa Cristo crucificado, de autoria desconhecida – além de obras do período barroco no Brasil. Na sequência estão as máscaras mortuárias, além de esculturas de bronze de Brecheret e Liuba Wolf.
Entre elas, há a tentativa de artistas do começo do século XX de representar mulheres e homens negros como “tipos brasileiros”. Até o início da pesquisa para essa exposição, apenas uma dessas esculturas tinha um nome: Maria da Glória (entre 1920 e 1988), de Luiz Morrone. Durante a pesquisa de análise da origem desses títulos, a equipe localizou o nome da modelo para uma escultura de José Cucê, Irina – que passa agora a integrar o título da obra.
O COMEÇO
“A forma do fim” nasce a partir do olhar para o acervo centenário da Pinacoteca, que conta com mais de 13 mil obras. Dessas, quase mil fazem parte da exposição permanente, “Pinacoteca: Acervo”.
Pensando o acervo como uma plataforma para novas pesquisas e aquisições, surge o interesse pela coleção de esculturas presentes na Pinacoteca, na busca de compreender como ela se forma e quais são suas características marcantes que foram desenvolvidas ao longo do tempo. A curadoria buscou perceber essas tendências históricas, organizando seu discurso a partir daquilo que é recorrente no acervo.
OBRAS
Uma das máscaras em “A forma do fim” é a do artista Almeida Júnior, um dos nomes da arte brasileira mais importantes do século XIX, cuja obra é fundadora da coleção da Pinacoteca.
Raízes mortas de natureza e cipó (2015 – 2013), de Advânio Lessa, ressignifica a matéria morta, a transformando em algo vivo através da arte. Dando forma às diferentes dimensões do tempo, esculturas como Bicho – Relógio de sol (1960), de Lygia Clark, Yuxin (2022), de Kássia Borges, Ferramenta de Tempo (2021), de José Adário, e a performance Passagem (1979), de Celeida Tostes, propõem entender a vida e os fazeres da arte de forma cíclica.
As esculturas de Marcia Pastore e Hudinilson Jr. (década de 1980), materializam no espaço membros do corpo ou peças de roupa, registros delicados de suas presenças, que não se impõem como ordenadoras do mundo. O famoso trabalho de Waltercio Caldas, A emoção estética (1977), é uma pista para compreender essa presença e nossa experiência diante da arte: um par de sapatos parece estar a ponto de flutuar diante da forma – uma maneira de estar diante de algo que nos emociona, de compreender nossa comoção por meio do diálogo, investigando a maneira de nos por em relação e, assim, imaginar nosso futuro.

Inauguração da Casa Bradesco com a mostra “Anish Kapoor – Inflamação”
2024-09-15 10:00 - 2025-03-09 18:00 | Link Post
Vista da exposição “Inflamação” na Casa Bradesco, com obra “Blinded by Eyes, Butchered by Birth”, de Anish Kapoor. Foto: Joana França/Divulgação

A Casa Bradesco, centro de criatividade que democratiza e potencializa a criação e apreciação das artes, inaugura sua programação na Cidade Matarazzo com a exposição “Inflamação”, de Anish Kapoor. De 15 de setembro a 15 de janeiro, o espaço convida o público a explorar a “Blinded by Eyes, Butchered by Birth”, uma obra inédita criada exclusivamente para a Casa Bradesco, junto com outras 18 esculturas representativas de diferentes momentos da carreira do aclamado artista – muitas delas exibidas pela primeira vez no Brasil. Com quatro mil metros quadrados de área expositiva e curadoria de Marcello Dantas, a mostra oferece um olhar profundo sobre as criações de Kapoor.
Considerado um dos nomes mais importantes da arte contemporânea, Anish Kapoor é conhecido mundialmente por explorar cores, texturas, materialidade, espaço e a relação entre o objeto artístico e o espectador em suas obras. Em seu trabalho, tais substâncias estão presentes desde os reflexos mais sublimes na superfície líquida até os infinitos de seus vazios. “Vermelho é a cor da terra, não é uma cor do espaço profundo; é, obviamente, a cor do sangue e do corpo”, declara o artista. Para a mostra “Inflamação”, Kapoor ajudou a definir várias características do espaço expositivo, desafiando a arquitetura do local para expandir as possibilidades de significação. É o caso da obra central, “Blinded by Eyes, Butchered by Birth”, um inflável de grandes proporções que tensiona o edifício por todos os seus cantos. Concebida especialmente para a mostra no Brasil, a obra evoca uma relação com a inflamação concentrada em um gigantesco órgão, que pulsa e domina o espaço. A condição que carrega é a fragilidade essencial da existência: o que mantém a obra viva é uma pulsação constante, ela é viva e dominante. “Tenho o prazer de fazer esta exposição na Casa Bradesco, dentro da Cidade Matarazzo. A nova obra “Blinded by Eyes, Butchered by Birth” infla para preencher, ocultando a arquitetura e ocupando o espaço como forma. Ela contém uma ausência intrínseca – um presente ausente – um não-objeto,” esclarece.
E se um espelho fosse capaz de revelar como somos por dentro? É com esse questionamento que Marcello Dantas propõe uma exposição do trabalho de Anish Kapoor. O tríptico “Internal Object in Three Parts” (foto acima, de 2013-15), criado a partir de camadas de silicone e tinta, lembra pedaços de carne sangrenta e tendões. “Os sinais da inflamação são cinco, sendo comuns em praticamente todos os processos infecciosos no corpo humano. Esses indicadores são: rubor, calor, dor, edema e perda de função. Mas a inflamação é também o ato de colocar em chamas, e representa, ao mesmo tempo, uma resposta do corpo à infecção e uma resposta social na forma de um levante (“inflamar-se por uma causa”),” aponta o curador.
Para Dantas, a era em que vivemos é um estado de permanente inflamação, o que fala de um tempo em que o indivíduo e o coletivo estão em alerta, continuamente à flor da pele, diante da impossibilidade de cura e do desejo de transformação, ou seja, é a energia da mudança. É nesse contexto que obras como “Wound” (2009) produzem um efeito hipnótico com a possibilidade de vislumbrar dois mundos: o de fora e o de dentro. “Anish Kapoor explora a natureza não verbal da cor com um simbolismo pré-verbal. Sem necessidade de palavras ou mesmo pensamento articulado, ela funciona como uma rota direta e visceral para a metáfora – o sangue, material essencial,” completa.
A exposição conta ainda com obras mais recentes do artista, as non-objects (de 2018 e 2019), montadas pela primeira vez no Brasil, são feitas com nanotecnologia Vantablack. O material detém o selo de substância mais escura já produzida pelo ser humano, absorvendo até 99,96% da luz visível. Desde 2016, Kapoor trabalha com este material para explorar temas como escuridão, interioridade e o vazio.

