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SUMMARY:Instalação David Hammons no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:O Whitney\, em colaboração com o Hudson River Park \, desenvolveu um projeto de arte pública permanente de David Hammons (n. 1943). Intitulada Day’s End (2014–21)\, esta instalação monumental está localizada no Hudson River Park ao longo da margem sul da Península de Gansevoort\, em frente ao Museu. \n\n\n\nProposto ao Whitney por Hammons\, Day’s End se inspira em uma obra de arte de mesmo nome de Gordon Matta-Clark (1943-1978). Em 1975\, Matta-Clark cortou cinco aberturas no galpão Pier 52 que anteriormente ocupava o local. O Hammons’s Day’s End é uma estrutura aberta que segue precisamente os contornos\, dimensões e localização do galpão original – e\, como a intervenção de Matta-Clark\, oferecerá um lugar extraordinário para experimentar a orla. \n\n\n\nEm conjunto com a realização do projeto\, o Whitney apresentou Around Day’s End: Downtown New York\, 1970–1986 \, uma exposição que apresentou obras da coleção relacionadas ao projeto seminal de Matta-Clark. O Whitney também criou materiais interpretativos\, incluindo a primeira série de podcasts do Museu\, Artists Among Us \, bem como vídeos e passeios a pé pelo bairro. Essa mídia de apoio toma os Day’s End s\, conforme previsto por Hammons e Matta-Clark\, como pontos de partida para explorar a história local – da orla e do Meatpacking District\, o papel dos artistas no bairro\, sua história LGBTQ e a ecologia do estuário. Novas pesquisas\, materiais de arquivo e entrevistas de história oral serão incorporadas.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"At the Dawn of a New Age" no Whitney Museum of American Art
DESCRIPTION:Os artistas americanos saudaram o século XX com uma confiança juvenil no progresso e na inovação. Animados pelas mudanças tecnológicas que estavam revolucionando as comunicações e a engenharia\, bem como as mudanças culturais\, como o sufrágio feminino\, os artistas abraçaram o novo em detrimento do tradicional e fixo. Não mais contentes em replicar a realidade\, eles se voltaram para os estilos de vanguarda como forma de comunicar sua empolgação com uma época que o crítico Walter Lippmann caracterizou como “explosiva com novas ideias\, novos planos e novas esperanças”. \n\n\n\nAlguns dos artistas apresentados nesta exposição\, como Georgia O’Keeffe e Marsden Hartley \, são bem conhecidos hoje\, mas muitos modernistas igualmente inovadores foram amplamente esquecidos. Com mais de sessenta obras de quarenta e cinco artistas extraídas principalmente da coleção permanente do Whitney\, At the Dawn of a New Age oferece uma compreensão expandida da complexidade da arte americana produzida entre 1900 e 1930 e recupera a exuberante sensação de liberdade e experimentação subjacente isto. \n\n\n\nEsta exposição é organizada por Barbara Haskell\, curadora.
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LOCATION:Whitney Museum of American Art\, 99 Gansevoort St Manhattan\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Gabriella Ciancimino no Museo del Novecento
DESCRIPTION:O Museo del Novecento apresenta Getsemani\, um projeto específico do local criado por Gabriella Ciancimino\, que narra um jardim visionário por meio de sinais e iconografias. A pintura na parede descreve uma paisagem multidimensional sem espaço e tempo. Assim\, Getsemani se torna o lugar onde os homens podem despertar do sono do mundo para se imergir no “Sonho de Unidade” com a natureza\, reconhecendo-se como parte integrante dela e não como antagonistas. A exposição faz parte do “Level 0”\, uma iniciativa do ArtVerona em colaboração com catorze instituições de arte contemporânea italianas\, que tem como objetivo promover artistas emergentes que se destacaram durante a feira e que são escolhidos e apresentados por cada museu. O trabalho de Gabriella Ciancimino\, selecionado em 2020\, reflete sobre as dinâmicas da “liberdade de ser”\, que podem ser adquiridas ao superar estereótipos espirituais\, sociais\, culturais e políticos. Assim\, a artista se inspira ao conectar sua visão à de mentes rebeldes de diferentes épocas: desde Myriam de Magdala até Leda Rafanelli – política italiana\, anarquista e escritora – com quem ela compartilha temas queridos como integração e ecologia social voltada para a mudança cultural. Em seu estúdio\, Ciancimino trabalha com materiais impressos libertários encontrados em diversos arquivos ao redor do mundo\, estilos florais art nouveau do arquiteto Ernesto Basile\, pranchas botânicas de plantas da região do Mediterrâneo e um breve poema que ela escreveu sobre o papel do jardineiro\, que não cultiva uma visão unilateral\, mas aproxima a terra do céu. Metaforicamente\, Getsemani se torna um ponto de encontro entre diferentes culturas: um jardim no qual espécies locais coexistem com aquelas provenientes da paisagem da Palestina do início do cristianismo\, juntamente com flores estilizadas retiradas das capas de alguns livros publicados pela Social Publishing House de Milão\, fundada por Rafanelli\, que ao longo de sua vida tentou combinar seu pensamento anarquista com sua pesquisa espiritual sobre o Islã.
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LOCATION:Museo del Novecento\, Via Marconi\, 1\, Milão\, Itália
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SUMMARY:"Amar se aprende amando" de Antonio Bandeira na Pinacoteca do Ceará
DESCRIPTION:Amar se aprende amando\, dedicada a Antonio Bandeira\, encerra no próximo dia 15 de março na Pinacoteca do Ceará\, após mais de três anos em cartaz. \nMaior mostra já realizada sobre o artista\, a exposição reuniu 608 obras e documentos do acervo do Governo do Ceará e integrou a programação de inauguração do museu\, em dezembro de 2022\, celebrando o centenário do pintor. \nCom curadoria de Bitu Cassundé e assistência de Chico Cavalcante Porto\, a exposição propôs uma abordagem não linear da trajetória de Bandeira\, articulando diferentes cronologias e linguagens para revelar os processos criativos do artista — dos estudos iniciais às telas finalizadas.
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LOCATION:Pinacoteca do Ceará\, R 24 de Maio\, 34 - Centro\, Fortaleza\, Brazil
CATEGORIES:América Latina,Fortaleza
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SUMMARY:"Porcelain from Versailles" no Getty Center
DESCRIPTION:Esta exposição reúne dois dos conjuntos de vasos mais extraordinários que pertenceram ao Rei Louis XVI e à Rainha Marie-Antoinette da França durante o final do século XVIII. Os vasos estão entre as maiores realizações da manufatura de porcelana de Sèvres feitas antes da Revolução Francesa\, tornando-se tesouros pessoais da família real na época. Inicialmente\, eles eram mantidos no Palácio de Versalhes\, nos arredores de Paris\, a residência principal da família real\, e são um testemunho das habilidades exemplares dos artistas que participaram de sua criação. Esta exposição reúne os oito vasos que foram separados durante a Revolução\, oferecendo a rara oportunidade de apreciar a habilidade artesanal e o design dos conjuntos.
