ARTEQUEACONTECE

Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
2022-03-17 10:30 - 2025-10-11 18:00 (America/Sao_Paulo) | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
O Whitney, em colaboração com o Hudson River Park , desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21), esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort, em frente ao Museu.

Proposto ao Whitney por Hammons, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos, dimensões e localização do galpão original – e, como a intervenção de Matta-Clark, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla.

Em conjunto com a realização do projeto, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York, 1970–1986 , uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos, incluindo a primeira série de podcasts do Museu, Artists Among Us , bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District, o papel dos artistas no bairro, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.

"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
2022-05-07 10:30 - 2026-01-04 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia, bem como as mudanças culturais, como o sufrágio feminino, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias, novos planos e novas esperanças”.

Alguns dos artistas apresentados nesta exposição, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley , são bem conhecidos hoje, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto.

Esta exposição é organizada por Barbara Haskell, curadora.

"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
2022-12-22 - 2026-03-15 | Pinacoteca do Ceará, R 24 de Maio, 34 - Centro, Fortaleza, Brazil
Amar se aprende amando, dedicada a Antonio Bandeira, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará, após mais de três anos em cartaz.
Maior mostra já realizada sobre o artista, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu, em dezembro de 2022, celebrando o centenário do pintor.
Com curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.

"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
2023-05-18 11:00 - 2025-01-12 18:00 | Pérez Art Museum Miami, 1103 Biscayne Blvd., Miami, Flórida, Estados Unidos
Jason Seife, assim como muitos moradores de Miami, é filho de imigrantes, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana, construção de comunidades e identidades complicadas.

"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
2023-06-16 10:00 - 2025-09-07 18:00 | Palais Galliera, 10 Av. Pierre 1er de Serbie, Paris, França
O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento], sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras, este percurso cronológico traça, através das coleções do museu, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e, ao mesmo tempo, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas, sua relação com o corpo e o movimento, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim, a evolução do corpo, especialmente o corpo esportivo, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho, roupas de ciclista e amazona, casacos e acessórios de automobilismo, conjuntos de corrida e tênis, por exemplo, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice), da Biblioteca Forney (Paris), do Patrimônio CHANEL, da coleção Emile Hermès, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera, testemunhas de práticas físicas e esportivas, de lazer ou de competição, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva, esta exposição será organizada em três fases consecutivas, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim, as obras serão em grande parte renovadas, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.

"FUNK: Um grito de ousadia e liberdade" no Museu de Arte do Rio
2023-09-29 10:00 - 2025-03-30 20:00 | Museu de Arte do Rio, Praça Mauá, 5 - Centro, Rio de Janeiro, RJ, Brasil
O Museu de Arte do Rio (MAR) lança a sua nova exposição FUNK: Um grito de ousadia e liberdade no dia 29 de setembro. A principal mostra do ano do MAR perpassa os contextos do funk carioca através da história. Apresentada pelo Instituto Cultural Vale, com curadoria da Equipe MAR junto a Taísa Machado e Dom Filó, a mostra contou também com a colaboração de consultores, como Deize Tigrona, Celly IDD, Tamiris Coutinho, Glau Tavares, Sir Dema, GG Albuquerque, Marcelo B Groove, Leo Moraes, Zulu TR.

A temática da exposição irá apresentar e articular a história do funk, para além da sua sonoridade, também evidenciando a matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as suas comunidades, os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos ao imaginário que em torno dele foi constituído. “Funk é um tema coletivo. Durante muitos momentos no MAR, fomos instigados a fazer uma exposição sobre o funk carioca. A exposição conta com duas salas. A primeira sala é sobre o soul, esse movimento de músicas importadas dos anos 70 e 80, que ganhou repercussão no Brasil e, é claro, influenciou o consumo também de roupas, sapatos, cabelos…a estética que vira consumo. Tem ali, ainda, a presença de pessoas que tinham acesso a equipamentos, compravam discos importados e começavam a fazer grandes equipes de som para tocar nas festas. Eram essas festas, feitas em clubes de bairros, que precederam o funk de hoje. Já a segunda sala é toda dedicada ao baile de favela, que hoje constitui, talvez, uma das maiores forças de produção artística carioca e nacional. A gente mergulha nisso, na história dos bailes constituídos por lonas, instalados em vários lugares, mas sempre dentro das comunidades”, antecipa Marcelo Campos, Curador Chefe do MAR.

A abordagem vai se estender, ainda, à presença do funk nas mais variadas dimensões e práticas culturais, com especial atenção ao campo das artes visuais contemporâneas, para as quais o funk foi uma referência de visualidade, de resistência política, de alteridade e de forma. Objetos próprios da história do estilo musical serão combinados a uma profusão audiovisual de sons, vozes e gestos, bem como atravessados por uma iconografia relacionada ao funk, de modo a convidar o público da cidade a experimentar sua história como uma das mais potentes formas de imaginar e singularizar o Rio de Janeiro.

A exposição é dividida em 11 núcleos e contará com mais de 900 itens. Entre os mais de 100 artistas brasileiros e estrangeiros que participam da exposição, estão Hebert, Vincent Rosenblatt, Blecaute, Gê Vianna, Manuela Navas, Maxwell Alexandre, Fotogracria, Emerson Rocha, Panmela Castro, Bruno Lyfe, entre outros. O público poderá interagir com algumas instalações, ouvir músicas, dançar e ler textos que contam a história do ritmo musical pelas duas salas do pavilhão de exposições. A expografia é assinada pelo Estúdio Gru.a.

E na noite de abertura a exposição a programação do MAR contará com um baile funk no Pilotis do Museu. Estão previstas as apresentações de dança do Afrofunk Rio, e das atrações musicais Jonathan da Provi, MC Cacau canta MC Marcinho e Trilogia do Santo Amaro. O evento é gratuito, com retirada de ingressos via Sympla e sujeito à lotação.

"Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction" no Museum of Fine Arts Boston
2023-09-30 10:00 - 2024-09-29 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Bobby Jae Kim, Detalhe de Toshiko Takaezu, 1997. Museu de Belas Artes de Montreal, Coleção Liliane e David M. Stewart, presente de Bobby Jae Kim, D97.183.1. Imagem © Bobby J. Kim.

