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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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SUMMARY:"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
DESCRIPTION:Amar se aprende amando\, dedicada a Antonio Bandeira\, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará\, após mais de três anos em cartaz. \nMaior mostra já realizada sobre o artista\, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu\, em dezembro de 2022\, celebrando o centenário do pintor. \nCom curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto\, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira\, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.
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LOCATION:Pinacoteca do Ceará\, R 24 de Maio\, 34 - Centro\, Fortaleza\, Brazil
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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"FUNK: Um grito de ousadia e liberdade" no Museu de Arte do Rio
DESCRIPTION:O Museu de Arte do Rio (MAR) lança a sua nova exposição FUNK: Um grito de ousadia e liberdade no dia 29 de setembro. A principal mostra do ano do MAR perpassa os contextos do funk carioca através da história. Apresentada pelo Instituto Cultural Vale\, com curadoria da Equipe MAR junto a Taísa Machado e Dom Filó\, a mostra contou também com a colaboração de consultores\, como Deize Tigrona\, Celly IDD\, Tamiris Coutinho\, Glau Tavares\, Sir Dema\, GG Albuquerque\, Marcelo B Groove\, Leo Moraes\, Zulu TR. \n\n\n\nA temática da exposição irá apresentar e articular a história do funk\, para além da sua sonoridade\, também evidenciando a matriz cultural urbana\, periférica\, a sua dimensão coreográfica\, as suas comunidades\, os seus desdobramentos estéticos\, políticos e econômicos ao imaginário que em torno dele foi constituído. “Funk é um tema coletivo. Durante muitos momentos no MAR\, fomos instigados a fazer uma exposição sobre o funk carioca. A exposição conta com duas salas. A primeira sala é sobre o soul\, esse movimento de músicas importadas dos anos 70 e 80\, que ganhou repercussão no Brasil e\, é claro\, influenciou o consumo também de roupas\, sapatos\, cabelos…a estética que vira consumo. Tem ali\, ainda\, a presença de pessoas que tinham acesso a equipamentos\, compravam discos importados e começavam a fazer grandes equipes de som para tocar nas festas. Eram essas festas\, feitas em clubes de bairros\, que precederam o funk de hoje. Já a segunda sala é toda dedicada ao baile de favela\, que hoje constitui\, talvez\, uma das maiores forças de produção artística carioca e nacional. A gente mergulha nisso\, na história dos bailes constituídos por lonas\, instalados em vários lugares\, mas sempre dentro das comunidades”\, antecipa Marcelo Campos\, Curador Chefe do MAR. \n\n\n\nA abordagem vai se estender\, ainda\, à presença do funk nas mais variadas dimensões e práticas culturais\, com especial atenção ao campo das artes visuais contemporâneas\, para as quais o funk foi uma referência de visualidade\, de resistência política\, de alteridade e de forma.  Objetos próprios da história do estilo musical serão combinados a uma profusão audiovisual de sons\, vozes e gestos\, bem como atravessados por uma iconografia relacionada ao funk\, de modo a convidar o público da cidade a experimentar sua história como uma das mais potentes formas de imaginar e singularizar o Rio de Janeiro. \n\n\n\nA exposição é dividida em 11 núcleos e contará com mais de 900 itens. Entre os mais de 100 artistas brasileiros e estrangeiros que participam da exposição\, estão Hebert\, Vincent Rosenblatt\, Blecaute\, Gê Vianna\, Manuela Navas\, Maxwell Alexandre\, Fotogracria\, Emerson Rocha\, Panmela Castro\, Bruno Lyfe\, entre outros. O público poderá interagir com algumas instalações\, ouvir músicas\, dançar e ler textos que contam a história do ritmo musical pelas duas salas do pavilhão de exposições. A expografia é assinada pelo Estúdio Gru.a. \n\n\n\nE na noite de abertura a exposição a programação do MAR contará com um baile funk no Pilotis do Museu. Estão previstas as apresentações de dança do Afrofunk Rio\, e das atrações musicais Jonathan da Provi\, MC Cacau canta MC Marcinho e Trilogia do Santo Amaro. O evento é gratuito\, com retirada de ingressos via Sympla e sujeito à lotação.
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LOCATION:Museu de Arte do Rio\, Praça Mauá\, 5 - Centro\, Rio de Janeiro\, RJ\, Brasil
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SUMMARY:"Thinking Small: Dutch Art to Scale" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Hans Bol\, Vista de Amsterdã do Sul (detalhe)\, 1589. Doação de Rose-Marie e Eijk van Otterloo em apoio ao Centro de Arte Neerlandesa.\n\n\n\nA frase “pensar pequeno” descreve um ato de engajamento profundo com a arte – um tipo específico de encontro no qual um espectador considera\, percebe e age de maneira diferente em resposta ao que vê. Com algumas formas de arte holandesa\, o minúsculo se torna abrangente: elementos pequenos atraem o olhar e inspiram os espectadores a se engajarem em um nível íntimo\, examinando cada centímetro e maravilhando-se com a habilidade e dedicação do criador do objeto. No século XVII\, representações em miniatura da distância eram um meio para homens e mulheres holandeses compreenderem a imensidão de seu mundo. Embora muitas obras que convidam à ação de pensar pequeno sejam pequenas em si mesmas\, obras maiores também podem convidar os espectadores a se concentrarem nos detalhes encontrados nelas. Os pintores de paisagens holandeses frequentemente preenchiam suas composições com detalhes – reais e imaginados – que atraem os espectadores para o mundo da imagem. \n\n\n\nUma colaboração entre o Centro de Arte Neerlandesa do MFA\, a Galeria de Arte da Universidade de Yale e professores e alunos de Yale\, esta exposição explora uma seleção intrigante de objetos dos Países Baixos do século XVII que foram projetados para elicitar um olhar lento e contemplação por parte de seus públicos originais. Com 15 pinturas\, gravuras\, medalhas de prata\, livros e até mesmo uma xícara feita de uma concha de nautilus esculpida\, “Pensando Pequeno: Arte Holandesa em Escala” obriga os espectadores a reconsiderarem sua relação com o mundo ao seu redor. \n\n\n\nEsta é a terceira de uma série de colaborações entre o CNA e seus parceiros acadêmicos que se baseia na profunda coleção de arte holandesa e flamenga do Museu de maneiras novas e inesperadas\, trazendo perspectivas frescas e vozes diversas para o primeiro plano\, enquanto mostra bolsas de estudo interdisciplinares. Exposições anteriores incluíram A Modern Art Market\, em exibição de novembro de 2021 a outubro de 2022\, e Michaelina Wautier and The Five Senses: Innovation in 17th-Century Flemish Painting”\, em exibição de 12 de novembro de 2022 a 5 de novembro de 2023. \n\n\n\nOs Fundadores do Centro de Arte Neerlandesa são Rose-Marie e Eijk van Otterloo e Susan e Matthew Weatherbie.