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LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr Brentwood\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Bosco Sodi nos Harvard Art Museums
DESCRIPTION:Uma nova instalação de esculturas do artista mexicano Bosco Sodi (nascido em 1970) conta com 14 esferas de argila feitas à mão pelo artista nos Museus de Arte de Harvard\, marcando a primeira apresentação de arte no terraço ao ar livre da Broadway do museu. A prática de Sodi explora os elementos da terra\, combinando tradições antigas de esculpir argila com uma visão contemporânea de criar formas universais simples que promovam a reflexão. Recorrendo a técnicas centenárias transmitidas pela cultura Zapoteca\, Sodi trabalha com artesãos de Oaxaca\, usando argila local para esculpir cada esfera\, secando-a ao ar livre por até oito meses e depois cozinhando-a em um forno construído na praia. As formas de terracota resultantes revelam os efeitos das forças da natureza – sol\, ar\, mar e fogo – como demonstrado pelas rachaduras\, lascas e manchas escurecidas e ríspidas que distinguem cada esfera. Pela primeira vez em uma instalação do trabalho do artista nos Estados Unidos\, Sodi também apresentará três esferas esmaltadas em ouro como parte de sua disposição site-specific. Passando de fora para dentro dos museus\, essas esferas douradas se conectam e dialogam com a atmosfera meditativa evocada pela instalação de figuras budistas na Galeria 1610.
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LOCATION:Harvard Art Museums\, 32 Quincy St Mid-Cambridge\, Cambridge\, Massachusetts\, Estados Unidos
CATEGORIES:Boston
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SUMMARY:Marcela Cantuária no Pérez Art Museum
DESCRIPTION:O trabalho de Marcela Cantuária (1991\, Rio de Janeiro; mora no Rio de Janeiro) retrata frequentemente figuras femininas que navegam fronteiras regionais\, internacionais e sociais. Muitas vezes destacando símbolos do tarô e da astrologia\, assim como temas que refletem o ativismo político e ambiental na América Latina\, ela tece narrativas de esferas sociais\, associações políticas e desejos etéreos. As obras vívidas e coloridas de Cantuária são provas de sua versatilidade e investigações através de vários meios e técnicas\, incluindo pintura\, têxtil e cerâmica. The South American Dream é a primeira exposição individual da artista nos Estados Unidos e apresenta todas as obras recém-comissionadas pelo museu. Nessa instalação de pintura\, Cantuária convida o espectador a considerar a natureza desses sonhos. Explorada dentro das três principais pinturas\, são destaques das obras as narrativas de ativistas críticos e ambientalistas da América do Sul que perseguiram seus sonhos através da resistência e da luta por seus países e terras\, incluindo figuras como Chico Mendes\, Dorothy Stang\, Maria do Espírito Santo da Silva\, Túpac Amaru e Juana Azurduy de Padilla\, entre outras. Enquanto suas pesquisas destacam onde se encontram lutas e injustiças\, suas pinturas apontam para a beleza da luta que muitas vezes persiste nessas histórias; assim\, as pinturas se tornam monumentos para figuras icônicas da América do Sul que\, apesar dos perigos e probabilidades devastadoras\, lutaram por suas visões. Em The South American Dream\, Cantuária eleva e revive essas histórias\, ideais e batalhas\, compartilhando com os espectadores a riqueza dos recursos naturais sul-americanos que tantos lutam para proteger.
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LOCATION:Pérez Art Museum\, 1103 Biscayne Blvd Downtown Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Vista da instalação de Amalia Mesa-Bains\, “The Virgin’s Garden\, 1994/2022” em “Venus Envy Chapter II: The Harem and Other Enclosures”. Cortesia da artista e da Rena Bransten Gallery\, São Francisco. Fotografia de Matthew Sherman/Cortesia do Museo del Barrio.\n\n\n\nO Museo del Barrio apresenta “Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory”\, a primeira exposição retrospectiva da artista\, curadora e teórica pioneira. Nascida em 1943 em uma família de imigrantes mexicanos\, Mesa-Bains tem sido uma figura de destaque na arte Chicanx por quase meio século. Sua prática explora temas feministas interseccionais\, espiritualidade centrada no meio ambiente e diversidade cultural para combater as exclusões racistas e de gênero da repressão colonial. A exposição apresenta mais de 40 obras\, incluindo as grandes “instalações-altar” da artista\, bem como gravuras\, livros de artista e códices. Ancorada pela série de vários capítulos “Venus Envy”\, “Archaeology of Memory” é uma rara oportunidade de ver três décadas de obras que desafiam gêneros de Mesa-Bains\, muitas das quais estão sendo exibidas juntas pela primeira vez. \n\n\n\nO Museo del Barrio é o único local na Costa Leste a receber a retrospectiva itinerante\, organizada pelo Berkeley Art Museum e Pacific Film Archive em colaboração com o Latinx Research Center (LRC) da UC Berkeley. A apresentação no Museo del Barrio expande a longa associação de Mesa-Bains com a instituição\, onde seu trabalho tem sido exibido desde os anos 1990. Mais recentemente\, sua arte e escrita crítica serviram como inspiração direta para a aclamada exposição de 2022\, DOMESTICANX\, uma apresentação intergeracional do grupo Latinx que expandiu a teoria inovadora de Mesa-Bains sobre a domesticana. \n\n\n\nEm meados da década de 1970\, a pesquisa de Mesa-Bains nas tradições ancestrais mexicanas levou à sua reinvenção inovadora de formas sagradas—altares domésticos e oferendas aos mortos—através de uma lente contemporânea como arte de instalação. Nas décadas seguintes\, a artista expandiu sua prática baseada em altares\, convertendo móveis domésticos como mesas\, armários ou penteadeiras em lugares de devoção e memória. Subsequentemente\, Mesa-Bains começou a considerar espaços na interseção do privado e do público para explorar as vidas de figuras femininas de contextos históricos e religiosos\, incluindo a freira e intelectual mexicana Sor Juana Inés de la Cruz e La Virgem de Guadalupe. Esses espaços\, que incluem uma biblioteca\, harém\, jardim e laboratório\, fornecem o cenário para a investigação arqueológica de Mesa-Bains sobre as histórias das mulheres e seu apagamento colonial. \n\n\n\nOs desenvolvimentos inovadores de Mesa-Bains são exibidos na série multi-partes “Venus Envy”\, criada entre 1993 e 2023 e em exibição em quatro galerias do Museo del Barrio. “Archaeology of Memory” marca a primeira vez que “Venus Envy” está sendo mostrada em sua totalidade\, tendo sido originalmente encenada em quatro capítulos em diferentes cenários institucionais\, incluindo a Bienal de Whitney de 1993; o Williams College Museum of Art; a Bernice Steinbaum Gallery; e a Menil Collection. Inspirado na terminologia freudiana\, o título de Mesa-Bains é sugestivo do empoderamento feminino ao longo da história. Outras instalações abordam a experiência da migração\, solidariedades femininas e conhecimento ancestral para reivindicar as histórias que foram ausentes da memória pública através das instituições patriarcais da nação\, religião e museu. Essas peças em grande escala são complementadas ao longo da exposição por obras em papel que iluminam a estética da artista de camadas textuais e baseadas em imagens e escavação em forma bidimensional. Baseando-se em histórias familiares\, experiências pessoais e legados artísticos\, essas gravuras\, livros feitos à mão e códices informam a prática conceitual de Mesa-Bains e servem como mapas para sua trajetória artística.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Jason Seife: Coming to Fruition" no Pérez Art Museum Miami
DESCRIPTION:Jason Seife\, assim como muitos moradores de Miami\, é filho de imigrantes\, sendo de ascendência cubana e síria. Sua prática artística está centrada em sua herança do Oriente Médio\, fazendo referências a tapetes persas e aos detalhes intricados encontrados em mesquitas e na arte islâmica tradicional. Ele digitalmente projeta suas composições inspiradas em tapetes\, espelhando a prática dos tecelões de associar padrões ou cores a locais e comunidades específicas. Em seguida\, Seife pinta à mão esses padrões intrincados em uma laje de concreto ou tela. Em Coming to Fruition\, Seife apresenta seu processo elaborado em andamento – em meio à ação. O efeito criado por esta exposição específica do local é aquele em que a fronteira entre o processo artístico e o produto final é borrada. A dinâmica de processo-como-produto é evidente em dois trípticos que revelam a progressão de suas pinturas – desde os estágios iniciais com pouco tinta no concreto até o produto final pintado detalhadamente. Os símbolos que Seife incorpora nos desenhos das pinturas fazem referência tanto às suas origens sírias quanto cubanas. Os trípticos\, acompanhados por uma pintura adicional finalizada em tela\, são cercados por molduras de madeira labirínticas. A madeira parece se infiltrar nas pinturas e nas paredes\, como se tomasse conta do interior da galeria. As molduras lembram a ornamentação intricadamente esculpida de mesquitas e foram feitas especificamente para esta exposição e espaço da galeria. O efeito geral das molduras de madeira e das pinturas nas paredes de concreto evoca um fenômeno comum tanto em Cuba quanto na Síria: edifícios lindamente pintados que foram reduzidos pela guerra ou negligência a suas estruturas de madeira e concreto. A especificidade do local de Coming to Fruition permite que Seife apresente um santuário secular onde o visitante pode meditar sobre a profanação humana\, construção de comunidades e identidades complicadas.