Nascida no Havaí de pais de ascendência okinawana, Toshiko Takaezu (1922-2011) foi uma artista tecnicamente habilidosa e inovadora, mais conhecida por suas esculturas de cerâmica, que tratava como pinturas abstratas em forma de círculo. Seu estilo gestual, paletas distintivas e complexas camadas de vidrados se alinham com as práticas dos Expressionistas Abstratos que foram seus contemporâneos. No entanto, Takaezu adicionou um elemento de acaso, já que suas peças revelavam suas cores finais apenas após a queima. Frequentemente, ela mostrava suas cerâmicas em grupos, às vezes com suas pinturas e tecidos igualmente inovadores, em arranjos cuidadosamente construídos que respondiam aos seus ambientes. Esta exposição se inspira nesses displays, traçando o desenvolvimento de Takaezu de ceramista a artista de instalação multimídia.

O MFA possui uma coleção significativa de cerâmicas de Takaezu – mais de 20 exemplos estão apresentados aqui junto com empréstimos de coleções particulares. Destaques também incluem um tecido em grande escala – uma recente aquisição do museu – e um agrupamento de obras explorando as interações transculturais da artista com ceramistas japoneses contemporâneos durante sua viagem crucial de oito meses ao Japão em 1955-56. Em conjunto com a exposição, exibições adicionais no terceiro andar da Ala de Arte das Américas do MFA e na Ala Linde para Arte Contemporânea, comparam Takaezu com dois de seus amigos: a ceramista Leza McVey e o escultor Isamu Noguchi.

Desafiando as apresentações tradicionais da abstração americana, Toshiko Takaezu: Shaping Abstraction celebra a extraordinária variedade do trabalho de Takaezu – visando tornar suas contribuições mais amplamente conhecidas. É organizado em parceria com o Museu Noguchi e a Fundação Toshiko Takaezu.

"Thinking Small: Dutch Art to Scale" no Museum of Fine Arts Boston
2023-11-18 10:00 - 2024-11-03 17:00 | MFA Boston, 465 Huntington Ave, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Hans Bol, Vista de Amsterdã do Sul (detalhe), 1589. Doação de Rose-Marie e Eijk van Otterloo em apoio ao Centro de Arte Neerlandesa.

A frase “pensar pequeno” descreve um ato de engajamento profundo com a arte – um tipo específico de encontro no qual um espectador considera, percebe e age de maneira diferente em resposta ao que vê. Com algumas formas de arte holandesa, o minúsculo se torna abrangente: elementos pequenos atraem o olhar e inspiram os espectadores a se engajarem em um nível íntimo, examinando cada centímetro e maravilhando-se com a habilidade e dedicação do criador do objeto. No século XVII, representações em miniatura da distância eram um meio para homens e mulheres holandeses compreenderem a imensidão de seu mundo. Embora muitas obras que convidam à ação de pensar pequeno sejam pequenas em si mesmas, obras maiores também podem convidar os espectadores a se concentrarem nos detalhes encontrados nelas. Os pintores de paisagens holandeses frequentemente preenchiam suas composições com detalhes – reais e imaginados – que atraem os espectadores para o mundo da imagem.

Uma colaboração entre o Centro de Arte Neerlandesa do MFA, a Galeria de Arte da Universidade de Yale e professores e alunos de Yale, esta exposição explora uma seleção intrigante de objetos dos Países Baixos do século XVII que foram projetados para elicitar um olhar lento e contemplação por parte de seus públicos originais. Com 15 pinturas, gravuras, medalhas de prata, livros e até mesmo uma xícara feita de uma concha de nautilus esculpida, “Pensando Pequeno: Arte Holandesa em Escala” obriga os espectadores a reconsiderarem sua relação com o mundo ao seu redor.

Esta é a terceira de uma série de colaborações entre o CNA e seus parceiros acadêmicos que se baseia na profunda coleção de arte holandesa e flamenga do Museu de maneiras novas e inesperadas, trazendo perspectivas frescas e vozes diversas para o primeiro plano, enquanto mostra bolsas de estudo interdisciplinares. Exposições anteriores incluíram A Modern Art Market, em exibição de novembro de 2021 a outubro de 2022, e Michaelina Wautier and The Five Senses: Innovation in 17th-Century Flemish Painting”, em exibição de 12 de novembro de 2022 a 5 de novembro de 2023.

Os Fundadores do Centro de Arte Neerlandesa são Rose-Marie e Eijk van Otterloo e Susan e Matthew Weatherbie.

"La poesia ti guarda". Homenagem ao Grupo 70 (1963-2023) na Galleria d'Arte Moderna
2023-12-01 10:00 - 2025-03-09 17:30 | Galleria d’Arte Moderna, via Palestro 16, Milão, Itália
Imagem: Divulgação Galleria d’Arte Moderna

Em 24 de maio de 1963, no Forte do Belvedere em Florença, ocorreu a conferência “Arte e comunicação”, considerada pelos estudiosos o ato oficial de fundação do Grupo 70.

Seis décadas após esse evento, a Galleria d’Arte Moderna organiza uma exposição em homenagem aos artistas que determinaram sua criação.

O Grupo 70 é o grupo artístico que interpreta de forma mais completa e coerente, no contexto italiano, o movimento internacional da poesia visual. Entre as neo-vanguardas, é a que mais possui um caráter híbrido e multilíngue, situando-se em uma “terra de ninguém” sugestiva entre a escrita e a imagem, entre as artes visuais e a poesia. A arte era entendida e problematizada, de forma mais geral, como parte do complexo sistema de comunicação.

Em comemoração a este aniversário, é realizada uma homenagem aos principais expoentes do grupo – Ketty La Rocca, Lucia Marcucci, Eugenio Miccini, Luciano Ori, Lamberto Pignotti, além de Roberto Malquori e Michele Perfetti – destacando as diversas manifestações estéticas e formais da poesia visual.

As obras, em sua maioria inéditas e/ou pouco conhecidas pelo grande público, provêm da coleção da Galeria de Arte Moderna, do Arquivo Carlo Palli de Prato, entre as principais coleções italianas de poesia visual, do MART de Rovereto, do Arquivo Lamberto Pignotti de Roma, da Fundação Bonotto de Colceresa (VI) e de outras prestigiosas coleções privadas.

A exposição inclui também poesias sonoras e cinépoesias, livros de artista e documentos que ilustram de diversas maneiras as premissas teóricas, as razões poéticas e os resultados expressivos do Grupo 70.

A mostra, com curadoria de Daniela Vasta, é realizada em colaboração com o Arquivo Carlo Palli, Arquivo Lamberto Pignotti e Fundação Bonotto.