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LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"La poesia ti guarda". Homenagem ao Grupo 70 (1963-2023) na Galleria d'Arte Moderna
DESCRIPTION:Imagem: Divulgação Galleria d’Arte Moderna\n\n\n\n\nEm 24 de maio de 1963\, no Forte do Belvedere em Florença\, ocorreu a conferência “Arte e comunicação”\, considerada pelos estudiosos o ato oficial de fundação do Grupo 70. \n\n\n\nSeis décadas após esse evento\, a Galleria d’Arte Moderna organiza uma exposição em homenagem aos artistas que determinaram sua criação. \n\n\n\nO Grupo 70 é o grupo artístico que interpreta de forma mais completa e coerente\, no contexto italiano\, o movimento internacional da poesia visual. Entre as neo-vanguardas\, é a que mais possui um caráter híbrido e multilíngue\, situando-se em uma “terra de ninguém” sugestiva entre a escrita e a imagem\, entre as artes visuais e a poesia. A arte era entendida e problematizada\, de forma mais geral\, como parte do complexo sistema de comunicação. \n\n\n\nEm comemoração a este aniversário\, é realizada uma homenagem aos principais expoentes do grupo – Ketty La Rocca\, Lucia Marcucci\, Eugenio Miccini\, Luciano Ori\, Lamberto Pignotti\, além de Roberto Malquori e Michele Perfetti – destacando as diversas manifestações estéticas e formais da poesia visual. \n\n\n\nAs obras\, em sua maioria inéditas e/ou pouco conhecidas pelo grande público\, provêm da coleção da Galeria de Arte Moderna\, do Arquivo Carlo Palli de Prato\, entre as principais coleções italianas de poesia visual\, do MART de Rovereto\, do Arquivo Lamberto Pignotti de Roma\, da Fundação Bonotto de Colceresa (VI) e de outras prestigiosas coleções privadas. \n\n\n\nA exposição inclui também poesias sonoras e cinépoesias\, livros de artista e documentos que ilustram de diversas maneiras as premissas teóricas\, as razões poéticas e os resultados expressivos do Grupo 70. \n\n\n\nA mostra\, com curadoria de Daniela Vasta\, é realizada em colaboração com o Arquivo Carlo Palli\, Arquivo Lamberto Pignotti e Fundação Bonotto. \n\n\n\nA exposição é acompanhada por um catálogo editado pela De Luca Editori d’Arte\, com contribuições críticas de Daniela Vasta\, Patrizio Peterlini e Lucilla Saccà\, e uma entrevista inédita com Lamberto Pignotti por Claudio Crescentini\, além de aparatos bio-bibliográficos organizados por Elena Rosica.
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LOCATION:Galleria d’Arte Moderna\, via Palestro 16\, Milão\, Itália
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SUMMARY:Alejandro Piñeiro Bello no Rubell Museum
DESCRIPTION:O artista nascido em Havana e baseado em Miami\, Piñeiro Bello\, concentra sua prática na diáspora caribenha\, em Cuba\, e nas identidades culturais\, imagens e história das ilhas circundantes. Ele pinta o esplendor místico sociocultural da cultura caribenha usando materiais tradicionais\, como óleo sobre linho cru ou juta\, e trabalha com uma paleta de cores vibrante para criar imagens que capturam a fertilidade da região.
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LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Basil Kincaid: Spirit in the Gift" no Rubell Museum
DESCRIPTION:A prática pós-disciplinar de Basil Kincaid\, um artista nascido em St. Louis que divide seu tempo entre os EUA e a África\, examina as relações entre ancestralidade\, lugar e a construção contemporânea do eu. Ao longo de seu trabalho\, Kincaid incorpora quilting\, colagem\, fotografia\, instalação\, performance e o uso de materiais encontrados.
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LOCATION:Rubell Museum\, 1100 NW 23rd St Allapattah\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wordplay" no ICA Boston
DESCRIPTION:Renée Green\, Space Poem #1\, 2007. Vista da instalação\, Renée Green\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2021–22. Foto por Liza Voll.\n\n\n\nDestacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler\, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos\, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas\, expressar e subverter mensagens políticas\, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências\, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas\, de artistas como Kenturah Davis\, Taylor Davis\, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander\, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey\, Jenny Holzer\, Glenn Ligon\, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:3 exposições imersivas no Atelier des Lumières
DESCRIPTION:© Culturespaces / C. de la Motte Rouge\n\n\n\nTrês exposições fascinantes convidam os espectadores a viajarem por universos distintos. A primeira\, mergulha na antiguidade egípcia\, revelando as maravilhas dos faraós e seus rituais sagrados ao longo de milênios. A segunda\, transporta para o século XIX\, onde pintores ocidentais como Delacroix\, Gérôme e Ingres exploram os mistérios paisagísticos e as cores exuberantes do Oriente\, criando visões encantadas. Por fim\, adentra-se em um mundo surreal de fractais e paisagens alienígenas\, onde matemática e arte se fundem. \n\n\n\nConfira os horários e adquira seus ingressos clicando em “Informações” abaixo.