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LOCATION:Pérez Art Museum Miami\, 1103 Biscayne Blvd.\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Something Beautiful" no El Museo del Barrio
DESCRIPTION:Something Beautiful: Reframing La Colección é a apresentação mais ambiciosa do Museu del Barrio em mais de duas décadas\, exibindo sua coleção permanente única\, complexa e culturalmente diversa. Organizada por Rodrigo Moura\, Curador-Chefe; Susanna V. Temkin\, Curadora; e Lee Sessions\, Curador Associado da Coleção Permanente\, a exposição apresentará aproximadamente 500 obras de arte\, incluindo novas aquisições e comissões de artistas\, por meio de exibições rotativas ao longo de um ano. Something Beautiful atravessa categorias tradicionais de cronologia\, geografia e mídia\, reconsiderando a Coleção por meio de novas abordagens interdisciplinares enraizadas na história e legado fundamental do Museu del Barrio. Esse modelo inovador concentra-se na contribuição das culturas ameríndia\, africana e europeia como base da produção visual nas Américas e no Caribe. A primeira rotação da mostra é organizada em oito seções\, além de sete destaques de artistas. Temas e motivos reaparecem entre as seções para criar uma conversa maior ao longo da exposição. As seções incluem: Ocama Aracoel: espíritos e formas taínos e sua influência no movimento de arte Nuyorican; Visões Cósmicas: artistas indígenas e não indígenas evocando línguas\, paisagens e outras referências culturais ameríndias; Primeiras Impressões: foco em aquisições iniciais e no portfólio gráfico na gravura porto-riquenha; El Barrio: diferentes facetas da vida em East Harlem e outros bairros de Nova York\, especialmente em torno do degrau\, da calçada e da bodega; A Rua se Transforma: intervenções de artistas e ativistas no espaço público; Pathos\, Esperança\, Glória: retratos trans-históricos e autorretratos de artistas que refletem a diversidade da experiência latinx; Vestido/Despido: obras de arte que exploram\, exageram e desconstroem o que significa ser homem\, mulher\, nenhum ou ambos; e Abstracionistas: o protagonismo das mulheres na arte abstrata\, tradições matrilineares\, oticalidades e a moldura da realidade por meio da abstração. Os destaques dos artistas apresentarão as obras de Jorge Soto Sánchez; Alejandro Diaz; Papo Colo; Antonio Lopez; e Myrna Baez.
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LOCATION:El Museo del Barrio\, 1230 5th Avenue at 104th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:Nasan Tur na Berlinische Galerie
DESCRIPTION:Nasan Tur explora as condições políticas e sociais que definem os tempos atuais. Suas obras são arranjos experimentais que chamam a atenção para ideologias\, normas sociais e códigos de comportamento\, ampliando nossas opções para ação individual. Para isso\, ele examina declarações\, gestos e imagens encontrados na mídia ou no espaço público e os destila em miniaturas que refletem as crises sociais e o discurso atual. Em particular\, ele questiona como somos influenciados por modelos de comportamento estabelecidos e o que nos impulsiona\, à luz da opressão\, impotência e manipulação\, a romper com essas limitações e mudar o paradigma social. Para sua exposição na Berlinische Galerie\, Tur produziu novas obras que abordam o exercício do poder e as razões para sua legitimação. Por que as pessoas matam? Quanta violência carregamos dentro de nós e em que circunstâncias ela é desencadeada? O impacto visual do arranjo espacial de Tur transmite atitudes ambivalentes em relação à morte e à vida. Os elementos variam desde o confronto com demônios internos até entrevistas com caçadores sobre o ato de matar e uma encenação respeitosa de animais sem vida.
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LOCATION:Berlinische Galerie\, Alte Jakobstraße 124-128\, Berlim\, Alemanha
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SUMMARY:Nicolas Party e Rosalba Carriera no The Frick Collection
DESCRIPTION:The Frick Collection apresenta uma instalação site-specific do artista suíço Nicolas Party (nascido em 1980) que combina o retrato de Rosalba Carriera intitulado Portrait of a Man in Pilgrim’s Costume [Retrato de um Homem com Traje de Peregrino] com um conjunto de obras de giz pastel criadas pelo próprio Party. A instalação\, nas Italian Galleries do terceiro andar da casa temporária do museu\, o Frick Madison\, justapõe o retrato de Rosalba Carriera\, um espetacular pastel do século XVIII doado ao Frick em 2020 por Alexis Gregory\, com um conjunto de obras de Party\, todas criadas usando pastel. A instalação coloca três retratos – um de Rosalba e dois de Party – no contexto de três murais efêmeros de pastel que representam faixas de tecido inspiradas no trabalho dos artistas do século XVIII Jean-Étienne Liotard e Maurice-Quentin de La Tour.
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LOCATION:The Frick Collection\, 945 Madison Avenue at 75th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Capturing the Moment" no Tate Modern
DESCRIPTION:Capturing the Moment investiga a relação dinâmica entre a pintura contemporânea e a fotografia. Esta exposição coletiva se desdobrará como uma conversa em aberto entre alguns dos maiores pintores e fotógrafos das últimas gerações\, examinando como o pincel e a lente foram usados para capturar momentos no tempo e como essas duas mídias têm inspirado e influenciado uma à outra. A exposição será uma oportunidade rara para ver obras extraordinárias da Coleção da Fundação YAGEO\, incluindo pinturas de Francis Bacon\, Gerhard Richter e Peter Doig\, e fotografias de Thomas Struth\, Andreas Gursky e Hiroshi Sugimoto\, apresentadas em diálogo com muitas adições recentes à coleção da Tate\, incluindo obras de Lorna Simpson\, John Currin\, Laura Owens\, Michael Armitage e Louise Lawler. Capturing the Moment começará com alguns dos mais renomados pintores expressivos do período pós-guerra. Os visitantes descobrirão como o realismo inventivo e pictórico se desenvolveu ao lado do surgimento da fotografia documental e de fotógrafos inovadores como Dorothea Lange. A exposição também mostra como a influência flui no sentido oposto\, com uma série de fotografias com um estilo pictórico marcante. A maior parte da exposição explora como a pintura e a fotografia convergiram\, com uma seleção de importantes obras contemporâneas que mostram como ambas as formas de arte tentam capturar pontos fugazes no tempo ou momentos da história.