A exposição é acompanhada por um catálogo editado pela De Luca Editori d’Arte, com contribuições críticas de Daniela Vasta, Patrizio Peterlini e Lucilla Saccà, e uma entrevista inédita com Lamberto Pignotti por Claudio Crescentini, além de aparatos bio-bibliográficos organizados por Elena Rosica.

Alejandro Piñeiro Bello no Rubell Museum
2023-12-04 08:00 - 2024-11-03 17:00 | Rubell Museum, 1100 NW 23rd St Allapattah, Miami, Flórida, Estados Unidos
O artista nascido em Havana e baseado em Miami, Piñeiro Bello, concentra sua prática na diáspora caribenha, em Cuba, e nas identidades culturais, imagens e história das ilhas circundantes. Ele pinta o esplendor místico sociocultural da cultura caribenha usando materiais tradicionais, como óleo sobre linho cru ou juta, e trabalha com uma paleta de cores vibrante para criar imagens que capturam a fertilidade da região.

"Basil Kincaid: Spirit in the Gift" no Rubell Museum
2023-12-04 08:00 - 2024-11-03 17:00 | Rubell Museum, 1100 NW 23rd St Allapattah, Miami, Flórida, Estados Unidos
A prática pós-disciplinar de Basil Kincaid, um artista nascido em St. Louis que divide seu tempo entre os EUA e a África, examina as relações entre ancestralidade, lugar e a construção contemporânea do eu. Ao longo de seu trabalho, Kincaid incorpora quilting, colagem, fotografia, instalação, performance e o uso de materiais encontrados.

"Wordplay" no ICA Boston
2024-01-30 10:00 - 2025-01-05 17:00 | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Renée Green, Space Poem #1, 2007. Vista da instalação, Renée Green, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston, 2021–22. Foto por Liza Voll.

Destacando a rica interação entre imagem e texto e as práticas relacionadas de observar e ler, “Wordplay” se baseia principalmente na coleção permanente do ICA para mostrar como artistas contemporâneos brincaram com palavras para animar e expandir suas práticas artísticas. O texto tem sido parte da expressão visual por séculos, mas a “arte textual” como um gênero começou a proliferar com o surgimento da arte conceitual nos anos 1960. Artistas na exposição usam texto para explorar questões filosóficas, expressar e subverter mensagens políticas, desafiar noções de identidade e conectar suas obras com múltiplas referências, escritores e ícones culturais. Esta exposição apresentará muitas obras recentemente adquiridas que nunca foram exibidas, de artistas como Kenturah Davis, Taylor Davis, Joe Wardwell e Rivane Neuenschwander, ao lado de trabalhos de Shepard Fairey, Jenny Holzer, Glenn Ligon, entre outros que pioneiraram o engajamento criativo com a linguagem.

3 exposições imersivas no Atelier des Lumières
2024-02-09 10:00 - 2025-01-05 18:00 | Atelier des Lumières, 38 Rue Saint-Maur, Paris, França
© Culturespaces / C. de la Motte Rouge

Três exposições fascinantes convidam os espectadores a viajarem por universos distintos. A primeira, mergulha na antiguidade egípcia, revelando as maravilhas dos faraós e seus rituais sagrados ao longo de milênios. A segunda, transporta para o século XIX, onde pintores ocidentais como Delacroix, Gérôme e Ingres exploram os mistérios paisagísticos e as cores exuberantes do Oriente, criando visões encantadas. Por fim, adentra-se em um mundo surreal de fractais e paisagens alienígenas, onde matemática e arte se fundem.

Confira os horários e adquira seus ingressos clicando em “Informações” abaixo.

Igshaan Adams no ICA Boston
2024-02-13 10:00 - 2025-02-15 17:00 | Institute of Contemporary Art Boston, 25 Harbor Shore Dr, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
Igshaan Adams, Lynloop, 2024. Vista da instalação, Igshaan Adams, no Instituto de Arte Contemporânea/Boston, 2024-25. Foto por Mel Taing.

O artista multidisciplinar Igshaan Adams (nascido em 1982 em Cidade do Cabo, África do Sul) explora como as pessoas habitam e se movimentam pelo espaço. Adams utiliza práticas de tecelagem para tornar visíveis os padrões cotidianos de movimento que falam sobre formas de cuidado, sobrevivência e resistência na África do Sul pós-apartheid. As recentes tapeçarias de grande escala tecidas por Adams apontam para a interconectividade da espiritualidade do artista, histórias familiares e narrativas da comunidade local, enraizadas em sua herança sul-africana, assim como o uso problemático da terra na região. Ele se inspira no termo de planejamento urbano “linhas de desejo” — caminhos criados por pedestres ao longo do tempo que estão fora dos passeios planejados. Na prática de Adams e na África do Sul, a criação de linhas de desejo representa um ato de transgressão diante dos limites fixos impostos pelo governo durante a era do apartheid para separar à força as comunidades de acordo com castas raciais.

Lynloop, a monumental nova comissão de Adams para o ICA/Boston, é uma tecelagem experimental composta por várias partes, desenvolvida em resposta à arquitetura do museu e às memórias da infância do artista. Baseia-se em imagens aéreas dos caminhos cruzados entre um campo de esportes e um espaço recreativo murado ao sul de onde Adams cresceu. Por meio da obra, Adams considera o impacto das experiências e memórias da infância na trajetória da vida de uma pessoa. Ele escreve: “Ao lidar com o desconforto de crescer entre esses espaços hiper-masculinos, a instalação explora como tive que sobrepor minhas próprias fantasias às memórias de uma maneira que suaviza as arestas duras e a frieza desta área.” Em tons de rosa com contas, cordas, correntes e mohair, Lynloop é um mapeamento impressionante e tátil do espaço, interação humana e memória.

"Don't Forget to Call Your Mother" no The Met Museum
2024-02-13 10:00 - 2024-09-15 17:00 | The Metropolitan Museum of Art, 1000 5th Ave, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Sadie Barnette, Photo Bar, 2022 © Sadie Barnette. Foto: Phillip Maisel.