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LOCATION:Atelier des Lumières\, 38 Rue Saint-Maur\, Paris\, França
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SUMMARY:Igshaan Adams no ICA Boston
DESCRIPTION:Igshaan Adams\, Lynloop\, 2024. Vista da instalação\, Igshaan Adams\, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston\, 2024-25. Foto por Mel Taing.\n\n\n\nO artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo\, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado\, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista\, histórias familiares e narrativas da comunidade local\, enraizadas em sua herança sul-africana\, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul\, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais. \n\n\n\nLynloop\, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston\, é uma tecelagem experimental composta por várias partes\, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra\, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos\, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas\, cordas\, correntes e mohair\, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço\, interação humana e memória.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Boston\, 25 Harbor Shore Dr\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"DRIVE" de Jason Rhoades na Hauser & Wirth
DESCRIPTION:Jason Rhoades com o Caprice\, observando o Aeroporto Internacional de Los Angeles\, 1996 © The Estate of Jason Rhoades\n\n\n\nPara Jason Rhoades\, o carro representava não apenas um veículo de busca artística\, mas também uma escultura pronta e um ídolo americano. A partir de 27 de fevereiro\, a Hauser & Wirth Los Angeles dedicará uma galeria inteira em sua localização no Downtown Arts District a uma exploração ao longo de um ano da arte de Rhoades através do tema dos carros e da cultura automobilística. Conhecido pela imaginação e ambição impulsionadoras de seu trabalho\, assim como\, às vezes\, por sua provocação imprudente e materialidade avassaladora\, Rhoades (1965–2006) era um construtor de mundos para quem a criação de esculturas e de narrativas estava entrelaçada. Suas instalações em escala épica o tornaram uma força no mundo da arte internacional nos anos 1990\, enquanto ele estava baseado em Los Angeles. DRIVE se desdobrará ao longo de uma série de iterações temáticas\, uma exposição em constante mudança das esculturas\, desenhos\, vídeos e múltiplos de Rhoades—enriquecida por materiais de arquivo\, programas públicos e perspectivas contemporâneas.
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LOCATION:Hauser & Wirth Downtown Los Angeles\, 901 E 3rd St\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
DESCRIPTION:Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.\n\n  \nO Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York\, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções\, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met\, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C.\, mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos\, um par de objetos foi reunido pela primeira vez\, enquanto em outros\, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central\, a Síria\, o Irã e a Mesopotâmia\, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam. \n  \n\n  \n\n  \n\n  \n\n 
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LOCATION:Museu do Louvre\, 75001 Paris\, França\, Paris\, França
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SUMMARY:"Miranda July: New Society" na Fondazione Prada
DESCRIPTION:Miranda July: New Society\, Osservatorio Fondazione Prada\, Milão\, Foto: Valentina Sommariva\, Cortesia da Fondazione Prada.\n\n\n\n\nOrganizada por Mia Locks\, Miranda July: New Society é a primeira exposição dedicada à obra de Miranda July\, que percorre os trinta anos de carreira da artista\, diretora e escritora americana através de seus curtas-metragens\, performances e instalações. O projeto inclui o novo trabalho F.A.M.I.L.Y. (Falling Apart Meanwhile I Love You)\, uma instalação de vídeo de vários canais que documenta a colaboração de um ano entre July e sete artistas performáticos no Instagram. F.A.M.I.L.Y. é o ponto de partida para investigar na exposição os temas presentes em outros projetos performativos e colaborativos de July. \n\n\n\nO primeiro andar do Observatório apresenta a documentação das performances de July\, desde as primeiras em locais punk até as mais conhecidas\, como Love Diamond (1998-2000)\, The Swan Tool (2000-2003)\, Things We Don’t Understand and Definitely Are Not Going to Talk About (2006-2007) e New Society (2015)\, juntamente com adereços\, figurinos e documentos de arquivo. \n\n\n\nNo segundo andar está exposto F.A.M.I.L.Y. juntamente com outros dois projetos colaborativos – I’m the President\, Baby (2018) e Services (2020). A exposição também apresenta uma reiteração de Learning to Love You More (2000-2007)\, um projeto online realizado em colaboração com Harrell Fletcher\, que inclui setenta “tarefas” atribuídas ao público e carregadas no site. A “tarefa” nº 43 (“Realize uma exposição com as obras que encontrar na casa de seus pais”)\, realizada por uma mulher milanesa especialmente para este projeto expositivo\, será apresentada como parte da exposição. \n\n\n\nMiranda July: New Society é acompanhada pela apresentação da filmografia completa de July\, que ocorrerá no Cinema Godard da Fundação Prada simultaneamente com a exposição. O programa inclui três longas-metragens\, Me and You and Everyone We Know (2005)\, The Future (2011) e Kajillionaire (2020)\, e será complementado por uma seleção de curtas-metragens e obras inéditas na tela grande.