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LOCATION:Tate Modern\, Bankside\, Londres\, Reino unido
CATEGORIES:Londres
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SUMMARY:"La Mode en mouvement" no Palais Galliera
DESCRIPTION:O Palais Galliera apresenta La Mode en mouvement [A Moda em Movimento]\, sua segunda exposição de coleções nas galerias do térreo do jardim. Com cerca de 200 obras\, este percurso cronológico traça\, através das coleções do museu\, uma história da moda desde o século XVIII até os dias atuais e\, ao mesmo tempo\, desenvolve uma temática transversal dedicada ao corpo em movimento. Refletindo os Jogos Olímpicos e Paralímpicos que serão realizados em Paris em 2024\, o Palais Galliera questiona o papel das roupas na prática de atividades físicas e esportivas\, sua relação com o corpo e o movimento\, bem como as consequências sociais de sua evolução. As roupas projetadas ao longo das épocas para atividades físicas e esportivas são comparadas com as roupas do dia a dia. Esse diálogo questiona as noções de especialização das roupas esportivas\, a adaptação das roupas femininas para a prática física no final do século XIX\, a masculinização das roupas femininas e a introdução do sportswear no guarda-roupa cotidiano. Por fim\, a evolução do corpo\, especialmente o corpo esportivo\, e a forma como ele é valorizado pelas roupas são destacadas para melhor compreender como a liberação do corpo através da atividade física contribuiu para a evolução das mentalidades e dos padrões de beleza. Trajes de banho\, roupas de ciclista e amazona\, casacos e acessórios de automobilismo\, conjuntos de corrida e tênis\, por exemplo\, serão apresentados ao lado de silhuetas características de três séculos de história da moda. O museu receberá empréstimos excepcionais do Museu Nacional do Esporte (Nice)\, da Biblioteca Forney (Paris)\, do Patrimônio CHANEL\, da coleção Emile Hermès\, das casas Sonia Rykiel e Yohji Yamamoto. Essas obras convidadas ajudarão a contextualizar as peças do Palais Galliera\, testemunhas de práticas físicas e esportivas\, de lazer ou de competição\, ao longo das épocas.Por razões de conservação preventiva\, esta exposição será organizada em três fases consecutivas\, cada uma exigindo um período de fechamento de cinco semanas. Assim\, as obras serão em grande parte renovadas\, oferecendo aos visitantes a oportunidade de retornar e descobrir as coleções do Palais Galliera.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Av. Pierre 1er de Serbie\, Paris\, França
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SUMMARY:"Mapping an Art World: Los Angeles in the 1970s-80" no MOCA Grand Avenue
DESCRIPTION:Mapping an Art World: Los Angeles in the 1970s-80s revisita as décadas que antecederam a fundação do Museu de Arte Contemporânea (MOCA) em 1979 e a abertura do prédio da Grand Avenue do MOCA em 1986. Através da apresentação de obras da coleção do MOCA\, a exposição tem como objetivo reconsiderar as décadas decisivas dos anos 1970 e 1980 e explorar o espírito de experimentação e colaboração\, bem como a paisagem cultural e social única que contribuiu para estabelecer firmemente Los Angeles como uma das capitais artísticas mais dinâmicas do mundo\, e o MOCA como uma presença duradoura para os artistas da cidade. \n\n\n\nAntes da fundação do primeiro museu dedicado à arte contemporânea da cidade\, Los Angeles abrigava cenas de arte díspares e heterogêneas\, com artistas formando diferentes núcleos e estabelecendo redes sólidas por toda a cidade – de Venice a East LA\, do Instituto de Artes da Califórnia (CalArts) no norte à Galeria Brockman em Leimert Park. Na ausência de um museu de arte contemporânea\, os artistas utilizavam contextos não convencionais\, incluindo a rua\, o estúdio\, a escola de arte e outros espaços públicos para mostrar e apresentar sua arte\, enquanto abraçavam ações performáticas e efêmeras para envolver seu público de maneiras mais imediatas. Ao fazer isso\, os artistas estavam respondendo às possibilidades de uma cena artística em crescimento e à expansão urbana e à paisagem dispersa de LA. \n\n\n\nCom mais de 200 obras de arte e peças de material efêmero arquivado – incluindo obras amadas de Eleanor Antin\, John Baldessari\, Mike Kelley\, Claes Oldenburg e Ed Ruscha\, ao lado de obras menos exibidas e novas aquisições de Carole Caroompas\, Alonzo Davis\, Ilene Segalove e Joey Terrill\, entre outros – Mapeando um Mundo de Arte examina as origens do MOCA como um museu fundado por artistas\, bem como seu compromisso em desenvolver uma coleção de classe mundial. \n\n\n\nMapping an Art World é organizada por Clara Kim\, Chefe de Curadoria e Diretora de Assuntos Curatoriais\, e Rebecca Lowery\, Curadora Associada\, com a colaboração de Emilia Nicholson-Fajardo\, Assistente de Curadoria\, do Museu de Arte Contemporânea\, Los Angeles.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mapping-an-art-world-los-angeles-in-the-1970s-80-no-moca-grand-avenue/
LOCATION:MOCA Grand Avenue\, 250 South Grand Avenue Los Angeles\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
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SUMMARY:Mercedes Dorame no Getty Center
DESCRIPTION:O trabalho da artista Mercedes Dorame\, baseada em Los Angeles\, explora como nos posicionamos em relação à terra que habitamos. Para essa nova comissão\, Dorame se voltou para a vista do Getty Center através do Oceano Pacífico em direção a Pimugna\, ou Pimu (Ilha Catalina)\, habitada há muito tempo pelo povo Tongva. Para evocar um olhar de retorno de Pimugna\, sua instalação inclui vistas pintadas da costa e esculturas suspensas de abalones – um molusco ameaçado de extinção e um importante recurso cultural para os povos nativos da Califórnia costeira. \n\n\n\nEste projeto é a primeira Comissão da Rotunda\, uma série de instalações artísticas inspiradas na coleção\, arquitetura e localização do Museu Getty.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/mercedes-dorame-no-getty-center/
LOCATION:Getty Center\, 1200 Getty Center Dr\, Los Angeles\, Califórnia\, Estados Unidos
CATEGORIES:Los Angeles
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SUMMARY:Temporada de exposições na Galleria Continua Paris