Em uma época em que as fotografias são principalmente compartilhadas e armazenadas digitalmente, muitos artistas estão retornando à materialidade dos instantâneos em um álbum ou das imagens em um arquivo como fonte de inspiração. A exposição, intitulada Don’t Forget to Call Your Mother (“Não Esqueça de Ligar para Sua Mãe”), a partir de uma fotografia do provocador italiano Maurizio Cattelan, consiste em obras da coleção do Met, que vão dos anos 1970 até os dias atuais, refletindo sobre os sentimentos complexos de nostalgia e sentimentalismo que esses objetos evocam, enquanto sublinha o poder do objeto encontrado.
Entre os artistas em destaque está Sadie Barnette, para quem as fotografias servem como um portal para iluminar a história esquecida do primeiro bar gay de propriedade de negros em São Francisco e a vida de seu próprio pai, como ilustra poderosamente sua obra Photo Bar de 2022. Assim como Barnette, muitos dos artistas da exposição buscam fortalecer o legado das histórias familiares, enfatizar a importância das relações intergeracionais e considerar as maneiras pelas quais o conhecimento e o respeito pelo passado podem informar o nosso momento atual. Alguns artistas, como Sophie Calle e Larry Sultan, exploram suas próprias narrativas para revelar a construção do desejo, enquanto outros, incluindo Taryn Simon e Hank Willis Thomas, examinam histórias que moldaram o diálogo cultural e político. Para alguns, como Darrel Ellis, que utilizou fotos de família para negociar o trauma da violência policial, o pessoal é político. Empregando várias estratégias, esses artistas consideram como uma coleção de imagens—como um talismã ou um retábulo—constrói relações ao longo do tempo e pode transformar nossa compreensão do presente.
A exposição é viabilizada por Joyce Frank Menschel.

"DRIVE" de Jason Rhoades na Hauser & Wirth
2024-02-17 09:00 - 2025-01-14 18:00 | Hauser & Wirth Downtown Los Angeles, 901 E 3rd St, Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos
Jason Rhoades com o Caprice, observando o Aeroporto Internacional de Los Angeles, 1996 © The Estate of Jason Rhoades

Para Jason Rhoades, o carro representava não apenas um veículo de busca artística, mas também uma escultura pronta e um ídolo americano. A partir de 27 de fevereiro, a Hauser & Wirth Los Angeles dedicará uma galeria inteira em sua localização no Downtown Arts District a uma exploração ao longo de um ano da arte de Rhoades através do tema dos carros e da cultura automobilística. Conhecido pela imaginação e ambição impulsionadoras de seu trabalho, assim como, às vezes, por sua provocação imprudente e materialidade avassaladora, Rhoades (1965–2006) era um construtor de mundos para quem a criação de esculturas e de narrativas estava entrelaçada. Suas instalações em escala épica o tornaram uma força no mundo da arte internacional nos anos 1990, enquanto ele estava baseado em Los Angeles. DRIVE se desdobrará ao longo de uma série de iterações temáticas, uma exposição em constante mudança das esculturas, desenhos, vídeos e múltiplos de Rhoades—enriquecida por materiais de arquivo, programas públicos e perspectivas contemporâneas.

"The MET at The Louvre: Near Eastern Antiques in Dialogue" no Museu do Louvre
2024-02-29 09:00 - 2025-12-14 18:00 | Museu do Louvre, 75001 Paris, França, Paris, França
Escultor desconhecido. “Cabeça de um líder”. Cortesia do Museu do Louvre.

O Departamento de Antiguidades do Oriente Próximo do Louvre está abrigando dez grandes obras do Metropolitan Museum of Art de Nova York, cujo Departamento de Arte do Oriente Próximo Antigo está atualmente fechado para reformas. O Louvre e o Met criaram um diálogo único entre essas duas coleções, que é exibido nas galerias permanentes do Louvre. Essas obras de arte “convidadas especiais” do Met, datadas entre o final do 4º milênio a.C. e o século 5 d.C., mostram algumas conexões notáveis ​​com a coleção do Louvre. Em alguns casos, um par de objetos foi reunido pela primeira vez, enquanto em outros, as peças se complementam em virtude de características históricas específicas de suas respectivas coleções. Representando a Ásia Central, a Síria, o Irã e a Mesopotâmia, esse diálogo entre coleções está (re)apresentando os visitantes a essas extraordinárias e antigas obras de arte e às histórias que elas contam.

"Exposure. Arte, culture, moda dentro e fuori la vetrina" no Museo delle Culture
2024-03-01 09:00 - 2024-09-08 18:00 | Museo delle Culture (Mudec), Via Tortona, 56, Milão, Itália
Mark Dion, Raiding Neptune’s vault. Voyage to the Bottom of the Canals and Lagoons of Venice, Installation Cabinet B, 1997-98. Coleção privada.

A exposição, com curadoria de Katya Inozemtseva e Sara Rizzo, reflete sobre a concepção tradicional da vitrine e sua centralidade nos projetos de exposição. Ligada à “exposição museológica clássica”, a vitrine expõe e ao mesmo tempo separa o objeto, oferecendo-o para apreciação, mas formando uma barreira para o espectador. Nos museus etnográficos, em particular, o efeito “neutralizante” da vitrine afeta as obras, isolando-as, privando-as do contexto e da função originais.

A mostra é antecipada nas salas da Coleção Permanente por uma intervenção especial do artista contemporâneo Theo Eshetu (1958), “Crocodile on a ceiling”, um trabalho inédito, produzido especialmente para o MUDEC. Através da inversão da visão, Eshetu reflete sobre a origem do próprio museu, a ser rastreada nos gabinetes de curiosidades renascentistas. “Brave New World”, também de Theo Eshetu, é um caleidoscópio de imagens em movimento que torna o próprio público parte da obra.

Segue-se nas salas “Focus” uma seção dedicada à história da vitrine nas montagens museológicas e seu papel como meio de classificação, especialmente nas coleções etnográficas. O tema do desejo é abordado através das imagens oníricas das vitrines criadas pelo lendário designer e vitrinista Gene Moore para a Tiffany, e pelas montagens dos designers Albe Steiner, Giancarlo Iliprandi e Roberto Sambonet para a Rinascente na segunda metade do século XX.

Encerrando o percurso, há um foco na caixa de exposição na prática da arte contemporânea, através de obras de Mark Dion (1961), Sam Durant (1961) e uma instalação site-specific de Monia Ben Hamouda (1991), destinada a desconstruir a prática da vitrine e, metaforicamente, do próprio museu.

A exposição é precedida no icônico ambiente da ágora por Luce dietro tracce incompiute, de Mariana Castillo Deball (1975): no átrio de vidro do museu, as sete esculturas têxteis, inspiradas em peças das coleções do MUDEC, criam uma situação invertida na qual o público se encontra, junto com as obras, dentro de uma imponente vitrine.