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LOCATION:Fondazione Prada\, Largo Isarco\, 2\, Milão\, Itália
CATEGORIES:Milão
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SUMMARY:Exposição de longa duração no MAC USP
DESCRIPTION:Walter Ufer\, Construtores do Deserto\, 1923 (detalhe)\n\n\n\nO Museu de Arte Contemporânea da USP apresenta a exposição Galeria de Pesquisa – Aspectos da coleção da Terra Foundation for American Art através do programa Terra Collection-in-Residence\, com 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP). A parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP envolve também a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Nos próximos dois anos as obras em exposição permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP e apoiar atividades didáticas e de pesquisa. \n\n\n\nA Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos\, com sede em Chicago (EUA)\, que desde os anos 1980 coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte.  Algumas das obras já integraram outras parcerias com o Brasil\, presentes em exposições de pesquisa realizadas no MAC USP – Atelier 17 e a gravura moderna nas Américas (2019)\, e na Pinacoteca de São Paulo – Paisagem nas Américas (2016) e Pelas ruas: vida moderna e experiências urbanas na arte dos Estados Unidos\, 1893-1976 (2022). A exposição traz obras de Thomas Hart Benton\, Eugene Benson\, James McNeill Whistler\, Louis Lozowick\, James Edward Allen\, Ralston Crawford\, George Bellows\, Bolton Brown\, Winslow Homer\, C. Klackner. Clare Leighton\, Arnold Ronnebeck\, William Zorach\, Emil Bisttram\, Menton Murdoch Spruance\, John Ferren\, Mary Nimmo Moran\, Eanger Irving Couse\, George Josimovich\, George de Forest Brush\, Walter Ufer\, Edward Hooper\, John Marin\, Stanley Willian Hayter\, Stuart Davis\, Arshile Gorky\, Lyonel Feininger\, Armin Landeck e Thomas Moran. \n\n\n\nPor fim\, as obras se articulam na parceria da disciplina de pós-graduação Arte dos Estados Unidos e suas conexões\, com o apoio da fundação e ofertada conjuntamente com a Unicamp e a Unifesp\, que vem abordando estudos comparativos entre a arte produzida nos Estados Unidos e no Brasil\, trazendo temáticas como arte indígena\, diáspora africana nas Américas\, e imigrações italianas nas Américas. Através do Programa Collection- in-Residence\, o MAC USP se insere em uma rede de doze museus universitários internacionais de arte em um olhar crítico sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/exposicao-de-longa-duracao-no-mac-usp/
LOCATION:MAC USP\, Av. Pedro Álvares Cabral\, 1301 - Vila Mariana\, São Paulo\, SP\, Brasil
CATEGORIES:São Paulo
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SUMMARY:"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree)\, 1907-1908 © Musée Picasso Paris\n\n\n\nO Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu\, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé. \n\n\n\nFruto de uma história extraordinária\, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso\, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista\, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante\, plural\, contraditório\, reflexivo\, gestual e conceitual\, esteta e engajado\, inventor e poeta. Ele é simbolista\, cubista\, clássico\, surrealista ou simplesmente figurativo e político? \n\n\n\nUm lugar aberto e vibrante\, o museu aborda questões sociais para questionar\, através da jornada de sua obra\, a recepção dela\, ou seja\, a do pintor mais renomado\, mais observado\, mas também o mais discutido. \n\n\n\nÉ também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot\, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”\, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
DESCRIPTION:Vista da instalação\, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum\, Nova York\n\n\n\nUma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante\, especialmente após a Segunda Guerra Mundial\, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo\, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado. \n\n\n\nBy Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu\, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970\, como Jannis Kounellis e Mario Merz\, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente\, como Rashid Johnson\, Mona Hatoum e Senga Nengudi. \n\n\n\nBy Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith\, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/by-way-of-material-and-motion-in-the-guggenheim-collection-no-guggenheim/
LOCATION:The Guggenheim Museum\, 1071 5th Ave\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Wanda Gág World" no Whitney Museum
DESCRIPTION:Wanda Gág\, The Forge (detalhe)\, 1932. Whitney Museum of American Art\, New York; purchase 32.103. © Estate of  Wanda Gág\n\n\n\nEsta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista\, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse\, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única. \n\n\n\nNascida em Minnesota\, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca)\, Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League\, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira\, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares\, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra\, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição. \n\n\n\nCompletamente extraídas da coleção do Whitney\, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas\, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos\, esses naturezas-mortas\, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”\, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via. \n\n\n\nO Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith\, Assistente Sênior de Curadoria\, e Scout Hutchinson\, Curadora Bolsista.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Parcours Mode\, Bijoux\, Design" no Musée des Arts Décoratifs
DESCRIPTION:Desfile de alta costura\, primavera-verão 2023. Stéphane Rolland.\n\n\n\nO Museu de Artes Decorativas apresenta pela primeira vez uma seleção de peças de alta costura e prêt-à-porter\, bem como joias e bijuterias\, nas galerias permanentes dedicadas ao design do século XX até os dias atuais. Trinta silhuetas de moda e cem joias de criadores e prestigiosas casas como Cartier\, Van Cleef & Arpels\, Christian Dior\, Lanvin e Balmain dialogam com grandes nomes do design como Ettore Sottsass\, Ron Arad\, Philippe Starck e os irmãos Campana. Essa apresentação revela as novas aquisições dessas três áreas.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/parcours-mode-bijoux-design-no-musee-des-arts-decoratifs/
LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107 Rue de Rivoli Paris\, Paris\, Paris\, França
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SUMMARY:"Rose Marie Cromwell: A Geological Survey" no ICA Miami
DESCRIPTION:Rose Marie Cromwell\, Rearview\, 2022. Cortesia da artista.\n\n\n\nO ICA Miami apresenta “Rose Marie Cromwell: A Geological Survey”\, a primeira exposição individual da artista em um museu\, destacando seu trabalho mais recente de 2022-23\, no qual ela aplica sua própria interpretação à tradicional arte da fotografia de paisagem. Uma reflexão pessoal sobre identidade\, maturação e relações familiares\, a série de fotografias acompanha a artista\, sua mãe e sua filha jovem em uma jornada pelo Oeste Americano. Juxtapondo esse empreendimento profundamente pessoal com preocupações sociais e ecológicas mais amplas\, as fotografias visualmente impactantes e emocionantes confrontam a história complexa da região e o legado carregado das representações artísticas da paisagem. \n\n\n\nRose Marie Cromwell (n. 1983\, Sacramento; baseada em Miami) é uma artista de foto e vídeo cujo trabalho explora os efeitos da globalização no local\, bem como o espaço tênue entre o político e o espiritual. Seu primeiro livro\, El Libro Supremo de la Suerte\, foi publicado em 2018 pela TIS books e recebeu o Prêmio Light Work Photobook e foi nomeado um dos 25 Melhores Fotolivros de 2018 pela revista TIME. Em 2021\, ela publicou dois livros\, Eclipse (TIS books) e A More Fluid Atmosphere (Pomegranate Press). Ela teve exposições individuais na DiabloRosso e Antítesis\, ambas na Cidade do Panamá\, Panamá; Institute 193\, Lexington\, Kentucky; e Filter Photo\, Chicago. Seu trabalho também foi exibido na Aperture Foundation\, Nova York; High Museum\, Atlanta; PRIZM Art Fair\, Miami; TILT Institute for the Contemporary Image\, Filadélfia; e o Silver Eye Center for Photography\, Pittsburgh; entre muitos outros. Cromwell é beneficiária de uma bolsa Fulbright e uma bolsa Getty Reportage\, foi artista residente no Light Work e artista residente na Oolite Arts em Miami. \n\n\n\n“Rose Marie Cromwell: A Geological Survey” é organizada pelo Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro Art + Research da Fundação Knight no ICA Miami\, e Amanda Morgan\, Curadora Assistente\, Exposições e Publicações.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Io sono un drago" de  na Triennale Milano
DESCRIPTION:Vista da exposição “Io sono un drago” na Triennale Milano. Foto: Delfino Sisto Legnani\, DSL Studio\n\n\n\nUma ampla retrospectiva – produzida em parceria com a Fondation Cartier pour l’art contemporain – sobre o trabalho do arquiteto\, designer e artista Alessandro Mendini. Com mais de quatrocentas obras\, a exposição é organizada em diversas seções temáticas e reúne peças de vários formatos\, materiais e temas\, provenientes de coleções públicas e privadas. O título “Io sono un drago” [Eu sou um dragão] faz referência a um dos autorretratos mais emblemáticos de Mendini\, destacando a complexidade de sua figura dentro do cenário internacional do design\, da arquitetura e da arte.