DESCRIPTION:A exposição Seeds from my garden flying to other countries\, de Loris Cecchini\, é construída em torno da ideia de que o espírito da natureza pode ser traduzido por meio de diferentes poéticas\, linguagens e processos técnicos. Reúne peças modulares inéditas\, estritamente ligadas ao espaço\, com elementos únicos que compõem vários motivos ligados à ideia de contaminação natural e dinâmica vetorial. O artista toma conta de todo o local usando o potencial de crescimento modular infinito de suas obras\, que lhe permitem dançar no espaço\, improvisando formas e estruturas como sementes plantadas no coração de um jardim estranho. \n\n\n\nJá a mostra Le début\, do pintor\, escultor e artista visual argentino Julio Le Parc\, reúne uma seleção de mais de 50 obras em tela ou em três dimensões. A exposição inclui guaches sobre papel de várias séries produzidas no início dos anos 1970\, representativas da linguagem artística singular do artista pioneiro da arte cinética e da Op Art\, bem como projetos preparatórios emoldurados\, colagens em papelão e um móbile de grande escala\, precursor da instalação monumental mais importante do artista\, no Tabakalera\, um centro internacional de arte em San Sebastián (Espanha). \n\n\n\nPor outro lado\, a exposição de Michelangelo Pistoletto tem suas origens no Segno Arte (Sinal de Arte)\, um elemento caracterizado pela intersecção de dois triângulos que emolduram um corpo humano com os braços erguidos e as pernas abertas\, à maneira do famoso Homem Vitruviano de Leonardo da Vinci\, e que também dá título à mostra. Este símbolo pessoal do artista\, que deliberadamente difere de símbolos religiosos\, políticos ou publicitários\, fornece a chave para entrar em um espaço íntimo e compartilhado\, um lugar propício à interação social\, através da porta da arte. \n\n\n\nEm Without Distinction\, a mostra é dedicada aos métodos usados ​​pelos arquitetos da MBL como parte dos grandes trabalhos de renovação realizados para dar nova vida aos espaços únicos da galeria na França. A exposição apresenta sete peças documentais que recriam os lugares e suas histórias\, e destacam uma forma de fazer arquitetura\, através da abordagem proposta pelos arquitetos da MBL. \n\n\n\nA Galleria Continua também apresenta The Ability to Dream\, uma exposição coletiva em três capítulos em seus espaços franceses em Paris e Les Moulins\, e no Centro Interculturel Leila Alaoui (CILA) em Fontvieille\, Provença\, marcando a exposição inaugural deste novo centro de arte. Esta nova trilogia segue-se à exposição homônima apresentada na Galleria Continua / San Gimignano em 2022. The Ability to Dream é também o título de um documentário produzido e dirigido pela Sky Arte e TIWI\, que traça a história de 30 anos da galeria\, através das vozes e memórias de alguns dos protagonistas desta incrível aventura.
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LOCATION:Galleria Continua Paris\, 87 rue du Temple\, Paris\, França
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SUMMARY:"DIVA" no V&A Museum
DESCRIPTION:A exposição DIVA é uma celebração da poderosa presença e criatividade das artistas icônicas ao longo da história. Através de uma abordagem abrangente\, a mostra redefine o conceito de ‘diva’ e explora como esse termo foi subvertido ou abraçado em diferentes formas de expressão\, como ópera\, teatro\, música popular e cinema. A exposição\, sediada no Victoria and Albert Museum (V&A)\, apresenta uma visão envolvente e cativante do mundo das divas\, revelando a influência cultural e artística que essas mulheres tiveram ao longo dos anos. Através de uma variedade de mídias\, incluindo figurinos\, fotografias\, vídeos e objetos pessoais\, os visitantes são levados a uma jornada fascinante pela história das divas e sua evolução ao longo do tempo. Uma das principais características da exposição é a exploração da transformação do conceito de ‘diva’ e como ele se relaciona com questões de gênero\, poder e representação. Os curadores da mostra destacam como as divas desafiaram estereótipos e expectativas sociais\, redefinindo o papel das mulheres na indústria do entretenimento. Além disso\, a exposição destaca a importância das divas como ícones de moda e estilo\, apresentando figurinos deslumbrantes usados por essas artistas em performances lendárias. Os visitantes têm a oportunidade de apreciar de perto peças de alta costura e acessórios deslumbrantes\, que refletem o glamour e a exuberância associados às divas.
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LOCATION:Victoria and Albert Museum (V&A)\, Cromwell Rd\, Londres\, Reino unido
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SUMMARY:"Women’s Work" no New-York Historical Society
DESCRIPTION:O que é o “trabalho das mulheres”? Como as amplas tendências na história econômica\, legal e política dos Estados Unidos incentivaram as mulheres a assumirem certos empregos e as restringiram do “trabalho dos homens”? Como raça\, etnia\, classe social\, status legal\, orientação sexual e apresentação de gênero impactaram essas distinções? \n\n\n\nEm uma nova exposição\, o Centro de História das Mulheres destaca aproximadamente 45 objetos das próprias coleções do Museu e Biblioteca de Nova York para demonstrar como o “trabalho das mulheres” não se encaixa em categorias. Os itens vão desde um berço de mogno do século XIX até um kit de dissecação de médico do século XX\, e ainda\, um botão de alfinete com a mensagem “Shirley Chisholm for President”. A exposição busca mostrar que o trabalho das mulheres tem sido essencial para a sociedade americana e é inherentemente político: o trabalho das mulheres está em todos os lugares. Curada pela equipe curatorial do Centro de História das Mulheres e seus colaboradores.
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LOCATION:New-York Historical Society\, 170 Central Park W\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
CATEGORIES:Nova York
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SUMMARY:"Tender Loving Care" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Gisela Charfauros McDaniel\, Tiningo’ si Sirena (detalhe)\, 2021. Fundo de Aquisição Irving W. e Charlotte F. Rabb para o Departamento de Arte Contemporânea. © Gisela McDaniel; Cortesia do artista e Pilar Corrias\, Londres.\n\n\n\nEm sua essência\, criar e apreciar obras de arte são atos de cuidado\, desde o trabalho do artista até a contemplação e apreciação do espectador. Armazenamento\, conservação e exposição também são formas de cuidar da arte. Esta exposição convida os visitantes a explorar como artistas contemporâneos rastreiam e abordam conceitos de cuidado por meio de seus materiais\, temas\, ideias e processos. \n\n\n\nMais de 100 obras da coleção do MFA – incluindo aquisições recentes e objetos que nunca foram exibidos antes – definem\, retratam e demonstram muitas formas de cuidado por meio de cinco agrupamentos temáticos: fios\, limiares\, descanso\, matéria vibrante e adoração. O retrato de Gisela Charfauros McDaniel de sua mãe\, Tiningo’ si Sirena (2021)\, oscila entre intimidade e uma atenção a conceitos maiores que são significativos para a artista\, como heranças culturais e interconectividade ecológica. Para seu Sound Suit (2008)\, Nick Cave estendeu a vida útil de objetos descartados ao transformá-los em um traje surreal e sobrenatural que afirma o valor da vida negra. O tempo e o trabalho intensivos que envolvem a criação de têxteis e arte em fibras são evidentes em exemplos de Sheila Hicks\, Howardena Pindell e Jane Sauer. Através dessas obras e muitas outras\, os visitantes podem considerar como diferentes formas de cuidado podem inspirar novos modelos de viver e sentir – agora e no futuro.