A exposição é enriquecida ainda por uma programação diversificada de eventos que nos permite refletir sobre alguns conceitos-chave da mostra e sair do museu graças à arte pública.

O projeto “Exposure” será ilustrado no segundo número da revista “MU – MUDEC United”, que, de acordo com sua proposta editorial, oferecerá aprofundamentos transversais sobre o tema da exposição.

Artistas presentes na exposição: Monia Ben Hamouda, Mark Dion, Sam Durant, Theo Eshetu, Damien Hirst, Candida Höfer, Giancarlo Iliprandi, Gene Moore, Roberto Sambonet, Albe Steiner.

"Miranda July: New Society" na Fondazione Prada
2024-03-07 10:00 - 2024-10-28 19:00 | Fondazione Prada, Largo Isarco, 2, Milão, Itália
Miranda July: New Society, Osservatorio Fondazione Prada, Milão, Foto: Valentina Sommariva, Cortesia da Fondazione Prada.

Organizada por Mia Locks, Miranda July: New Society é a primeira exposição dedicada à obra de Miranda July, que percorre os trinta anos de carreira da artista, diretora e escritora americana através de seus curtas-metragens, performances e instalações. O projeto inclui o novo trabalho F.A.M.I.L.Y. (Falling Apart Meanwhile I Love You), uma instalação de vídeo de vários canais que documenta a colaboração de um ano entre July e sete artistas performáticos no Instagram. F.A.M.I.L.Y. é o ponto de partida para investigar na exposição os temas presentes em outros projetos performativos e colaborativos de July.

O primeiro andar do Observatório apresenta a documentação das performances de July, desde as primeiras em locais punk até as mais conhecidas, como Love Diamond (1998-2000), The Swan Tool (2000-2003), Things We Don’t Understand and Definitely Are Not Going to Talk About (2006-2007) e New Society (2015), juntamente com adereços, figurinos e documentos de arquivo.

No segundo andar está exposto F.A.M.I.L.Y. juntamente com outros dois projetos colaborativos – I’m the President, Baby (2018) e Services (2020). A exposição também apresenta uma reiteração de Learning to Love You More (2000-2007), um projeto online realizado em colaboração com Harrell Fletcher, que inclui setenta “tarefas” atribuídas ao público e carregadas no site. A “tarefa” nº 43 (“Realize uma exposição com as obras que encontrar na casa de seus pais”), realizada por uma mulher milanesa especialmente para este projeto expositivo, será apresentada como parte da exposição.

Miranda July: New Society é acompanhada pela apresentação da filmografia completa de July, que ocorrerá no Cinema Godard da Fundação Prada simultaneamente com a exposição. O programa inclui três longas-metragens, Me and You and Everyone We Know (2005), The Future (2011) e Kajillionaire (2020), e será complementado por uma seleção de curtas-metragens e obras inéditas na tela grande.

"Riscar o Chão" no Centro Cultural Arte Sesc
2024-03-07 12:00 - 2024-09-07 19:00 | Arte Sesc, Rua Marquês de Abrantes, 99 - Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, Brasil
Guy Veloso, Portela, 2019

O Centro Cultural Arte Sesc (Rua Marquês de Abrantes 99 – Flamengo) abre, nesta quinta-feira (07/03), às 18h, a exposição Riscar o Chão, que articula linhas e traços de gravuras com fotografias que registraram os movimentos dos corpos dos sambistas que “riscam o chão” da avenida. A mostra será aberta com um show da cantora e compositora Nina Wirtti. A entrada é franca.

A exposição reúne 61 obras, em serigrafia e litogravura, de Abelardo Zaluar, Alfredo Volpi, Athos Bulcão, Carlos Scliar e Dionísio Del Santo, que datam de 1984 e integram o acervo do Sesc RJ, e fotografias dos artistas convidados Guy Veloso e Vítor Melo, registradas entre os anos de 2019 e 2023, durante o Carnaval, no Rio de Janeiro.

Com curadoria de Marcelo Campos e Leonardo Antan, a mostra propõe um diálogo de gravuras com fotografias que registram a técnica, a engenhosidade de sambistas e a evolução de corpos no Carnaval, aproximando a geometria e a figuração com uma ginga de linhas e cores, estabelecendo uma relação com o lugar ao qual pertenciam, criando ambientações singulares e dialogando com o contexto brasileiro.

“Se para muitos, os pensamentos elaborados por artistas do Carnaval parecem distantes ou superficiais diante de outras formas de arte, eles são importantes discursos que se criam sobre nosso país. É preciso perceber como o universo plástico das artes institucionais e o pensamento de artistas-carnavalescos sempre estiveram em sinergia e reinventando possibilidades de país nas telas e avenidas”, observa o curador Marcelo Campos.

Riscar o Chão é a quarta exposição a ocupar o Arte Sesc desde a reabertura do espaço em 2022. O centro cultural vem se dedicando a tornar acessível ao público obras do seu acervo de mais de 500 peças do Sesc RJ, que vêm sendo paulatinamente tratadas, restauradas e selecionadas para compor exibições a partir de recortes curatoriais alinhados às discussões contemporâneas em artes visuais.

A mostra inaugural foi Notícias do Brasil: Carybé, Cícero Dias e Glauco Rodrigues, com gravuras assinadas por esses artistas, em celebração aos 100 anos da Semana de Arte Moderna de 1922. Na sequência, o espaço recebeu Abstrações, composta por obras de artistas mulheres que exploram o caminho da abstração em diferentes tempos e formas expressivas: Fayga Ostrower, Renina Katz, Anna Letycia e Anna Maria Maiolino (peças do acervo), Ana Cláudia Almeida e Laís Amaral (convidadas).

A terceira mostra, ÀMÌ: Signos Ancestrais, partiu de uma obra de Emanoel Araújo, restaurada após anos exposta em uma área externa do Sesc Copacabana, e contou com os artistas convidados Raphael Cruz e Guilhermina Augusti. As obras estão, agora, em exibição na galeria do Sesc Barra Mansa, até 14 de julho.

"Crafting Modernity: Design in Latin America, 1940–1980" no MoMA
2024-03-08 12:00 - 2024-09-22 18:00 | MoMA, 11 W 53rd St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Roberto Burle Marx, Parque Ibirapuera, Jardins Quadricentenários, projeto, São Paulo, Brasil (Plano, detalhe cinco), 1953. The Museum of Modern Art, Nova York. Fundo Interamericano. © 2024 Burle Marx & Cia. Ltda.