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SUMMARY:"Novo Poder: passabilidade" de Maxwell Alexandre no Sesc Avenida Paulista
DESCRIPTION:Com um conjunto de cerca de 56 obras\, a mostra Novo Poder: passabilidade\, do artista carioca\, Maxwell Alexandre\, oferece uma experiência reflexiva sobre a interseção entre identidade\, poder e passagem. Sua produção desafia estereótipos e narrativas dominantes\, propondo provocações sobre as realidades sociais e culturais do Brasil. \n\n\n\nA exposição individual da série\, que foi realizada em fevereiro de 2023\, em Madrid (Espanha)\, e que ganhou desdobramento no 1º Pavilhão Maxwell Alexandre\, localizado no bairro de São Cristóvão (Rio de Janeiro)\, ocupará o espaço Arte I (5º andar)\, no Sesc Avenida Paulista\, entre 19 de abril e 29 de setembro de 2024. \n\n\n\nVencedor do prêmio Pipa 2021\, Maxwell\, na série Novo Poder: passabilidade\, trata da ideia da comunidade preta dentro de galerias\, museus\, centros culturais e fundações. \n\n\n\nEm suas obras\, o artista dá ênfase a três signos base: as cores preta\, branca e parda. A cor preta é manifestada pela representação dos personagens; a cor branca aponta para o espaço expositivo\, assim como o conhecimento acadêmico\, e a cor parda representa a obra de arte e também faz referência ao próprio papel\, que é o suporte principal da série. \n\n\n\n“A Moda e a Arte são dois campos da cultura hegemônica ocidental que se consolidaram a partir da modernidade\, cada um com suas especificidades\, tendo como ponto em comum a forte influência que ambos exercem na construção de distinções sociais”\, conta Maxwell.
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LOCATION:Sesc Avenida Paulista\, 119 Av. Paulista Bela Vista\, São Paulo\, São Paulo\, Brasil
CATEGORIES:São Paulo
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SUMMARY:"Zilia Sánchez: Topologías / Topologies" no ICA Miami
DESCRIPTION:Zilia Sanchez\, Eros\, 1976/1998. © Zilia Sanchez. Cortesia da Galerie Lelong & Co.\, Nova York.\n\n\n\nO Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, apresenta uma grande retrospectiva das obras de Zilia Sánchez\, abrangendo de 1950 a 1996. \n\n\n\nDe abril a outubro de 2024\, o Instituto de Arte Contemporânea\, Miami\, apresentará uma pesquisa abrangente das obras da artista Zilia Sánchez (n. 1926\, Havana; vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico). Uma voz singular no modernismo latino-americano pós-guerra e na abstração geométrica\, a prática artística dinâmica de Sánchez engloba uma ampla gama de estilos e temas. Abrangendo mais de sete décadas\, suas obras são produto de experimentação contínua. \n\n\n\nSánchez é mais conhecida por suas icônicas pinturas em telas moldadas. Esticadas sobre construções de madeira\, essas obras assemelham-se a formas corporais enquanto mantêm qualidades abstratas. Por meio dessas obras\, a artista explorou preocupações formalistas enquanto lidava sutilmente com questões sociais significativas — noções de gênero\, feminismo e formação de identidade\, entre outras. Além dessas pinturas em tela esticada\, a exposição também inclui um número significativo de trabalhos anteriores de Sánchez\, como suas pinturas abstratas em tons vivos e formas geométricas criadas na década de 1950 enquanto vivia em Cuba. \n\n\n\nEm Havana\, Sánchez fez parte de um grupo de pintores que buscava deixar para trás a pintura figurativa\, que havia dominado gerações anteriores. Em seu lugar\, eles mobilizaram a abstração\, como uma proposta antiestabelecimento e como uma inovação formal. Esses foram anos turbulentos em Cuba\, à medida que a ditadura repressiva foi estabelecida\, e uma jovem geração de estudantes\, artistas e líderes cívicos resistiu. Nesse ambiente\, Sánchez começou a desenvolver propostas formais cada vez mais complexas e a testar novas linguagens abstratas. Paralelamente às suas abstrações\, Sánchez desenvolveu sua série “Afrocubanos” de pinturas que retratam figuras estilizadas abstratas e aludem a práticas rituais e efígies religiosas. Esta exposição reúne pela primeira vez um robusto grupo dessas obras\, ampliando a compreensão do escopo expansivo e da amplitude da prática de Sánchez. \n\n\n\nA artista deixou Cuba em 1960\, um ano após Fidel Castro chegar ao poder\, e se estabeleceu em Nova York\, onde se tornou uma membro ativa da cena cultural de