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LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Dos Brasis – Arte e Pensamento Negro" no Sesc Belenzinho
DESCRIPTION:A centralidade do pensamento negro no campo das artes visuais brasileiras\, em diferentes tempos e lugares. Essa é uma das principais premissas que norteiam o processo curatorial da mostra Dos Brasis – Arte e Pensamento Negro\, a mais abrangenteexposição dedicada exclusivamente à produção de artistas negros já realizada no país\, que será aberta dia 02 de agosto\, no Sesc Belenzinho\, em São Paulo. A partir de 2024 uma parte da mostra circulará em espaços do Sesc por todo o Brasil pelos próximos 10 anos. \n\n\n\nA ideia nasceu em 2018\, um projeto de pesquisa fruto do desejo institucional do Sesc em conhecer\, dar visibilidade e promover a produção afro-brasileira. Para sua realização\, foram convidados os curadores Hélio Menezes e Igor Simões. Em 2022\, o projeto passa a ter a curadoria geral de Simões com os curadores adjuntos Marcelo Campos e Lorraine Mendes. \n\n\n\nPensamento Negro – A exposição apresentará ao público trabalhos em diversas linguagens artísticas como pintura\, fotografia\, escultura\, instalações e videoinstalações\, produzidos entre o fim do século XVIII até o século XXI por 240 artistas negros\, entre homens e mulheres cis e trans\, de todos os Estados do Brasil. Lista dos artistas ao final. \n\n\n\nPara se chegar a esse expressivo e representativo número de artistas negros\, presentes em todo o território nacional\, foram abertas duas importantes frentes. Na primeira\, foram realizadas pesquisas in loco em todas as regiões do Brasil com a participação do Sesc em cada estado\, com o objetivo de trazer a público vozes negras da arte brasileira. Essas ações desdobraram-se em atividades e programas como palestras\, leituras de portfólio\, exposições\, entre outros\, com foco local. Vale ressaltar que esse processo teve uma atenção especial para que não se limitasse apenas às capitais do país\, englobando também a produção artística da população negra de diversas localidades\, como cidades do interior e comunidades quilombolas.  \n\n\n\nA equipe curatorial pesquisou obras e documentos em ateliês\, portfólios e coleções públicas e particulares\, para oferecer ao público a oportunidade de conhecer um recorte da história da arte produzida pela população negra do Brasil e entender a centralidade do pensamento negro na arte brasileira. \n\n\n\nA segunda frente foi a realização de um programa de residência artística on line intitulado “Pemba: Residência Preta”\, que contou com mais de 450 inscrições e selecionou 150 residentes. De maio a agosto de 2022\, os integrantes foram orientados por Ariana Nuala (PE)\, Juliana dos Santos (SP)\, Rafael Bqueer (PA)\, Renata Sampaio (RJ) e Yhuri Cruz (RJ). A Residência\, que reuniu artistas\, educadores e curadores/críticos\, contou ainda com uma série de aulas públicas com a participação de Denise Ferreira da Silva\, Kleber Amâncio\, Renata Bittencourt\, Renata Sampaio\, Rosana Paulino e Rosane Borges\, disponíveis no canal do Youtube do Sesc Brasil. \n\n\n\nNúcleos – A proposta curatorial rompe com divisões como cronologia\, estilo ou linguagem. Para esta exposição de arte preta\, não caberá a junção formal\, estilística ou estética. Dessa maneira\, os espaços expositivos do Sesc Belenzinho contarão com sete núcleos: Romper\, Branco Tema\, Negro Vida\, Amefricanas\, Organização Já\, Legitima Defesa e Baobá\, que têm como referência pensamentos de importantes intelectuais negros da história do Brasil como Beatriz Nascimento\, Emanoel Araújo\, Guerreiro Ramos\, Lélia Gonzales e Luiz Gama.
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LOCATION:Sesc Belenzinho\, 1000 R. Padre Adelino Belenzinho\, São Paulo\, São Paulo\, Brasil
CATEGORIES:Destaque,São Paulo
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SUMMARY:"Eu\, Você e a Lua" de Tunga na Sala de Vidro do MAM SP
DESCRIPTION:Tunga (1952 – 2016) se interessou pela alquimia\, pela psicanálise\, pelas ciências e pela filosofia. Ao longo de quatro décadas\, construiu uma mitologia singular\, na qual as noções de permanência e transformação são fundamentais. Uma das últimas obras realizadas pelo artista e inédita no Brasil\, Eu\, Você e a Lua (2015)\, será apresentada de 09 de agosto a 28 de janeiro de 2024\, na Sala de Vidro do Museu de Arte Moderna de São Paulo. A mostra tem apoio do Instituto Tunga. \n\n\n\n“Na poética de Tunga\, o que está no planeta Terra ou fora dele\, o interno e o externo\, assim como eu\, você e a lua\, formam um todo indivisível”\, reflete Cauê Alves\, curador-chefe do MAM\, no texto que acompanha a obra.  \n\n\n\nEu\, Você e a Lua reúne elementos frequentes de sua obra\, como pedras\, espelhos\, garrafas de cristal e de gesso\, e pratos presos em aros e hastes. O corpo da instalação é formado por um grande tronco oco e petrificado\, sustentado por dois tripés. Sob a sombra que a obra faz na Sala de Vidro\, um âmbar percorre quase toda a extensão do tronco. Os espelhos que compõem a obra\, refletem em cima e embaixo garrafas de quartzo. \n\n\n\n“O fóssil de uma árvore que se manteve intacto\, como se o tempo estivesse suspenso\, convive com uma essência de âmbar\, uma fragrância com toques amadeirados que goteja como se uma ampulheta marcasse a passagem do tempo e a transformação da matéria. Recorrendo ao olfato e à visão\, os elementos originários e pré-históricos na obra de Tunga se fundem ao contemporâneo e à presença efêmera do perfume”\, explica Cauê Alves. \n\n\n\nA obra será exibida no MAM tal como ela foi originalmente mostrada na França\, em 2015\, no Centre d’Arts et de Nature\, em Domaine de Chaumont-sur-Loire\, com piso de saibro\, que compõe a atmosfera amadeirada e terrosa do ambiente. \n\n\n\nTunga imaginava o corpo humano reconstruído a partir da paisagem e por isso unia elementos díspares\, a fim de criar uma nova sensibilidade. “Eu chamo isso de ‘o olhar da lua’. O que está em jogo aqui é a transmutação do olhar em perfume […]”\, afirmou o artista em artigo de  Myriam Boutoulle\, Tunga\, l’amour\, la lune et l’arbre alchimique\, publicado em 2015.