“Há design em tudo”, escreveu Clara Porset, a inovadora designer cubano-mexicana. Ela acreditava que a arte e a indústria poderiam se inspirar mutuamente, forjando um caminho alternativo para o design moderno. Nem todos os colegas de Porset concordavam com sua convicção. Esta exposição apresenta essas visões às vezes conflitantes da modernidade propostas por designers de ambientes domésticos na Argentina, Brasil, Chile, Colômbia, México e Venezuela entre 1940 e 1980. Para alguns, o design era uma evolução das tradições locais e indígenas, levando a uma abordagem que combinava técnicas artesanais centenárias com métodos baseados em máquinas. Para outros, o design respondia às condições de mercado e aos gostos locais, e era baseado em tecnologias disponíveis e processos industriais. Nesta exposição, objetos, incluindo móveis, eletrodomésticos, cartazes, tecidos e cerâmicas, bem como uma seleção de fotografias e pinturas, explorarão essas tensões.

O lar tornou-se um local de experimentação para a vida moderna durante um período marcado por mudanças políticas, econômicas e sociais dramáticas, que tiveram amplas repercussões para a cultura visual latino-americana. Por quase meio século, o design do ambiente doméstico incorporou ideias de identidade nacional, modelos de produção e modos de vida modernos. O lar também ofereceu oportunidades para um diálogo entre arte, arquitetura e design. Destaques da exposição incluem a cadeira Butaque de Clara Porset; a cadeira Bowl de Lina Bo Bardi; a cadeira B.K.F. de Antonio Bonet, Juan Kurchan e Jorge Ferrari Hardoy; e o mobiliário de lounge Malitte de Roberto Matta.

Exposição de longa duração no MAC USP
2024-03-09 10:00 - 2026-01-25 21:00 | MAC USP, Av. Pedro Álvares Cabral, 1301 - Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil
Walter Ufer, Construtores do Deserto, 1923 (detalhe)

O Museu de Arte Contemporânea da USP apresenta a exposição Galeria de Pesquisa – Aspectos da coleção da Terra Foundation for American Art através do programa Terra Collection-in-Residence, com 36 obras selecionadas em diálogo com a pesquisa e as disciplinas de graduação e pós-graduação do MAC USP e sua atuação no Programa Interunidades em Estética e História da Arte (PGEHA USP). A parceria entre a Terra Foundation for American Art e o MAC USP envolve também a linha de pesquisa em História da Arte e da Cultura do Instituto de Filosofia e Ciências Humanas da Unicamp e o Departamento de História da Arte da Unifesp. Nos próximos dois anos as obras em exposição permitirão criar pontes de interpretação com obras do acervo do MAC USP e apoiar atividades didáticas e de pesquisa.

A Terra Collection for American Art é uma associação sem fins lucrativos, com sede em Chicago (EUA), que desde os anos 1980 coleciona obras de arte do país e fomenta a pesquisa sobre sua arte. Algumas das obras já integraram outras parcerias com o Brasil, presentes em exposições de pesquisa realizadas no MAC USP – Atelier 17 e a gravura moderna nas Américas (2019), e na Pinacoteca de São Paulo – Paisagem nas Américas (2016) e Pelas ruas: vida moderna e experiências urbanas na arte dos Estados Unidos, 1893-1976 (2022). A exposição traz obras de Thomas Hart Benton, Eugene Benson, James McNeill Whistler, Louis Lozowick, James Edward Allen, Ralston Crawford, George Bellows, Bolton Brown, Winslow Homer, C. Klackner. Clare Leighton, Arnold Ronnebeck, William Zorach, Emil Bisttram, Menton Murdoch Spruance, John Ferren, Mary Nimmo Moran, Eanger Irving Couse, George Josimovich, George de Forest Brush, Walter Ufer, Edward Hooper, John Marin, Stanley Willian Hayter, Stuart Davis, Arshile Gorky, Lyonel Feininger, Armin Landeck e Thomas Moran.

Por fim, as obras se articulam na parceria da disciplina de pós-graduação Arte dos Estados Unidos e suas conexões, com o apoio da fundação e ofertada conjuntamente com a Unicamp e a Unifesp, que vem abordando estudos comparativos entre a arte produzida nos Estados Unidos e no Brasil, trazendo temáticas como arte indígena, diáspora africana nas Américas, e imigrações italianas nas Américas. Através do Programa Collection- in-Residence, o MAC USP se insere em uma rede de doze museus universitários internacionais de arte em um olhar crítico sobre a história da arte dos Estados Unidos e suas possíveis articulações com outros países.

"La Collection: Revoir Picasso" no Musée Picasso Paris
2024-03-12 10:30 - 2027-03-12 18:00 | Musée Picasso Paris, 5 rue de Thorigny, Paris, França
Pablo Picasso, Trois figures sous un arbre (Three figures under a tree), 1907-1908 © Musée Picasso Paris

O Museu Nacional Picasso-Paris reencontra sua coleção espalhada por três andares a partir de 12 de março; após um ano de celebração e a magnífica exposição dedicada à artista Sophie Calle. Dez anos após a reabertura do museu, a coleção se instala de forma permanente no magnífico Hotel Salé.

Fruto de uma história extraordinária, a formação da coleção do Museu Nacional Picasso-Paris foi possibilitada pelo mecanismo de dação – hoje é a maior coleção pública de obras de Picasso, os “Picassos de Picasso”. Originária dos ateliês do artista, essa coleção nos permite compreender melhor as explorações estéticas deste Picasso que ora é desconcertante, plural, contraditório, reflexivo, gestual e conceitual, esteta e engajado, inventor e poeta. Ele é simbolista, cubista, clássico, surrealista ou simplesmente figurativo e político?

Um lugar aberto e vibrante, o museu aborda questões sociais para questionar, através da jornada de sua obra, a recepção dela, ou seja, a do pintor mais renomado, mais observado, mas também o mais discutido.

É também uma oportunidade para dedicar exposições ou contrapontos aos corações das coleções. O primeiro desta série presta homenagem à artista Françoise Gilot, que faleceu recentemente. Além de seu famoso livro intitulado “Viver com Picasso”, publicado em 1965 – a trajetória da artista é evocada desde sua proximidade com o grupo das “Realidades Novas” até as grandes composições totêmicas das “pinturas emblemáticas” dos anos 1980.