artistas e escritores emigrantes. Ela trabalhou como designer gráfica e como cenógrafa de teatro\, enquanto continuava a desenvolver e exibir suas pinturas. Experimentando com materiais não tradicionais\, como serragem\, resina e cera\, Sánchez criou uma série de pinturas em mídia mista que se relacionam com os quatro elementos\, incluindo “Agua” (1961) e “Tierra” (1968)\, junto com temas mais abstratos como “Ecuación” (Equação\, 1963) e “Sucesión” (Sucessão\, 1966). \n\n\n\nEm 1966\, Sánchez mudou-se para Madrid\, auxiliada por uma bolsa de estudos da Fundação CINTAS\, para estudar conservação e restauração. Ela começou a desenvolver o estilo que viria a caracterizar sua prática. Telas tridimensionais com formas sensuais\, suas pinturas desse período combinam abstração geométrica com conotações sociais\, biográficas\, emocionais e eróticas\, como sugerem obras com títulos referenciando “Eros” e “Amazonas”. Desde 1971\, Sánchez vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico. As obras que ela criou lá são marcadas por um abraço enfático da forma feminina\, desafiando as convenções rígidas e racionais do modernismo europeu com uma abordagem sensorial e feminista da abstração geométrica. \n\n\n\nA exposição “Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” abrange aproximadamente trinta obras da artista produzidas entre 1950 e 1996. A retrospectiva será acompanhada por um catálogo de exposição ricamente ilustrado\, apresentando novas fotografias\, ensaios acadêmicos sobre a artista e materiais de arquivo. \n\n\n\nZilia Sánchez (n. 1926\, Havana; vive e trabalha em San Juan\, Porto Rico) tem sido exibida internacionalmente desde a década de 1950. Mais recentemente\, exposições individuais foram realizadas no Artist Space\, Nova York (2013); a Phillips Collection\, Washington\, D.C.\, que viajou para o Museo de Arte Ponce\, San Juan\, e El Museo del Barrio\, Nova York (todos em 2019). O trabalho de Sánchez foi destaque em exposições coletivas seminais\, incluindo “Mulheres Radicais: Arte Latino-Americana\, 1960-1985\,” no Brooklyn Museum\, Brooklyn\, Nova York\, bem como na exposição principal “Viva Arte Viva” da Bienal de Veneza de 2017. Atualmente está em exibição em “Estrangeiros em Todo Lugar” na Bienal de Veneza de 2024. O trabalho de Sánchez está presente em coleções de museus incluindo a Tate\, Londres; Museu de Arte Moderna\, Nova York; Centre Pompidou\, Paris; Museu de Arte de Porto Rico\, San Juan; Museu de Arte Latino-Americano em Buenos Aires\, Argentina; Museu Nacional de Belas Artes em Havana\, Cuba. \n\n\n\n“Zilia Sánchez: Topologías / Topologies” é organizada pelo ICA Miami e curada por Gean Moreno\, Diretor do Centro de Arte + Pesquisa da instituição\, e Stephanie Seidel\, Curadora Monica e Blake Grossman.
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LOCATION:Institute of Contemporary Art Miami\, 61 NE 41st Street\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Expressionists: Kandinsky\, Münter and The Blue Rider" na Tate Modern
DESCRIPTION:Gabriele Münter\, Jawlensky and Werefkin\, 1909\, Lenbachhaus Munique\, Doação de Gabriele Münter\, 1957 © DACS 2024\n\n\n\nExplore o trabalho inovador de um círculo de amigos e colaboradores próximos conhecido como The Blue Rider. No início do século 20\, eles se uniram para formar\, em suas próprias palavras\, “uma união de vários países para servir a um propósito” – transformar a arte moderna. Os artistas se reuniram em torno de Wassily Kandinsky e Gabriele Münter para experimentar cor\, som e luz\, criando uma arte ousada e vibrante. \n\n\n\nExpressionists é uma história de amizades contada através da arte. A exposição examina os criativos altamente individuais que compunham The Blue Rider\, desde o interesse de Franz Marc pela cor até a performance freestyle de Alexander Sacharoff. As artistas mulheres desempenharam um papel central no movimento. Descubra as fotografias experimentais de Gabriele Münter ao lado das pinturas dramáticas de Marianne Werefkin. \n\n\n\nExperimente uma coleção de obras-primas\, desde pinturas\, esculturas e fotografias até performance e som. Esta exposição marcante é possível graças à colaboração com a Lenbachhaus\, Munique\, que ofereceu à Tate um acesso sem precedentes à sua coleção. A exposição apresenta mais de 130 obras – reunidas no Reino Unido pela primeira vez em mais de 60 anos.