"Robert Frank’s Scrapbook Footage" no MoMA
2024-09-15 10:30 - 2025-04-13 17:30 | MoMA, 11 W 53rd St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Vista da exposição “Robert Frank’s Scrapbook Footage”. Foto: Emile Askey

Robert Frank é mais conhecido por suas imagens de uma América do pós-guerra marcada por discórdia social e política, e pelos filmes que fez com os poetas da Geração Beat e os Rolling Stones. Assim, as imagens filmadas encontradas apenas após a morte de Frank em 2019 podem surpreender alguns espectadores. Armazenadas em locais de depósito, essas latas e fitas de filme, que abrangem os anos de 1970 a 2006, oferecem um vislumbre da vida e do trabalho do artista. Em parceria com a June Leaf e a Robert Frank Foundation, a editora de filmes de longa data de Frank, Laura Israel, e o diretor de arte Alex Bingham utilizaram esses fragmentos para criar um álbum de imagens em movimento. Com projeções em várias telas, a instalação transmite a intimidade e a imediata percepção das observações de Frank sobre família, amigos e colaboradores, bem como sobre interiores domésticos e vistas de cidades e costas.
As filmagens nesta instalação, costuradas por Israel e Bingham para evocar seu olhar e voz inquietos, lançam uma nova luz sobre seu processo artístico — ao mesmo tempo cômico e melancólico. Vemos Frank viajar entre suas casas em Nova York e Nova Escócia; pelas estradas abertas dos Estados Unidos e do Canadá; e por paisagens urbanas, incluindo as de Beirute, Cairo, Moscovo e sua Suíça natal. Frank torna os prazeres mais efêmeros atemporais: um banho quente e uma chaleira fumegante, um vislumbre de sua esposa June Leaf em seu estúdio, o jogo de luz do sol em sua mão.

"We Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art" no LACMA
2024-09-15 11:00 - 2025-09-01 18:00 | LACMA, 5905 Wilshire Blvd Central LA, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Alfonso Nava Larios, “Cosmic Tree (Guamuchil)”, 2023. © Alfonso Nava Larios, foto © Museum Associates/LACMA, por Javier Hinojosa.

Artistas mesoamericanos assumiam uma responsabilidade cósmica: ao adornarem superfícies de edifícios, vasos de barro, têxteis, páginas de papel de casca e esculturas com cores, eles (literalmente) criavam o mundo. O poder da cor emergia da materialidade de seus pigmentos, das mãos habilidosas que os confeccionavam e das comunidades cujo conhecimento lhes atribuía significado. A cor mapeava a ordem do cosmos, do tempo e do espaço. Ao manipular e aplicar cores, os artistas detinham o poder da criação cósmica em suas mãos.
We Live in Painting: The Nature of Color in Mesoamerican Art explora a ciência, a arte e a cosmologia das cores na Mesoamérica. Histórias de colonialismo e industrialização no Ocidente “averso à cor” minimizaram a profunda significância da cor nas Américas Indígenas. A exposição segue duas linhas de investigação interconectadas — análises técnicas e materiais, e concepções indígenas de arte e imagem — para alcançar a plena riqueza da cor no cerne das visões de mundo mesoamericanas.