"By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection" no Guggenheim
2024-03-15 10:00 - 2025-01-12 18:00 | The Guggenheim Museum, 1071 5th Ave, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Vista da instalação, By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection © Solomon R. Guggenheim Museum, Nova York

Uma das características mais proeminentes da arte do final do século XVIII em diante, especialmente após a Segunda Guerra Mundial, é a tendência dos artistas de evoluir métodos tradicionais de produção artística fora dos limites do estúdio. Esta exposição examina as maneiras pelas quais artistas contemporâneos implementaram novas ideias formadas pelos contextos sociais e históricos de seu tempo, empurrando os limites da criação artística e dos materiais como resultado.

By Way Of oferece uma seleção de obras da coleção permanente do museu, inspiradas pelo presente da Coleção D.Daskalopoulos. Artistas importantes do movimento Arte Povera das décadas de 1960 e 1970, como Jannis Kounellis e Mario Merz, compartilham as galerias com artistas que trabalham atualmente, como Rashid Johnson, Mona Hatoum e Senga Nengudi.

By Way Of: Material and Motion in the Guggenheim Collection é organizada por Naomi Beckwith, Diretora Adjunta e Curadora-Chefe Jennifer e David Stockman.

"Spirit in the Land" no Pérez Art Museum Miami
2024-03-21 11:00 - 2024-09-08 18:00 | Pérez Art Museum Miami, 1103 Biscayne Blvd., Miami, Flórida, Estados Unidos
Allison Janae Hamilton, Floridawater II, 2019 © Allison Janae Hamilton. Cortesia da artista e da Galeria Marianne Boesky, Nova York e Aspen.

“Spirit in the Land” é uma exposição de arte contemporânea que examina as urgentes preocupações ecológicas de hoje a partir de uma perspectiva cultural, demonstrando como nossas identidades e ambientes naturais estão intrinsecamente entrelaçados. Por meio de suas obras, trinta artistas nos mostram como nossas mais caras tradições culturais estão enraizadas na terra, como nossa relação com a terra e a água nos molda como indivíduos e comunidades. As obras refletem o potencial restaurador de nossa conexão com a natureza e exemplificam como a biodiversidade e a diversidade cultural são essenciais para nossa sobrevivência.

Esses artistas exploram as maneiras pelas quais nossos espaços internos espelham os externos em obras que celebram a profunda beleza de nosso mundo e lamentam sua perda, e com ela, as histórias desaparecidas de pessoas e lugares.

Como as batalhas contra as mudanças climáticas são frequentemente mais críticas para comunidades marginalizadas — a justiça ambiental é justiça social e racial — a exposição e o catálogo centralizam as vozes dos artistas que abordam a conscientização ecológica com uma atenção especial às comunidades mais negativamente afetadas. Atuando como guardiões ambientais, os artistas recuperam e revitalizam nosso entendimento da natureza como um repositório de memória cultural, um lugar de santuário, um local de resistência e uma fonte de nutrição espiritual e cura. À medida que a terra e a água proporcionam um senso de pertencimento e comunidade, a exposição ilustra nossa interdependência com toda a vida na Terra.

“Spirit in the Land” tem suas raízes na América do Norte, com ramificações alcançando o Caribe. Enquanto esses artistas investigam ambientes naturais sob estresse, a exposição apresenta uma crença na possibilidade de transformação e regeneração. Nosso desejo de viver em harmonia com a natureza é, em última análise, o que determinará nosso futuro.

"Sonya Clark: We Are Each Other" no Museum of Arts and Design
2024-03-23 10:00 - 2024-09-22 18:00 | Museum of Arts and Design, 2 Columbus Circle, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Uma carteira escolar com a imagem gravada a laser da bandeira de trégua instalada para Lesson Plan (Confederate Truce Flag), 2019. @nyceventphotography

Destacando trinta anos de produção artística dedicada à experiência negra nos Estados Unidos, Sonya Clark: We Are Each Other é a primeira exposição abrangente dos projetos de arte comunitária que formam o cerne da prática criativa pioneira da artista. Acompanhada por uma seleção de fotografias, gravuras e esculturas de Clark, a exposição apresenta cinco dos projetos colaborativos em grande escala da artista, incluindo o inovador The Hair Craft Project (2014) e a performance contínua Unraveling.
Trabalhando com uma ampla variedade de materiais emocionalmente ressonantes e objetos do cotidiano—desde tecido de algodão e cabelo humano até carteiras escolares e tijolos—Clark incentiva o público a confrontar os desequilíbrios históricos e as injustiças raciais do país através da transformação material. O uso de materiais artesanais tradicionais, seu conhecimento aplicado de técnicas artesanais globais e as colaborações comunitárias que são essenciais para a integridade da arte de Clark estão entre as muitas maneiras pelas quais a artista representa e homenageia os legados da diáspora africana na vida negra.

Pino Pascali na Fondazione Prada
2024-03-28 10:00 - 2024-09-23 19:00 | Fondazione Prada, Largo Isarco, 2, Milão, Itália
Pino Pascali, Fondazione Prada, Milão, Foto por Roberto Marossi, Cortesia da Fondazione Prada.

A Fondazione Prada apresenta uma extensa retrospectiva dedicada ao artista italiano Pino Pascali (1935-1968). O projeto explora o caráter inovador de sua obra, especialmente em relação à produção escultórica, que nos últimos cinquenta anos teve um impacto fundamental em diversas gerações de artistas e críticos e continua a atrair a atenção do público internacional.

Curada por Mark Godfrey, a exposição é dividida em quatro seções, cada uma delas oferecendo uma perspectiva precisa sobre a produção de Pascali, e é realizada em três edifícios da sede em Milão: o Podium, a galeria Nord e a galeria Sul. Concebido por 2×4, o percurso de exibição inclui quarenta e nove obras de Pino Pascali vindas de museus italianos e internacionais e de coleções privadas prestigiadas; nove trabalhos de artistas do pós-guerra; uma seleção de fotografias e um vídeo retratando o artista com suas obras.

Nascido em Bari em 1935, Pino Pascali mudou-se para Roma em 1955 para estudar cenografia na Academia de Belas Artes. Trabalhou como assistente de cenografia em várias produções televisivas da Rai e colaborou como designer e cenógrafo para o cinema e algumas agências publicitárias. Em 1965, realizou sua primeira exposição individual na Galleria La Tartaruga, em Roma. Em 1968, morreu tragicamente em um acidente de moto aos trinta e dois anos, no mesmo ano de sua apresentação monográfica na Bienal de Arte de Veneza.