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SUMMARY:"Um Defeito de Cor" no Sesc Pinheiros
DESCRIPTION:Marcio Vasconcelos\, Tessi Sodokpa – Cotonou\, 2009\n\n\n\n\nDe 25 de abril a 1º de dezembro\, o Sesc Pinheiros recebe “Um Defeito de Cor”. Resultado da parceria entre o Sesc São Paulo e a Organização dos Estados Ibero-americanos para a Educação\, a Ciência e a Cultura (OEI)\, com a concepção original do Museu de Arte do Rio de Janeiro (MAR)\, a exposição é inspirada no livro homônimo da autora mineira Ana Maria Gonçalves\, lançado em 2006.  A curadoria é da escritora ao lado de Marcelo Campos e Amanda Bonan. Após abertura no MAR\, no Rio de Janeiro\, e temporada no Museu Nacional da Cultura Afro-Brasileira (MUNCAB)\, em Salvador\, a mostra chega à capital paulista. Por meio de obras de artes\, faz alusão ao período do Brasil Império (1822-1889) para discutir os contextos sociais\, culturais\, econômicos e políticos do século 19 e seus desdobramentos em elementos contemporâneos.   \n\n\n\nAo todo\, 372 peças entre arte têxtil\, fotografias\, instalações\, cartazes\, pinturas e esculturas de autoria de artistas do Brasil\, da África e das Américas interpretam “Um defeito de cor”\, ganhador do prêmio Casa de las Américas e considerado um dos mais importantes clássicos da literatura afro-feminista e nacional. Assim como o livro\, a exposição faz um enfrentamento às lacunas e ao apagamento da história da população negra  ao contar a jornada de uma mulher africana nascida no início do século 19\, escravizada no Brasil\, e sua busca por um filho perdido.   \n\n\n\nDentre as novidades que serão apresentadas no Sesc Pinheiros estão os figurinos e croquis das fantasias do Grêmio Recreativo Escola de Samba Portela\, assinados pelo artista e carnavalesco Antônio Gonzaga\, que se inspirou no livro de Ana Maria para desenvolver o samba-enredo do Carnaval 2024\, no Rio de Janeiro. O desfile impulsionou a procura em livrarias físicas e digitais e elevou “Um defeito de cor” para a categoria de mais vendidos do Brasil. Além disso\, estarão em exibição\, pela primeira vez\, um “Retrato de Ana Maria”\, quadro de Panmela Castro; “Bori – filha de Oxum”\, do artista e babalorixá Moisés Patrício\, e “romaria”\, mural que será pintado por Emerson Rocha na entrada do Sesc Pinheiros\, além de uma programação integrada\, com ações educativas divulgadas ao longo do período expositivo.  \n\n\n\nDividida em dez núcleos não-lineares\, que se espelham nos dez capítulos do livro\, a exposição não é cronológica nem explicativa. O objetivo é trazer uma visão do Brasil com momentos históricos e recortes sociais transmitidos por meio de uma produção intelectual e de imagem presentes na arte contemporânea. A mostra faz um mergulho na essência de temas como os levantes negros\, o empreendedorismo\, o protagonismo feminino\, o culto aos ancestrais e a África Contemporânea\, que reexaminam os caminhos da população afro-brasileira desde os tempos de escravidão até os dias atuais\, e fazem uma interpretação dos conceitos apresentados no romance\, principalmente as origens e as identidades africanas que constituem a população\, das quais ainda pouco se sabe.  \n\n\n\nAna Maria Gonçalves faz sua estreia na curadoria da mostra ao lado de Amanda Bonan e Marcelo Campos\, ambos do Museu de Arte do Rio. A arquiteta Aline Arroyo assina a expografia\, que teve consultoria de Ayrson Heráclito\, e a paisagem sonora foi criada pelo pesquisador e músico Tiganá Santana\, em colaboração com Jaqueline Coelho.   \n\n\n\n “Retomar ao ‘Um defeito de cor’ e\, desta vez\, como participante da equipe de curadoria da exposição que leva o nome e a ideia do livro é\, ao mesmo tempo\, um conjunto de experiências antagônicas e complementares. Como também o é tudo que trata\, por exemplo\, da experiência dos povos tocados e transformados pela escravidão. É um retorno no tempo e no espaço para um lugar que foi construído a várias mãos\, e não menos sangue\, dor e sofrimento”\, afirma Ana Maria. 
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LOCATION:Sesc Pinheiros\, R. Pais Leme\, 195 - Pinheiros\, São Paulo\, SP\, Brasil
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SUMMARY:"La Mode en mouvement #2" no Palais Galliera
DESCRIPTION:De 26 de abril de 2024 a 5 de janeiro de 2025\, o Palais Galliera revela “La Mode en mouvement #2”. Com mais de 250 novas obras apresentadas durante esta segunda exibição\, a exposição traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda do século XVIII até os dias atuais e desenvolve a temática transversal do corpo em movimento. Um foco especial também é dedicado às roupas de banho\, revelando peças raramente mostradas ao público. \n\n\n\nEnquanto Paris acolhe os Jogos Olímpicos e Paralímpicos no verão de 2024\, “La Mode en mouvement #2” permite compreender o papel do vestuário na prática de atividades físicas e esportivas\, bem como as consequências sociais de sua evolução. \n\n\n\nO vestuário concebido para o esporte (equitacão\, tênis\, golfe\, bicicleta…) é comparado ao vestuário de cidade. Esta segunda apresentação permite ao público perceber a progressiva especialização do vestuário esportivo\, assim como a introdução do sportswear no vestuário cotidiano. \n\n\n\nA seção balneária foca nos banhos de mar e na natação\, símbolos da democratização da prática esportiva desde o final do século XIX. É uma oportunidade de descobrir a importante coleção de trajes de banho\, maiôs\, roupas e acessórios de praia conservados no Palais Galliera. Esta seção destaca a evolução da relação com o corpo através de seu desvelamento na esfera pública\, bem como as noções de pudor e decência. Também revela a transformação dos cânones de beleza\, especialmente através da questão do bronzeamento. \n\n\n\n“La Mode en mouvement #2” beneficia-se de empréstimos excepcionais do Musée National du Sport (Nice)\, da Fundação Azzedine Alaïa\, da Biblioteca Forney (Paris)\, da Biblioteca Histórica da Cidade de Paris\, do Museu Carnavalet – História de Paris\, do Patrimônio da CHANEL\, da coleção Émile Hermès e da casa Yohji Yamamoto. Essas obras permitem colocar em perspectiva as peças do Palais Galliera\, testemunhas de uma prática física e esportiva\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Mova-se! Clima e deslocamentos" no Museu da Imigração