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LOCATION:MAM SP\, Av. Pedro Álvares Cabral\, s/n° - Parque Ibirapuera\, São Paulo\, SP\, Brasil
CATEGORIES:São Paulo
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SUMMARY:"The Banner Project: Sheida Soleimani" no Museum of Fine Arts Boston
DESCRIPTION:Sheida Soleimani\, Dissidente (detalhe)\, 2023. Cortesia da artista e da Denny Gallery\, Nova York\, Edel Assanti\, Londres\, e Harlan Levey Projects\, Bruxelas. © Sheida Soleimani.\n\n\n\nCom base em Providence\, Rhode Island\, a artista Sheida Soleimani (nascida em 1990) constrói tableaux elaborados e surreais em seu estúdio. Em seguida\, fotografa esses cenários meticulosamente preparados\, que incorporam cenários de mídia mista\, adereços e símbolos. Modelos são centrais para cada cena\, mas seus rostos estão sempre escondidos\, proporcionando uma sensação de anonimato\, se não universalidade\, e deslocando o foco para seus gestos. \n\n\n\nPara seu “Projeto de Banner”\, Soleimani fotografou seus pais de costas para a câmera\, cada um levantando um único punho. Essa pose\, frequentemente associada à solidariedade e à unidade\, é uma de muitas pistas nas imagens que indicam que seus pais são dissidentes políticos: refugiados iranianos que fugiram de sua casa para evitar perseguições. As fotografias de Soleimani protegem seus pais enquanto fornecem sinais sugestivos e camadas que apontam para a paisagem sociopolítica que molda suas vidas. Ao retratar uma variedade de objetos – cada um uma representação material diferente das experiências e histórias dos pais de Soleimani – esses banners convidam os visitantes a seguir rastros\, desempacotar alusões e estabelecer conexões com a onda de protestos que ocorrem atualmente no Irã. \n\n\n\nIsso faz parte de uma série contínua de comissões que envolvem artistas na criação de banners para exibição no Linde Family Wing for Contemporary Art do Museu.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/the-banner-project-sheida-soleimani-no-museum-of-fine-arts-boston/
LOCATION:MFA Boston\, 465 Huntington Ave\, Boston\, Massachusetts\, Estados Unidos
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SUMMARY:"La collection. Œuvres choisies" no Musée Picasso Paris
DESCRIPTION:Pablo Picasso\, Les Baigneuses\, 1918 (detalhe) © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Succession Picasso 2023\n\n\n\nPré-figurando a instalação permanente da coleção\, que ocupará três andares do Hôtel Salé a partir de março de 2024\, a exposição La collection. Œuvres choisies está no centro do projeto da nova governança do museu. A partir de 29 de agosto\, ela apresentará uma seleção de obras-primas\, reunindo pinturas\, esculturas\, desenhos e cerâmicas entre as mais emblemáticas da coleção. \n\n\n\nCinquenta anos atrás\, em 8 de abril de 1973\, Pablo Picasso faleceu aos 91 anos\, deixando para trás milhares de obras. \n\n\n\nApós o imenso trabalho de inventário que se seguiu à sua morte e que durou vários anos\, mais de 3.700 obras diretamente dos ateliês do artista entraram nas coleções nacionais\, constituindo o coração do Museu Nacional Picasso-Paris. \n\n\n\nDesde sua inauguração em 1985\, a coleção não cessou de se enriquecer para permitir que o público veja e compreenda a obra de um dos maiores artistas do século XX. Através de mais de setenta obras emblemáticas do Museu Nacional Picasso-Paris\, este percurso pelas coleções revela a diversidade de técnicas e estilos experimentados por Pablo Picasso ao longo de uma vida prolífica e perpetuamente inventiva. Dos primórdios do cubismo aos anos 1960\, a exposição destaca uma série de momentos decisivos e temas transversais em sua obra.
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LOCATION:Musée Picasso Paris\, 5 rue de Thorigny\, Paris\, França
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SUMMARY:"The Big World: Alternative Landscapes in the Modern Era" no The Wolfsonian
DESCRIPTION:The Big World\, concentrando-se nas representações da paisagem na coleção do The Wolfsonian\, desafia as expectativas da arte paisagística ao ir além de cenas bucólicas para revelar vistas em transformação da era moderna representadas em pinturas\, artes decorativas e até mesmo em um grande piano. A exposição traça um curso desde o final do século XIX até a primeira metade do século XX\, apresentando a história do crescimento global e das ideias em evolução sobre o mundo ao nosso redor — desde a natureza intocada até sua alteração radical nos centros urbanos e industriais modernos\, até panoramas arruinados pela guerra e pelo desrespeito ambiental.
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LOCATION:The Wolfsonian\, 1001 Washington Avenue\, Miami\, Flórida\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Cao Fei: o futuro não é um sonho" na Pinacoteca Contemporânea
DESCRIPTION:Cao Fei: o futuro não é um sonho é a primeira mostra individual da artista chinesa na América Latina e apresenta quatro conjuntos de trabalhos com temas que analisam o modo como as rápidas mudanças sociais do século XXI\, atravessadas pelo intensivo uso das tecnologias\, vem afetando a subjetividade e as experiências humanas. \n\n\n\nOs temas que orientam a mostra são: “Manufatura e globalização”\, “O passado e o presente do mundo vir­tual”\, “Memórias do socialismo e sci-fi” e “Urbanização e distopia”. O objetivo é introduzir a produção de Fei ao público brasileiro a partir de trabalhos que exploram mídias como o vídeo\, a fotografia e a instalação. \n\n\n\nO interesse de Cao Fei pelos impactos da revolução tecnológica que colocou a China entre os líderes globais no setor orienta a pesquisa da artista desde o início da sua carreira\, nos anos 2000.  \n\n\n\nUm de seus trabalhos mais conhecidos é o filme RMB City (2007); a partir de experimentos no jogo Second Life\, uma plataforma virtual que simula a vida real a partir da interação de avatares\, Cao Fei construiu uma enorme cidade com diversas referências à China real\, aberta ao público de 2009 a 2011 e tida como um grande experimento teste das relações entre o real o virtual. \n\n\n\nOutros destaques são os trabalhos i.Mirror [i.espelho] (2007) e Oz (2022) — que mostram a imersão da artista no Second Life e metaverso permeadas por avatares\, experiências e projeções de futuros imaginados a partir da relação entre homem e máquina —\, e as videoinstalações Rumba II: Nomad [Rumba II: Nômade]\, 2015\, e The Eternal Wave [A onda eterna]\, 2020. \n\n\n\nEm Rumba II: Nomad aspiradores robôs tentam inutilmente limpar um espaço recém demolido na periferia de Pequim e em “The Eternal Wave” Fei convida o expectador a fazer uma viagem no tempo utilizando óculos de realidade virtual\, visitando as áreas dentro e ao redor do cinema que agora sofre ameaças de demolição.