Como escreve Mark Godfrey no texto publicado no catálogo, “Pascali explorou a relação entre escultura e elementos cênicos e contrapôs escultura e objetos de uso. Ele criou obras que de longe parecem ready-mades, mas que, olhadas de perto, revelam-se feitas de materiais reciclados. Ele questionava as potencialidades de uma escultura ‘falsa’ ou ‘simulada’. Nomeava as obras como se fossem corpos sólidos, piscando para seu público, por sua vez consciente de que se tratavam de volumes vazios. Ele usava elementos naturais como terra e água junto com materiais de construção como eternit, e dividia seus mares e campos em unidades modulares. Levava para o estúdio novos produtos de consumo e tecidos sintéticos para criar animais, armadilhas e pontes. E se a complexidade de sua abordagem à escultura é inquestionável, o fator que torna sua prática artística tão genial e original é outro. Pascali é um artista sempre atual porque era um ‘exibicionista’. […] Pascali entendia que os artistas do pós-guerra precisavam dedicar tantas energias à atividade expositiva quanto às dedicadas a refinar as obras no estúdio”.

O projeto expositivo é composto por quatro seções. A primeira analisa a abordagem com a qual Pascali realizou suas exposições de 1965 a 1968, criando ambientes originais em vez de simples seleções de obras de seu estúdio. A segunda parte explora seus mais significativos intervencionismo em importantes exposições coletivas daquela época e inclui os trabalhos de artistas que expuseram junto com ele. A terceira seção examina a interação de Pascali com suas esculturas nas fotografias tiradas por Claudio Abate, Andrea Taverna e Ugo Mulas e como essas imagens sugerem modos fantasiosos de abordar seu trabalho. A quarta seção investiga o uso de materiais naturais e industriais por parte de Pascali, estudando sua origem, seu uso comercial, quais outros artistas os utilizaram e seu desenvolvimento ao longo do tempo.

"Wanda Gág World" no Whitney Museum
2024-03-28 10:30 - 2024-12-01 18:00 | Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St Manhattan, Nova York, Nova York, Estados Unidos
Wanda Gág, The Forge (detalhe), 1932. Whitney Museum of American Art, New York; purchase 32.103. © Estate of Wanda Gág

Esta exposição apresenta uma seleção de gravuras da artista, ilustradora e autora de livros infantis Wanda Gág (1893–1946). Estas obras registram o mundo como Gág o experimentava: um lugar onde as paisagens se movem ritmicamente e os objetos inanimados vibram com vida. Embora ela também pintasse, as artes gráficas ofereceram o método mais eficaz para expressar essa visão única.

Nascida em Minnesota, filha de imigrantes da Boêmia Alemã (atualmente parte da República Tcheca), Gág chegou a Nova York em 1917 para estudar na Art Students League, onde se tornou uma figura central da cena artística modernista da cidade. Sem aderir à abstração nem ao realismo social — os movimentos artísticos dominantes na época — Gág desenvolveu sua própria abordagem à figuração. Ao longo de sua carreira, ela alcançou um sucesso modesto vendendo suas gravuras e produziu vários livros infantis populares, exemplos dos quais são apresentados na mostra. Gág também foi uma escritora prolífica sobre sua vida e obra, e trechos de suas cartas e diários acompanham as gravuras em exibição.

Completamente extraídas da coleção do Whitney, as obras nesta exposição abrangem aproximadamente duas décadas, desde meados da década de 1920 até o ano anterior à morte de Gág. Juntos, esses naturezas-mortas, paisagens e interiores iluminam o que a artista chamou de “mundo de Wanda Gág”, demonstrando sua fervorosa busca para capturar o sentimento e o movimento da vida como ela via.

O Wanda Gág World é co-curado por Roxanne Smith, Assistente Sênior de Curadoria, e Scout Hutchinson, Curadora Bolsista.

"L'Euphorie de la couleur" de Carlos Cruz-Diez na Galleria Continua Paris
2024-04-02 11:00 - 2024-09-14 19:00 | Galleria Continua Paris, 87 rue du Temple, Paris, França
Carlos Cruz-Diez – L’Euphorie de la couleur 2024. Vista da exposição GALLERIA CONTINUA, Paris. Foto: Hafid Lhachmi. © Carlos Cruz-Diez / Bridgeman Images 2024

A GALLERIA CONTINUA tem o prazer de apresentar em seu espaço parisiense a primeira exposição individual do artista franco-venezuelano Carlos Cruz-Diez. Figura importante da arte contemporânea e pioneiro da arte cinética (1923-2019), Cruz-Diez é um mestre indiscutível da cor. Ao longo de sua carreira, ele experimentou e desenvolveu um grande número de propostas que permaneceram emblemáticas de sua linguagem artística. Em sintonia com as profundas mudanças sociais ao seu redor, dedicou-se a inventar um novo corpo de trabalho, explorando técnicas e tecnologias não convencionais que desempenhariam um papel decisivo em sua abordagem. Carlos Cruz-Diez tinha trinta e sete anos quando, em 1960, decidiu deixar Caracas e mudar-se para Paris com sua família. Após estudar na Académie des Beaux-Arts e um longo período como ilustrador, escolheu a vibrante cena cultural de Paris para continuar sua investigação das dinâmicas perceptivo-sensoriais. “L’Euphorie de la couleur” [A Euforia da Cor] apresenta os destaques da carreira artística de Carlos Cruz-Diez, explorando sua teoria da cor por meio de algumas de suas obras mais emblemáticas.

"Parcours Mode, Bijoux, Design" no Musée des Arts Décoratifs
2024-04-03 11:00 - 2024-11-10 18:00 | Musée des Arts Décoratifs, 107 Rue de Rivoli Paris, Paris, Paris, França
Desfile de alta costura, primavera-verão 2023. Stéphane Rolland.

O Museu de Artes Decorativas apresenta pela primeira vez uma seleção de peças de alta costura e prêt-à-porter, bem como joias e bijuterias, nas galerias permanentes dedicadas ao design do século XX até os dias atuais. Trinta silhuetas de moda e cem joias de criadores e prestigiosas casas como Cartier, Van Cleef & Arpels, Christian Dior, Lanvin e Balmain dialogam com grandes nomes do design como Ettore Sottsass, Ron Arad, Philippe Starck e os irmãos Campana. Essa apresentação revela as novas aquisições dessas três áreas.