DESCRIPTION:Claudia Barrios Rosel\, Sem título\, 2022 | Somalia Drought Response/OIM Organização Internacional para as Migrações\n\n\n\nO projeto curatorial tem correalização com a Organização das Nações Unidas (ONU) e foi desenvolvido de forma orgânica pela equipe do MI com a participação de diversos parceiros. A temporária apresenta ao público uma compreensão geral sobre o vínculo entre a mudança global do clima e a mobilidade humana\, evidenciando as diferentes maneiras pelas quais a ciência\, os agentes sociais (associações\, ONGs e OIs) e as artes lidam com fenômenos tão complexos. \n\n\n\nA decisão de migrar é influenciada por uma complexa interação de fatores políticos\, econômicos\, demográficos\, sociais e ambientais. No caso da migração relacionada à mudança climática\, os aspectos ambientais modificados pela atividade humana desempenham um papel crucial na escolha de deixar um local de residência em busca de outro. Evacuações preventivas\, realocações planejadas\, fuga reativa diante de eventos repentinos ou deslocamento gradual de pessoas de áreas afetadas por fenômenos de desenvolvimento lento\, como a seca\, são algumas das formas de deslocamento desencadeadas por desastres\, que\, com a mudança do clima\, tendem a se tornar cada vez mais frequentes e intensos. \n\n\n\nEm um cenário tão complexo\, a abordagem escolhida na exposição foi a de fluir junto às pessoas e às organizações que estão se mobilizando e pensando sobre os desafios atuais. Os três módulos que compõem a temporária\, Tempo de Saber\, Tempo de Agir e Tempo de Sentir\, são dispostos a partir de diferentes saberes e contam com recursos de instalações\, vídeos\, conteúdos em realidade virtual\, dados de observatórios e instituições\, fotos\, depoimentos e objetos. \n\n\n\nO meio ambiente sempre foi um fator de migração\, e os deslocamentos ao redor do mundo mostram como as sociedades são afetadas por outras espécies ou pelos ciclos naturais. Além do panorama atual e das perspectivas do futuro\, a exposição contextualiza o papel da Hospedaria de Imigrantes do Brás – prédio que abriga hoje o MI – em histórias sobre acolhimento por consequências de questões ambientais\, como a Grande Seca\, no século XIX\, que expulsou milhares de cearenses para outras partes do País\, e as enchentes em São Paulo da década de 1920. \n\n\n\nPor meio de diversas trajetórias e histórias\, em Mova-se! Clima e deslocamentos o público entrará em contato com as estratégias atuais de conscientização\, campanhas e projetos das principais instituições que lidam com o colapso climático e a extrema desigualdade. A temporária exibe também os registros de Lalo de Almeida\, um dos mais importantes fotojornalistas em atividade no Brasil. A seleção de 17 obras que compõem a exposição têm 2012 como ano de partida e apresentam um panorama sobre o meio\, suas transformações e as consequências ecológicas\, econômicas e sociais da relação entre o meio ambiente e os seres humanos e não humanos. \n\n\n\nA exposição Mova-se! Clima e deslocamentos é uma realização do Ministério da Cultura\, do Governo do Estado de São Paulo\, mediante a Secretaria da Cultura\, Economia e Indústria Criativas\, do Museu da Imigração e das Nações Unidas\, por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura. O projeto tem patrocínio da Embaixada e Consulados dos EUA no Brasil\, da Deloitte e da Panasonic e apoio do Inpe (Instituto Nacional de Pesquisas Espaciais)\, da Produtora Brasileira\, do Instituto Linha D’Água\, das Latinas por el Clima\, da Amazônia Viva\, do Instituto Igarapé\, do IDMC (Internal Displacement Monitoring Centre) e do AdaptaBrasil MCTI.
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LOCATION:Museu da Imigração\, Rua Visconde de Parnaíba\, 1316 - Mooca\, São Paulo\, SP\, Brasil
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SUMMARY:"Ancestors and Place: Indigenous North American Prints" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Wendy Red Star\, Yakima or Yakama—Not For Me To Say\, publicado pelo Crow’s Shadow Institute of the Arts\, 2015–16. © Wendy Red Star.\n\n\n\nAs palavras ancestrais e lugar têm muitas conotações\, mas para os povos indígenas\, estão ligadas a todas as coisas. Lugar se estende além de uma única localização para abranger terra\, água e céu. Ancestrais são não apenas humanos\, mas também não humanos\, que são elementos vivos de um lugar. Alguns artistas nativos usaram o meio colaborativo da gravura como uma forma de honrar esses conceitos profundamente conectados e nos lembrar que\, embora muitas terras ancestrais indígenas tenham sido perdidas para a colonização\, as relações com esses lugares e as comunidades que eles nutriram perduram. \n\n\n\nCelebrando uma área crescente da coleção do MFA\, Ancestors and Place: Indigenous North American Prints [Ancestrais e Lugar: Gravuras Indígenas da América do Norte] apresenta mais de 30 obras — a maioria delas aquisições recentes — de artistas indígenas dos Estados Unidos e do Canadá que exploram ideias nuances de administração. As obras reconhecem o lugar como uma bênção\, mas também algo a ser cuidado — para o passado\, presente e futuro. Principalmente criadas através de residências em estúdios de gravura como Crow’s Shadow Institute of the Arts\, Tamarind Institute e High Point\, essas gravuras mostram artistas levando suas práticas em novas direções\, experimentando e reconceitualizando temas significativos para eles e suas comunidades. \n\n\n\nTanto artistas emergentes quanto estabelecidos estão em destaque\, incluindo Wendy Red Star\, Jaune Quick-to-See Smith\, James Lavadour e Raven Chacon. Além de fazer arte\, alguns\, como Smith\, também são ativistas\, movidos pelo desejo de melhorar a representação cultural e política dos nativos americanos. Enraizadas em suas comunidades específicas\, essas gravuras demonstram a criatividade e a experimentação de diversos artistas contemporâneos. \n\n\n\nEsta exposição é organizada em colaboração com o artista e professor Duane Slick (Meskwaki/Ho-Chunk). Segue uma exposição anterior de gravuras indígenas norte-americanas\, que explorou a resiliência\, em exibição entre novembro de 2023 e março de 2024.
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LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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