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LOCATION:Pinacoteca Luz\, Av. Tiradentes\, 273 – Luz\, São Paulo\, SP
CATEGORIES:Destaque,São Paulo
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SUMMARY:"Sonhos Yanomami" de Claudia Andujar no MAM SP
DESCRIPTION:A trajetória de Claudia Andujar (Suíça\, 1931)\, que fugiu da perseguição nazista durante a Segunda Guerra Mundial\, revela o modo como conflitos políticos interferem na vida de diversos povos. A artista chegou ao Brasil em 1955\, país em que vive até hoje e onde se naturalizou em 1976. Sua vida é marcada pela luta por demarcação de terras Yanomami e por uma série de ensaios fotográficos dedicados aos povos indígenas no Brasil. Claudia Andujar se identifica com a vulnerabilidade do povo Yanomami e nos ensina que o outro é aquele que nos ajuda a entender quem somos. \n\n\n\nA série Sonhos Yanomami\, de 2002\, foi elaborada a partir de seu acervo de imagens\, da sobreposição de cromos e negativos realizados desde 1971\, ocasião de sua primeira viagem para a bacia do rio Catrimani\, em Roraima\, território Yanomami homologado pelo governo brasileiro apenas em 1992. Trata-se de uma obra do período maduro da artista\, que já possuía grande intimidade com a cultura do povo que a acolheu. \n\n\n\nAs imagens revelam algo dos rituais dos líderes espirituais Yanomami e a importância do sonho em sua cosmologia. Os xamãs\, diferente dos demais\, se deslocam durante o sonho na companhia dos espíritos\, dos xapiri\, que podem trazer conhecimento\, cura e proteção para a comunidade. O sonho\, longe de ser um fato banal que é esquecido depois de despertarem\, é uma conexão profunda com os espíritos\, que viajam para além do céu\, da terra e do mundo subterrâneo\, e voltam com ensinamentos sobre o que viram. \n\n\n\nO trabalho de Claudia Andujar se comunica com a cosmologia Yanomami e sua sabedoria ancestral por meio de imagens. Corujas\, garças\, macacos e retratos de indígenas se mesclam com luzes\, texturas de pedras e árvores\, resultando em fotografias fantasmagóricas dos sonhos de um povo com uma cultura sofisticada. \n\n\n\nNo período em que foi revelado ao mundo mais um genocídio contra os Yanomami\, cometido entre 2019 e 2022\, devido ao incentivo ao garimpo ilegal e ao uso de armas\, a mostra adquire um caráter simbólico para dar visibilidade aos valores indígenas. Essa também é uma história de aproximadamente 50 anos: os Yanomami vêm sendo dizimados ao menos desde 1973 com a construção da Rodovia Perimetral Norte (BR-210) e da abertura de dezenas de pistas de pouso de aeronaves. \n\n\n\nA sobrevivência dos Yanomami\, além de uma questão humanitária\, assegura a proteção da floresta\, a sustentabilidade ambiental e a vida no planeta. Os xamãs\, os únicos que conseguem sonhar mais longe e ouvir as vozes dos espíritos da floresta\, impedem a queda do céu\, sustentado pelos xapiri\, que mantêm o equilíbrio e a ordem do universo. O fim do mundo\, o desabamento do céu\, ocorrerá quando a floresta for exterminada e o último xamã morrer. O tempo para reverter a grande catástrofe está se esgotando.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/sonhos-yanomami-de-claudia-andujar-no-mam-sp/
LOCATION:MAM SP\, Av. Pedro Álvares Cabral\, s/n° - Parque Ibirapuera\, São Paulo\, SP\, Brasil
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SUMMARY:"Corps à corps Histoire(s) de la photographie" no Centre Pompidou
DESCRIPTION:Reunindo mais de 500 fotografias e documentos de cerca de 120 fotógrafos históricos e contemporâneos\, Corps à corps oferece uma visão única das representações fotográficas da raça humana nos séculos XX e XXI. A exposição vai além das categorias tradicionais de estudo\, como “retrato”\, “autorretrato”\, “nu” e a chamada fotografia “humanista”. Ela revela as particularidades e as formas “fotográficas” de ver\, mostrando as conexões entre os artistas. Também traz à tona obsessões comuns na abordagem do sujeito e nas abordagens estilísticas. As imagens em exposição também questionam a responsabilidade do fotógrafo: como a fotografia contribui para o surgimento de identidades e sua visibilidade? Como ela relata individualidades e a relação com o Outro? A exposição é um encontro entre duas coleções excepcionais: a coleção pública do Musée National d’Art Moderne\, Centre Pompidou\, e a coleção privada do colecionador e cineasta Marin Karmitz.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/corps-a-corps-histoires-de-la-photographie-no-centre-pompidou/
LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, França
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SUMMARY:"Bauhaus Stairway Mural" de Roy Lichtenstein na Gagosian
DESCRIPTION:A Gagosian tem o prazer de anunciar a instalação do mural Bauhaus Stairway Mural (1989) de Roy Lichtenstein na galeria localizada na 555 West 24th Street\, em Nova York. Esta é a segunda vez que a Gagosian exibe um mural de Lichtenstein\, seguindo a réplica do Greene Street Mural (1983) no mesmo local em 2015. \n\n\n\nNa década de 1960\, Lichtenstein forjou uma nova abordagem para a pintura ao fundir a cultura popular e a história da arte ocidental. Seu trabalho é enraizado nos poderes sedutores da publicidade e eleva a imagética gráfica da mídia impressa popular e das ilustrações de quadrinhos ao reino da alta arte. Empregando um processo artesanal\, ele se inspirou nas técnicas de impressão de revistas e jornais\, fazendo com que os pontos Benday e as cores vivas se tornassem sinônimos de Pop art. Lichtenstein produziu murais ao longo de sua carreira\, desde Girl in a Window para o Pavilhão do Estado de Nova York na Feira Mundial de 1964 até o Times Square Mural\, projetado em 1994 e instalado em 2002. \n\n\n\nMedindo aproximadamente 8 metros de altura e pintado em óleo e Magna sobre tela\, o Bauhaus Stairway Mural presta homenagem ao artista abstrato alemão Oskar Schlemmer (1888–1943) e sua pintura Bauhaustreppe (Escadaria da Bauhaus\, 1932). O mural de Lichtenstein foi encomendado para o átrio principal da sede da Creative Artists Agency (CAA) em Beverly Hills\, que o arquiteto do edifício\, I.M. Pei\, imaginou como um ponto de encontro para escritores\, diretores\, atores\, músicos e agentes – um enfoque na interação interdisciplinar que ressoava com o interesse de Lichtenstein em formas criativas acessíveis.
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/bauhaus-stairway-mural-de-roy-lichtenstein-na-gagosian/
LOCATION:Gagosian Nova York\, 555 West 24th Street\, Nova York\, Nova York\, Estados Unidos
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SUMMARY:"Alex Červený: Mirabilia" na Pina Estação
DESCRIPTION:A mostra panorâmica Alex Červený: Mirabilia apresenta o universo iconográfico do artista em mais de 40 anos de carreira\, com ênfase em sua pesquisa sobre viagens\, reais ou oníricas\, misturando personagens bíblicos\, mitológicos\, ícones pop e ilustração científica. A exposição contempla trabalhos fundamentais\, reunindo obras como Quem não chora não mama (1999)\, uma das primeiras que realizou\, e Aquífera\, que esteve na 23ª Bienal de Sydney\, em 2021\, além de duas pinturas inéditas feitas especialmente para a mostra. \n\n\n\nA exposição da Pinacoteca reúne mais de 100 obras\, entre azulejos\, cerâmicas policromadas\, esculturas de bronze\, pinturas e gravuras\, fruto de um apanhado de referências muito diversas\, articuladas com muita erudição e humor. Com rigor e coerência plástica\, o artista criou um universo particular em que o ser humano\, a palavra\, paisagem e o céu são os protagonistas. \n\n\n\nMirabilia é um termo em latim que divide sua raiz com palavras de uso corrente na língua portuguesa. Milagre\, miragem e maravilha têm em comum não somente suas origens\, como também a descrição de seus efeitos\, associados ao fenômeno da visão (exterior ou interior)\, e seus impactos na imaginação humana. \n\n\n\nPaisagens amplas em que aparecem imagens de sonhos e fantasias; elementos da natureza como água\, fogo e terra; imaginários de início do mundo e do apocalipse. São diversas as referências do artista vistas em obras fundamentais\, como um conjunto de cinco pinturas em pequeno formato\, considerado seu primeiro exercício em pintura a óleo\, Sair\, fazer compras\, ver gente bonita\, pegar um cineminha! (2012) e Guanabara (2011).
URL:https://artequeacontece.com.br/evento/alex-cerveny-mirabilia-na-pina-estacao/
LOCATION:Pinacoteca Luz\, Av. Tiradentes\, 273 – Luz\, São Paulo\, SP
CATEGORIES:São Paulo
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